外国美术鉴赏论文 哥特式教堂

外国语言文化学院期末考试论述作业答卷

浅谈哥特式教堂

摘要

在欧洲历史上，公元5世纪到15世纪，自西罗马帝国的崩溃到文艺复兴运动和大航海时代之间的时期被称为“中世纪”。中世纪据说是最黑暗的时代，那个时候教会掌控人们的生活，要求“灭人欲”，思想禁锢严重，黑死病爆发，十字军东征等都给这中世纪蒙上了阴郁的色调。

然而，正如埃及人因为对法老的崇拜而建立起了金字塔，中世纪对宗教的极端崇拜则催生了教堂史上的一大瑰宝——哥特式教堂。

哥特式建筑起源于十三世纪的巴黎。其中当属哥特式教堂最为闻名。据说，由于内部的高大宽敞，参观者会感到无形的压力，人类的渺小以及上帝的伟大。

最早接触哥特式教堂应该是通过电视电影，记得当初看哈利波特，被霍格华兹魔法学校里面的走廊深深吸引，后来才知道取景地就是哥特式教堂——格洛斯特大教堂。再后来看的《达芬奇密码》，拍摄地之一的林肯大教堂居然也是哥特式教堂。潜移默化之中，哥特式教堂的尖拱券，小尖塔，飞扶壁，修长的立柱或簇柱，以及彩色玻璃镶嵌的花窗（当然这些专业名词是在上这门课之前我是完全不了解的）已

经给我留下了深刻的影响。上大学后，有机会去一睹离我最近的一座哥特式教堂——石室圣心大教堂。教堂虽小，五脏俱全，彩色玻璃窗，繁复的尖拱，尖峭嶙峋的外观令人目眩！

一、名称的由来

“哥特人”是指曾于公元3~5世纪侵略意大利并瓦解罗马帝国的德国哥特族人，代指野蛮人。

在15世纪时，掀起的文艺复兴运动旨在振兴古罗马文化，认为古罗马文化为正统，而哥特式建筑又曾经取代罗马艺术在中世纪风靡一时，所以他们便将中世纪时期的艺术风格称呼为“gothic”，对他们而言即意味着野蛮。

然而，不管这个代称的含义是如何“野蛮”，哥特式教堂仍然如同它的发音一般优雅美丽，魅力难掩。事实上，现在鲜有人真正了解哥特式原本的含义，特别是后来的哥特小说，哥特服装的兴起，更让人忘记了其本来含义，而把它与黑暗、奇异、古怪联系到一起。但是不管怎样，哥特式建筑这个词却无疑是令人向往的。

二、教堂结构的变化

1.突破传统

传统的罗马式教堂给人的印象是结实稳重，不可动摇，从而来体现教会的权威。而哥特式教堂则正相反，它用的是直升的线条，奇突的空间推移，透过彩色玻璃窗的色彩斑斓的光线和各式各样轻巧玲珑

的雕刻的装饰来营造一种蓬勃的活力，营造弃绝尘寰的宗教思想。

1.1罗马式建筑的典型特征是：

1、墙体巨大而厚实，墙面用连列小券，门宙洞口用同心多层小圆券，以减少沉重感。

2、窗户、门、拱廊上都采取了半圆形的拱券结构。

3、常采用扶壁和肋骨拱来平衡拱顶的横推力。

4、西面有一、二座钟楼，有时拉丁十字交点和横厅上也有钟楼。

5、中厅大小柱有韵律地交替布置。

6、窗口窄小，在较大的内部空间造成阴暗神秘气氛。

7、朴素的中厅与华丽的圣坛形成对比，中厅与侧廊较大的空间变化打破了古典建筑的均衡感。（如图一的比萨大教堂）

图一

1.2哥特式教堂的墙和塔都是越往上分划越细，装饰越多，也越玲珑，而且顶上都有锋利的、直刺苍穹的小尖顶。不仅所有的顶是尖

的，而且建筑局部和细节的上端也都是尖的，整个教堂处处充满向上的冲力。有人形容这是一种“火焰式”的冲力，仿佛可以将你的意念带向天国，直达上帝，有力地调动了人们的视觉和情绪。（如图二的米兰大教堂，正门有众多小尖塔，大小尖塔约138座）

图二

2.转变原因

在12—15世纪，城市手工业和商业行会相当发达，城市内实行一定程度的民主政体，市民们以极高的热情建造教堂，以此相互争胜来表现自己的城市。另外，当时教堂已不再是纯属宗教性建筑物，它已成为城市公共生活的中心，成为市民大会堂、公共礼堂，甚至可用作市场和剧场。在宗教节日时，教堂往往成为热闹的赛会场地。

所以，罗马式建筑虽然较宽大雄浑，但显得闭关自守，并且由于拱顶产生强大的侧推力，需要笨重的支撑部件来平衡，挤占大量底层实用空间，与教堂作为信众经常出入使用的公共场所的用途不符。而哥特式建筑轻薄高耸，不再是纯粹的宗教建筑物，也不再是军事堡垒，而是城市的文化标志，更加实用和贴近现实。（如图三）

图三

三、技术与艺术

要突破传统，技术的创新必不可少。哥特式建筑带来的建造教堂的新技术使教堂焕发出新的艺术光彩。

1.尖肋拱顶

从罗曼式建筑的圆筒拱顶普遍改为尖肋拱顶（Pointed Arch，或者干脆称为Gothic Arch），作用是将所有的内部空间以骨架券连接为整体。推力作用于四个拱底石上，这样拱顶的高度和跨度不再受限制，可以建得又大又高。并且尖肋拱顶也具有“向上”的视觉暗示。

1.1拱的演变

从真拱中演变出来的结构有——筒拱、十字拱、六分拱，包括穹窿、内角拱、帆拱，其横截面都是半圆形或者一段圆弧。

图四图四为传统的圆筒拱

图五图五：A，原先的十字交叉拱的砌法；B，尖拱的常见砌法，先砌拱肋，然后再在拱肋上砌石板，这种拱肋又称为骨架，这种技术的难度明显增大，但石板的厚度可以显著减小，从而减轻结构的重量；C，四分尖拱肋；D，六分尖拱肋；E，星状尖拱肋示意图，分叉的拱肋向下汇合成束柱。

1.2门的演变

由于整个建筑的重量最终还是靠最下面一层的墙承担的，所以底层的墙非常厚。为了让群众在进教堂时不至于对墙的厚度感到不舒服，建造者经常把大门设计成层层推进的（图六图七）并雕刻上圣徒的

像分散人们的注意力。

图六

图七(巴黎圣母院的正门，雕刻的题材是“最后的审判”)

2.肋架券

肋架券是直接与承重部件相连、从拱顶的起脚处开始、沿着拱顶

弧面的边缘架设的加强拱券。肋架券在哥特建筑诞生之前已经很成熟：仍然属于罗曼式建筑的美因茨主教座堂的拱顶就完全具备了哥特特征。哥特工匠更加明确地掌握了它的受力原则，懂得要毫无遗漏地为拱顶弧面的每一条弦添加肋架券。这样拱顶的其余部分就不再承重，只有围护作用，称为“蹼”，几乎不对墙壁产生侧推力。蹼可以削薄到25至30cm，并且可通过填充轻质建材进一步减轻自重。（图八英国西敏寺繁复的肋架券）

图八

3.飞扶壁

飞扶壁是一种起支撑作用的建筑结构部件，凌空跨越下层附属空间（如走道、小祈祷室等）连接到顶部高墙上肋架券的起脚部位，用

于平衡肋架拱顶对墙面的侧向推力。由于飞扶壁通常以半个拱券的形式出现，所以又称飞券。

飞扶壁在结构上应与肋架券连用，与哥特建筑标志性的尖券并无对应关系。与扶壁相比，飞扶壁的位置可以相对自由地设置，为底层的平面布置提供多种可能性。另外由于肋架券的受力点集中在飞扶壁上，除此之外的墙体可以砌筑得很薄，甚至完全取消、改为花窗玻璃。同时因为飞扶壁暴露在建筑外部，也具有很大的装饰作用。有的在扶拱垛上又加装了尖塔改善平衡。扶拱垛上往往有繁复的装饰雕刻，轻盈美观，高耸峭拔。（图九图十图十一）

图九

图十法国亚眠大教堂双层飞扶壁

图十一巴黎圣母院成排的飞扶壁

4.玻璃花窗

也是由于肋的增多，肋组成的网络就足以承担重量，拱柱之间的墙承受的压力就小了，所以哥特式教堂创造性地用彩色玻璃马赛克组成的大窗替代了墙。他们把从阿拉伯国家学得的彩色玻璃工艺，拼组一幅幅五颜六色的宗教故事，起到了向不识字的民众宣传教义的作用，也具有很高的艺术成就。花窗玻璃以红、蓝二色为主，蓝色象征天国，红色象征基督的鲜血。窗棂的构造工艺十分精巧繁复。细长的窗户被称为“柳叶窗”，圆形的则被称为“玫瑰窗”。（如图十二十三十四）花窗玻璃造就了教堂内部神秘灿烂的景象，从而改变了罗曼式建筑因采光不足而沉闷压抑的景象，并表达了人们向往天国的内心理想。光线就这样第一次以瑰丽的形式进入了原来教堂里阴暗的空间。信徒在这样光线下，怎么不会产生接近神灵的感觉？就像奥古斯特〃罗丹说过:“哥特艺术的灵魂是在光与影的感人变化中,这种变化使整座建筑物富于韵律。”

图十二

图十三

以旧约上的故事为内

容，主要的基调是紫

色，因为紫色是耶稣

的颜色

四、不同地区的发展

在英格兰，垂直线条得到强化。在德意志地区，高塔成为重要标志。具有文化优越感的意大利人，在这种新的建筑形制面前表现出相当矛盾的心态，一方面他们蔑视这种新的风格，并将之取名为哥特建

筑；另一方面，在建筑的外观装饰等方面借鉴了哥特风格的尖拱造型。

五、小结

哥特式教堂无疑是教堂史上的一次伟大的革命和创新。在其上延伸出来的以哥特式城堡为背景的哥特小说，或者直接发生在哥特式教堂为背景创作的名著《钟楼怪人》，哥特式建筑给我们带来的不仅是视觉上的冲击，也是文化的冲击，灵魂的冲击。有人说过，透进玫瑰花窗的光芒不仅仅给黑暗许久的教堂带来光明，也给黑暗的中世纪带来了光明。哥特式教堂的尖顶实际上刺破了禁锢，暗示着自由的来临。

参考文献

1.西方建筑小史——罗马风与哥特式liptontea

https://www.wendangku.net/doc/2919115928.html,/986847.html

2.哥特式教堂玻璃窗纹样与羊毛毡工艺的结合论文杨忠鑫

3.英国哥特体小说研究--《山东大学》2008年硕士论文宁晓慧

4.土木工程概论结课论文

5.骨架券

https://www.wendangku.net/doc/2919115928.html,/s/blog_6a4df70a0100psii.html

6.哥特式建筑维基百科

https://www.wendangku.net/doc/2919115928.html,/wiki/哥特式建筑

西方美术作品欣赏 论文

西方美术作品欣赏—— 你喜欢西方美术史上的哪个时期，举例并分析原因 经过一个学期的西方美术作品欣赏课程的学习，我们大致了解了西方美术史上的各个时期的著名画家及其作品等。其中我最喜欢的时期是19—20世纪的现实主义时期，因为现实主义时期的艺术作品都非常写实，很生动形象的反映了当时的社会状况和人们的生活情况等。而现实主义时期的艺术家中，我最喜欢的就是法国的雕塑家罗丹。 罗丹，他是19世纪法国最有影响力的雕塑家，他的主要贡献在于恢复了西方雕塑对人类的理解和对精神世界的表现。然而，罗丹的一生却总是被人攻击和嘲讽的，但他始终以一种伟大的人格正确地面对这一切。罗丹偏爱悲壮的主题，他善于从残破中发掘出力与美。这使得他的艺术具备博大精深的品格。罗丹开创了一个全新的时代，创作了一种全新的艺术手法。他将其毕生投入到对艺术执着追求和人生种种痛苦的思索中去，因此，他所塑造的人物都是忍辱负重的，是对现实生活的内涵写照，他的作品都深刻揭示了人类的丰富情感，作品所体现出的思想和精神魅力，永远带给人一种深沉的美，启迪着人们不停地思考。 他的著名作品有很多，如《青铜时代》、《地狱之门》、《吻》、《思想者》等。其中让我印象最深刻的就是《青铜时代》和《思想者》。 《青铜时代》，它是罗丹依据真实人物塑造出的一个裸露的青年男性的人体雕塑，这个男子的左手微微握拳，右手抓住自己的头发，右腿弯曲着，右脚微微抬起，好像正要迈步的样子；头部微向后仰，眼睛微闭着，看似是睡意朦胧的状态，但身体却十分舒展，好似是即将要从梦中醒来想要伸展全身的样子。 这个雕塑最初被罗丹命名为“被征服者”，后在把雕塑中的棍子取消后才被改名为《青铜时代》，这个名字也重新为雕塑赋予了新的含义，它象征着人类刚刚从原始社会过渡到了启蒙时代，从刚刚摆脱了野蛮和蒙昧的状态，逐渐具有了清醒的意识，过渡到具有文明和智慧的时代。 这尊雕塑被塑造的十分真实，全身的轮廓结构十分均匀，体态非常的自然、生动，身体各处都被雕塑的十分细致，如他臂上的肌肉、四肢的各个关节等，好似就是有这样一个裸露的男子站在你的面前。体型完美匀称，躯体和四肢显得平滑而优美，虽是雕塑出来的人体但他的身体却看似十分柔软、富有弹性。这个男子似乎有着真实的呼吸和血脉的流动，充满着生命的活力。他舒展全身，正在解脱一切束缚，开始发出体内一切未被发掘的力量。裸露的身体表现了他具有普遍的人性的特点，也象征着人类只是刚刚从原始社会走出来的特点。 然而，罗丹的《青铜时代》也曾经是一个饱受争议的作品，这是由于这个裸露的男子被塑造的太过真实，因此在展览会上《青铜时代》被评论界一致认为是用真实的人体浇铸而成的，罗丹为此也曾向美术院提出抗议，直到罗丹当着众人的面没有参照任何模特便即兴塑造了一个男性裸体时，才打破了这一言论，获得了他应有的荣誉。 《思想者》，是罗丹晚年最伟大的杰作，它的创作出自于《地狱之门》——罗丹的另一著名雕塑。它本是《地狱之门》的一部分，应立在地狱之门雕塑的门楣之上。在他的下方，是地狱之门，那里有一群在罪恶、苦难、痛苦、绝望中挣扎的人，思想者俯身低着头，看着他们，仿佛被眼前的这一幕惨景所震动，继而陷入了苦痛的沉思中。 后来，《思想者》被独立出来，成为了罗丹个人艺术道路上一个里程碑似地雕塑。这个

论文--哥特式建筑赏析

哥特式建筑赏析 哥特式建筑是11世纪下半叶起源于法国，13～15世纪流行于欧洲的一种建筑风格。主要见于天主教堂，也影响到世俗建筑。哥特式建筑以其高超的技术和艺术成就，在建筑史上占有重要地位。最负著名的哥特式建筑有巴黎圣母大教堂、意大利米兰大教堂、德国科隆大教堂、英国威斯敏斯特大教堂 （一）哥特式建筑的历史背景 自公元12世纪到公元15世纪，城市已成为各个封建王国的政治、宗教、经济和文化中心，这一时期兴起了封建社会大发展的产物——哥特式艺术。 其开始于建筑方面，而后才追件波及到雕刻和绘画。它发展的重点是从追求建筑的效果而转向绘画的效果：早期哥特式雕刻和绘画都是巨大建筑的一部分，而晚期的建筑和雕刻则追求片面装饰性的效果，不再追求结实和简洁的处理。 哥特式建筑（Gothic architecture）是以法国为中心发展起来的。在12—15世纪，城市手工业和商业行会相当发达，城市内实行一定程度的民主政体，市民们以极高的热情建造教堂，以此相互争胜来表现自己的城市。另外，当时教堂已不再是纯属宗教性建筑物，它已成为城市公共生活的中心，成为市民大会堂，公共礼堂，甚至可用作市场和剧场。在宗教节日时，教堂往往成为热闹的赛会场地。 确切说，开始于1140-1144年间路易七世的长玺官苏热重修圣德尼教堂之时。圣德尼教堂表明了一种新的建筑风格，这种风格从本质上区别于罗马式建筑：首先，后者有着结实而厚重的墙壁，而前者具有轻盈、纤细的结构。罗马式的教堂建有沉重的拱顶，其稳定性取决于足够厚实的墙壁，以支撑各种各样的压力和应力。其次在罗马式建筑中，窗户总是很小，而现在，窗户的尺寸大大增加，允许空前规模的采用彩色玻璃画。第三，圣德尼教堂的片面遵循了带有呈放射分布的礼拜堂的后堂回廊式型制，但这些礼拜堂不再像早先建筑那样呈孤立的单元。 （二）哥特式建筑的技术成就 哥特式建筑所显示的技术成就，我们可以从两个方面具体地感受到。首先是外部造型。哥特式建筑特别是教堂，外观的基本特征是高而直，其典型构图是一对高耸的尖塔，中间夹着中厅的山墙，在山墙檐头的栏杆、大门洞上设置了一列布有雕像的凹龛，把整个立面横联系起来，在中央的栏杆和凹龛之间是象征天堂的圆形玫瑰窗。西立面作为教堂的入口，有三座门洞，门洞内都有几层线脚，线脚上刻着成串的圣像。所有墙体上均由垂直线条统贯，一切造型部位和装饰细部都以尖拱、尖券、尖顶为合成要素，所有的拱券都是尖尖的，所有门洞上的山花、凹龛上的华盖、扶壁上的脊边都是尖耸的，所有的塔、扶壁和墙垣上端都冠以直刺苍穹的小尖顶。与此同时，建筑的立面越往上划分越为细巧，形体和装饰越见玲珑。这一切，都使整个教堂充满了一种超俗脱凡，腾跃迁升的动感与气势。这种气势将基督教的“天国理想”表现得生动、具体，也显示出中世纪高超的建筑技

中外美术鉴赏论文_

浅谈你对美术鉴赏的认识 -——美术鉴赏让我们懂得如何欣赏美 一个学期的美术欣赏课结束了，我受益良多。这一学期的课程，对我来说是"美的历程"，从以前的不懂美，对美的浅薄的外在认识，到现在的欣赏美，逐渐明白更重要的是看到美的本质。 众所周知，审美教育是大学生全面发展教育中不可缺少的组成部分。尤其是我们建筑学专业的学生，更需要好好的去学习中外美术鉴赏这门课。有位大家说过："艺术的最终目的，就是使人们更深地懂得生活，进而更加热爱生活。"学习美术欣赏，要更好的培养大学生，提高大学生的素质，最根本的问题是要提升大学生的精神境界。美术欣赏的最终意义，就在于使大学生的情感得到陶冶，思想得到净化，品格得到完善，从而使身心得到和谐发展，精神境界得到升华，自身得到美化。美术鉴赏课将我带到了一个全新的世界，带到了一个我以前从未涉足过的领域，带到了艺术的殿堂，我可以说出那些美丽的作品的故事，它让我发现原来世界是这么美，原来一个人的思想可以这样表达，原来先代们是那么的智慧。 美术鉴赏是运用感知、经验对美术作品进行感受、体验、联想、分析和判断，获得审美享受，并理解美术作品与美术现象的活动。美术鉴赏活动能帮助我们在欣赏、鉴别与评价美术作品的过程中，逐步提高审美能力，形成热爱本民族文化、尊重世界多元文化的情感和态

度。 美术欣赏有益于大学生灵魂的雕铸和人格的完善。艺术教育注重开发和挖掘人自身的潜能，并致力于培养人的自尊、自信、自爱、自立、自强意识，不断提升人们的精神文化品味和生活质量，从而不断提升人的生存和发展能力，促进人的全面发展与完善。人的全面发展，包括智力、体力、思想、道德、意志、信念、情感等各方面，全面发展是一专多能的素质型发展。大学生美术鉴赏作为美育的一种手段，在促进大学生灵魂雕铸和人格完善的全面发展中起着重要的作用。 欣赏以线造型的中外美术作品，提高学生对“线”这一艺术形式的审美能力。线条是美术最基本的造型手段，是构成视觉艺术形象的一种基本因素，无论平面的还是立体的作品；不论是写实，还是装饰；不论是抽象的，还是具象的……在长期的美术发展过程中．“线”作为美术家创造形象和表达自己思想感情的艺术语言，一直处于十分重要的地位，并越来越显示出丰富的表现力及艺术美感。尤其是古中国的美术，旧石器时代的粗石器，已能磨光、雕琢、钻孔，符合对称、均衡等形式美法则，初具节奏和线条的韵律美在新石器时代的仰韶文化中，可以找到中国美术的早期形式，这种形式一直延续直公元前6世纪。早在红山文化时期，就已经有玉雕的龙形及其他佩饰作品出土，从半坡遗址中可以发现，仰韶时期已经有陶艺存在。早期的陶瓷制品没有画上去的图案，但是有滚花。有很多画有以对称形式展开的鱼或者人的面部的图案。新石器时代的彩陶，从几何纹饰进展到动植物纹样，其中以仰韶文化和马家窑文化的彩陶纹样最为丰富生动。除彩陶

梵高作品赏析

梵高作品赏析 艺术是人类社会的最高追求，无数的画家和文人穷其一生致力于创作，他们在自由的艺术世界中寻求精神的借慰，在他们的作品中传达他们对社会的期望和未来的憧憬。艺术家是最纯洁最朴实的，他们能在最简陋的破房子中画上一整天，他们能在最单调的风景前思考许久，但他们拥有最宝贵的精神境界，最高尚的心灵。让我们走进梵高，走进他的绘画世界。 梵高的曲折人生 梵高的生平都充斥着一个词“孤独”，梵高小时并没有展现独特的绘画能力，在27岁时梵高正式成为职业画家，但梵高当时的作品并不被当时的买家所接受，梵高的粗犷的线条和颜色没有得到认同，他的一生只卖出过一幅画，还是他的弟弟提奥瞒着他买的。艺术总是伴随着精神的至高追求，而越是困苦越是孤独，精神冲击越大，艺术家所能淋漓精致表现地也越充分。 梵高的一生始终执着于着对亲情，友情，爱情的追求，梵高有过三次恋爱，他爱上了房东的女儿，求婚被拒；他爱上了自己守寡的表姐，没能被接受；他最后无奈地和作为自己绘画模特的妓女在了一起，后因为不和而分离。对于友情，梵高唯一的好友高更，也在与梵高相处了两个月之后，因为性格不和而离去。对于亲情，似乎是上天对梵高最后的眷顾，他的弟弟提奥是唯一真正对他好的人，由于他的作品不能卖出，日常的生活费用都是他的弟弟寄给他的，但这也不断刺激着梵高，他就像是个包袱一样一直挂在他弟弟家里，他悔恨自己的无能与弱小。梵高的一生都是自己一个人，他渴望别人的认可与接受，但是上天都拒绝了他，促成了他心里上的缺陷。但他有唯一的爱好，唯一支撑着他走下去的不会撒谎的追求——绘画，他把自己的一切都放在了自己的画里，他的愤恨他的悲伤与难过。 1890年7月的一天，37岁的梵高悄然走向奥维尔小镇外的一片麦田，从衣袋里掏出一把左轮手枪，笨拙地对准自己的腹部，扣动了扳机。梵高最后已自杀结束了自己的生涯，他不想再给他的弟弟增加负担，也不想再一个人孤独地走下去，只留下了他的艺术他的灵魂，他充满梦想的创作。 梵高的作品风格 梵高是后印象主义的先驱，他的创作理念深深地影响了二十世纪艺术，尤其是野兽派与表现主义。接触印象派以后造就了梵高独特的画风，他唯一深爱的东

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密联系性等。1995年，尹少淳在其著作《美术及教育》中指出，美术鉴赏是运用感知、记忆、经验、、知识，对美术作品，进行感受、体验、分析、判断，而获得审美享受和美术知识的过程。1998年，张道一在其主编的《美术鉴赏》中提出，美术鉴赏对于鉴赏者来说也是一个复杂的心理活动过程，它与艺术的创造一样，同是知（认识）、情（情感）、意（意志）等过程的系统组合。21世纪伊始，关于此方面的研究近一步深入。2000年，王大根在《美术教学论》中提到，美术欣赏是一种视觉心理活动，它是从视觉对作品的直观感受开始，通过知觉与联觉、统觉而变成情感和意识的过程。2001年，王向峰其著作《美的艺术显形》中指出，艺术欣赏的主要特征有：艺术品相对与欣赏者的外在性、艺术欣赏的过程性、欣赏者在欣赏过程中的创造性。2002年，陈新汉在其著作《审美认识机制论》中提出，艺术欣赏是纯粹化、集中化的审美活动，是客观化审美活动的主观化，它作为对艺术作品的具体把握，是欣赏者接触艺术作品而产生的一种审美活动，也是一种通过艺术作品中的形象去间接认识客观世界的思维活动。 总之，美术的欣赏是运用感知、记忆、经验、知识，对美术作品进行感受、体验、分析、判断而获得审美享受和美术知识的过程。 2．写意

哥特式建筑赏析

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美术鉴赏论文

美术鉴赏论文 ———《清明上河图》 摘要：《清明上河图》乃中国十大传世名画之一，它是北宋风俗画作品，该画卷是北宋画家张择端存世的仅见的一幅精品，全图可分为三个段落，展开图，首先看到的是汴京郊外的景物。中段主要描绘的是上土桥及大汴河两岸的繁忙景象。后段则描绘了汴京市区的街景。人物大不足3厘米，小者如豆粒，仔细品察，个个形神毕备，毫纤俱现，极富情趣。该画内容丰富，结构严谨，繁而不乱，长而不冗段落分明，在技法上，大手笔与精细的手笔相结合，善于选择那些既具有形象性和富于诗情画意，又具本质特征的事物、场面及情节加以表现。写了北宋都城东京市民的生活状况和汴河上店铺林立、市民熙来攘往的热闹场面，描绘了运载东南粮米财货的漕船通过汴河桥涵紧张繁忙的景象。 关键词： 清明上河图》是一幅具有历史价值的风俗长卷。作者张择端通过对清明节日北宁都城汴梁和以虹桥为中心的汴河两岸各阶层人物活动情景的描绘，集中反映了这一历史时期社会生活的一些侧面。《清明上河图》这一不朽杰作，无论从绘画艺术价值或从历史价值而言，皆堪称国之瑰宝。《清明上河图》长525厘米，宽25.5厘米，其中计有人物684个，牲畜96头，房舍122座，轿子8顶，舟船25只，树木124棵。《清明上河图》画卷，北宋风俗画作品。传世名作、一级国宝。《清明上河图》是中国绘画史上最着名的作品之一，不但艺术水平高超，而且围绕着它还流传下来许多有趣的故事。该图描绘了清明时节，北宋京城汴梁以及汴河两岸的繁华景象和自然风光。作品以长卷形式，采用散点透视的构图法，将繁杂的景物

纳入统一而富于变化的画面中，画中人物500多，衣着不同，神情各异，其间穿插各种活动，注重戏剧性，构图疏密有致，注重节奏感和韵律的变化，笔墨章法都很巧妙。全图分为三个段落。首段，汴京郊野的春光：在疏林薄雾中，掩映着几家茅舍、草桥、流水、老树、扁舟。两个脚夫赶着五匹驮炭的毛驴，向城市走来。一片柳林，枝头刚刚泛出嫩绿，使人感到虽是春寒料峭，却已大地回春。路上一顶轿子，内坐一位妇人。轿顶装饰着杨柳杂花，轿后跟随着骑马的、挑担的，从京郊踏青扫墓归来。环境和人物的描写，点出了清明时节的特定时间和风俗，为全画展开了序幕。中段，繁忙的汴河码头：汴河是北宋国家漕运枢纽，商业交通要道，从画面上可以看到人烟稠密，粮船云集，人们有在茶馆休息的，有在看相算命的，有在饭铺进餐的。还有王家纸马店，是扫墓卖祭品的，河里船只往来，首尾相接，或纤夫牵拉，或船夫摇橹，有的满载货物，逆流而上，有的靠岸停泊，正紧张地卸货。横跨汴河上的是一座规模宏大的木质拱桥，它结构精巧，形式优美。宛如飞虹，故名虹桥。有一只大船正待过桥。船夫们有用竹竿撑的；有用长竿钩住桥梁的；有用麻绳挽住船的；还有几人忙着放下桅杆，以便船只通过。邻船的人也在指指点点地象在大声吆喝着什么。船里船外都在为此船过桥而忙碌着。桥上的人，也伸头探脑地在为过船的紧张情景捏了一把汗。这里是名闻遐迩的虹桥码头区，车水马龙，熙熙攘攘，名副其实地是一个水陆交通的会合点。后段，热闹的市区街道：以高大的城楼为中心，两边的屋宇鳞次栉比，有茶坊、酒肆、脚店、肉铺、庙宇、公廨等等。商店中有绫罗绸缎、珠宝香料、香火纸马等的专门经营，此外尚有医药门诊，大车修理、看相算命、修面整容，各行各业，应有尽有，大的商店门首还扎“彩楼欢门”，悬挂市招旗帜，招揽生意，街市行人，摩肩接踵，川流不息，有做生意的商贾，有看街景的士绅，有骑马的官吏，有叫卖的小贩，有乘座轿子的大家眷属，有身负背篓的行脚僧人，有问路的外乡游客，有听说书的街巷

梵高美术鉴赏论文

梵高——一个纯粹的自我 班级：金融1404 姓名：蒋雯学号:2120141051无论是初中还是高中，美术课上总会有一个画家的名字频频出现，他就是梵高。一开始看他的画作，我感受到的是常人无法理解的癫狂，色彩明艳，表情夸张，尤其是那金灿灿的向日葵，似乎就像一个个闪耀的小太阳，硬是要把光亮深深刺进你的胸膛。但慢慢的我发现即便看过许多名家作品，梵高依然是心头最爱。不，应该是：越是对比，越是觉得梵高可贵，越是爱。 不可否认的，梵高是一个天才，是一个有一颗“金子般的心”的人，他的画将情感和美感融入，偏偏特别动情，偏偏特别美。一件艺术作品的价值，要结合艺术家创作时的背景和心境。一个艺术家的成就，要看他对后人的启发。 梵高在1880年决定开始正式画画，那时候他27岁，他搬去乡下跟他的父母住。作为一个没有工作的单身狗，被爸妈嫌弃是必然的。那时候的梵高，虽然在画画，但是日子过的很压抑，这可以从当时给弟弟提奥的信里看出，他自嘲自己过的连条狗都不如。当时的作品普遍比较灰暗，颜色比较单一。 但是在这样的情况下，他画出了《吃土豆的人》。准确地说，这幅画是1885年画的，但在那之前，画家已经开始构思练习了。吃土豆的人为什么是名作？蒋勋说，梵高当年画矿工画农民，是一种救赎，他想救赎自己，而他拿起画笔的时候是在画他无法救赎的人。而我最感动的是，梵高在自己被人嫌弃无法救赎的时候，居然还有怜悯之心去同情他人。吃土豆的人里，柔和的灯光，昏暗的房间，“我想传达的观点是，借着一个油灯的光线，吃马铃薯的人用他们同一双在土地上工作的手从盘子里抓起马铃薯——他们诚实地自食其力”。 梵高在1886年去巴黎，可以说，这家伙终于踏上了艺术这条不归路。当时是个什么情况呢？莫奈，马奈，毕沙罗，罗丹等等艺术家在巴黎正以“先锋艺术”的形象大展头脚。梵高就像一个小粉丝一样，怀着一颗惴惴不安的心，住进巴黎

西方艺术赏析论文

文艺复兴时期艺术思潮及代表性的艺术流派和艺术家 （学号：09290010211 姓名：马武林班级：城建土木二班）文艺复兴时期（14-16世纪）始于十三世纪末期的意大利，粗略指涉欧洲从中世纪到近代之间所经历的这四百多年时间。文艺复兴一词意指重生或复活，它是一个朦胧的概念，没有清楚的开始或结束日期，但通常可以涵括欧洲由野蛮的黑暗时代演进到一个在各个领域都有新发展的时代，而这些领域的成就均超越了伟大的古文明。 文艺复兴是一场资产阶级文化运动，它的核心是人文主义精神，人文主义精神的核心是以人为本，文艺复兴产生的根本原因是生产力的发展，资本主义萌芽的出现，其本质是正在形成中的资产阶级在复兴希腊罗马古典文化的名义下发起的弘扬资产阶级思想和文化的运动。 文艺复兴时期的艺术（一）佛罗伦萨画派 佛罗伦萨画派形成于13世纪末，鼎盛于１５世纪至１６世纪３０年代，以乔托为奠基人，初期以乔托·迪·邦多纳（1267-1337）、马萨乔（Masaccio，1401-1428）、桑德罗·波提切利（1445-1510）等画家为代表，盛期以达·芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔等画家为代表，是当时意大利成就最大的艺术流派。最终，生硬模仿前人技法的样式主义的流行宣布了佛罗伦萨画派的结束。 佛罗伦萨画派主要以宗教神话故事为题材。画家们遵循人文主义原则，用世俗化手法描绘至高无上的抽象的神，将神画成生活中的人的形象，并加以理想化，开一代人物画新风。作品表现的是神话故事和宗教人物，实际上反映的是人的思想、感情和力量。佛罗伦萨画派以油画和湿壁画成就较大，后者主要服务于教会、宫廷和资产阶级上层人物，在形式和内容上都有别于欧洲中世纪绘画。 从技法上来看，该派用科学方法探索人体的造型规律，吸取古代希腊、罗马的雕刻手法应用在绘画上，把中世纪的平面装饰风格改变为用集中透视，有明暗效果，表现三度空间的画法。它也影响了温布里亚画派和帕多瓦画派。他们的画法细腻，画面明暗对比不甚强烈，

哥特式建筑艺术赏析汇总

哥特式建筑群建筑艺术赏析 哥特式建筑艺术赏析 姓 名： 学 号： 院 系： 年 级： 信 箱： 电 话： 完成时间：

这学期选修了建筑艺术赏析这门课之后， 我通过老师在课上的讲 解和各种图片的展示，了解了很多形式和时代下的建筑的风采及特 点。

例如哥特式建筑是11世纪下半叶起源于法国 13~15世纪流行于欧洲的一种建筑风格。主要见于天主教堂，也影响到世俗建筑。哥特式建筑主要由石头的骨架券和飞扶壁组成。其基本单元是在一个正方形形平面四角的柱子上作双圆心骨架尖券，四边和对角线上各一道屋面石板架在券上，形成拱顶。采用这种方式，可以在不同跨度作出矢高相同的券，拱顶重量轻，

交线分明，减少了券脚的推力，简化了施工。 由于采用了尖券、尖拱和飞扶壁等建筑形式，哥特式教堂的内部空间高旷、单纯、统一。装饰细部也都用尖券作主题，使建筑风格与结构手法形成有机整体。 哥特式建筑以其高超的技术和艺术成就，在建筑史上占有重要地位。 哥特式建筑的特点是尖塔高耸、尖形门窗户及绘有圣经故事的花窗

玻璃。在设计中利用尖肋拱顶、飞扶壁、修长的束柱，营造出轻盈修长的飞天感。以及新的框架结构以增加支撑顶部的力量，使整个建筑以直升线条、雄伟的外观和教堂内空阔空间，再结合镶着彩色玻璃的长窗，使教堂内产生一种浓厚的宗教气氛。教堂的平面仍基本为拉丁十字形，但其西端门的两侧增加一对高塔。最负著名的哥特式建筑有巴黎圣母大教堂，意大利米兰大教堂，德

国科隆大教堂，英国威斯敏斯特大教堂等都是哥特式建筑的代表作。 哥特式建筑它有着浓郁的宗教气息。深受圣经等宗教事务的影响。

美术鉴赏论文

我最喜爱的画家——毕加索 在艺术的长河中，闪耀着一颗又一颗耀眼的明星，这些耀眼的明星们带给我们的有感动，有愤恨，有思考，有进步。我们从艺术中汲取养分，从艺术中得到灵感。画家无疑是艺术家群体之中重要的一族，他们用线条和色彩绘出了一个奇妙的世界，在这个世界中，我们可以找到自由翱翔的思想，也可以找到现实的影子，既可以找到对美好生活的憧憬，也可以找到阴暗生活的反映。在这个庞大的群体中，有一个独特的人，他个性、大胆、勇于创新，我们简直很难用一个或几个词汇去描述他，因为他太复杂。 第一次知道毕加索，不知道是什么时候了。但是真正开始认识他，则是在中学的美术课上。《格尔尼卡》是我接触到的第一幅毕氏画作。他用一种如此大胆如此不可思议的手法描述的现实，让我感到震撼。在画中蕴含着丰富的象征性，这种表现方式让我觉得和我见过的一些名画家的画作有极大的不同。 毕加索，1881年出生于西班牙，是立体派创始人，世界最具影响力的现代派画家，西方现代派绘画的主要代表，20世纪最伟大的艺术天才，人们称他为“人类艺术史上罕见的天才”。他的画画法和风格多变，在世界艺术史上占据不朽的地位，在他九十三年的漫长生涯中艺术几乎贯穿始终，他的作品不仅数量惊人,而且风格极其丰富多样，后人用“毕加索永远是年轻的”的说法形容毕加索多变的艺术形式。 也许是因为早年家境不佳，致使毕加索形成了敏感的性格，他早

期的作品风格也充满了忧郁的气息。在求学期间，毕加索努力地研习学院派的技巧和传统的主题，创作了许多以宗教为主题的作品。德加的柔和的色调，与罗特列克所追逐的上流社会的题材，也是毕加索早年学习的对象。而毕加索十四岁那年与父母移民巴塞罗那后的所见所闻以及迁至巴黎既落魄又贫穷，居住在洗衣坊的生活经历更深深加重了他那个时期作品中的忧郁气息。 1906年毕加索结识了马蒂斯等多位好友，并且此时他的经济状况也已渐渐好转，生活比以前愉快。也正是在此时，爱情也在不知不觉中悄然来到，软化了他这颗本已对生命固执颓丧的心灵，因此他这一时期的画作用色由忧郁愤懑的蓝色变为轻快甜蜜的粉红，其中大多色彩丰富，充满了淡淡的喜悦与生气, 绘画对象亦由蓝色时期的乞丐、瘦弱小孩和悲戚妇女转向街头艺人、杂耍艺人及风华正茂的女孩，透露出毕加索对人生百态的兴趣、关注及信心。之后毕加索又从德兰的非洲面具中得到启发，由此进入了他艺术生涯的非洲时期。这个时期，他笔下的人物体健硕而深沉，揭示了毕加索的立体主义时期的来临。在这一时期，毕加索与他的朋友布拉克一起创作出第一批拼贴画。1914年，战争使立体主义画家分道扬镳，各奔前程。毕加索重拾自由与个人在色彩上的品味，还有那旺盛的精力。无论从风格与绘画的对象上，他的“立体印象派”创作变得更加自由。纵观他的所有作品，他并未把自己局限于立体主义，而是继续从各方面探索。例如，1915至1916年的作品是自然主义的；1917年的却是现实主义。 第二次世界大战时，毕加索作油画《格尔尼卡》抗议德、意法西

哥特式 文艺复兴以及古典主义建筑赏析 论文

哥特式、文艺复兴以及古典主义建筑 赏析 Gothic, Renaissance and classical architecture appreciation 云南农业大学昆明黑龙潭650201 课程名称：建筑欣赏 学院：植物保护学院年级： 专业：动植物检疫学号： 云南农业大学 2014年6月

哥特式、文艺复兴以及古典主义建筑赏析 云南农业大学植物保护学院，昆明650201 摘要 充满浓郁古典风情的欧洲建筑，它是一个地域文明的象征，是一个有别于其它文明的代表，更是一种对于欧洲几千年历史淋漓尽致的体现，它们将各个时期的欧洲风貌演绎的栩栩如生。 我通过各个赏析和对比分析的方法，就哥特式、文艺复兴和古典主义建筑为例来介绍部分欧洲建筑风格。 哥特式建筑12世纪下半叶起源于法国，13～15世纪流行于欧洲，其具有非常强的宗教意味。而文艺复兴建筑风格,是在反封建、倡理性的人文主义思想指导下,提倡复兴古罗马的建筑风格,以之取代象征神权的哥特风格。于是古典柱式再度成为建筑造型的构图主题。 欧洲建筑风格多种多样，哥特式、文艺复兴和古典主义风格只是凤毛麟角，若想更加了解欧洲建筑，还需继续学习。 关键词：哥特式；文艺复兴；古典主义；建筑风格 Gothic, Renaissance and Classical Architecture Appreciation

Yunnan Agricultural University Institute of plant protection，Kunming 650201 ABSTRACT Full of full-bodied amorous feelings of the classical European architecture, it is the symbol of a regional civilization, represent a different from other civilizations, but also a incisively and vividly in Europe thousands of years of history, they deduce the various periods of European style and vivid. I through the appreciation and comparative analysis method, gothic, Renaissance and classical architecture as an example to introduce some European architectural style. In the second half of the 12th century gothic architecture originated in France, 13 ~ 15 century popular in Europe, it has very strong religious meaning.And Renaissance architectural style, is the feudalism, propose rational under the guidance of humanistic thought, advocates the revival of the architectural style of ancient Rome, to replace the symbol of divine gothic style.So the classical pillar type once again became the subject of the composition architectural modeling. European architectural style is varied, gothic, Renaissance and classical style is rare, if you want to know more about European architecture, still need to continue to learn. Key words: Gothic.The Renaissance;Classical;Architectural style

美术鉴赏论文 (1)

中国绘画艺术浅谈 博大精深、源远流长往往是形容我国古代艺术文化、悠久历史的最佳词汇。一个线条，一个轮廓，一抹色彩，看似简简单单的几笔，画家却能够用远近呼应、以动衬静等手法将人物、山水表现得淋漓尽致、唯妙唯俏，这就是我们中国古代绘画的精髓所在！ 从远古的陶瓷绘画，到魏晋的墓室彩绘砖，再到隋唐的壁画，个人感觉，相比较于西方油画的死板，我们中国美术讲究的是形散神聚，画家们举手投足之间一挥笔墨，就能表达自己对人物、事物的态度与看法——不论是一种巫术，还是讽刺官僚、表现民生疾苦，抑或是细致刻画某种动物等等。通过这几次选修课，我觉得古代的画家不仅仅是画家，他们往往能够用笔墨批判现实或者是表达某种愿望或抱负，总之，绘画的目的已经远远超越了欣赏，我们能够从众多的绘画之中感受到它们所带来的内涵美、意境美，这也是值得我们去欣赏、去研究的地方！ 在美术鉴赏这门课中，我印象最深的就是顾恺之大师。顾恺之，字长康，晋陵无锡（今江苏无锡）人。顾恺之博学有才气，工诗赋、书法，尤善绘画。精于人像、佛像、禽兽、山水等，时人称之为三绝：画绝、文绝和痴绝。谢安深重之，以为苍生以来未之有。顾恺之与曹不兴、陆探微、张僧繇合称“六朝四大家”。顾恺之作画，意在传神，其“迁想妙得”“以形写神”等论点，为中国传统绘画的发展奠定了基础。老师上课细心地讲述了洛神赋的故事，《洛神赋》是古代有名的诗人曹植用神话隐喻着失落了爱情的感伤的诗篇《洛神赋》，是中国古代文学中的一篇重要作品。曹植所爱的女子甄氏，在他的父亲曹操的决定下，为他的哥哥曹丕夺去。甄氏在曹丕那里，没有得到稳固的爱情死得很惨，她死后，曹丕把甄氏遗留的玉镂金带枕给了曹植。曹植在回归他自己的封地的路上经过洛水，夜晚梦见了甄氏来会他，悲痛之余作了一篇《感甄赋》，塑造了洛神的动人形象，也就是被他美化了情人的形象，甄氏的儿子曹叡将它改名为《洛神赋》。恺之知识渊博而有才气，擅长诗赋、书法，尤其精通绘画。工人像、佛像、禽兽、山水等。当时有“才绝、画绝、痴绝”之称。他的画师法卫协而又有所变化，他的画有敷染容貌，以浓色微加点缀，不求晕饰；笔迹周密，紧劲连绵，如春蚕吐丝，春云浮空的特点。史有以曹不兴、顾恺之、陆探微、张僧繇合称“六朝四大家”。精通画论，其“迁想妙得”、“以形写神”等论点，对我国传统绘画的发展，影响很大。

美术鉴赏论文关于梵高

美术鉴赏论文 摘要：美术鉴赏课将我带到了一个全新的世界，带到了一个我以前从未涉足过的领域，带到了艺术的殿堂，我可以说出那些美丽的作品的故事，它让我发现原来世界是这么美，原来一个人的思想可以这样表达，原来先代们是那么的智慧。 美术鉴赏是运用感知、经验对美术作品进行感受、体验、联想、分析和判断，获得审美享受，并理解美术作品与美术现象的活动。美术鉴赏活动能帮助我们在欣赏、鉴别与评价美术作品的过程中，逐步提高审美能力，形成热爱本民族文化、尊重世界多元文化的情感和态度。 关键词：绘画、梵高、中国建筑、鉴赏 一、对绘画的鉴赏 绘画是造型艺术中最主要的一种艺术形式。它是指运用线条、色彩和形体等艺术语言，通过造型、设色和构图等艺术手段，在二维空间(即平面)里塑造出静态的视觉形象，以表达作者审美感受的艺术形式。 荷兰画家梵高，后期印象画派代表人物，是19世纪人类最杰出的艺术家之一。他热爱生活，但在生活中屡遭挫折，艰辛倍尝。他献身艺术，大胆创新，在广泛学习前辈画家伦勃朗等人的基础上，吸收印象派画家在色彩方面的经验，并受到东方艺术，特别是日本版画的影响，形成了自己独特的艺术风格，创作出许多洋溢着生活激情、富于人道主义精神的作品，表现了他心中的苦闷、哀伤、同情和希望，至今饮誉世界。 梵高生性善良，同情穷人，早年为了“抚慰世上一切不幸的人”，他曾自费到一个矿区里去当过教士，跟矿工一样吃最差的伙食，一起睡在地板上。矿坑爆炸时，他曾冒死救出一个重伤的矿工。他的这种过分认真的牺牲精神引起了教会的不安，终于把他撤了职。这样，他才又回到绘画事业上来，受到他的表兄以及当时荷兰一些画家短时间的指导，并与巴黎新起的画家（包括印象派画家）建立了友谊。 梵高全部杰出的、富有独创性的作品，都是在他生命最后的六年中完成的。他最初的作品，情调常是低沉的，可是后来，他大量的作品即一变低沉而为响亮和明朗，好象要用欢快的歌声来慰藉人世的苦难，以表达他强烈的理想和希望。一位英国评论家说：“他用全部精力追求了一件世界上最简单、最普通的东西，这就是太阳。”他的画面上不单充满了阳光下的鲜艳色彩，而且不止一次地下面去描绘令人逼视的太阳本身，并且多次描绘向日葵。为了纪念他去世的表兄莫夫，他画了一幅阳光下《盛开的桃花》，并题写诗句说：“只要活人还活着，死去的人总还是活着。”在历史的角度来讲，梵高的确是非常超前的画家。 他作品中所包含着深刻的悲剧意识,其强烈的个性和在形式上的独特追求,远远走在时代的前面,的确难以被当时的人们所接受。他以环境来抓住对象,他重新改变现实，以达到实实在在的真实，促成了表现主义的诞生。在人们对他的误解最深的时候，正是他对自己的创作最有信心的时候。因此才留下了永远的艺术著作。他直接影响了法国的野兽主义,德国的表现主义,以至于20世纪初出现的抒情抽象肖像。 提起梵高的经典作品，人们第一个想到的往往是《向日葵》。它是梵高在阳光明媚灿烂的法国南部所作的，现藏于伦敦国家画廊。画面上那种仿佛是从作者内心里流淌出来的金黄色肆意渲染，单纯的陶罐花瓶，粗糙的台布，层层叠叠的阳光交织成的背景，在台布上泛动着光晕；充满朝气的9朵向日葵正值盛开时节，花盘未尽显露出来，甚至带着娇嫩的绿色，而另外几朵向日葵则是苍老

美术鉴赏之哥特式建筑

《哥特式建筑的美》 前言 美术，在我看来是人为创造出来美的技术。世间充满着各式各样的美，而欣赏美，追求美是人类的天性！当然，我也不例外，对于美的享受，我总能得到一种幸福感。 这也是我选择?美术赏析?这门选修课程的原因，伍老师用他的语言，结合ＰＰＴ课件，图片，还有视频，为我们学生深入浅出的讲解了西方美术的一些基本常识和作品的赏析，其中主要包括西方的绘画、雕塑、建筑等。几节课下来，我对西方建筑艺术最感兴趣，当老师介绍西方建筑风格时，看到大屏幕上显示的哥特式建筑风格的教堂图片所深深吸引住了。 在听老师赏析讲解下，我更了解哥特式建筑了，也喜欢上了这样美丽的建筑，出于喜欢和好奇我通过网络大量收集相关资料，从大量的图片中我享受到了视觉盛宴，我发现了一些哥特式建筑的共同特点和规律，在西方历史文献浏览中也了解了产生这种风格的历史背景。我就通过这次论文，将自己对哥特式建筑的一点认识和赏析感受和老师分享分享。 关键字：哥特式风格，背景起源，艺术特点，巴黎圣母院。 哥特之源 在听老师介绍欧洲建筑或城市的时候听到哥特式建筑或其风格建筑的解说，那到底什么是哥特式建筑？有是怎么发展起源的呢？这个问题恐怕很多人说不清楚。下面让我们了解一下哥特式这一建筑风格的背景起源 哥特，原为参加覆灭古罗马帝国的一个日耳曼民族，其称谓含有粗俗、野蛮的意思。它是文艺复兴时期的欧洲人，因厌恶中世纪的黑暗而?赠?给中世纪建筑的。哥特式建筑是以法国为中心发展起来的。在12—15世纪，城市手工业和商业行会相当发达，城市内实行一定程度的民主政体，市民们以极高的热情建造教堂，以此相互争胜来表现自己的城市。另外，当时教堂已不再是纯属宗教性建筑物，它已成为城市公共生活的中心，成为市民大会堂、公共礼堂，甚至可用作市场和剧场。在宗教节日时，教堂往往成为热闹的赛会场地。习惯上人们将与中世纪的这种主要建筑风格一致的建筑，均称为?哥特式建筑?。其实，哥特式艺术与哥特人并无任何联系，它乃?罗马式?艺术的更高发展，为中世纪天主教神学观念在艺术上的一种反映。 哥特发展历程 早期：第一座哥特式教堂是1143年在法国巴黎建成的圣丹尼斯教堂，其四尖券巧妙地解决了各拱间的肋架拱顶结构问题，有大面积的花窗玻璃，为以后许多教堂所效法。1144年，在庆祝圣丹尼斯重修完成举行的典礼上，各国的主教们吃惊地发现这种建筑形式有着不可抵挡的魅力。于是25年之后，凡有代表参加过庆典的地区都出现了哥特式教堂。 经典时期：12世纪末到13世纪中叶。 晚期：辐射状哥特式和火焰哥特式发展。直到16世纪被文艺复兴风格替代。

西方美术鉴赏论文——浅谈印象画派

西方美术鉴赏论文——浅谈印象画派 内容摘要： 印象画派(Impressionism)是传统绘画向现代绘画的过渡，是传统艺术和现代艺术的分水岭，标志着新艺术的开始。印象派在色彩表现上打破了“固有色”概念，科学客观分析色彩关系，创立了全新的色彩体系。印象派对我国的美术教育产生了极其深远的影响 印象派绘画(Impressionism)是西方绘画史上划时代的艺术流派，19世纪七八十年代达到了它的鼎盛时期，其影响遍及欧洲，并逐渐传播到世界各地，但它在法国取得了最为辉煌的艺术成就。19世纪后半叶到20世纪初，法国涌现出一大批印象派艺术大师，他们创作出大量至今仍令人耳熟能详的经典巨制。其代表作品中，马奈的《草地上的午餐》、莫奈的《日出的印象》、凡高的《向日葵》等更是鼎鼎大名。 关键词： 印象派绘画现代绘画传统绘画 内容：

印象主义是19世纪后期产生于法国的一种艺术思潮和流派。印象派画家在艺术特色上从构图、造型、色彩、笔触以及主观精神的表现上都和之前的古典主义的艺术特色有着明显的区别。他们重写生，重实践，并走出画室，描绘外光和大自然的瞬息变化，用奔放的笔触和没有调和的颜色在画布上直接糅合，形成冷暖色调强烈的新画风。印象派绘画以莫奈的《日出的印象》最初被人讥笑而得名，却在短短的一二十年中跃然成为一场世人瞩目的艺术运动。在1874年巴黎的第一届印象派画展，被认为是印象派绘画团体诞生的标志。该画展向世人宣告，这是一群画家们不懈努力所展示的作品，他们的作品摆脱了由世俗等级制度和固步自封的艺术团体强加于其上的传统桎梏的束缚，同美术史上的任何一场运动相比，印象主义及其关联的画家具有更为神秘的特性，他们起初为公众所不理解，被评论家责难，大多数作品被社会拒绝。可是，他们不气馁，并矢志不渝地朝向自己认定的目标前行。他们并不知道，正是他们开创了西方绘画史的新纪元，也正是以他们的画展为起点，“印象派”从法国开始影响整个欧洲，成为西方现代绘画的起点。 一、印象派的构图 印象派画家几乎都强调那种偶然一瞥，力求从一种全新的角度去审视对象，例如从晚会包厢里俯视舞台，从某一个角落侧视大厅，从头顶上仰视一群舞女，都是以前传统绘画里没有的。传统艺术主要关注神话、战争和历史题材，讲究构图的舞台戏剧化效果，场面宏大富有文学性。而印象派的构图突破旧的固有模式，多作架上小品，并根

美术鉴赏论文

美术鉴赏（论文） 题目：由《清明上河图》谈美术鉴赏的意义姓名：李欣 学号：2013300999 学院：材料学院 导师：于凤丽 2015年5月23日

由《清明上河图》谈美术鉴赏的意义 摘要：中国十大传世名画之一。北宋风俗画作品，宽24.8厘米，长528.7厘米，绢本设色，是北宋画家张择端存世的仅见的一幅精品，属一级国宝。《清明上河图》生动地记录了中国十二世纪城市生活的面貌，这在中国乃至世界绘画史上都是独一无二的。自从问世，人们对清明上河图的评价和鉴赏从没有中断过，可见其艺术价值之高以及作者画技的高超。在不断的探索和评价过程中，我们对美术的鉴赏本质也有了一定的认识。 关键字：清明上河图张择端美术鉴赏美术鉴赏的意义 正文:美术鉴赏是对美术作品进行评价和欣赏。美术鉴赏是一种审美活动，它是鉴赏者运用自己的感知能力，情感，审美经验和知识修养，对美术作品进行感受、体验、理解和评价，从而获得审美享受和艺术知识，提高审美能力，陶冶情操的过程。它也是鉴赏者面对足以引起审美感情的作品，两者相互作用而产生的一种心物感应，物我交融的复杂的心理过程。 一、作品基本情况介绍 下面以中国十大传世名画之一《清明上河图》为例，先对作品进行鉴赏，然后结合这幅作品来谈谈美术鉴赏的意义。《清明上河图》宽24.8厘米，长528.7厘米，绢本设色，是北宋画家张择端存世的仅见的一幅精品。《清明上河图》生动地记录了中国十二世纪城市生活的面貌，这在中国乃至世界绘画史上都是独一无二的。作品以长卷形式，采用散点透视的构图法，将繁杂的景物纳入统一而富于变化的画

卷中，画中主要分为两部分，一部分是农村，另一部分是市集。画中有五百五十余人，牲畜五六十匹，船只二十余艘，房屋楼宇30多栋，车13辆，轿14顶，桥17座，树木约180棵，往来衣着不同，神情各异，栩栩如生，其间还穿插各种活动，注重情节，构图疏密有致，富有节奏感和韵律的变化，笔墨章法都很巧妙，颇见功底。这幅画描绘的是北宋汴京市井生活清明时节的繁荣景象，是汴京当年繁荣的见证，也是北宋城市经济情况的写照，栩栩如生地描绘了北宋都城汴京的日常社会生活与习俗风情。好一派繁荣昌盛的景象啊！该图描绘了清明时节，北宋京城汴梁以及汴河两岸的繁华景象和自然风光。作品以长卷形式，采用散点透视的构图法，将繁杂的景物纳入统一而富于变化的画面中，画中人物1000多，衣着不同，神情各异，其间穿插各种活动，注重戏剧性，构图疏密有致，注重节奏感和韵律的变化，笔墨章法都很巧妙。这些都体现了张择端的高度的艺术概括力，才使《清明上河图》达到了很高的艺术水准全画分为三个部分： 一、汴京郊野的春光：疏林薄雾中，掩映着低矮的草舍瓦屋、小桥流水、老树、扁舟，阡陌纵横，田亩井然，依稀可见农夫在田间耕作。两个脚夫赶着五匹驮炭的毛驴，向城市走来。一片柳林，枝头刚刚泛出嫩绿，使人感到虽是春寒料峭，却已大地回春。路上一顶轿子，内坐一位妇人。轿顶装饰着杨柳杂花，轿后跟随着骑马的、挑担的，从京郊踏青扫墓归来。环境和人物的描写，点出了清明时节的特定时间和风俗，为全画展开了序幕。 二、繁忙的汴河码头：汴河是北宋国家漕运枢纽，商业交通要道，