浅谈学习西方油画与文化背景的关系
浅谈学习西方油画与文化背景的关系
绘画与文化背景的关系是密不可分、相辅相成的。艺术的发展依附于当时的文化背景。文化背景是艺术的根源所在,是艺术发展的基础,离开了文化背景艺术只是个空架子,就会失去艺术的鉴赏性,更不会被人理解和认识。我们学习西方油画必须了解西方的文化背景,才能更好地认知和解读大师的作品,学习的同时更要符合当下的文化背景,两者结合才能更好地为今后的艺术创作所服务,才能创作出让人们认识和接受的艺术作品。
伟大的希腊哲学家亚里士多德在《形而上学》一书的开卷写道:“求知乃人类的天性。”此言不假,我们要求知,是因为我们想去理解世界上所发生的事情;我们今天学习西方的油画,同样也是如此。
西方是油画的发源地,油画在那里达到了一定的高度,所以我们要向西方学习油画。既然要学习我们就应该明白怎样去学习。而学习西方油画首先就要弄明白和油画有关的一些知识,了解油画的基础和技法以及一些创作语言。但学习油画不单单是学习一些油画技法和基础知识那么简单,而是要学习他们的一些经典的技法和理念,最终目的是为了表达自己的艺术感受。人们在学习的时候要结合他们的文化背景,只有了解了他们的文化背景之后才能更加清楚地了解他们的创作意图和风格样式。
临摹大师是好的,但是我们要清楚临摹的目的,不要盲从。有的人,一开始接触西方油画时就去临摹西方大师的作品,临摹得酷似大师的原作,时间一久对大师的技法就差不多掌握了,他的创作风格也近似于大师,甚至连创作题材都相似,可谓是第二个某位大师。按理说他应该会取得很好的发展,但结果却恰恰相反,不但没有取得多大的成就,就连作品都无人问津。这是为什么呢?原因很简单:他只注意了绘画的基础技法而忽略了大师创作时的感受和当时的文化背景,大师的画已经过了几十年甚至几百年了,时代变了,文化背景变了……如果我们还去这样模仿他们画画,画出的作品自然也不会被接受。我们要做的是学习而不是复制。如果我们学油画就是为了画得和西方哪位大师一样好、一样精彩,为此不断地临摹大师的作品,以期待达到他们的境界,殊不知这是大错特错的。他们的创作意图是否和我们现今的一样?他们的文化背景是否和我们一样呢?都不一样。用不同时代、不同文化背景的东西画出同样的作品怎么可能呢?我们翻看各个阶段的大师作品,绝对不会存在一模一样的画,这是一个道理。就像一个要学习中国画的外国人,如果不了解中国画,不了解我们的文化背景就开始创作,他能画好吗?西方油画进入我们中国的时间很短。西方是油画的发源地,留有很多不朽的传世之作。所以我们学习油画必须去研究西方油画,同时为了要更好地认识和解读它们,还要了解西方各个画派当时所处的文化背景
文化背景影响着油画的主题和风格,同时油画创作也反映了当时的文化背景。比如文艺复兴显著的特点是现实和人文,要求打破封建神权,打破封建禁欲主义。当时宗教信仰在人们的生活中占有很大部分,许多评说都以宗教为后盾,如此就不难理解文艺复兴时期的宗教画为什么如此盛行了。如果我们不了解原始社会的文化背景,如何能了解画肖像为什么要画侧面的脸和正面的眼睛?了解了当时的文化背景之后,才知道那是在突出人有特点的地方,为的是更直观地表现一个人的特征。如果按照我们当下的文化背景去理解他们的绘画,肯定会以为是无稽之谈。所以说理解西方的文化背景,有助于我们研究西方油画的绘画方式和语言,有助于我们以后的运用和创作。
画画本质上是在画画家本身,是画家自己内涵和修养的展现,也是画家自己的生活经历的缩影。所以,人的境界体现了画的境界,画的完善过程就是画家自我完善的过程。艺术无疑是以表现人生,表现人的心灵世界,坦诚地表达自己的艺术感受为最终目的的。为了对油画作品进行更深刻的认识和解读,我们就要了解过去和现在的文化背景。假如我们去看电影,发现影片已经开演,往往就难以理解银屏上的人为什么如此激动,为什么相互射击乃至相互开战。
“学以致用”是我们的最终目的,“学”指的是我们是去学习西方油画的技法、基础知识、绘画方式等,“用”指的是我们把学到的油画技术运用到创作中去,其中,“用”最为重要。我们学习油画要结合西方的文化背景,运用油画时更要结合我们当下的文化背景,如此才能做到“学”得透彻,“用”得巧妙。综观各位伟大的艺术家的艺术成就,除了天赋和勤劳之外,都是顺应了当时的文化背景。
所以,要想在学习西方油画的道路上越走越远,就要在不断地提高自身艺术修养的同时,还要了解文化背景,在文化背景的依托下渐行渐远,走出一条属于自己的道路。
刘宇一油画作品欣赏
刘宇一油画作品欣赏 刘宇一，1940年生，南京人。1960年毕业于中央美术学院附中。擅长大题材油画，专为国家领导人及名人画像。历任广西人民出版社美术编辑、桂林画院画师、广西艺术学院副院长、广西书画院副秘书长。现旅居香港，为香港宇一画院院长，南京大学、东南大学、洛阳大学客座教授。美国萨凡那艺术设计学院(国际艺术大学)人文学荣誉博士。第十届、十一届全国政协委员。 刘宇一是享誉国内外的著名油画家、国画家。他的作品《伟业千秋》被人民大会堂珍藏，《开国盛典》、《人民万岁》、《祖国万岁》被天安门城楼珍藏，作品《良辰》以两千三百万港币的天价被一家公司珍藏，成为当时中国画家作品的最高拍卖价，应邀为美、英、俄、日、卡塔尔、洪都拉斯、委内瑞拉等国家元首和港、澳、台名人作肖像画，珍藏于多国国家殿堂，影响深远。 刘宇一是新中国自己培养的国际上享有盛名的油画大师，他数十年来勤奋耕耘，创作了《良宵》、《良辰》、《伟业千秋》、《春回神州》、《女娲之歌》、《瑶池会仙图》、《和平颂》等一系列大气磅薄、显现中华民族“辉煌美”的宏图巨构，以哲思、诗意和浓郁的中国风情形成中西合璧、雅俗共赏的艺术风格。其巨作深受国际艺术市场瞩目，二十世纪末连续四
次创华人画家作品最高价位纪录。 他创作的巨幅（1000cm×200cm ）油画《博爱颂》，以180 多个国家首脑及知名人士为原形，描绘在人类迎接新千年之际，180 多个国家的元首和各界人士300 余人共同庆祝和分享这个伟大而独特的历史时刻的欢乐场面。寓意人不分种族，国不分大小，全人类要共同倡导团结和谐。联合国秘书长安南说，“ 《博爱颂》在维护联合国宪章的原则上起了重要作用” 。这幅油画作品因具有文献价值而载入人类文明史册。他为2008北京奥运创作的百米油画《奥林匹克颂》震撼了全球艺术界。画上的上千个人物，包括世界历史上的政要名流、著名运动员等，惟妙惟肖、栩栩如生，既形似更神似。 刘宇一爱好画画、收集石头，尤其是雨花石；最喜爱读古典文学作品；对他影响最大的人是他的太太和女儿。他的格言是“甘自苦来生妙境，愈能奋发展雄才”，奋斗目标是自己的作品为越来越多的人所喜爱。 在北京的龙脉上，珍藏着刘宇一的两幅大型油画——毛主席纪念堂的《良宵》和天安门城楼的《人民万岁》。1982年，中国美术界权威人士江丰在“人民日报”撰文称誉刘宇一为“热爱和尊重人民的艺术家”。刘宇一曾为200多位中国政要及各界名人画像，被作家丁玲称为“我国肖像画史上实属罕见的创举”。1991年定居香港后，多次应邀为日本等国元首
西方艺术赏析论文
文艺复兴时期艺术思潮及代表性的艺术流派和艺术家 （学号：09290010211 姓名：马武林班级：城建土木二班）文艺复兴时期（14-16世纪）始于十三世纪末期的意大利，粗略指涉欧洲从中世纪到近代之间所经历的这四百多年时间。文艺复兴一词意指重生或复活，它是一个朦胧的概念，没有清楚的开始或结束日期，但通常可以涵括欧洲由野蛮的黑暗时代演进到一个在各个领域都有新发展的时代，而这些领域的成就均超越了伟大的古文明。 文艺复兴是一场资产阶级文化运动，它的核心是人文主义精神，人文主义精神的核心是以人为本，文艺复兴产生的根本原因是生产力的发展，资本主义萌芽的出现，其本质是正在形成中的资产阶级在复兴希腊罗马古典文化的名义下发起的弘扬资产阶级思想和文化的运动。 文艺复兴时期的艺术（一）佛罗伦萨画派 佛罗伦萨画派形成于13世纪末，鼎盛于１５世纪至１６世纪３０年代，以乔托为奠基人，初期以乔托·迪·邦多纳（1267-1337）、马萨乔（Masaccio，1401-1428）、桑德罗·波提切利（1445-1510）等画家为代表，盛期以达·芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔等画家为代表，是当时意大利成就最大的艺术流派。最终，生硬模仿前人技法的样式主义的流行宣布了佛罗伦萨画派的结束。 佛罗伦萨画派主要以宗教神话故事为题材。画家们遵循人文主义原则，用世俗化手法描绘至高无上的抽象的神，将神画成生活中的人的形象，并加以理想化，开一代人物画新风。作品表现的是神话故事和宗教人物，实际上反映的是人的思想、感情和力量。佛罗伦萨画派以油画和湿壁画成就较大，后者主要服务于教会、宫廷和资产阶级上层人物，在形式和内容上都有别于欧洲中世纪绘画。 从技法上来看，该派用科学方法探索人体的造型规律，吸取古代希腊、罗马的雕刻手法应用在绘画上，把中世纪的平面装饰风格改变为用集中透视，有明暗效果，表现三度空间的画法。它也影响了温布里亚画派和帕多瓦画派。他们的画法细腻，画面明暗对比不甚强烈，
向日葵油画作品赏析
向日葵油画作品赏析 在欣赏一幅油画作品时,主要从作品的思想内容、艺术技巧两个方面来鉴赏.油画起源于西方,任何的油画作品都需要靠视觉形象来反映一定的思想内容. 一方面油画作品所塑造的形象,把观赏者带到了画家所反映的一个艺术境界之中,引起思想感情上的共鸣,产生审美作用.另一方面观赏者又根据自己的生活体验来认识和丰富了油画作品的内涵.对一幅油画作品的理解,不同人所理解的深度是不一样的,它同观赏者的素质条件相联系.优秀的油画作品所传达的思想内容,起到了陶冶人的情操, 提高人的精神境界的作用关于艺术技巧上的鉴赏,要有对油画语言的认识和了解.油画的材料本身具有区别于水墨画版画、水彩的特点,这种材料之美是油画的一大特性. 技巧高超的作品体现在画家掌握了材料的特性熟练运用材料和工具来塑造形象.画面反映出了整体和局部的和谐关系,丰富和统一的对立关系. 《向日葵》是凡.高在法国南方时画的.南方阳光的灿烂令画
家狂喜,他用黄色画了一系列静物,来表达内心的感受,《向日葵》便是这时的代表作.画家以短暂的笔触把向日葵的黄色画得极其刺眼,每朵花如燃烧的火焰一般,细碎的花瓣和葵叶象火苗一样布满画面,整幅画尤如燃遍画布的火焰,显出画家狂热般的生命激情. 《向日葵》的色彩是用不同明度、不同纯度的黄色绘成的,黄色的背景,黄色的花瓶,黄色的花.深黄、浅黄、柠檬黄、橘黄、土黄,只用了少量的深绿和草绿画枝干和叶子, 配一点天蓝色的花蕊.凡高把色彩用绝了.他把黄色使用得如此动人,使黄色发挥出感人的魅力.你看空气中流动着金色的阳光,瓶中的向日葵生气勃勃地张开花瓣,尽情地吸着空气和阳光.饱吸了阳光的花朵似已融化在空气中,深黄、浅黄、柠檬黄、橘黄色的花辩,多么辉煌,多么灿烂夺目.凡高把心中全部的爱赋予可爱的向日葵,向日葵也为凡高吐出"爱的最强光"《向日葵》中注入的是凡高心中强烈的感情,令人震撼、令人感动,这就是《向日葵》所产生的魅力.他怀着强烈的感情不厌其烦地画他最喜欢的向日葵,强烈地表现画家对这一客观事物的主观感受.他擅长使用强烈的色调,充分发挥色彩的感情因素,使色彩成为他表达思想感情的重要手段,这便是凡高艺术的重要特色. 植物油画素材：https://www.wendangku.net/doc/1b1507348.html,/img/98_679.aspx
中西方绘画作品比较赏析
中西方绘画作品比较赏析 ——绘画的两大体系赏析 内容摘要：中西方艺术文化都有着悠久的历史，在不断演变的同时，既继承先辈留下来的风格，也加入每个时代赋予的新元素。 这篇文章中将中西方艺术中两大体系的主要代表绘画作品进行各个角度的分析和研究，从中找出共性和各自特色为今后的艺术学习研究创作夯实基础。 中西方绘画注重表现与写意，既强调感性；而西方绘画注重再现与写实，既强调理性。这就决定了中西方绘画的表现手法不同。中国画不固定在一个立脚点作画，也不受固定视野的局限，而是根据画者的感受和需要，使立脚点移动作画，把见的到的和见不到的景物统统摄入自己的画面，即运用了散点透视法。西方画家则是理智地进行构图，采用科学的透视学和色彩学来表示近大远小焦点透视和色彩的空间变化，形象的立体感很强，逼真肖似，具有典型性。 所以中西方传统绘画让人感觉是两个不同的体系，给人的感觉不同。 关键词：绘画的两大体系赏析；中国画；壁画；水彩、水粉画；版画；素描；新画种。 绘画的两大体系：欧洲油画和中国水墨画。 油画艺术可以说是世界绘画艺术中最有影响的画种。油画是以油为调和剂调和颜料在经过制作的不吸油的平面上描绘而成的绘画。其特点是颜料色彩丰富鲜艳，能够充分表现物体的质感、量感，能够传达物象所处空间的光线、色调和气氛，使描绘对象显得逼真可信，具有很强的艺术表现力。 中国画是中国传统绘画的统称。从广义上说，中国画包括中国传统绘画的各种 类别，但我们所说的中国画通常是指以水为调和 剂，以墨为主要颜料的一类，又称“水墨画”、“彩 墨画”。中国画表现出变化无穷的线条情趣，以墨 代色则表现了中国画独具特色的丰富的艺术表现 力。
再谈西方静物画 —物的生命化
天津美术学院油画系毕业论文 再谈西方静物画 ———物的生命化 （申请学士学位） 再谈西方静物画 ———物的生命化 内容摘要：静物画经历了几百年的发展，在每一个历史时期它都以不同的面貌所呈现。十七世纪荷兰静物画描绘的细腻、华丽、精美；十八世纪以夏尔丹为代表的静物画表现出一种单纯、质朴的美感。十九世纪末的后印象主义开始进入了一个新的探索阶段，但是不管在哪个历史时期，也不管它有怎样的面貌，静物画以一种静止的状态呈现的不仅仅是我们眼睛所能看到的事物，它表现的是这个世界上可见事物背后的东西即精神内涵，这才是真实存在的。静物画引导观者从作品的精神层面去认识陈旧的、再熟悉不过的事物。从纯粹的视觉刺激进入到物质的剖析与理解。它代表着一个时代，一种情趣，一种精神。 关键词：静物画静生命 静物画，一个我们再熟悉不过的名词，一个从我们最初学习绘画就接触的画种，今天，当我们再回忆起这一简单平常的事物，那份熟悉参透了一种新的感触。 静物画是以日常生活中无生命的物体为主要描绘对象的绘画，它在西方绘画史上的地位一直不高，原因是人们通常认为静物画仅仅是一种对无生命图象的记录，而且通常认为这些事物的呈现无法表达任
何高贵的意念。法兰西艺术学院把静物绘画归为整个古典绘画系统的最低层，依次而上的其他绘画种类为：肖像画、风景画、动物画以及以人物为中心的历史画。通常认为静物画所热衷的那些对象，远不如险要人物、历史事件和如诗的风景那样令人感发兴趣。在静物画上颇为集中的凝聚着价值方面的强烈偏见。 静物画在古希腊的古典时期就已经产生了，其萌芽甚至可以追溯到爱琴美术中，克里特的陶器彩绘如其中以独幅画方法描绘的花卉。在古罗马帝国时期，静物画可能已经比较普遍，在庞贝遗址留存的壁画中就有不少独立的静物画作品。可以说这是西方静物画的第一个发展时期，可惜的是这个时期没有能够延续下去。由于欧洲中世纪时期基督教美术的兴起，使作为独立绘画门类的静物画基本绝迹，只有某些静物形象作为宗教画中的象征物或背景点缀而存在。 十七世纪静物画作为独立的绘画题材，再度兴起并正式成为西方绘画重要样式。由于当时荷兰经济的迅速发展，商贸繁荣市井兴旺，人们对这种来之不易的安宁、富足的小康生活产生出的由衷的喜欢，于是他们对身边的生活表现出浓厚的兴趣，这一时期的静物画不仅题材多样，而且描绘的细腻、华丽、精美。 十八世纪下半叶，艺术的美化逐渐的让位与再现生活，以理性反对自由、放纵；以回返自然反对矫揉造作的风俗化，静物画取代了装饰画、历史画。夏尔丹将一种宁静的诗意赋予了人们司空见惯以至于不屑一顾的物品上，夏尔丹笔下的静物传递出一钟单纯、质朴的美感。 十九末的后印象主义开始，静物画进入了一个新的探索阶段，静
谭建武油画作品欣赏
谭建武油画作品欣赏 谭建武油画作品欣赏 转自：网易- 李梨的日志 谭建武，男，1971年出生于湖南耒阳，1991年毕业于湖南师范大学美术系，之后受聘于《深圳青年》杂志社美编，1993年从事职业油画创作至今。作品崇尚新古典主义风格，画功深厚朴实，尤其在古典肖像画领域颇有造诣。曾为多位政商界精英绘制肖像，多幅作品被海内外机构和私人藏家收藏。现为上海大东方当代艺术中心画家。
《一缕阳光》获建国60周年当代油画展优秀奖，中国美术家协会主办，《美术》2009第6期刊登。《姚明》“中国百年体育明星风采油画大展”三等奖，国家体育馆“鸟巢”。《信天游》“艺术中国制造上海当代艺术展”上海大东方美术馆。《世纪伟人邓小平》上海意得画院开幕邀请展，上海大东方美术馆。《月光下的旋律》中/意当代名家精品展上海国际会议中心。《西藏儿童组画》2011年“东博西画”艺术精选作品展上海东方网博宝艺术网。 （李梨根据网络资料编辑收藏） 当看到这样充满了情绪的儿童绘画作品在博宝宝珍商城中出现，带给我们的是前所未有的震撼。画家谭建武先生用不同以往的艺术语言，把一张张如此纯美的儿童为主题的油画展现到我们的面前，将儿童那最为闪光的亮点作为整个系列的一个表达主题，再次完美诠释了儿童那天真烂漫的生活状态和精神面貌。 在人物油画作品中，很多人都会选择儿童或者老人，这是在我们人类中最具有特点的一段生活时间，处于成长初期的儿童，他们有着太多我们成人早已失去的精神状态，相信每一个看到谭画家在博宝宝珍商城中展出的西藏儿童油画系列作品时，都会被其深深的吸引，被其深深的打动，在这样成
西方静物画的发展
西方静物画的发展 ▲西方的静物画，大约在古希腊的古典时期就已经产生了，其起萌还可以追溯到爱琴美术中的陶器彩绘，如其中以独幅画方法描绘的花卉。若以动物画来看，则爱琴美术中已有独立的壁画作品来表现动物的形象。 ▲随着欧洲文艺复兴运动的发展，肯定现世幸福的人文主义思想使当时的艺术开始关注和表现人的生活和生活环境，于是静物画作为独立的绘画题材在17世纪再度兴起并正式成为西方绘画的重要样式。人类的绘画史经历了漫长的发展过程,静物画成为专门画种则开始于17 世纪的荷兰。早在15 世纪,尼德兰的画家如凡·爱克兄弟等即有善于表现各种物质特性的传统和兴趣。他们所描绘的金属、丝绒、玻璃等就具有逼真的质感。可是,这些东西过去只被用作宗教画或肖像画中的道具和背景。直到17 世纪,静物画才成为重要的绘画样式之一。在众多的大师们的努力下曾将这一画种从色彩到形式,从内容到造型,推向高峰。 ▲静物画的发展,是由于人们对表达来之不易的安宁富足的生活,产生出由衷的喜悦。也显示了人类社会对物质世界存在的依赖,品类繁多的蔬果鱼肉,标志着丰盛的餐宴,擦得闪闪发亮的日用器皿,显示出居室的雅洁和主人的勤快。 所以在这些刻意求工的静物画中,也不止是对于各种物质特性单纯的“模仿”,它们还是表现了人们的生活状态、人们的精神需要和对于生活的理想。从而产生了众多的艺术大师如:夏尔丹、塞尚、凡高、雷东、毕加索等,都曾将静物画发挥到极致,独有其特有的艺术品位,确立了各自在世界画坛的显赫地位。 ▲静物画起源于荷兰。荷兰画家中那些善作小画的人,也有“荷兰小画派”之称,为我们开创了除人物以外的新领域———风景创作和静物创作。在他们已经安定的乡土上,比其他人更能体会到一架风车、一座水力磨坊、一条村路、一片果园的魅力。他们觉得,真切地描绘出来的这种现实,足以赏心悦目,用不着以幻想或灵光再加装点。 ▲从技巧方面看，当时主要使用明暗造型手法，能够表现物体的体积感和质感，对构图、空间、透视的处理也有一定的认识，可以说这是西方静物画的第一个发展期。欧洲中世纪时，基督教美术的兴起使作为独立绘画门类的静物画、
中西方绘画艺术作品比较赏析
中西方绘画艺术作品比较赏析 ——洛神赋图与最后的晚餐 汽服xxx xxx 指导老师xxx 【内容摘要】中西方艺术文化都有着悠久的历史，在不断演变的同时，既继承先辈留下来的风格，也加入每个时代赋予的新元素。中西方绘画艺术在观念和表现上有着差异和趋同性，通过中西方绘画作品内容、形式的对比，以及中西方艺术观念差别的简单描述，最终认识到中西方在差异和区别之上的共同目标。 中西方绘画注重表现与写意，即强调感性；而西方绘画注重再现与写实，即强调理性。这就决定了中西方绘画的表现手法不同。中国画不固定在一个立脚点作画，也不受固定视野的局限，而是根据画者的感受和需要，使立脚点移动作画，把见的到的和见不到的景物统统摄入自己的画面，即运用了散点透视法。西方画家则是理智地进行构图，采用科学的透视学和色彩学来表示近大远小焦点透视和色彩的空间变化，形象的立体感很强，逼真肖似，具有典型性。 美术史上的大量事实，展示了中西方艺术作品中形式与内容的复杂关系。美术史上的大量事实展示了中西方艺术作品中形式与内容的复杂。所以中西方传统绘画让人感觉是两个不同的体系，给人的感觉不同。 【关键词】中西；绘画；艺术；洛神赋图；最后的晚餐；达芬奇；顾恺之 【正文】 一、洛神赋图 中国画是中国传统绘画的统称。从广义上说，中国画包括中国传统绘画的各种类别，但我们所说的中国画通常是指以水为调和剂，以墨为主要颜料的一类，又称“水墨画”、“彩墨画”。中国画表现出变化无穷的线条情趣，以墨代色则表现了中国画独具特色的丰富的艺术表现力。顾恺之的《洛神赋图》虽然是人物画，但以大量的山水为故事展开的背景。由于顾恺之本人就是较早地涉及到山水画创作和理论的大家之一，故我们有足够的理由相信《洛神赋》图中山水部分的画法是具有那一时代代表性的艺术样式。图中树木、山石造型稚拙，比例关系较为混乱，确如张彦远为我们在《历代名画记》中所描述的那样：“魏晋已降，名迹在人者，皆见之矣，其画山水，则群峰之势，若钿饰犀栉，或水石容泛，或人大于山，率皆附以树石。映带其地。列植之状，则伸臂布指。”从而为我们在理论与实物考据上都提供了早期山水画面貌的特征。从线色本身来看，《洛神赋》图中线条细劲有力，如张彦远所言：“顾恺之之迹，紧劲连绵，循环超乎，调格逸易，风趋电疾，意存笔先，画尽意在，所以全神气。”线条的表现力内在含蓄，以表现意态为先。线条内部勾勒产生的块面以青绿填色，色彩变化较少，只在坡脚岸边施以泥金。山石树木，结构单调，状物扁平，但富于装饰性。此图取材于曹植的《洛神赋》一文。主要讲述了主人公从帝京回东藩的途中，经过洛水，遇到洛水女神宓妃的故事。原文中主人公虽然对宓妃充满爱恋，而最终却不得不离去的故事情节，表现了作者在现实中的伤感与无奈。顾恺之在这幅画里却将结局做了修改，以主人公与宓妃有情人终成眷属而告终。故事以连环画的形式在同一画幅的不同场景中展开，将一个传说中的爱情故事表现得浪漫感人。这种手法后
西方油画艺术赏析小论文
[键入公司名称] 西方油画艺术赏析 小论文 PB09000626 王皓 2012/11/20 摘要： 绘画与文化背景的关系是密不可分、相辅相成的。艺术的发展依附于当时的文化背景。文化背景是艺术的根源所在,是艺术发展的基础,离开了文化背景艺术只是个空架子,就会失去艺术的鉴赏性,更不会被人理解和认识。我们学习西方油画必须了解西方的文化背景,才能更好地认知和解读大师的作品,学习的同时更要符合当下的文化背景,两者结合才能更好地为今后的艺术创作所服务,才能创作出让人们认识和接受的艺术作品。
浅谈学习西方油画与文化背景的关系 伟大的希腊哲学家亚里士多德在《形而上学》一书的开卷写道:“求知乃人类的天性”。此言不假,我们要求知,是因为我们想去理解世界上所发生的事情;我们今天学习西方的油画,同样也是如此。 西方是油画的发源地,油画在那里达到了一定的高度,所以我们要向西方学习油画。既然要学习我们就应该明白怎样去学习。而学习西方油画首先就要弄明白和油画有关的一些知识,了解油画的基础和技法以及一些创作语言。但我们学习油画不单单是学习一些油画技法和基础知识那么简单,而是要学习他们的一些经典的技法和理念,最终目的是为了表达自己的艺术感受。我们在学习的时候要结合他们的文化背景,只有了解了他们的文化背景之后才能更加清楚地了解他们的创作意图和风格样式。 临摹大师是好的,但是我们要清楚临摹的目的,不要盲从。我认识一位学习西方油画的朋友,一开始接触西方油画时就去临摹西方大师的作品,临摹得酷似大师的原作,时间一久对大师的技法就差不多掌握了,他的创作风格也近似于大师,甚 至连创作题材都相似,可谓是第二个某位大师。按理说他应该会取得很好的发展,但结果却恰恰相反,不但没有取得多大的成就,就连作品都无人问津。这是为什么呢?原因很简单:他只注意了绘画的基础技法而忽略了大师创作时的感受和当时 的文化背景,大师的画已经过了几十年甚至几百年了,时代变了,文化背景变了……如果我们还去这样模仿他们画画,画出的作品自然也不会被接受。我们要做的是学习而不是复制。如果我们学油画就是为了画得和西方哪位大师一样好、一样精彩,为此不断地临摹大师的作品,以期待达到他们的境界,殊不知这是大错
中西绘画艺术鉴赏
中西绘画艺术鉴赏 自康熙年间，油画首次被法国画家郎世宁带到中国起到如今地球村的时代，对中西方绘画艺术的不同众说纷纭。对此，林语堂先生又精辟的见解。他认为:"西洋艺术的精神好像是较为肉体的，较为热情的，更较为充盈于艺术家的自我意识的;而中国艺术的精神则较为清雅，较为谨饬，由教委与自然相调和。 尼采曾说：“中国艺术是爱美之神爱普罗的艺术，而西洋艺术即为暴君但奥尼细阿斯的艺术。” 画由人为，因此，画的不同，也是人的不同，思想观念的不同。这又离不开人所处的特定的环境和时代。马克思认为：对艺术的思潮，流派或艺术家，只有从历史的发展中才能认识它产生的原因，判断它的社会价值，从而便于我们批判的借鉴。 中国画最早用于记事，最早的画师也受雇于皇家，转为绘制皇家贵族的肖像或皇宫大事。虽然，以后也出现了民间画家，但不可避免了受到先辈们写诗意识的影响。孰视之，中国画有类似凡.高的画那样抽象。中国画是反映现实生活的社会意识形态的造型艺术，就必然有具体表现在人的审美意识在实践的物质活动中，其动机和意图就必借助于既能模拟自然运动规律之道，又适应思维反映规律，现统一而特定的物质外壳的笔墨概念为中介转换因素，以体现其艺术作品。因此中国画所表现的内容和形式，不外是意识对存在的反映，以审美观念在头脑中被改造了意象。以笔墨物质运动的时间摹写转化出可视的艺术形象，否则它就不能反映现实。故“夫象物必在于形似，形似须全其骨气，骨气形似皆本于立意而归乎用笔。”（《历代名画记〉） 中国的花价一般都是能师能画的士大夫，而封建统治者则一直坚 持“焚书坑儒”，激励压制文人思想，因此，他们只能寄情山水。中国人寄情山水，任何自然的和谐，寄情言情，士大夫情怀多，中国画讲究平和冲淡，天人合一，以及一种禅意，有一种对人心的关怀，很得益于修
静物油画的介绍资料
静物油画的介绍资料 静物油画是西画艺术的经典形式之一。随着西画在中国的不断发展，静物油画也不断成长成为一支强力军，带领人们领略其独特的魅力。如今，越来越多的静物油画走进家具装饰中，点缀着人们的生活，成为装饰画卖店的热点品种。作为家居装饰的新宠，静物油画的题材也十分广泛，已经不仅仅限于鲜花、水果等传统题材，更有一些非常有新意的事物，让人耳目一新，也非常适合现在需求多样化的家居装饰需求。 这里将介绍两幅比较有新意的静物油画，供大家欣赏。上面一幅花卉静物油画由青年画家所作，乍一看去，更像是高像素照相机的摄影之作，绘制得十分细腻，让人无法想象它是一幅油画。 静物油画起源于17世纪的荷兰，在19世纪传播到中国，经过不断发展变迁，已经成为西画的重要绘画体系。静物油画装饰家居最动人之处在于其简单生动，寓动于静的表现方式。同时，静物油画也是十分代表西画技艺的艺术形式，能充分展现出油画的色彩、层次、光泽等独有特点，颇具异域情调。 这里是油画作品的展示平台，我们是一家油画公司，是大芬油画及厦门油画公司的先驱品牌，同时也是中国最有名的油画村和油画街中的一员。大芬油画村的油画是目前中国油画对外的一张有力名片。国内外众多油画大师的作品都能在这油画展示中见到。比如风景油画、油画作品、人体油画、油画图片、抽象油画、静物油画、许多大师的油画作品与油画技法超出了我们的想象，如西方油画中的印象油画、人物油画、肖像油画、动物油画、古典油画、花卉油画、山水油画、精品油画及油画定做都一应俱全，油画家们的技法可以说是高超的。我们还供应油画框，油画框厂生产的画框从这里直接制作完成，我们也销售国画，国画包括写意国画、花鸟国画、水墨国画、山水国画和人物国画和书法，众多知名国画作品在这里都能欣赏到，另外我们不定期销售雕塑摆件，比如抽象雕塑、人物雕塑、创意雕塑、雕塑定做，雕塑是从雕塑厂由雕塑艺术家直接完成的。我们的主要业务是以油画批发与批发油画为主、国画书法、画框、雕塑摆件为辅。我们出口油画到全球每一个角落，油画出口是油画贸易主要项目。油画展上你可以看到高档油画与原创油画，还有一些装饰画及无框画和壁画。现代油画大城市的画廊中很受人们的喜爱。油画拍卖也慢慢让人接受，买油画装饰家庭的人也越来越多。你在许多网站上看到我们的油画产业正在走向世界，也请大家关注我们的工艺品。 风景油画的介绍资料 按照现行市场上的分类，风景油画可分为:写实风景油画、印象风景油画、抽象风景油画、古典风景油画、现代风景油画、欧美风景油画、俄罗斯风景油画、荷兰风景油画、地中海风景油画、托马斯风景油画、森林风景油画、高山流水风景油画、田园风光风景油画、桂林山水风景油画、白桦树林风景油画等。 风景油画的绘画技法 挫： 挫是用油画笔的根部落笔着色的方法，按下笔后稍作挫动然后提起，如书法的逆锋行笔，苍劲结实。笔尖与笔根蘸取颜色的差异、按笔的轻重方向不同能产生多种变化和趣味。 拍： 用宽的油画笔或扇形笔蘸色后在画面上轻轻拍打的技法称为拍。拍能产生一定的起伏肌理，既不十分明显，又不致过于简单，也可处理原先太强的笔触或色彩，使其减弱。 揉： 揉是指把画面上两种或几种不同的颜色用笔直接相互揉合的方法，颜色揉合后产生自然的混合变化，获得微妙而鲜明的色彩及明暗对比，并可起到过渡衔接的作用。
西方绘画表现图示和特征
第四课《西方绘画的表现图式与艺术特征》 一、教学分析 学生分析：学生对本部分内容非常有兴趣，但由于东西方文化及人的审美观念存在着许多差异，因此对具体作品的理解会存在一定的难度。 教材分析：教材内容分为古代西方绘画、近代西方绘画、现代西方绘画三部分，有利于教师对比且逐步深入地引导学生学习。 二、教学目标： 1.了解西方绘画从客观具象写实到主观抽象表现演进的大体脉络及其主要艺术语言和艺术特征。 2.感受、尊重世界多元文化。 三、教学重点： 近、现代西方绘画的学习。 四、教学难点： 现代西方绘画的欣赏与评价。 五、教学准备： 1.教师准备：仔细钻研教材，将相关内容输入计算机并制作成课件以辅助教学。 2.学生准备：课前提前翻看教材，以便带着问题学习本课内容。 六、教学过程： （一）组织教学（略） （二）导入新课： 直接导入--西方绘画的表现图式与艺术特征
（三）讲授新课： 浏览外国绘画作品图片，感受其不同于东方的艺术风格 什么叫图式？ 图式：人的认识结构。这里借用心理学用语，来指称西方艺术家在艺术表现和造型活动中的不同于东方艺术家的心理定势和认识结构，包括他们的艺术理想、创作方法、观察方法、造型观念、艺术语言、绘画技巧以及艺术个性等等方面。 1.古代西方绘画 a.写实的古典艺术 ·古希腊、古罗马艺术是西方写实性美术产生的源头 借助作品分析讲解：《宴罢》、《菜花少女》等 b.中世纪的基督教艺术 ·象征性地显示上帝的美与神圣力量，和谐使得古典艺术既不相同而又缓慢融合 借助基督教绘画作品分析讲解：《蒂奥多拉皇后》、《受胎告知》等 2.近代西方绘画 a.文艺复兴时期绘画 文艺复兴三杰作品的欣赏与分析：《蒙娜丽莎》（达·芬奇）、《创造亚当》（米开朗基罗）、《西斯廷圣母》（拉斐尔）等 b.十七世纪的肖像画 借助作品分析讲解：《夜巡》、《教皇英诺森十世像》、《吉普赛女郎》等
中国著名油画作品欣赏_最著名的油画作品介绍
竭诚为您提供优质的服务，优质的文档，谢谢阅读/双击去除 中国著名油画作品欣赏_最著名的油画 作品介绍 随着油画的不断发展,各种油画的派别都有了不同的改进和技术上的突破,从东方的意象式的绘画方式到西方具象式的写实绘画都有了不同的发展,主要表现在绘画语言表达的相同方式上。小编整理了最著名的油画作品，欢迎阅读! 最著名的油画作品图片展示 最著名的油画作品图片1
最著名的油画作品图片2 最著名的油画作品图片3 最著名的油画作品图片4 最著名的油画作品图片5 油画在中国的历程
国油画家的出现源于康熙年间，传教士郎世宁、潘庭章、等以绘画供奉内廷，从而把西方的油画技法带入了皇宫;雍正，乾隆年间，宫廷的包衣〔满语即奴仆〕受命于皇上，向传教士学习油画，但并未留下一些痕迹。到了1840年鸦片战争爆发，中西文化大冲撞，民间的画坊、画馆兴起，画技亦得到了改善。但此时由于画工的地位低微，文化素养也有限。 清末维新变法后，许多青年学子先后赴英、法、日本等国学习西洋油画，有油画家：李铁夫、冯钢百、李毅士、李叔同〔弘一法师〕、林风眠、徐悲鸿、刘海粟、颜文梁、潘玉良、庞薰琹、常书鸿、吴大羽、唐一禾、陈抱一、关良、王悦之、卫天霖、许幸之、倪贻德、丁衍庸等。 这些油画家归国后带来了西方及日本先进的教学方法 及理念，如1911年西洋归国的周湘创办了中国第一所美术学校;1912年刘海粟创办上海图画学术院，并第一次起用人体模特写生;1919年任教育总长的蔡元培先生倡导开办了第一所国立美术学校--北京美术学校，1927年，中央大学开设艺术科〔徐悲鸿任主任〕;1928年杭州创办了第一所大学制
欧洲经典油画作品赏析 6(165-219)
欧洲经典油画作品赏析6（165-219） 欧洲经典油画作品赏析6（165-219） 原标题《一生必知的传世美术经典》来源/ 老阿更的收藏原创/ 不祥复制·编辑/ 塞上其翁165、《维纳斯与战神》作者：波提切利（1445—1510）意大利【年代】1485年【藏处】英国伦敦国家画廊维纳斯扮演着大自然和人类之母的角色，而不是充满情欲的爱的女神。画中的她穿着朴实无华的洁白长袍，长袍绣着金边，和她浓密的金发相互辉映；而战神则脱去了令人生畏的形象，正暧洋洋地睡着，为了加强这种平和的气氛，森林之神农牧神则在他身旁嬉戏，一个玩弄着丢在一旁的甲胄，一个朝着酣睡的战神耳旁用力吹螺，画家发挥了高度的想像力，用轻松诙谐之笔画出古代天神休憩的状态，整个画面充满一种安宁。这幅作品色泽纯洁鲜明，人物形态完美，谑而不虐，笼罩着一片和谐气氛，是波提且利最优美的作品之一。同时也是波提切利神话画作中，惟一未收藏于意大利的作品。166、《诽谤》作者：波提切利（1445—1510）意大利作于1490年；藏于意大利佛 罗伦萨乌菲齐美术馆波提切利的这件著名的传世作品取材 于古希腊画家阿贝列斯的一幅画中的文字记载。描绘的是在宽敞的罗马建筑大厅里，有三个女子和一个男子，正把一位裸体男青年拖到国王面前审判。被黑色风衣包裹着的男子是
“诽谤”，他的手势伸向国王，竭尽诽谤之能事；手持棍棒，揪着裸体男子的正是“叛变”，她出卖了同伴，并把他交给国王；裸体男青年是孤立无援的“无辜”，他合掌向上祈求真理能拯救他免遭诽谤的命运；后面两个女子，一是“虚伪”，另一是“欺骗”，也有说是“妒嫉”和“仇恨”，她们俩正在为“叛变”者梳理头发；在宝座上坐着一位长着两只驴耳朵的国王，昏庸无能，愚蠢无知到极点，听信诽谤，同时在他两边分别是“无知”和“轻信”，不断地向他的耳朵里灌输无知和轻信；画面的另一边站着一位被黑色长袍包裹着的“悔罪”，他正向着立在身后的全裸体女神，那就是“真理”，希望她能出面拯救“无辜”者。可是站立不稳的真理，手指上天，意思是说：“对于这里所发生的一切我也无能为力，去找上帝吧。”这件作品是一件寓意深远的作品，它告诉人们一个道理现实社会中罪恶都是用美丽的形象乔装打扮以欺骗人民的，统治者听信坏人之言，正直好人总是落难，而面对这一切，真理也是无能为力的①“真理”，②“悔罪”，③“叛變”，④“無辜”，⑤“虛僞”，⑥“欺騙”，⑦“誹謗”，⑧“國王”，⑨“無知”，⑩“輕信”。167、《帕拉斯和人头马神》作者：波提切利（1445—1510）意大利 创作时间：约1482年藏于意大利佛罗伦萨乌菲齐美术馆《帕拉斯和肯陶洛斯》取材于希腊神话故事：宙斯劫夺欧罗巴来到
中西方绘画艺术比较
中西方绘画艺术比较 相对西洋画来说，中国画有着自己明显的特征。传统的中国画不讲焦点透视，不强调自然界对于物体的光色变化，不拘泥于物体外表的肖似，而多强调抒发作者的主观情趣。中国画讲求“以形写神”，追求一种“妙在似与不似之间”的感觉：而西洋画呢？则讲求“以形写形”，当然，创作的过程中，也注重“神”的表现。但它非常讲究画面的整体、概括。有人说，西洋画是“再现”的艺术，中国画是“表现”的艺术，这是中国画与西洋画相比有着自己独特的特征，还表现在其艺术手法、艺术分科、构图、用笔、用墨、敷色等多个方面。按照艺术的手法来分，中国画可分为工笔、写意和兼工带写三种形式。工笔就是用画笔工整细致，敷色层层渲染，细节明彻入微，用极其细腻的笔触描绘物象，故称“工笔”。而写意呢？相对“工笔”而言，用豪放简练的笔墨描绘物象的形神，抒发作者的感情。它要有高度的概括能力，要有以少胜多的含蓄意境，落笔要准确，运笔要熟练，要能得心应手，意到笔到。兼工带写的形式则是把工笔和写意这两种方法进行综合的运用。? 从艺术的分科来看，中国画可分为人物、山水、花鸟三大画科，它主要是以描绘对象的不同来划分的。而中国画中的畜兽、鞍马、昆虫、蔬果等画可分别归入此三类。? 中国画在构图、用笔、用墨、敷色等方面，也都有自己的特点。中国画的构图一般不遵循西洋画的黄金律，而是或作长卷，或作立轴，长宽比例是“失调”的。但它能够很好表现特殊的意境和画者的主观情趣。同时，在透视的方法上，中国画与西洋画也是不一样的。透视是绘画的术语，就是在作画的时候，把一切物体正确地在平面上表现出来，使之有远近高低的空间感和立体感，这种方法就叫透视。因透视的现象是近大远小，所以也常常称作“远近法”。西洋画一般是用焦点透视，这就像照相一样，固定在一个立脚点，受到空间的局限，摄入镜头的就如实照下来，否则就照不下来。中国画就不一定固定在一个立脚点作画，也不受固定视域的局限，它可以根据画者的感受和需要，使立脚点移动作画，把见得到的和见不到的景物统统摄入自己的画面。这种透视的方法，叫做散点透视或多点透视。如我们所熟知的北宋名画、张择端的《清明上河图》，用的就是散点透视法。《清明上河图》反映的是北宋都城汴梁内外丰富复杂、气象万千的景象。它以汴河为中心，从远处的郊野画到热闹的“虹桥”；观者既能看到城内，又可看到郊野；既看得到桥上的行人，又看得到桥下的船；既看得到近处的楼台树木，又看得到远处纵深的街道与河港。而且无论站在哪一段看，景物的比例都是相近的，如果按照西洋画焦点透机的方法去画，许多地方是根本无法画出来的。这是中国的古代画家们根据内容和艺术表现的需要而创造出来的独特的透视方法。? 在用笔和用墨方面，是中国画造型的重要部分。用笔讲求粗细、疾徐、顿挫、转折、方圆等变化，以表现物体的质感。一般来说，起笔和止笔都要用力，力腕宜挺，中间气不可断，住笔不可轻挑。用笔时力轻则浮，力重则饨，疾运则滑，徐运则滞，偏用则薄，正用则板。要做到曲行如弓，直行如尺，这都是用笔之意。古人总结有勾线十八描，可以说是中国画用笔的经验总结。而对于用墨，则讲求皴、擦、点、染交互为用，干、湿、浓、淡合理调配，以塑造型体，烘染气氛。一般说来，中国画的用墨之妙，在于浓淡相生，全浓全淡都没有精神，必须有浓有淡，浓处须精彩而不滞，淡处须灵秀而不晦。用墨亦如用
中国最为经典十幅油画作品欣赏(收藏佳品)
中国最为经典十幅油画作品欣赏（收藏佳品） 中国油画最早起源于17世纪初距今400多年前。中国油画的历史，一般认定是从“五四”前后李叔同、李铁夫、林 风眠等大批艺术青年的留学风潮算起。一般可分为四个阶段：一是引进起步阶段（20世纪初—1936），代表性画家有林风眠，刘海粟等人。二是艰难坚守阶段（1937—1949），代表性画家有徐悲鸿等人。三是曲折探索阶段（1949—1976），代表性画家有董希文等人。四是自觉构建期阶段（1977—2015），代表性画家有罗中立等人。一百多年中国油画的发展历程中，油画的思想、观念、风格、技法等明显地表达出不同历史背景、时代精神下民族化的过程，产生了一大批优秀的中国经典油画作品。 1、自画像李叔同1911年布面油彩60.6x45.5cm 日本东京艺术大学藏 这幅画是李叔同1911年（辛亥清宣统三年）32岁春，于东京美术学校毕业时创作的自画像。该画画风细腻缜密，表情描写细致入微，类似清末融合中西的宫廷肖像画，有较高的写实能力。李叔同（1880—1942），又名李息霜、李岸等，
学名广侯，字息霜，别号漱筒。他是中国新文化运动的前驱，著名音乐、美术教育家，书法家，戏剧活动家，是中国话剧的开拓者之一。他是1906年（丙午光绪三十二年）9月29日27岁时，以“李岸”之名注册，考入东京美术学校油画科，1911年3月毕业。毕业后偕日妻回国，担任过教师、编辑之职，后剃度为僧，法名演音，号弘一，被人尊称为弘一法师。1913年受聘为浙江两级师范学校（后改为浙江省立第一师范学校）音乐、图画教师。1915年起又兼任南京高等师范学校（南京大学前身）音乐、图画教师。1942年九月初四圆寂于泉州。 2、音乐家李铁夫1918年布面油画68×56cm 李铁夫（1869-1952），生于广东江门市鹤山。艺术大师，革命家。中国近现代油画艺术与民主革命先驱。1885年，16岁随叔父到国外谋生与求学。1887至1891年，分别在英属加拿大阿灵顿美术学院、英国皇家艺术学院学习。1896年，加入孙中山的民主革命，1907年在英国与孙中山等创立兴中会。1908至1911年，入威廉·切斯画室。1913年入美国纽约美术大学，1914年获铜像雕刻学冠军。是中国美术史上第一个赴欧美学习并取得较高成就者。1930年由美归国，
西方绘画最著名的500幅世界名画欣赏
西方绘画最著名的500幅世界名画欣赏 1、无名女郎 1883年克拉姆斯柯依俄国×99cm 布 油彩莫斯科特列恰科夫美术馆藏 这是一幅颇具美学价值的性格肖像画，画家以精湛的技艺表现出对象的精神气质。画中的无名女郎高傲而又自尊，她穿戴着俄国上流社会豪华的服饰，坐在华贵的敞蓬马车上，背景是圣彼得堡著名的亚历山大剧院。究竟“无名女郎”是谁，至今仍是个谜。画家在肖像画上创造了一种新的表现风格，即用主题性的情节来描绘肖像，展示出一个刚毅、果断、满怀思绪、散发着青春活力的俄国知识女性形象。 2、入睡的维纳斯约1510-1511年乔尔乔内意大利×175cm 布油彩德累斯顿国家美术馆藏 这是乔尔乔内最成功的油画作品，最后由提香完成。作品中的维纳斯展示出造化之美，没有任何宗教女神的特征：在自然风景前入睡的维纳斯，躯体优美而温柔，形体匀称地舒展，起伏有致，与大自然互为呼应。这种艺术处理不是为了给人以肉感的官能刺激，而是为了表现人的具有生命力的肉体和纯洁心灵之间的美的统一。这种充满人文精神的美的创造，是符合文艺复兴时期理想"美"的典范的。
3、蒙娜丽莎 1503年-1506年莱奥娜多·达·芬奇意大利77cm×53cm 板油彩巴黎卢浮宫藏 达·芬奇的《蒙娜丽莎》成功地塑造了资本主义上升时期一位城市有产阶级妇女形象。据记载，蒙娜丽莎原是佛罗伦萨一位皮货商的妻子，当时年仅24岁。画面中的蒙娜丽莎呈现着微妙的笑容，眉宇间透出内心的欢愉。画家以高超的绘画技巧，表现了这位女性脸上掠过的微笑，特别是微翘的嘴角，舒展的笑肌，使蒙娜丽莎的笑容平静安祥而又意味深长。这正是古代意大利中产阶级有教养的妇女特有的矜持的美 好表现，不少美术史家称它为"神秘的微笑"。 4、亚威农少女毕加索西班牙 1907年油画 244×厘米纽约现代艺术博物馆 这是现代艺术创始人毕加索早期立体主义的代表作品，是一幅颠覆了以往的艺术方法的立体主义经典画作。可以说，《亚威农少女》是毕加索一生的转折点，没有它，也就不会诞生现在的立体主义。所以，人们往往称呼它为现代艺术发展的里程碑。这幅画的题目是诗人萨尔蒙所起的。当时，青年时代的毕加索生活比较贫困，住在“洗衣坊”大楼。而“亚威农大街”当时是巴塞罗那的一条“烟花巷”。这幅画中的女人原型就是这条街上的妓女们，所以也有人把这幅画称为《青楼少女》。这幅画，作者抛弃了对人体的真实描写，把
油画静物
教学内容： 一、观察方法 科学的观察方法是从研究物体存在的特征，即研究形体结构的存在方式这一根本点出发的。在这一前提下，它是一种整体地、联系地、本质地观察可视形象特征的手法。 1、从整体出发观察 从整体出发是科学的观察方法的核心。任何客观存在的形体形象均是由各个局部组成的一个整体，整体离不开局部，局部受整体的制约。它们是辩证统一的关系。看不出、画不准整体特征，局部特征即使再准确也会失去存在的意义。局部特征失调，也会影响整体形象。任何形象的根本特征首先来自它的整体和全貌，局部特征只是处于从属的地位。画好某一个局部是比较容易的，画好整体则比较困难。我们观察和刻画形象应当从难、从严要求。 在素描中，做到“始终从整体出发观察和刻画形象，始终使局部服从整体特征，表现局部某个局部而忘记、忽略、画错了整体特征，却是经常出现的问题。这是因为，作画只能一笔一笔地画，只能从局部下笔直到画完，客观上也就容易养成从局部出发看问题的不良习惯。素描中出现的形象松散歪曲、比例失调、色调花乱、透视不统一等常见的毛病，主要来自这一习惯。对这一点我们应当有清醒的认识。 为了养成从整体出发观察和刻画形象的习惯，在观察中我们不仅要看到某一个局部，同时也要看到更多的局部，并对各个局部进行比较和鉴别，从而把握和体现整体特征；在明确整体特征的前提下再回过头来观察局部，研究它在整体特征中所处的位置和所起的作用，并正确的加以刻画。 总之，要从整体出发观察和刻画局部，观察和刻画局部是为了更充分的表现整体。从整体着眼，从局部入手，画整体时要照顾局部，画局部时要考虑整体，这是观察和刻画形象的原则，它反映了整体与局部的辩证关系。“整体----局部------更完善的整体”，我们一定要学会运用这个公式来指导自己的观察和作画实践。 2、联系地观察 在一个整体形象中，局部与局部之间是相互依存，有其内在联系的，包括解剖关系、空间关系以及透视变化上的联系等等。在观察物象时，我们不仅要从整体出发进行观察，还要运用联系的方法进行观察。例如，在画头像时，不仅要观察其基本特征，还要进一步研究头、脸、五官在解剖上的内在联系，包括比例位置、高低起伏、前后空间、左右对称以及各器官形象特征的相互联结等等。这就是联系的观察方法，它是对从整体出发观察的补充和深化。 从实践的角度看，联系地观察往往是整体观察的桥梁。要通过联系观察的训练，逐步扩大视野，增强对整体内容的把握能力，达到从整体出发观察的理想彼岸。 3、本质地观察 任何表面现象都以本质为根据，现象只是本质的反映。不认识、不理解事物的本质，也就不可能真正理解现象，反而会被现象所迷惑，从而产生某种盲目性。 对形象本质特征的观察和理解，不仅是为了画准形象，也是提高审美能力和掌握艺术表现语言的需要。艺术形象不等于自然形象，艺术的美也不等于自然的美；艺术源于生活，但要高于生活。这就需要我们对自然形象加以提炼和概括，
西方美术鉴赏心得体会嗳
西方美术鉴赏心得体会嗳┈☆痛(网易博客) 2010-05-16 19:34:09| 分类：回顧~~ | 标签：|字号大中小订阅在艺术分类中，美术又称造型艺术、视觉艺术、空间艺术。它是指艺术家运用一定的物质材料，如颜色、纸张、画布、泥土、石头、木料、金属等，塑造可视的平面或立体的视觉形象，以反映自然和社会生活，表达艺术家的思想观念和感情的一种艺术活动。它主要包括 绘画、雕塑、工艺、建筑等类型。 西方现代“美的艺术”概念形成与确立经历了一个漫长的发展过程。意大利文艺复兴时期出现的artideldis啨gno是西方古代艺术概念向现代“美的艺术”概念过渡的第一个重要概念。在法国,其对应概念beaux-arts最初是作为绘画、雕塑和建筑的统称出现的。但随着现代“美的艺术”体系在法国的形成和确立,beaux-arts不再是一个单纯的视觉艺术概念,而是在原有艺术门类的基础上增加了诗歌和音乐。“模仿美的艺术”是这一“美的艺术”体系及概念的核心原则。此外,“天才”、“想象力”、“与效用相对立的愉悦”和“审美”等同样也是这一现代艺术体系的基本原则。当beaux-arts概念借助“百科全书”及其他渠道进入英语世界后,其对应概念fineart 再次发生了一些变化。首先是Art逐渐取代了fineart;其次是这一英语概念更多的被用作视觉艺术,特指绘画、雕塑和建筑等纯艺术,旨在与“装饰艺术”和“实用艺术”拉开距离。
20世纪以来，西方现代美术呈现出流派迭起，千姿百态的局面。1905年诞生的以马蒂斯为代表的野兽派绘画。1908年崛起的以布拉克和毕加索为代表的立体派绘画。随着德国1905年桥社和1909年蓝骑士社的先后成立，表现主义作为一种重要流派登上画坛，此派绘画注重表现画家的主观精神和内在情感。1909年在意大利出现了未来主义美术运动。抽象主义的美术作品大约于1910年前后产生。第一次世界大战期间产生的达达主义思潮，此派艺术家不仅反对战争、反对权威、反对传统，而且否定艺术自身，否定一切。随着达达主义运动消退，在此基础上出现了超现实主义艺术思潮。第二次世界大战后在美国产生的以波洛克、德?库宁为代表的抽象表现主义绘画，综合了抽象主义、表现主义的特点。20世纪50年代初萌发于英国、50年代中期鼎盛于美国的波普艺术，继承了达达主义精神。而70年代兴起的超级写实主义（或称照相写实主义）运动，其主要特征是利用摄影成果，进行客观的复制和逼真的描绘。 在20世纪的历史发展过程中，美术史论的研究逐步开始学科化，是伴随着人文科学研究的整体推进而表现出超于以往的快速发展，这一发展的速度在80年代以后更是前所未有。为了美术的发展，也为了史论学科的发展，史论家们不断地提出史论研究与创作的关系。其主要的目的就是希望那些不重视史论的画家们重视史论工作，一方面是通过此而提升当代美术创作，另一方面是推动史论的研究，以此确立史论这一学科在美术界的地位。