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海岩作品浅析

海岩作品浅析

海岩作品浅析

文学作品多源自于生活,而又高出于生活。对于海岩的初步认识来自于影视作品,后来又读了几本小说,都是悲剧。先不提喜欢与否,重点在于他的作品很现实。不是说故事的现实,而是人性的现实。

海岩的小说多是“案件+爱情”的结构。“案件”是一种制度性的产物,即是理性;“爱情”则是人类心理需求的体现,即是感性。理性与感性在很多时候是相互矛盾、相互抵触的,于是在小说中,这就成为了悲剧产生的诱因。

《玉观音》里的安心,在和男友张铁军的长期分离的情况下邂逅了毛杰,两人产生情愫。而在一次缉毒行动中发现接头的毒贩竟然是毛杰,毛杰被捕,由于证据不足,安心不得不出庭作证指证毛杰,但最后毛杰还是被无罪释放。而释放后的毛杰对安心展开了疯狂的报复。她的丈夫张铁军由于他的报复遇害,儿子小熊被他亲手杀死,恋人杨瑞被打成重伤。受到这一系列的打击后,安心离开了深爱她的恋人,重返缉毒战场。在这个悲剧中,女主角的感性心理使得她爱上个不该爱的人,但她的身为警察的理性与正义感驱使她抓捕了毛杰并出庭作证。内心的感情与身为警察的正义感产生了矛盾,而女主角也因此为她的感性付出了惨重的代价。故事并不现实,但是安心的的心理是很现实的。在与丈夫长期分离中产生的内心空虚,又恰在此时邂逅了性格鲜明帅气的毛杰;虽然与毛杰产生了感情,但是作为警察职责让她选择出庭作证,这些都是人性的现实。

鲁迅在《再论雷锋塔德倒掉》中曾经说过:“悲剧是将人生有价值的东西毁灭给人看。”在海岩看来,现实生活中有许多悲剧性的因素,因而他的作品总是有种浓郁的悲剧情调。他经常把故事中的美好的人物、爱情放在一种无奈的环境、事件或人物关系中,而作品的结局常以主人公因为理性与感性矛盾使得个人价值遭到毁灭,个人情感得不到实现收场。这些体现了海岩浓重的悲剧情结。

人性的现实是诱因,那么作者所安排的种种“不凑巧”,则最终促使悲剧的产生。《玉观音》中的安心本来没有被安排参加那次缉毒行动,可是接头的女刑警却出了车祸,安心不得不去,不凑巧的是,毛杰是与她接头的毒贩。“不凑巧”凸显了个人生命在人情世态中的漂浮呢变动,也就成为了个人生命在社会中的那些“无常”。海岩的这种生存的无常的生命价值观表现出了他对当下的人生际遇的关注,更多地体现了他对爱情和人生的思索。

海岩将人性的感性与理智的现实,与他所安排的“不凑巧”组成令人印象深刻悲剧故事。达成了“一加一大于二”的效果,同时带动了读者的思绪,令人深思,我想这就是海岩的成功所在。

建筑学1301班

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纪兰心

林风眠艺术

艺术创作中的精神追求,是艺术家深层的心理构架与实践皈依。艺术家的艺术创作都应重视个性与时代性。传统绘画形式的高度完满化和规范化,要求对其自身的突破和超越。社会的转型,相应的文化变异也要求新的绘画形式语言的出现。在20世纪之初,在西方强势文化的冲击下,中国画坛面临着突破陈旧文人画形式和重振民族文化自尊的使命。 在这样的历史背景下,林风眠和一批留洋归来的艺术家们不约而同地选择了中西融合的改良和革新之路。林风眠并没有走徐悲鸿倡导的以写实主义改造中国画的道路,而是紧紧把握住中国传统画重神韵的文化精髓,把西方艺术的现代主义形式和中国水墨画相结合,为传统中国画创造出了一种全新的形式语言系统。他的作品既有时代面貌,又创艺术新格,总是洋溢着宁静的诗意。 林风眠早年留学法国。在那里,他认识了著名雕塑家扬西斯。他对林风眠后来成为美术教育家而开辟中西合璧的艺术道路起了重要的作用。在扬西斯的鼎力推荐下,林风眠进人巴黎国立高等美术学院,在学院派权威人士哥罗孟教授的工作室学习。但他不欣赏学院派画风,扬西斯来看望他说:“你是一个中国人,你可知道你们中国的艺术有多宝贵的优秀传统啊!你为什么不去好好学习呢?去吧!走出学院的大门,到东方博物馆,陶瓷博物馆去,到那富饶的宝藏中去挖掘吧!”林风眠开始走出象牙塔,到图书馆博物馆去学习,向后印象派、野兽派、立体派、抽象派、表现派学习。 林风眠始终把精力放在寻求新的绘画形式语言,来完善自己的绘画风格。他认为:艺术创造原由“情绪冲动”而生,情绪的表达则需要“相当的形式”,而形式的创造与构成,任需“赖乎经验”和“理性”。并指出“不能同内容一致的形式自然不会是合乎美的法则的形式”,艺术家应当把握住民族性和时代性的内容,“以合乎这样的内容为形式。”也是由此才出发,他反对摹仿古人、外国人、也不赞成“弄没有内容的技巧”。他从线条、色彩、构图等方面作出了努力改革,使他的作品中总是洋溢着宁静的诗意。色调优雅、构图单纯、造型隽美、想象丰富、内蕴含蓄、格调清新,富于装饰性和感染力。 一、线条的运用 林风眠绘画画面用线较少有传统文人画的影子,努力使表现手法和绘画样式更加单纯、简洁,以较少的用笔,表达更丰富的内涵。他摆脱了文人认可的以书法入画的笔墨形式,其笔墨其实是继承了唐代的笔墨,用线跨出了元以后的语言体系,主要借鉴魏晋六朝至唐代的“流动如声”的线,以自然为师的态度,通过线条的造型表现力传达生命的情感。他参照民间瓷画畅快的用线和汉代画像石刻拙朴的线条特质,以及民间硬笔单纯质朴的线条,又创造性地移植并改造了中国壁画和青花瓷绘中温润、迅疾、流畅的露锋线,而且畅而不浮,从而在反叛文人笔墨规范中发展了笔墨,在传统不能容忍的地方丰富了传统。林风眠推崇宋代梁楷的简笔画,谓之“自由的,冲破一切的创造”,“把复杂繁密的自然界物象,设法使之单纯化,与现代西方的速写“具有相同的性质”。同时他还吸收西方画家马蒂斯的用线对情感的表现观念,再结合自己的心理经验加以综合、创造,产生了他独特的线描风格。其基本特色是:疾速、富于力度和冲击性。 中国民间瓷器与20世纪上半叶享誉巴黎的野兽派大师马蒂斯用线,是林风眠彩墨艺术

印象派作品赏析

印象派作品赏析 美术鉴赏论文 hpu chang 姓名: 学号: 学院: 专业班级: 授课老师:

在后印象派中,最重要的艺术家是梵高。梵高的画是印象派写实主义的反动。印象派客观地看这个世界,而梵高则不在乎正确地描写。不过他的涂色法多少是由印象派演变来的,他喜欢印象派画家所表现的色光效果。他使用厚涂大笔触.让颜色看来如要爆炸似的,或如漩涡般打转。 梵谷的作品是激烈的个性反映,不安而神经质,对于表现主义和野兽派都有影响。他在自己的作品中,表现出他自己以及他的生活、内心感受。他的作品,不论是静物《向日葵》、人物自画像《割了耳朵的凡高》、室内画《夜间咖啡馆》,还是风景画《星夜空》,都充满了他对生命的热爱,诉诸了他内心强烈的感情,不仅是他的投影、他的分身,有时候甚至于赤裸裸地说明了他自己。凡高给人们留下的最深刻的印象是什么?是他画的《向日葵》。 塞尚曾提出过一个观点:“艺术不是真实的表现客观事物的形貌色彩,而是真实的表现艺术家对客观事物的主观感受。” 那么赏析这幅画之前,我还是查了下梵高的生平经历。在梵高一生中,悲惨、痛苦、混乱和贫困与他如影随形。他从27岁学习绘画,很长时间并没有获得成功,没有人买他的画,甚至没有人欣赏和赞扬他的

画。梵高的艺术道路短暂而辉煌,他27岁学习绘画,37岁去世。在短短的10年中,他从一个默默无闻的人成为一个伟大的、里程碑式的、世界性的画家。然而,梵高生前卖出的作品只有《红色葡萄园》一幅,而且价格非常便宜,仅为当时的四百法郎而已。在梵高死后不久,社会上就开始评定他是一流画家。可惜的是,梵高本人却在还未获得正确评价之前,就自己拉下了人生的帷幕。 转折点发生在梵高去世的前一年,即1888年,在这一年的2月,梵高到了法国南方的阿尔,那是一个阳光明媚的地方。梵高一生最重要的艺术作品,都是在生命的最后一年,在阿尔炙烈的阳光下完成的,《向日葵》就是这期间的作品。 向日葵就像太阳,那浓烈的黄色调是光和热的象征,是内心翻腾的感情烈火的写照,但同时也似乎寓意着一种苦难,一种深重的苦难。 难怪他可以用短暂的笔触把向日葵的黄色画得极其刺眼,每朵花像燃烧的火焰一般,细碎的花瓣和葵叶象火苗一样布满画面,整幅画尤如燃遍画布的火焰。 那是有些神经质和悲情色彩的梵高对生命的狂

琼瑶及作品简介

琼瑶,原名陈喆,中国当代作家、编剧,湖南省衡阳县渣江镇人,现居中国台湾省台北市。笔名除了琼瑶外,还用过心如、凤凰等。1938年4月20日生于四川成都,1949年随父陈致平由大陆到台湾。父亲陈致平是大学教授,母亲袁行恕出身书香门第。高中毕业后不久结婚生子,做主妇的同时开始尝试写作,其后步入职业作家行列,并相继进入电影、电视剧制作行业,其间婚姻破裂。现任丈夫平鑫涛为其经纪人、出版人,经营家庭作坊式的皇冠出版公司,琼瑶所有作品均由该公司出品。 有一次,琼瑶的数学只考了二十分,老师发了“严加督导”的通知单给琼瑶,要家长在通知上盖章,这件事本来就使琼瑶惶恐不安,不知回家后,如何向母亲开口。 可琼瑶放学回家,看见小妹在哭泣,父母一左一右地在她身边哄着她,安慰着她。琼瑶大吃一惊,以为发生了什么事。其实什么事也没有发生,只因要强的小妹,没有考100分,考了98分。 这下琼瑶更加自卑,更加惶恐!她不知自己数学只有20分的成绩单,如何去要母亲签章。 到了深夜,琼瑶还是将需要家长“严加督导”的通知拿出来给了母亲。母亲看着琼瑶的二十分,想起了小女儿考九十八分还要哭泣,这样的差别,使得她不能不拿小女儿和琼瑶相比。 “你要我们做父母的,拿你怎么办?为什么你一点都不像你妹妹?” 听了母亲的话,琼瑶冲出了房门,冲到了街头,她希望自己就这

样死掉算了。 琼瑶决定死。其实,对于一个十六岁的花季少女来说,她怎么可能愿意就这样轻易地放弃,她还没有真正活过,还没有真正体验到人生! 琼瑶回到家里,平静的给母亲写了一封长信:亲爱的母亲,我抱歉来到了这个世界,不能带给你骄傲,只能带给你烦恼。但是,我却无力改善我自己,我真不知道怎么办才好!……我充满挫败感,充满对你的歉意,所以母亲,让这个“不够好”的“我”,从此消失吧!写完信后,琼瑶找到了母亲的一瓶安眠药,把整瓶药都吃了下去。 琼瑶的努力白费了,她没有考上大学。那年她十九岁从知道自己落榜开始,琼瑶就躺在床上,拒绝家人的安慰,也拒绝吃饭,她感到深深的痛苦和失望。她又一次想到了死。母亲又哭了,那眼泪象是致命的毒药,腐蚀着琼瑶伤痕累累的内心!琼瑶更为自卑,更为自责。母亲握著琼瑶的手,鼓励琼瑶:“今年失败了,明年再来!……我对你有百分之百的信心,你一定会考上大学的!”这样的安慰,不如不安慰罢了,琼瑶的内心在挣扎,在泣血。 琼瑶的弟妹,小弟、小妹和麒麟,也想尽办法讨姐姐的欢心,希望她能回心转意。他们用零用钱,买了许多好吃的零食给琼瑶。琼瑶含着泪,看着弟弟妹妹们,再次感到深刻的绝望和自卑!琼瑶的内心,继续向无边的深渊滑落。她推开食物,她不想说话,她只想死掉!琼瑶写了一首诗作为最后诀别的纪念,寄给了老师:我值何人关怀?我值何人怜爱?愿化轻烟一缕来去无牵无碍。琼瑶出去给老师寄出这首

林风眠作品欣赏

林风眠是广东梅县人,原名凤鸣,出生于1900年。早年赴法国勤工俭学,先在第戎美术学院,后又来到巴黎高等美术学院学习绘画。20年代,年仅25岁的林风眠出任国立北平艺专的校长。1928年又在杭州创办国立艺术院,出任校长。抗战期间,林风眠辗转西南,生活清苦,每天面壁作画,极力试图打破传统绘画程式。1950年林风眠辞去杭州中央美术学 院华东分院教授之职,迁居上海南昌路的一幢法国式的二层楼房里,专门从事绘画求索。不久,法籍妻子携女离国,他孑然一身,过起略似重庆大佛般的生活。除了美协组织他到农村、山区、渔场深入生活外,他就闭门作画,每天子时已过,邻居五能看到林风眠画室里的亮光。十几个春秋过去,艺坛几乎忘记了林风眠,然而这正是他的艺术黄金时代,“林风眠格体” 在寂寞耕耘中臻于炉火纯青。50年代,他的艺术更受到贬抑,生活拮据,每月只得上交两幅画以换取一点儿生活费。10年动乱期间,面对一次次抄家,无奈之中的林风眠将其数十年的心血千余张精心之作浸入浴缸,从抽水马桶中冲出去。80年代,在其晚年又在香港过 着隐居般的生活。老人的头发几乎全部脱落了,人老了但艺术却不老,他的画色彩更热烈、笔墨更放纵、韵味更醇厚。 林风眠终生致力于溶合中西绘画传统,创出了自己独特的艺术风格。他原名林风鸣,后来改成风眠。生于1900年,卒于1991年8月18日。终年91岁。

林风眠先生 1900 年出生于广东梅县的一个石匠艺术家庭,现代画家、美术教育家。 擅长描写仕女人物、 京剧人物、 渔村风情和女性人体以及各类静物画和 有房子的风景画。其作品有《春晴》 、 《江畔》 、

《仕女》 、 《山水》 、 《静物》等。并 著有《中国绘画新论》 ,出版有《林风眠画集》等。 9 岁画中堂《松鹤图》被县 里商人购去,首次卖画,名震乡里。 19 岁,即开始留学于艺术与浪漫的国度 -- 法国的学习生涯,开始了其浪漫之旅。 1925 年 26 岁的他与法籍蒂戎美术学院雕 塑系学生阿丽丝·瓦当结婚。同年冬天,在蔡元培先生推荐下,林风眠先生任北京国立艺专校长兼教授,遂偕夫人阿丽丝返国。其后,人生多转,北京、上海、 杭州的城市到处都有其辗转的背影。

印象派画派分析

印象派画派分析 从高中学习绘画的时候,老师就叫我们临摹印象派画家莫奈,塞尚等画家的画,经过几次写生。再到现在大学,老师讲印象派,因此对印象派的了解和关注更多了。 印象派和新印象派皆是以感觉而用科学的方法作画,是一种非常客观的艺术。印象派提倡户外写生,直接描绘在阳光下的物象,从而据弃了从16世纪以来变化甚微的褐色调子,并根据画家自己眼睛的观察和直接感受,表现微妙的色彩变化。这又让我想起,高中时期出去安徽宏村写生的时候,老师让我们一天——早中晚都选择同一个地方同一个角度画三幅画,当时还很不理解,慢慢的懂得了老师的用意。不同时间,阳光下和环境下的物象的光和影是不一样的。 印象派绘画最大的特点是注重光与色的描绘,表现物象受光后的变化。他们这种对光和色的兴趣,使他们注重在画面上运用大面积的补色进行并置,把物体颜色与阴影画的透明,如此,印象派作品的色彩比学院派绘画的色彩更为明亮,有生命的活力。为表现光线的颤动,他们恢复点彩绘画的老技法,在这种技法中,厚重的颜色小圆点或小笔触画上画布,表现了实际的光线及其在画面上的反射。绘画的点彩形式在文艺复兴时期的提香到后来的戈雅和德拉克洛瓦的作品中都 能见到。但是,印象派画家在色点中对补色的运用是重要的突破。在从一定距离看他们作品的时候,这些分散的色点便构成了画面混合的色调。 印象派强调人对外界物体的光和影的感觉和印象,在创作技法上

反对因循守旧,主张艺术的革新。绘画技巧上对光和色进行了探讨,研究出用外光描写对象的方法,并认识到色彩的变化是由光色造成的,色彩是随着观察位置,受光状态的不同和环境的影响而发生变化。同时印象派着重于描绘自然的霎那景象,使一瞬成为永恒,并将这种科学原理运用到绘画中。根据观察和直接感受表现微妙的色彩变化。给后来的现代美术以极大的影响。 印象派脱离了以往艺术形式对历史和宗教的依赖,艺术家们大胆地抛弃了传统的创作观念和程序。艺术家关注的焦点转移到了纯粹的视觉感受形式上,作品的内容和主题变得不再重要,因此区别于表现主义对内心情感的表现而忽视描绘对象的外在形象。 而我最喜欢的一幅画是莫奈的——《日出·印象》。它作为一幅 海景写生画, 整个画面笼罩在稀薄的灰色调中, 笔触画得非常随意、 零乱, 展示了一种雾气交融的景象。日出时, 海上雾气迷朦, 水中反 射着天空和太阳的色.岸上景色隐隐约约, 模模糊糊看不清, 给人一 种瞬间的感受。当年莫奈和一群青年画家举办展览时,这幅《日出·印象》遭到了诽谤和奚落。有的评论家挖苦说:“毛坯的糊墙纸也比这 海景完整!”更有人按这幅画的标题,讽喻一莫奈为首的青年艺术家 们为“印象派”,于是“印象主义”也就成了这个画派的桂冠。 而后来,新印象派既是印象派的某些技法和科学实践相结合的产物,同时也是印象派(凭直觉、凭经验的写实主义)向古典主义(重法则、重理论、重秩序)的转化。此派由于从印象派方向走入极端科学、理论化,运用“色调的分割”法则,以原色细点如嵌镶的分布画

印象派解析

印 象 派 简 析 161411330

李豪伟 印象派兴起于19世纪60年代,兴盛与70、80年代,反对因循环守旧的古典主义和虚构臆造的浪漫主义,19世纪最后30年,他成为法国艺术的主流,并影响整个西方画坛。代表画家马奈、雷诺阿和莫奈等都把“光”和“色彩”作为绘画追求的主要目的,他们倡导走出画室,描绘自然景物,以迅速的手法把握瞬间的印象,使画面呈现出新鲜生动的感觉。因莫奈的《日出·印象》而得名。 在西方绘画史上印象派绘画是具有划时代意义的艺术流派,19世纪七八十年代达到了它的鼎盛时期,其影响遍及欧洲,并逐渐传播到世界各地,但它在法国取得了最为辉煌的艺术成就。19世纪后半叶到20世纪初,法国涌现出一大批印象派艺术大师,他们创作出大量至今仍令人耳熟能详的经典巨制,除了这次来华展出的著名画作外,马奈的《草地上的午餐》、莫奈的《日出·印象》、·梵.高的《向日葵》等更是鼎鼎大名。 印象派画家走出画室,深入原野、乡村、街头写生,力求真实地刻画自然。借用“物体的色彩是由光的照射而产生的,物体的固有色是不存在的”这一最新的光学理论,印象派画家认为,景物在不同的光照条件下有不同的颜色,他们的使命便是忠实地刻画在变动不居的光照条件下的景物的“真实”,这种瞬间的真实不恰恰就是一种转瞬即逝的“印象”吗?而印象派画家把这种“瞬间”永恒地记录在了画布上。 代表人物有莫奈,毕沙罗,雷诺阿等 重要成就 从展览开幕的盛况和媒体的关注程度看,法国的印象派绘画在中国极受欢迎。从20世纪初开始,中国有学者专门撰文介绍和评价印象派绘画,印象派一词也见于各种文章,他们从不同角度分析了印象派艺术的特点,印象派绘画对现代中国油画产生了深刻影响。一些学者和艺术家把印象派艺术与中国艺术作比较,认为印象派的审美趋向与中国传统绘画之间有着相互呼应的东西。徐悲鸿很重视印象派画家的写生,并对印象派画家运用色彩予以肯定,说他们的画重神韵。林风眠则从绘画革新的途径上对印象派的贡献加以肯定。黄宾虹认识到印象派风景画与中国山水画有相通之处。 印象派绘画的最重要成就,就是发现和表现户外自然光下的色彩,捕捉大自然的瞬间变化。为了捕捉瞬间的“印象”,印象派绘画在构图上往往较为随意,力求突出画面的偶然性,增加画面的生动和生活气氛,凸显对内心主观意象的表达。还或者画中的颜色给你留下了深刻的印象。需要提醒观众特别是小观众,欣赏印象派绘画最好不要距画太近,若贴近看则会感觉色彩支离没有混合。 印象派完成了绘画中色彩造型的变革,将光与色的科学观念引入到绘画中,革新了传统的固有色观念,创立了以光源色和环境色为核心的现代写生彩学。还认识到艺术形式的独特审美价值,在形式方面进行了大胆的探索,为现代艺术的产生奠定了基础 社会影响 印象派是19世纪中叶欧洲艺术从现实主义向现代主义过渡的重要阶段,印象派画家以创新的姿态登上法国画坛,其锋芒针对陈陈相因的古典画派和矫揉造作的浪漫主义。印象派画家吸收了写实主义绘画的营养,在绘画中开始对室外自然光的研究和表现。根据“物体的色彩是由光的照射而产生,物体的固有色是不存在的”这一当时最新的光学理论,印象派画家认为,景物在不同的光照条件下有不同的颜色。印象派画家倡导走出画室、去户外写生,力求真实地刻画自然,直接描绘阳光下的风景和日常生活,摒弃16世纪以来狭隘的褐色调。印

林风眠

林风眠 林风眠(1900--1991),原名林凤鸣,画家、艺术教育家、国立艺术学院(现更名为中国美术学院)首任院长。林风眠生于广东梅州市梅县区,自幼喜爱绘画。历任国立北平艺术专科学校校长、国立艺术学院院长、中国美术家协会上海分会副主席。代表作品有《春晴》、《江畔》、《仕女》。 林风眠1919年赴法国留学,1925年返国,20至25岁是在欧洲度过的。1920至1923年,他相继在迪戎美术学院、巴黎国立高等美术学院学习素描、油画。1923年赴德国游学。在德期间,他创作了许多作品,计有《柏林咖啡室》、《渔村暴风雨之后》、《古舞》、《罗朗》、《金字塔》、《战栗于恶魔之前》、《唐又汉之决斗》等。 据林文铮的回忆、遗存图片和部分经林风眠校阅过的《林风眠先生年谱》(朱朴编)的记述,可知《柏林咖啡室》、《渔村暴风雨之后》是以德国见闻和生活感受为主题的。前者描绘柏林一咖啡馆近景,画面人影浮晃,诸饮者在招呼、对谈、嬉笑。笔触奔放,光色交辉,使人想起马奈的《女神游乐厅的酒吧间》。一位研究者说《柏林咖啡室》是画家“目睹富豪之骄奢淫逸,感慨德人精神之消灭,灵魂之堕落,”故作之。另一位研究者说此画是“反映德国人在战后复苏中欢快情绪的”。从画作印刷品看,此画确描绘了欢乐情绪,画家的主观意欲如何,似难作十分肯定的回答。 《渔村暴风雨之后》,画的是暴风雨后,渔家妇女在海边等待归舟的情景:人们面向大海站立,外表的平静正掩盖着内心的不安和紧张。视觉效果的戏剧性,对平凡劳动者命运的深切关心,是这件作品的特色。此画曾挂在杭州艺专的校长室内。50多年后,林风眠的学生李霖灿还清楚记着它的“沉重而凝实的黯然色调”和画中女子“在海边翘首天际”的情态及整个作品的“笔触、气魄、神采”!。 《古舞》“描绘希腊少女之晨舞”;《克里阿巴之春思》“描绘埃及女王思慕罗马古将,抚琴悲歌于海滨”;《罗朗》“取材于雨果之咏史诗,描写法国中古血战图”;《金字塔》“描写黄昏白翼天女抚琴于斯芬狮”;《战栗于恶魔之前》、《唐又汉之决斗》,“取村干拜伦叙事诗之作”。这些作品,充满了对古代和神话世界的向往,歌咏的是神奇的爱情和英雄主义,激荡着青年画家的诗情和幻想。 其时,林风眠遇德籍奥地利姑娘罗达(Von·Roba)。她是出生在一个大家族的孤儿,毕业于柏林大学化学系。两人一见钟情,但受到许多阻力。这些作品所洋溢的热烈、憧憬、抒情乃至淡淡的忧郁,不免与画家的爱情背景有千丝万缕的联系。即使在咏古抒怀的描画中,

浅析印象派绘画发展历程

浅析印象派绘画发展历程 姓名:李城学号:14610114 专业班级:2014级人文地理与城乡规划一班学院:城市与旅游学院 一.印象派绘画的起源 印象派绘画(英文:Impressionism)也叫印象主义,是西方绘画史上划时代的艺术流派,最早于19世纪60—90年代在法国兴起。说到印象派,流传了一个很有趣的故事:这一名字的由来是由于当时因克劳德·莫奈的油画《日出·印象》受到一位记者嘲讽而得名。而这幅画面描绘的是塞纳河的清晨,太阳刚刚升起的时候。由于画家要在很短的瞬间,将早晨的美景在光线还没有变化前,就要完成作品,因此画面不可能描绘的很仔细。当学院派的画家们看到这幅作品时,认为很粗糙,过于随便,就用讥讽的语言嘲笑“巴比松”的画家,意思是说:那是一群根本就不懂绘画的画家,《日出·印象》完全就是凭印象胡乱画出来的,其他人也附和着说,这些画家统统都是“印象主义”,没想到,这些挖苦的话,反而成全了这批画家,“印象派”也就随之诞生。 二.印象派绘画的发展 19世纪的中后期正值工业革命的完成以及第二次工业革命的兴起。资本主义经济的发展影响到了社会的方方面面,在强大的物质条件的支撑下,人们的思想意识日渐解放,越来越崇尚个性的张扬。正是在这样的大背景下,印象派绘画也就开启了它的发展之路。 1874年一群年轻的画家在巴黎卡皮西纳大道的一所公寓里举办了第一届印象派画展,有31位印象派画家参展。包括莫奈、雷诺阿、毕沙罗、西斯莱、德加、塞尚和莫里索等。这些画家们虽性格和天赋各异,价值观念和倾向也不尽相同,但是,他们诞生在同样的时代,有着同样的经历,并且向同一的反对派斗争

过。所以他们也就欣然接受了一些杂志的讽刺文章作家封给他们带着嘲笑味道的称号——“印象派”。 19世纪的时候,法国巴黎是欧洲油画的中心。这个时候的风格是以学院派的新古典主义为主导的,他们每年都要举办官方的展览,叫做“沙龙”,多数人都出自于皇家美术学院,他们有着深厚的素描基础,并且精通人体解剖,画风严谨、细腻。而在这个时候,还有着另外一大批充满着理想的年轻画家,他们来自于各个阶层,大多数都是自由人,很多人对学院派的教学方式及绘画风格有着不同的看法,认为古典主义千篇一律,缺乏个人风格,他们更崇尚现实主义,并提倡户外写生。由于大家有着共同的理想和观点,他们逐渐地聚集到巴黎郊外的一个名叫巴比松的小村庄,来描绘那里迷人的风光,他们被称为“巴比松”画派。“巴比松”村就是现在巴黎的卫星城之一的枫丹白露镇。“巴比松画派”就是“印象派”的前身。 这些画家们只有极个别的被官方所接受,大部分画家的作品被拒之“沙龙”的门外,于是画家们就经常联手举办“官方沙龙”落选作品展,依托当时资本主义的巨大发展带来的人性与思想的变革,这些画家凭借娴熟的绘画技艺、天马行空般的想象力,印象派绘画作品也就逐渐的被当时社会所认同,影响力与知名度与日俱增,印象派也不断发展壮大。 印象派绘画的特点是不依据可靠的知识,以瞬间的印象做画。画家们通常是抓住一个具有特点的侧面去做画,多考虑画的总体效果,而较少的顾及枝节细部。笔法较粗犷,作品欠修饰,是一种对笔法较草率的画法。随着印象派绘画的发展壮大,绘画过程中日益重视光与色的运用。越来越追求以思维来揣摩光与色的变化,并将瞬间的光感依据自己脑海中的处理并附之于画布之上,对光线和色彩的揣摩更是达到了色彩和光感美的极致。 三.印象派绘画的发展历程带来的影响 作为一种美术思潮,印象主义绘画在世界美术史上具有重要地位,它推动了以后美术技法的革新与观念的转变,印象派大师用他们敏锐的眼睛捕捉世间万象,描绘社会生活, 为不同年代、不同地区的人们开启了认识印象派以及它所处时代

印象派艺术风格及演变

印象派艺术风格及演变 印象派是西方现代派艺术的主要派别最早的发端,是西方绘画史上划时代的艺术流派,在西方现代派艺术起着至关重要的作用[1]。它是19世纪后期产生于法国的一种艺术思潮和流派,印象派画家根据光色原理对绘画色彩进行了大胆的创新,打破了传统绘画的褐色调子,极力反对官方学院派艺术的统治,后来成为以法国为中心的欧洲美术运动的主流[2]。 起源与发展 19世纪的时候,法国巴黎是欧洲油画的中心。这个时候的风格是以学院派的新古典主义为主导的,他们每年都要举办官方的展览,叫做“沙龙”,多数人都出自于皇家美术学院,他们有着深厚的素描基础,并且精通人体解剖,画风严谨,细腻。而在这个时候,还有着另外一大批充满着理想的年轻画家,他们来自于各个阶层,大多数都是自由人,很多人对学院派的教学方式及绘画风格有着不同的看法,认为古典主义千篇一律,缺乏个人风格,他们更崇尚现实主义,并提倡户外写生。由于大家有着共同的理想和观点,他们逐渐地不约而同的来到巴黎郊外的一个小村庄,巴比松村,有的甚至长期定居于此,来描绘那里迷人的风光,“巴比松”派诞生了。“巴比松画派”就是“印象派”的前身。 这些画家当中只有极个别的被官方所接受,大部分画家的作品被拒之“沙龙”的门外。1873年,毕沙罗、莫奈、雷诺阿、塞尚和西斯莱等人的作品遭到沙龙展览评审团的拒绝,这种不公平待遇是促使他们以不寻常途径,组织与“沙龙展”相对的独立展览以便展出自己作品的直接动因。这件事的结果就是于1874年4月在摄影师纳达尔(Nadir)的工作室举行的第一次画展。他们以自称“无名画家、雕刻家和版画家协会”作为此次展览的组织者,而与沙龙文化圈对立。展览中莫奈的油画《日出印象》(ImpresSion--Soleil Levant)的名称被《锡罐乐》杂志记者李洛伊(Leroy)不怀好意地引用以称呼此团体为“印象派”,认为那是一群根本就不懂绘画的画家。而这个带有讽刺意味的名称却被莫奈、雷诺阿等人接受,“印象派”这个名词也就成了标示他们独特的绘画风格和目标的代称[3]。没想到,这些挖苦的话,反而成全了这批画家,之后,至1886年这群画家先后共举办了7次画展[4],“印象派”随之诞生,而且在很短的时间内,名声响誉全世界,“巴比松”派反而慢慢被人淡忘。 代表人物

琼瑶作品里的爱情经典语录

琼瑶作品里的爱情经典语录 导读:经典语录琼瑶作品里的爱情经典语录 1、烟锁黄昏,雾笼秋色。日长闲倚阑干。看落花飞尽,雨洒庭前。可恨春来秋去,风雨里摧损朱颜。君休问,年来瘦减,底事忧煎。缠绵,几番伫立,将满腹柔情,俱化飞烟。叹情飘何处,梦落谁边。我欲乘风飞,去云深处,直上青天。争无奈,谁堪比翼,共我翩翻。 2、人,活在自己的悲哀里还比较容易,活在别人的同情里才更艰难。 3、等了一辈子,恨了一辈子,想了一辈子,怨了一辈子,但仍然感谢上苍,让她有这个可等可恨可想可怨的人。 4、等你今天,明天,每一天。 5、在那高高的天上,阳光射出万道光芒,当太阳缓缓西下,黑暗便笼罩四方,可是那黑暗不久长,因为月儿会悄悄东上,把光明洒下穹苍。即使没有太阳也没有月亮,朋友啊,你们不要悲伤,因为细雨会点点飘下,滋润着万物生长。这个世界就是这样,只要你心里充满希望,人间处处,会有天堂。

6、有时候我觉得你是天下最聪明的人,但在爱情的选择上,你实在是天下最笨的人! 7、他去追求他的幸福,他的挚爱,我们该为他笑,为他祝福,别再掉眼泪了。 8、我心深深处,中有千千结。 9、那时我还没有去敲爱情的门,现在我却从爱情的门里退了出来! 10、我有一帘幽梦,不知与谁能共,多少秘密在其中,欲诉无人能懂。 11、音乐这条路,需要知音一起走;人生这条路,更需要伴奏来完成合奏! 12、因为我太骄傲了,就像枯叶蝶,骄傲是我的保护色。一旦失去保护色,我就活不成了,你知道吗! 13、多少沧桑壮志难酬,今宵且尽一杯酒,与你同消万古愁。

14、你好像是花却不是花,我好像是雾却不是雾。你好像存在又不存在,我好像有你又没有你。 15、多少胳臂曾拥着你,不让你走远。有多少,有多少,我怀疑,但我真的不想知道。多少嘴唇曾吻着你,让你的灵魂发光,有多少,有多少,我怀疑,但我真的不想知道。 16、一个失败的婚姻,就是一场悲剧;结束一场悲剧,等于开始一场喜剧。 17、婚姻本身就是平静无波的东西,当止水并没有什么不好!要知道,湖水越深,才越平静,感情也是如此。 18、我告诉你,骄傲的叶凡。今天不是你跟我说结束,是我跟你说分手。从此以后,我绝对不会再缠着你。我哥说的没错,你不值得我爱,你不值得我付出。告诉你,我不要你了,我不爱你了。再见! 19、“想”呢就是上面一个“相”,下面加上一个“心”,那是你的相貌和我的心,你都已经占据了我的心了,还敢问我想不想你。 20、问天何时老?问情何时绝?我心深深处,中有千千结。千结万结解不开,风风雨雨满园来,此愁此恨何时了?我心我情谁能晓?

美术作品赏析

《美术》期末考查作业 朦胧之美 ——莫奈的《日出·印象》我第一次看到这幅画是在高中的美术课上,那时候老师就告诉我们这是一幅印象派的画作,给我们浏览了图片。现在在大学的美术课,我再一次看到这幅油画,跟以前一样我挺喜欢这种朦胧之美,所有的形象都是朦朦胧胧,没有写实的细节。 《日出·印象》是克劳德·莫奈所画的印象派的画作。在十九世纪下半叶,光学原理改变了画家对固有色的观念,由此他们开始在艺术上对光与色进行新的探索。其实在当时,人们还不接受“印象派”这一艺术流派,克劳德·莫奈的油画《日出·印象》曾遭到一位记者地嘲讽说:“这幅作品很粗糙,过于随便,它完全就是凭印象胡乱画出来的,还有其他人附和着说,这些画家统统都是“印象主义”。没想到,这些挖苦的话,反而成全了这批画家,“印象派”随之诞生。在十九世纪七八十年代,印象派达到了它的鼎盛时期,其影响遍及欧洲,并逐渐传播到世界各地,但它在法国取得了最为辉煌的艺术成就。十九世纪后半叶到二十世纪初,法国涌现出一大批印象派艺术大师,他们创作出大量至今仍令人耳熟能详的经典巨作。 《日出·印象》是莫奈于1873年在阿弗尔港口画的一幅写生画。它描绘的是透过薄雾观望阿佛尔港口日出的景象。据了解,克劳德·莫奈在同一地点还画了一幅《日落》,绘画描绘出晨雾中不清晰的背景,多种色彩赋予了水面无限的光辉,画出了水的流动感。整幅画作主要运用了水蓝色、淡蓝、红色、橙色和黑色。海水、天空、景物几乎采用了同一色系——蓝色,在轻松、无拘束的笔触中,交错渗透,浑然一体。日出时, 海上雾气迷朦, 水中反射着天空和太阳的颜色。岸上景色隐隐约约, 模模糊糊看不清, 给人这种瞬间的感受。在蓝色为主打的背景色下,淡淡的海上,那些黑色的小船依稀可见,其实仔细去看,中间的那个小船有船夫拿着船桨在撑船预示着船夫已经开始工作,新的一天来临。整幅图画最耀眼的就是那抹初生的太阳,橙红橙红的,把一边的天都染成了橙红色,感觉天

印象派在中国

印象派在中国 1874年,莫奈在巴黎展出他那幅著名的风景画《印象·日出》。当时中国艺术界对发生在遥远的欧洲的这一艺术事件一无所知。在京城里,大清王朝的同治皇帝病入膏肓,慈禧皇太后再次垂帘听政,开始实施她独揽大权的宫廷阴谋。在中国南方,聚集在上海的任伯年、虚谷、蒲华、吴昌硕等画家格调清新的作品,得到上层文士和市民阶层的一致好评。他们被称为“海派”画家——中国的“海派”是与法国的印象派处于同一历史时期的另一波创新浪潮。 1905年,中国天津的李叔同(1880—1942)去日本留学,次年入东京美术学校,成为黑田清辉教授的追随者,他的作品从1909年开始,连续两次参加白马会展览。李叔同就这样成为中国绘画史上最早接受印象派艺术观念和绘画风格的画家。中国早期美术教育家姜丹书记述李叔同的绘画,说他的风格属于印象派:“上人于西画,为印象派之作风,近看一塌糊涂,远看栩栩欲活,非有大天才真功力者不能也”。现存于东京美术学校的李叔同毕业作品《自画像》让我们看到李叔同确实是当年东京美术学校所流行的“准印象派”(刘晓路语)风格的实践者。 虽然中国青年去欧美留学的不比去日本留学晚,但中国美术家对印象派的了解与接受,主要是通过日本美术教育这一环节展开的。“印象派”这一词语,也间接地来自Impression school的日译,古代汉语中没有“印象”一词,当然更没有“印象派”一说。由前引姜丹书描述李叔同画风的话里,可以感觉到印象派绘画开始传入中国时,中国艺术界对它缺乏确实的理解。“近看一塌糊涂,远看栩栩欲活”实际上与前辈文人批评西方写实绘画“笔法全无,随工亦匠”之说近似;吴冠中回忆他少年时期听到人们对欧洲现代绘画的评价是“远看西洋画,近看鬼打架”;他去参观刘海粟画展,展览会上有文字提醒观者“须离画十一步半”观赏……这种种说法都反映了当时中国公众对印 象派以及西方现代绘画的片面印象,但不同的是姜丹书提出印象派画家都是具有“大天才真功力”者,这一断语透露了20世纪初期的中国文人对西方绘画的态度已经出现了 根本性转变。

林风眠作品构图分析

穿越时空的合璧 ——林风眠作品《小薇》构图技法分析 我们很多人可能都知道赵无极、吴冠中、朱德群等当代绘画大师,但似乎很少有人了解他们的老师林风眠。这位38岁以前在中国画坛上叱咤风云的人物在接下来的几十年里,是默默无闻的,甚至可以说是被外界所遗忘。 但他对中国绘画界的贡献其实是非常大的,他真正说是中国现代绘画的先驱者。在过去几百年里,大量的中国画直到现在也被一些人认为从笔墨到构图都十分相似,缺乏画家的独特个性和风格。但林风眠以自己富于表现力的毛笔将中国传统书法绘画的基础与西方的形式、色彩和构图意识结合了起来,这种开创使得中国的艺术家们能以现代的手法表达出完全中国化的感受,并从西方艺术理念的影响中解脱出来。 在晚年的《自述》中林风眠写道:“我一生所追求的不单单是童年的梦想,不单单是青年时代理想的实现……在经历过丰富的人生历练后,希望能以我的真

诚、用我的画笔,永远描出我的感受。” 这幅于1963年创作的人物画《小薇》,造型简洁和线条概括,画面深沉有力,表露出画家内在的激情与活力。背景与前方的花台奔放洒脱,花束色彩浓艳葱郁,画面中的块面结构与花台几案相互穿插映照,既自然放松又严谨整饬。 女孩、椅子、花台、花束、家具共同构成这幅画的骨架。但所有的物象都围绕着戴红领巾的女孩,使她成为毫无疑问的构图中心。另外她近乎居中的位置和偏暖的色调也使人们在第一眼看上去的时候视线就会落到她的身上。 画面的基调沉静中带着欢快、自然、纯真,整体属于亮调子,中间的部分颜色最偏暖。画面非常的鲜明强烈,虽然比较偏平面化,但是黑白灰层次分明。背景的黑逐渐过渡到中间的白,衣服褶皱的黑,线条的黑,花朵的白,上衣的白,家具的灰,非常的平衡稳定。 画面用色非常大胆,很多地方近乎就是纯色,女孩健康的红色的皮肤、颜色热烈的红领巾、白色的上衣、蓝色的裙子、褐色的家具、绿色的背景植物、白色中带着粉红色的花束、深绿色的花盆,色调夸张而调合,整体偏平面化,抛开了光线对画面的束缚。 视点位置方面属于中视平线构图,画中的女孩符合我们日常生活中平视的效果,使人们有一种身临其境的感觉。 在边角的处理方面,林风眠也是非常独到。下方左右两边的家具的部分使画面更加协调稳定,上方的芭蕉从左到右的颜色由浅入深既有变化又强调了光线感,满而有透气感。 这幅画的构图十分有趣,尤其是画面的背景方面。画面以对称的构图形式,布置了一左一右的不同角度和颜色的桌子。女孩和花台上的花束都近乎处于中间

浅论印象派摄影

浅论印象派摄影 在众多摄影流派中,印象派广为人知,但究竟何谓印象派,印象派的摄影作品有什么特点,印象派摄影师的代表人物、代表作有哪些,恐怕很多朋友并不是十分清楚。本文就浅谈一二。 现在已经没有多少人认可印象派摄影了,即使有,也是很少一部份人。这很容易理解,不是所有人在慢快门的时候都能释放自我情感。 1889年,英国举办了法国印象派绘画的首次展览。绘画主义派摄影家罗宾森在其影响下,提出“软调摄影比尖锐摄影更优美”的审美标准,提倡“软调”摄影。该流派是绘画印象派在摄影艺术领域中的反映。“软调”摄影是我所追求的一种情感释放。它似梦,但又有着几分主观情感。正是“软调摄影比尖锐摄影更优美”的审美标准给印象派摄影带来了麻烦。但,不明就里的简单模仿的话,没有人认为你拍的是摄影作品。给你的只有冷嘲热讽。 葱田[1889] G.戴维森 印象派摄影是从印象派绘画中得到灵感的。19世纪60年代中期到80年代,绘画印象派运动在法国盛行,著名的印象派画家莫奈(Monet)和雷诺阿(Renoir)为了反对绘画的陈规陋习,力求再现那些在充满光线的气氛中传达物体的视觉印象的色彩。这一具有创新意义的实践在摄影界引起了尽管是迟到的、但却是重要的反响。 最早接受印象派观念的实际是英国自然主义摄影家埃默森。埃默森当时提出的焦点摄影理论,曾认为人的视觉边界是不明确的,中间部分清晰,边缘部部分模糊。为了使照相机达到人类视觉再现的效果,他劝告摄影同行不必使影像都

达到最清晰的程度,仅仅清晰地展现景物的部分完整细节,就能获得更自然的效果。尽管埃默森的“有差别的调焦”引起了守旧的英国画意摄影派的激烈反对,但出乎埃默森意料之外的是,一幅照片甚至可以将画面完全置于焦点之外,这一激进的观念就成为后来的印象派理论的基础。 利物浦印象[1906] J.戴德利耶 1890年,后来成为英国伦敦柯达有限公司经理的乔治·戴维森(George Davison,1856-1930)在一次关于“摄影的印象派”讲座中坚持认为,尽管锐度和清晰度对一些照片是至关重要的,但是在其他情况下,它们也可能完全用着。他认为决定性因素是摄影师在艺术上的观念。为了说明他的观点,他展出了一幅后来成为摄影史上的经典摄影作品《葱田》,这幅看起来完全是“印象派”的没有经过调焦的照片,其实是没有通过镜头而是用金属片上的针孔拍摄的。 卡地亚纳2# 发表于 2010-6-12 07:10 | 只看该作者 戴维森的实践立即引起了大量年轻的摄影师们的兴趣,他们借助针孔镜头和特殊的柔焦镜赋予摄影完全朦胧的印象,或是在印相时使用漫射滤光镜,甚至开始戏剧性地修整负片或是直接在照片上施用画笔以达到朦胧的效果。从总体上看,印象派摄影作品营造了

琼瑶遗嘱全文

琼瑶遗嘱全文 中国当代作家琼瑶3月12日突然公开一封写给儿子和儿媳的信,透露她近来看到一篇名为《预约自己的美好告别》的文章,有感而发想到自己的身后事,认为万一到了该离开之际,希望不会因为后辈的不舍,而让自己的躯壳被勉强留住而受折磨,也借此叮咛儿子儿媳别被被生死的迷思给困惑住。琼瑶(资料图) 琼瑶原文: 写给儿子和儿媳的一封公开信 预约自己的美好告别 亲爱的中维和锈琼: 这是我第一次在脸书上写下我的心声,却是我人生中最重要的一封信。 《预约自己的美好告别》是我在《今周刊》裡读到的一篇文章,这篇文章值得每个人去阅读一遍。在这篇文章中,我才知道《病人自主权利法》已经立法通过,而且要在2019年1月6日开始实施了!换言之,以后病人可以自己决定如何死亡,不用再让医生和家属来决定了。对我来说,这真是一件太好太好的喜讯!虽然我更希望可以立法《安乐死》,不过,《尊严死》聊胜于无,对于没有希望的病患,总是迈出了一大步!

现在,我要继沉富雄、叶金川之后,在网路公开我的叮咛。虽然中维一再说,完全瞭解我的心愿,同意我的看法,会全部遵照我的愿望去做。我却生怕到了时候,你们对我的爱,成为我“自然死亡”最大的阻力。承诺容易实行难!万一到时候,你们后悔了,不捨得我离开,而变成叶金川说的:“联合医生来凌迟我”,怎麽办?我想,你们深深明白我多麽害怕有那麽一天!现在我公开了我的“权利”,所有看到这封信的人都是见证,你们不论多麽不捨,不论面对什麽压力,都不能勉强留住我的躯壳,让我变成“求生不得,求死不能”的卧床老人!那样,你们才是“大不孝”! 今天的《中国时报》有篇社论,谈到台湾高龄化社会的问题,读来触目惊心。它提到人类老化经过“健康→亚健康→失能”三个阶段,事实上,失能后的老人,就是生命最后的阶段。根据数据显示,台湾失能者平均卧床时间,长达七年,欧陆国家则只有2週至一个月,这个数字差别更加震撼了我!台湾面对失智或失能的父母,往往插上维生管,送到长照中心,认为这才是尽孝。长照中心人满为患,照顾不足,去年新店乐活老人长照中心失火,造成6死28伤惨剧,日前桃园龙潭长照中心又失火,造成4死11伤的惨剧!政府推广长照政策,不如贯彻“尊严死”或立法“安乐死”的政策,才更加人道!因为没有一个卧床老人,会愿意被囚禁在还会痛楚、还会折磨自己的躯壳裡,慢慢的等待死亡来解救他!可是,

论印象派艺术作品中的思想性

论印象派艺术作品的思想性 王玲云 (河南大学民生学院环境艺术设计学号:1103611064) 摘要:当人们欣赏印象派画家作品时,往往习惯上认为这类作品的创作者只重视自然界的光、色运用,很难顾及和自然表达自己的情感,因此认为印象派的艺术作品都缺少思想性。这种观点往往是对印象派艺术作品片面的不够深刻的理解。这种情感在作品中的充分表达也就是艺术作品的思想性。德加、毕沙罗的作品,不仅具有对光和色的捕捉的卓越才能,而且有自己对生活的感悟及真挚、朴素和自然地情感态度去描绘社会底层劳动人民和现实生活中的美好瞬间印象,充分表达了他们的宽广的同情心和人道主义精神,给人们带来了宝贵的精神享受,也为艺术作品赋予了灵魂。 关键字:印象派、思想性、情感;德加、毕沙罗 一、 艺术作品的思想性是艺术家在进行艺术创作中的情感真实流露。情感,既是一种客观现象,又是一种主观体验。这种体验所构成的恒常心情背景或一时的心理状态,对艺术家所进行的信息加工起着极大的组织与协调作用。正是由于这种发自内心的纯真情感,才能真正的使艺术家创作出的作品更具有感染力,引起观赏者的情感共鸣。 艺术创作起源于情感,这正是审美意识和艺术创作的萌芽。一幅优秀的艺术作品不只是表现人物、场景,最重要的是情感表达。情感作为艺术作品的灵魂,能够激起人们强烈的感情波澜。人们在欣赏艺术作品的过程中产生思想情感同作品蕴含的思想感情相通或基本一致,产生感应交流,引起一种强烈的情绪激动。从而影响自己对艺术的情感投入,获得审美经验。没有所谓纯粹的艺术,只有或多或少的渗透人世情感内容的艺术。任何艺术只有真挚的情感的投入才能称的上是真正的艺术!毕加索曾说过:“艺术是时代的索引,任何一个时代的特殊感情都会诱导出与这些情感一致的艺术形式。”没有情感的艺术形象是苍白的、无力的、没有生气和神韵的,每一种具体的艺术表现形式都对应着特定的心理感受,都能引起或优美、或抒情、或炽烈、或豪放、或优郁等对应的心理反映和感受,能表达出个人、群体、社会或民族的特定精神,这样才能再现生活的情感表达。因此艺术作品中的思想性是作品成败的关键,是贯穿艺术中最不可或缺的灵魂。 二、 印象派作为19世纪重要的艺术画派之一,以创新的艺术创作手法对现代艺术的发展产生了深厚的影响。印象派画家在艺术特色上从构图、造型、色彩、笔触以及主观精神的表现上都和之前的古典主义的艺术特色有着明显的区别。他们重写生,重实践,提倡走出画室对外作

印象派作品汇总

《印象派作品》 印象派画家作品介绍 印象派画家的作品色彩非常漂亮,是现在学美术的人几乎必须学习和知道的一个画派。这里向你作知识性的介绍。 印象派的名称因为莫奈的一张“印象·日出”而来;因此莫奈是最忠实的印象派画家,而且是最具代表性的人物。莫奈很喜欢到户外去写生,经常呼朋引伴同行,结伴出游成为印象画派的特色之一。莫奈一些连作系统,像干草堆、教堂、或者莲花池等都是在观察记录光线短时间的变化.

日出.印象50.5*60公分[ 法] 莫奈作 印象派是19世纪下半叶在法国兴起的一个以反官方艺术沙龙垄断地位 为基本出发点的艺术流派。1874年,以莫奈、毕沙罗、雷诺阿为代表的一群艺术家,在一个摄影师的工作室里举办了一个画展。画展名为“独立的画家、雕塑家和版画家艺术展”。在标题中出现的“独立”二字,就是不愿与官方艺术沙龙合作。不料,第2天,一家小报的记者写文章攻击他们说:“这些年轻人在胡闹,画得简直就是印象派”![就是指莫奈的日出.印象这幅画] 没想到,印象派画家们倒是十分乐于接受这个说法。他们索性以印象派自居,通过强化意识来统一风格,并决定今后每两年举办一次印象派的画展,这个活动一直持续到1886年。印象派在法国取得了最为辉煌的艺术成就。19世纪后半叶到20世纪初,法国涌现出一大批印象派艺术大师,他们创作出大量至今仍令人耳熟能详的经典巨制。 干 草堆莫奈作他在同一个干草堆前一天就画了16张写生。他像科学家一 样去研究色彩在不同光线下的变化。几乎所有印象派的特点,都出现在莫奈的作品上: 光的效果 瞬间的记录 色彩由眼睛来混合 装饰的美感

有不少人在看到一些不理解的画时,常常会说:”这画的是什么呀?简直是印象派“!其实,印象派是一个非常了不起的画派,在西方美术史上,它是一个承前启后的画派,印象派画家对绘画的色彩进行了科学的探索,并作出了划时代的贡献。 火车站莫奈作 诞生于19世纪后半期的法国印象派,其代表人物有莫奈、马奈、毕沙罗、雷诺阿、西斯莱、德加、莫里索、巴齐耶以及塞尚等人。印象派画家的绘画生长在写实主义的土壤之中,继承了法国现实主义前辈画家库尔贝让艺术面向当代生活的传统。

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