艺术概论小论文——艺术家的人生

艺术家的朝圣路

从古至今，我们这个星球上诞生了的文明如恒河沙数，却又随着历史长而河沉淀逝去。但是，每个文明最令后人感慨的还是在于辉煌的艺术品和那些极具创造力的艺术家。因为，从艺术的发展来看，艺术生产是在物质生产发展到一定高度，才从中分化出来，形成相对独立的生产部门。所以才有余光中的诗中所言的，李太白那“秀口一吐便是半个盛唐”。而艺术家的创造，又随着时光翩跹，社会发展而具有差异和共性。他们有着共同付出的艰辛和努力，有着共同的艺术精神，又面对着不同的时代有着不同的踟蹰。

一．“文章憎命达”

“文章憎命达”这一句诗直如千古文人的谶语。

原句出自杜甫的《天末怀李白》，诗中杜甫的原意是为李白遭到流放夜郎而牵挂同情，才高八斗而怀才不遇的命途而愤慨不平。但是，也一语道出了艺术家创造艺术产品所需要的生活体验。

作文章忌讳坦荡的命途，那艺术家们的创造何尝不皆如是？

以宋代的书画家、文学家苏轼为例。他在文学艺术方面堪称全才。其文汪洋恣肆，明白畅达，与欧阳修并称欧苏，为唐宋八大家之一；诗作清新豪健，善用夸张比喻，在艺术表现方面独具风格，与黄庭坚并称苏黄；词开豪放一派，对后代很有影响，与辛弃疾并称苏辛；书法擅长行书、楷书，能自创新意，用笔丰腴跌宕，有天真烂漫之趣，与黄庭坚、米芾、蔡襄并称宋四家；画学文同，喜作枯木怪石。

但是苏轼最高的艺术成就却在人生的最低谷中所造就的。他在因为诗作而被卷入“乌台诗案”中几次濒死，最后逃过一劫被贬黄州做了团练副使，但是也并无实权，还受到地方官员的时时监视。甚至在其书法名作《寒食帖》中留下了这样的诗句“空庖煮寒菜，破灶烧湿苇。”，“也拟哭途穷，死灰吹不起。”。从中自可见苏轼的生活之窘困，最末一句“死灰吹不起”更见一代文豪的凄凉。但是，不过数月之后他便写下了千古名篇《赤壁赋》。此外的《后赤壁赋》、《记承天寺夜游》和《念奴娇·赤壁怀古》等名作也纷纷于此时写就。

苏轼在政治迫害中，才真正将他的学识融会为一体，将儒释道打通为一，成为了他的人文品格。这一切，在他的文学艺术作品《赤壁赋》中由主客之间的对话谈论可以很好地看到。

由此可见，艺术家们命途愈坎坷，对生命主体的体验愈深刻，悲剧抗争意识愈浓烈，其成就艺术创作的成就也就愈辉煌。在逆境之中，艺术家的人格主体，更能够从时代的泥淖中超拔出来，从而为艺术品注入超出时代乃至于时间的生命力、感染力。

二．“千年未有之变局”

在李鸿章曾在他的一封奏折中提过这样一句话“千年未有之变局”。李所指的是清王朝面临的世界变革威胁。然而在艺术领域，同样可以看到这样的一场巨大变革。

现代艺术替代了传统。冷战后至今，后现代艺术又伴随着更发达便捷的媒介席卷而来。几乎属于过往的传统艺术，往往是社会精英的专属品，是社会普通大众难以接触的阳春白雪，比如西方曾经盛行过的繁复优雅“巴洛克艺术”。更关键的是，传统艺术忽视甚至压抑了人的主体性，而这正是现代艺术的核心。

但而在二战后，尤其是在冷战后，后现代艺术蓬勃而起。与现代，甚至于传统的艺术相比，后现代艺术抱着“解构一切”的态度，颠覆了一切过去的艺术。又由于其通俗，而具有更广泛的受众，更强的与商业性相适应的能力。

当然，艺术家的作品的价值在商品化时代，即商品的价值，也是极其重要的因素。

可以以“鸟叔”的和其《江南style》为例。通过现代传媒和商业营销，《江南style》成功在极短的时间内红遍了全球。就歌曲内容而言，所表达的同样也是社会中产阶层的物质生活理想。其商业性不言而喻。

艺术走向大众是社会发展的大势所趋，从单纯的贵族式人格追求到平凡的社会商品却是在时代发展中的必经的一环。

但是真正的艺术家不是商人，真正的艺术品绝不仅仅是商品。经历生活，付出艰辛，孕育出的艺术品拥有属于永恒的价值。时代，时代的背后还有永恒。

借用尼采的一首小诗来说吧：“谁终将声震人间，必长久深自缄默。谁终将点燃闪电，必长久如云漂泊。”这一首诗，出自哲学家，可也同样适用于艺术家们。

艺术概论论文整理整理精编版

艺术概论论文整理整理 精编版 MQS system office room 【MQS16H-TTMS2A-MQSS8Q8-MQSH16898】

艺术概论论文 姓名： 学号： 学院：园艺园林 班级：园艺1班 艺术对经济的影响 摘要 随着人类社会对产品文化品位、审美价值、精神需求的不断增加，以及艺术的理论与实践的深入，现代艺术呈现出了五大基本特征：贯穿美的原则；科技与艺术结合；明确的消费者定位；超前性；经济性。具备了五大特征的艺术对社会经济活动在生产、交换、消费、分工、贸易等方面正在产生越来越重大的影响。艺术存在于社会中，它表现着社会生活、演绎着社会发展动向，而社会也不断地为艺术提供艺术原料，也只有在人类社会环境中艺术才将得以继续存在发展下去和丰富起来。同样地，社会的发展也离不开艺术，它已经和社会的发展相融合，社会发展会产生艺术，艺术带动了社会的发展。自然地，艺术影响了社会经济，有时候甚至是艺术让某地发展起来了。 关键字 艺术社会经济影响 内容 文字、绘画、雕塑、建筑、音乐、舞蹈、戏剧、电影等任何可以表达美的行为或事物，皆属艺术。对于艺术，通常可以从三个层面来认识。第一是从精神层面，把艺术看作是文化的一个领域或文化价值的一种形态，把它与宗教、哲学、伦理等并列。第二是从活动过程的层面来认识艺术，认为艺术就是艺术家的自我表现、创造活动，或对现实的模仿活动。第三是从活动结果层面，认为艺术就是艺术品，强调艺术的客观存在。那么艺术与社会经济又有怎样的关联呢？ 艺术与经济，原本属于两个不同的学科和范畴，由于市场经济的逐渐发展和活跃，却使两者越来越紧密地联结起来。艺术生产作为重要的经济手段，艺术产品作为商品的特征，也更加明晰地凸现出来。尽管中外许多文艺理论家们对艺术产品的商品化现象，曾经予以言词犀利的批驳和近乎完全的否定，却非但未能阻止艺术生产参与经济活动以及艺术产品作为商品同其他商品进行交换的历史进程，艺术产品商品化的趋势反而日渐扩大，文化产业成了最有发展前景的“朝阳产业”。 经济与艺术的关系不是直接的，而是间接的，其间的中介环节还不止一个。如经 济活动通常要通过一种社会精神、时代感情乃至政治、法律、伦理、宗教、哲学作用于艺术，而不是经济结构、物质生产活动本身。同样，艺术对经济的反作用也十分的间接，它不可能直接转化成生产力或生产关系，也是通过一种“时代精 神”“潜移默化”地影响了经济基础；艺术生产与经济生产的“不平衡关系”，具

艺术概论论文(优选材料)

我眼中的中国电影及其发展趋势 [摘要]电影《阿凡达》的热映,反映了数码技术对传统电影的冲击。本文从数码科技对电影的影响剖析着手,提出中国电影应注重电影艺术元素与数字科技应用相融合、注重电影原创能力与数码财富成长相融合,从而走出传统电影与数码电影相融合的中国式成长道路，拍出具有中国特色的电影。 [关键字] 独立电影，传统电影，数码技术 我从高中的历史书上学到了中国电影艺术的开端是1905年，发展到现在也有一百多年的历史了，期间有数不清的优秀影视作品被我们所熟知。但是，以我一个不太专业的眼光看来，中国电影这些年的发展，一直处在一个跟风模仿的阶段，当然，这些有很多原因。 在我看来，中国电影的特色是我国博大精深的文化底蕴，我们不应该一味的去以技术来讲述电影，而要发挥我们的特长，扬长避短。我记得成龙在接受一家媒体采访，当被问到为什么你的电影不拍3D电影的时候。成龙的回答是，我们的技术比不过老外，怎么拍都是输，但是我们有我们擅长的，总不能以我们的短处去跟被人长处吧。我很赞成成龙说的话，中国社会的发展如此迅速，电影事业也如火如荼的发展着，这就特别需要一个方向去引导。这就对电影创作者提出了很高的要求了。 由此，我要说到的是电影里的一个独立分支——独立电影。 文艺跟政治的关系总是很微妙。在今天看来，中国电影的境况依旧如此，一帮不懂电影的官僚们正在严密地审查、监管着中国电影。所以，现在的中国电影绝对不单是简单的艺术问题，而是更多的牵扯到了政治层面。在这样的政治环境下，中国电影的现实境况就是理所当然、不足为奇的了。“物质至上”的社会价值观带来的整个社会的浮躁气息与群

体信仰的迷失在主流电影里表露无遗，电影院里充斥着大量言之无物、脱离现实的电影，用三个字来概括就是：假、大、空。另一方面，作为中国电影的组成部分，独立电影虽然以其犀利的批判态度和毫不妥协的决绝姿态很少得到主流社会的关注和认同，但它却在自己的一亩三分地上成长得有声有色，自成体系。正是独立电影这种特质还原了比起主流商业电影来说更接近于真实的现实生活，但是，由于它太过于直白了，从而陷入了一个不恰当的境地，就是很容易并且经常性的是“充满了悲观色彩、描写社会黑暗、间接性地挑拨阶级仇恨”，也恰恰是它的这些特质触碰到了主流社会的敏感之处，让主流社会感到刺耳和不愉悦，从而招致了打压，日趋边缘。其实，这就像一个孩子本着一颗童真的心做出了一些在大人们看来不应该做的错事一样。不可否认的是，在许多年之后，当我们回过头来看的时候，我们会发现，完整地记录了时代及思想变迁的恰恰是这些童言无忌的孩子们，从他口中所讲出的话更接近于真实。 现在的中国电影正在借鉴好莱坞的模式以极快的速度开始它的产业化进程，我想这正是当前主管中国电影的官僚们布局的总体思路。在这样的思路指引下，当你看到张艺谋和陈凯歌创作风格的变化时就不会觉得诧异和让人费解了。拿《三枪拍案惊奇》来说，前期宣传做得铺天盖地，电影质量却是业余导演的水准，唯一不可否认的是它凭借着前期宣传的噱头赚了不少的钱，记得当时有人给这部电影写的一句话短评是：“为稻粱谋，不为艺谋”，真是精辟之极。随后，张艺谋又拍了号称史

艺术概论论文

对民族艺术失落的反思 摘要：近些年，“国际化”、“与国际接轨”的说法十分时髦，最雄辩的原因莫过于世界已经全球化。各国民族艺术的交流与融合也在不断 加强，外国文化的影响似乎已经已经渗入到我们生活的方方面面， 所以才会有我们当代绘画的创作背景已经变成了“国际化”的说 法。似乎所有的中国画家作画时都要以“国际”作为背景。在这种 思潮影响下，中国的民族艺术逐渐被人们冷落，本文将阐述一些对 中国现代艺术发展中出现的崇尚“西化”思潮的评判与反思。 关键词：民族艺术国际化评判与反思 Reflections on the National Art Loss MayaJing

(Hubei Normal College of Fine Arts Professional 0802 class) Abstract:in recent years, the "internationalization", "with international standards" very fashionable, most of the way the world has eloquently for globalisation. All national art exchanges and integration in strengthening the influence of foreign culture, seems to have has penetrated into every aspect of our lives, so will we have the creation of contemporary painting background has become a "internationalization". It seems that all Chinese painters paint to all "international" as background. In this trend, the national art was gradually, this paper describes people left some of China's modern art in the development of advocating "westernization" trend and reflection. Keywords: Ethnic arts internationalization Evaluation and reflection 目录

艺术与人生论文

学校：湖南大学

艺术与人生论文 ——声乐艺术与欣赏 她，一位九岁就登台演京戏的女子，中国第一位将戏曲声乐理论化和系统化的艺术家，她就是国家一级演员——徐竞存！她来到湖南大学的讲堂上，为广大的学生们上了一堂声乐艺术与欣赏课。在这节短短两个半小时的课堂上，让我这一个音乐门外汉对它的一部分有了一个整体的轮廓了解。 声就是情，情就是声。离开了情的声就像是离开了水的鱼，没有了生气，没有了血液。情就是声，每份情都可以用声来表现，用声来彰显。艺术是融合了人的主观感情在其中，引起了众多人的共鸣，创造出一种欣赏的美。人在艺术的世界里，懂得去欣赏它，去体会它，感受它的各式各样的美。有许多人，唱起歌来呆呆板板，死气沉沉。练声只练声，唱歌只唱歌，毫无生气与朝气，缺乏奋进的激情。“声与情，技与艺，从来都是歌唱艺术中的血肉相连的两部分（徐老师说）”。发声、咬字、吐词和内容的表达构成了歌唱的整体，又是不可分割的三部分。好的唱歌应该是声音优美悦耳，感情真挚动人，语言形象准确，技法运用自如，形体动作大方，成为多种因素汇集于一体的扣人心弦的完美艺术。就是说，只有声情并茂、技艺结合，才能使唱歌达到感人的境界，产生极富感染力、沁人心腑的艺术效果。这是我上完这节课后最深的感触。 歌唱有三种形式，分别是通俗唱法，民族唱法和美声唱法，下面我将结合上课的理解以及自己课外的阅读浅谈这三种形式。 通俗唱法在我国是20世纪80年代逐渐兴起的，它作为一种世界性的通俗文化的组成部分，已受到我国民众的普遍欢迎。其实，通俗唱法早在20世纪三十年代就有流行，当时的周璇所唱的《何日君再来》、《天涯歌女》、《四季歌》、《夜上海》等等近百首歌曲，首首流行，还有不少流传至今。在中国解放后还出现了邓丽君等有名的歌手，至今我们在电视里，广播里等等地方都还能听到邓丽君的歌声。这些通俗唱法的歌手对我们的生活有着很大的影响。通俗唱法也可称为流行唱法，具有通俗性、自娱性等艺术特色，擅长抒发以个人为主体的内心情感。现在的通俗唱法可以分为以下几种类型。浑厚型，其代表人物是蔡琴，那首《你的眼神》的深情演唱，一句“象一场细雨洒落我心底，那感觉如此神秘。我不禁抬起

真正的艺术家_高中作文

真正的艺术家 艺术，是一种虚无缥缈、不拘于形式的精神灵魂的交流，它如朦胧夜空中飘渺的月影，如荒芜悲凉之地的一朵盛开的鲜花，如寂寥无垠的夜空中璀璨的星辰一般，在不经意的回眸之间，给你最深沉的灵魂的撞击。而真正的艺术家就是艺术的使者，用一颗悲悯的、孤独的、富有创造力的心，将生命献祭于艺术，再在灵魂中重生。 真正的艺术家是悲悯的，对人的苦难抱有同情并始终真挚关注着人类的命运。 周天黎说过：“艺术创作的一种最高境界是表现悲剧性之美感；是一个画家自己的生命，灵魂，良知对真、善、美最真诚的祭奠！”那些真正触动人心并得以永世流存的艺术作品，哪一个不是包含着无数美好情感和对困苦的同情与反抗？ 正是因为米勒对那些勤劳质朴的劳动人民始终怀有深深的悲悯和赞美，才得以用那满腔对劳动人民的热爱交织成了《晚钟》。得到灵魂深处的空旷与虔诚，他的作品中最感人的是对细节的描写，每一条深深浅浅的皱纹，每一块冻疮的茧都是他最深沉的悲悯之情，是他对质朴、纯良的赞美，是他对爱的献祭！又如周天黎的《生》，上方是十字架上的乌鸦，下方是残桩断藤中盛开的杜鹃，两种极端强烈的反差，美丽和绝望重叠在一起，造就出凝重的艺术感染力，令人悲悯，令人震撼。新的生命竟从死亡中得到重生，造就生命的尽头便是死亡，1/ 3

死亡的尽头便是重生的？震撼！ 真正的艺术家是孤独的，只有孤独、敏感的生命，才能脱离紫陌红尘，触碰到灵魂深处的孤独。 真正的艺术家对艺术都有极致的爱，最极致的爱就是用生命去爱它，这种爱注定是伟大的，也注定是悲壮的，不得人理解的。古人云“古来圣贤皆寂寞”“高处不胜寒”，当你的思想到了最高的境界，你便注定无法受到凡尘俗人的理解了。一个孤独的人，是不会留念滚滚红尘中的浮华名利的，当你的生命中只剩下了一个东西，你便会真正地洗尽铅华，摆脱了尘世、肉体、传统礼教文化的束缚，在一方属于自己的自由天地用灵魂歌唱，即使肉体泯灭，灵魂的歌也会永远悠远、清亮。 梵高是孤独的，没有人欣赏他，于是他用生命浇灌出了一簇热烈盛开的太阳花，永远盛开；梅兰芳是孤独的，没有人真正理解他，于是他用生命遗留了一曲繁华，在空白而又喧嚣的背景下永远寂寥。只有孤独的人，才能真正理解生命，也只有真正理解生命的人才能理解真正的艺术。 真正的艺术家是富有创造力的，艺术是一面镜子，上帝只会关照一心创作的画家，而不是光照镜子的人，一味地模仿，只是画匠而永远成不了艺术家。 我最敬佩的艺术家们都用独特的创造天赋与豪放不羁的胆识，挑战权威，开创了属于自己的一片天地。抽象派大师毕加索，在只注重 整体结构和透视比例的时代中，用残缺错乱的构图，凌乱平凑的笔触，2/ 3

艺术概论课程论文

浅谈对民族艺术失落的反思 摘要： 近些年来的经济的全球化带动了文化的全球化，全球文化在同一个大熔炉里升腾发展。所以，“国际化”、“与国际接轨”的说法变得十分时髦，这原因根本上是在于世界已经全球化。传统工艺美术是通过手工技艺来完成的，建立在农耕文化的基础上，它带有明显农业时代的特征。各国民族艺术的交流与融合也在不断加强，外国文化的影响似乎已经已经渗入到我们生活的方方面面，所以才会有我们当代绘画的创作背景已经变成了“国际化”的说法。似乎所有中国画家作画时都要以“国际”作为背景。在这种思潮下，中国的民族艺术逐渐被人们冷落，本文将阐述一些对中国现代艺术发展中出现的崇尚“西化”思潮的评判与反思。 关键词：民族艺术国际化传统工艺美术评判与反思 前言： 如果我们将1919年在德国小镇魏玛成立的"包豪斯"学校作为现代设计教育诞生的标志，那么正规的艺术设计教育在西方从包豪斯开始已发展了近100年，而在我国真正接近西方现代设计概念的历史，在中国却只有20年的时间。所以20世纪对于中国来讲是一个特殊的时期，我们的传统文化受到了很大的冲击和伤害。中国绘画的发展尽管取得了很大胜利但也遍体鳞伤。我们的传统民族艺术受到了外来艺术的侵扰，在这种情况下，我们要端正态度，在吸收外来先进艺术的同时也要保护好我们的民族艺术。一、民族艺术的失落 世界上有许多民族，各民族艺术也在互相影响与融合。面对外来艺术，尤其是西方艺术的融入，我国部分人产生了错误的观点，是我国民族艺术受到冲击，一定程度上造成了民族艺术的失落。 （一）一种思潮的躁动 1978年至今，粉碎四人帮以后、特别是1978年中共党的十一届三中全会以来，随着时代的发展与经济建设的需要，湖南大学等工科院校于70年代末在我国率先设立了相应的研究所，并于80年代初创办了工业设计专业。1998年教育部颁发的普通高校本科专业目录首次出现了"艺术设计学"的称谓，这期间全国艺术院校的工艺美术专业在教学思想上开始向"艺术设计"靠拢，并纷纷将学科更名为艺术设计。也就是说20世纪90年代，我们才真正建立起与"工艺美术"有所区别的学科名称"艺术设计"。 1980年代中期中国大陆出现的一种美术思潮。当时的青年不满于当时美术的左倾路线，厌烦了苏联（俄国）的美术窠臼，厌烦了传统文化里的一些价值观，试图从西方现代艺术中寻找新的血液，从而引发的全国范围内的艺术新潮。 对于这场思潮，有不同的观点：有人认为：它给中国美术界带来了新的生机，有人认为：认为，这场思潮没有立足于本土文化，甚至是一个“全盘西化”的运动。总的来说，这场思潮是一次激烈的反传统的运动，它是在文化大革命造成的深层危机感中产生的。 （二）中国艺术的西化 从理论上讲，中国设计教育的初具规模还是近20年的事情，此前的设计概念仅仅停留在工艺美术基础上的借用，从心理到方法的认知都是从被动的向西方学习和对传统手工艺国粹的膜拜。 受那场思潮影响，中国当代绘画艺术存在的问题很多，如摹仿性太强，创造性太少，西方性太强，民族性太少，形式追求太强，思想内涵太少等等。他们受西方后现代艺术的影响，

艺术概论 论文

艺术概论论文 “艺术”一词汉语中最早出于《后汉书》他泛指各种技术才能。 儒家讲古人要学习六种技能“六艺”即“礼，乐，射，御，书，数。”（御：驾车） 古希腊人把凡凭专门知识来学会的工作都叫做“技艺” 音乐，雕塑，诗歌，骑射，烹调。 艺术是意识形态，也是生产动态。其特点是生产者把主体强烈的主体艺术—思想，情感，心境，愿望等渗透到生产过程中，主体将自己的独特的艺术个性和气质。艺术风格和语汇，艺术天才和情感符号渗透到产品之中，艺术形态要求强烈的主体性。 艺术作为社会意识形态的一种，它是社会生活在艺术家头脑中的梵音，可以说“一切艺术都是社会生活在艺术家头脑中的反映。” 艺术家直接描写社会生活状况，表现了人们对生活的评价，认识感情。 通过各个阶段艺术家的描绘，对人们的生活状况和社会都会有一定的了解。 艺术是随时代的发展而发展的，总管艺术的发展，最突出的印象是，“不同的时代有不同的艺术” 如下的例子： 子虔《游春图》 “青绿勾填法描写山川、人物、尚无皴法，树木直接用粉点染，体现出朴拙而真切的描绘自然的能力，展示出山水画已经由六朝以来的萌芽状态而趋向成熟。画面取俯瞰式构图，重叠的山冈，平远的河水，确实取得了“远近山川，咫尺千里”的效果。游乐于山川中的人物以及画面所呈现出来的春天的气息，显然是在追求“画外有情”的艺术境界。以前只在理论上探讨过的山水画技法，这时已经能够部分的作到了，反映出作者观察与认识自然景物的能力显著提高了。 从画面所呈现出来的风格特点等方面可以明确看出这一时期山水画的成就与面貌，给后世以深重的影响，开创了青绿山水的端倪” “盛唐期间，山水画出现了重大变革，有异于青绿山水而出现了吴道子笔迹豪迈和王维水墨简淡的山水画。 王维以诗入画，创造出简淡抒情的意境。特别是他首先采用“破墨”山水技法，大大的发展了山水画的笔墨意境，对山水画的变革作出了重大贡献。 同时，王洽画松石山水则以疯癫狂放，创“泼墨”之法。唐中期画家张璪，作品多以水墨作山水松石，意趣追摹王维。其名言“外师造化，中得心源”，所强调的在于通过摹写自然山水来传达人物的主观性情” ----《摘自中国美术发展史》 青绿山水画，基本上是用细笔勾勒山石树木，用石青石绿填染为主，既表现了对象的固有颜色，又绿带主观化装饰意味的手法。这是较早的山水画样式，因为使用青、绿为主的颜色而被称为“青绿山水”。 。 隋入唐生活气息逐渐浓郁。唐朝更加注重了对人物的主观表达重视情感的融入，在艺术作品中的自然乃是“人化的自然”是艺术家对生活的感受和愿望的寄托。 各民族美术间的交流；文学与美术的关系较之魏晋时期更加紧密与自觉；同时除人物画之外，山水、花鸟、鞍马等画科开始出现并且独立成科。绘画形象和表现技巧经过不断探索改进而更为广大观众所接受。实性题材逐渐增多也曲折的表现出人们对现实生活的热爱。 “郭熙对山水画主张，经其子郭思整理成《林泉高致》，全书共分水训、画意、画诀、画题、画格拾遗，画记六篇。

艺术与人生

艺术与人生——塞尚 【摘要】：塞尚是法国继印象主义之后的绘画革新家，与梵高、高更被视为西方现代艺术最伟大的先驱者。美术史上以他为一个分水岭，有“塞尚以前”、“塞尚以后”的说法。塞尚在绘画上的革新精神，受到西方20世纪艺术家的普遍重视，被誉为“现代艺术之父”。塞尚的艺术风格一直影响了西方近百年来的现代美术，他的艺术主张是“色彩造型”、“艺术变形”和“集合构形”。他的作品关注人的内在精神和主观世界，是一位用“色彩造型”的大师。他的绘画对立体派尤有启发，也是构成形式主义理论体系的核心。 【关键字词】：塞尚艺术风格表现形式色彩造型 【正文】：“在所有活着的画家中，只有一个人才是真正的画家，那就是我。”一个被嘲笑了几十年后仍然这么认为的人，他的名字叫保罗·塞尚。他被称为“现代绘画之父”和“现代艺术之父”；他将欧洲传统艺术信条一个个摧毁，然后再一一重塑，开创了一个全新的美术理念；他是孤傲、狂热、乖戾而坚韧的独行者；他对物体体积感的追求和表现，为“立体派”开启了不少思路；他终身奋斗不息，用颜料来表现他的艺术本质的观念。 最初了解塞尚，是在大一色彩课程上，老师说我的画风跟塞尚很接近，尤其是苹果，让我多看看塞尚的作品。于是我跑遍院里和本部的图书馆，看遍所有塞尚的书，慢慢的从对他的静物的喜爱，到对他早期晚期所有作品的喜爱，再到对他这个人的喜爱。从他画里我看到了他的思想，他的挫折，他的人生态度，一个一生都坚持自己观念不被动摇的人，精神有多可贵！ 一、个人简介 塞尚是印象派到立体主义派之间的重要画家。 塞尚由毕沙罗介绍加入印象派，并参加了第一届印象派画展。有人依他的风格也归于后印象派。塞尚认为“线是不存在的，明暗也不存在，只存在色彩之间的对比。物像的体积是从色调准确的相互关系中表现出来”。他的作品大都是他自己艺术思想的体现，表现出结实的几何体感，忽略物体的质感及造型的准确性，强调厚重、沉稳的体积感，物体之间的整体关系。有时候甚至为了寻求各种关系的和谐而放弃个体的独立和真实性。塞尚认为：“画画并不意味着盲目地区复制现实，它意味着寻求各种关系的和谐”。从塞尚开始，西方画家从追求真实地描画自然，开始转向表现自我，并开始出现形形色色的形式主义流派，形成现代绘画的潮流。 塞尚这种追求形式美感的艺术方法，为后来出现的现代油画派提供了引导，所以，其晚年为许多热衷于现代艺术的画家们所推崇，并尊称他为“现代艺术之父”。毕生追求表现形式，对运用色彩、造型有新的创造，被称为“现代绘画之父” 在可以被当成二十世纪探索绘画先知的十九世纪画家中，从成就和影响来说，最有意义的乃是塞尚。他的观念扎根于西方绘画的伟大传统之中，在包容性方面，甚至属于艺术中最革命的观念之列。 在塞尚之前漫长的艺术发展史中，所有的画家都把注意力放在再现客观对象

最伟大的艺术家_五年级作文

最伟大的艺术家 广东卷作文题：雕刻心中的天使一个雕刻家，正在一刀一刀地雕刻一块尚未成形的大理石，渐渐地，脑袋、肩膀都露出来了，雕出了一个美丽的天使。一个小女孩看到了，问：你怎么知道天使藏在石头里？雕刻家说：石头里本没有天使，但我是用心在雕刻。请以雕刻心中的天使的为题，写800字 在作为儿子的我的心中，母亲是最伟大的艺术家。是伟大的妈妈，将儿子雕琢成她心中的天使。许多年前，那个闷热的午后，母亲忍着无比的痛，将我带到了人世间。看到小小的我，母亲苦涩的面容变得甜滋滋的，那份成为人母的喜悦使她忘掉了身上的伤痛，流下了欣喜、动情的泪水??这是爸爸告诉我的。我知道，母亲自那天起就成为了一位艺术家，她心中坚定地相信我这块小石头里蕴藏着璞玉，她要做一名雕刻家，把我雕琢成她心中美好的天使。母亲很努力，很用心地工作，希望在物质上令我有舒适的生活环境；母亲也很勤奋地进修，希望在学习上能帮助我。但无论再劳累，再繁忙，母亲每晚都抽时间与我谈心，看看她心中的小石头有没有烦恼，过得快乐不快乐。母亲会用慈爱的心与祥和的语言去驱赶我的烦恼，也会用欢笑与烂漫来分享我的快乐??就如雕刻家一刀一刀地雕刻，把不够好的地方削掉，令优良的地方成型。母亲最为看重的，是培养我的品德与人格。母亲口中常是这样说的：“读不好书，可以用勤奋弥补；个子不高或相貌不美，可以用诚恳与真切待人弥补；唯独心灵如果脏了，就没有什么可

以弥补，心灵必须纯洁，要令自己的品格高尚，这样才算是一个真正的人。”母亲这样说也是这样做的，她从小便教育我要懂得真诚待人，严格律己。对长辈，要心怀敬重；对同辈，要平等相爱，乐于助人；对小孩，要懂得保护他们，关心他们，尽哥哥的责任。自己也没有忘记母亲的谆谆教诲，一直在生活上这样要求自己，令自己的人缘从来不差。长辈夸奖自己有礼貌，朋友们说能交上我这朋友够幸运，小孩子也乐于与我相处。正是母亲这份执着，令我这本不成型的石头有了头，有了手脚，有了五官??这是从精神与品格上体现出的一个真正的人，真正的好人。不少阿姨觉得自己的小孩调皮和学不好来问母亲，为什么我会这么听话和信服母亲。母亲轻轻一笑，“我没有做什么啊，只是教儿子做个原本的自己而已。”阿姨们不解。“我不过是让他一直学做本来的自己，人之初，性本善嘛，能坚持做最初的自己，不就是个善良的人？”母亲说，“但我又必须在旁教导他，不断地像雕石一样磨练他，令他成为更出色的人。我没有完全地按自己的意愿来限定他的人生路，我会让他自己发挥与选择，让他按一个自己的理想去成长……”母亲就是这样，把她心中那美好的天使，化做了今日的我。应该说，是雕刻成了今日的我。这位伟大的艺术家如今已步入中年，再也不能拿刀不断地雕琢坚硬的石头。但母亲自信地认为不需要了，她心中最伟大的作品??我，已经成长为一个真正的人，成为了真正的好人，再也不用她操心了。她会为我自豪，我也为她自豪。没有她，怎有今天的我？我爱她……其实每一个母亲都是伟大的艺术家；使儿女成长，便是她们在雕琢心中的天使。【点评】这是一篇自述散文。自述散文就是用第一人称“我”直接述说自

艺术与人生作文800字

艺术与人生作文800字 本文是关于艺术的话题作文，仅供大家参考！ 我们在艺术的殿堂里遨游的时候记住徐悲鸿打那句话“人不可有傲气，但不可无傲骨”。小编收集了艺术与人生的作文，欢迎阅读。 第一篇：艺术与人生 暑假里终于有空可以静下心来拜读徐悲鸿的传记了，在我很小的时候，曾经不识天高地厚地将自己的画拿给徐悲鸿的夫人廖静文看，她那和蔼的脸上露出了微笑，她鼓励我要好好努力，并将徐悲鸿先生的奔马图的复印稿送给了我。那时我如获珍宝一般将其好好收藏起来。也正是那一面之交，更加肯定了我对艺术的追求。这么多年过去了，重读徐悲鸿的传记，让我看到的是他那比艺术更珍贵的，他那颗炽热的爱国之心。 从小因为家境贫寒，徐悲鸿就随父亲闯荡江湖以卖画为生，在这期间他亲眼看到了封建统治对老百姓的压迫，他自己也受尽了折磨，但是每当看到比他生活更为困难的人，他都会尽自己的全力给予帮助。徐悲鸿凭借着自己从小打下的文学、书法、绘画的扎实的基础，帮了他的父亲不少忙，后来重返故乡后病重的父亲逼着徐悲鸿早些成家，徐悲鸿在父亲的强烈逼迫下，与那素昧平生的女子成了亲，但是他始终把他的心思放在学习上，最终妻子忧郁而死，而他们的孩子也夭折了。徐悲鸿断然决定只身一人来到上海学习。后来又到日本和法国留学，这8年的留学生涯虽然一直都很艰辛，常常是身无分文，但是徐

悲鸿凭借着他对艺术的热爱在这艰苦的8年中，他画了数不清的素描与速写，创作了大量的油画和中国话，并结识了不少伟大的艺术家，后来抗日战争爆发，徐悲鸿回国参加斗争，他用他一幅幅气势汹涌的国画及油画表现了他忧国忧民的爱国热忱。他拒绝为蒋介石画像，在《广西日报》上公开发表文章指责蒋介石无礼、无义、无廉、无耻，都体现了他的爱国之心。他为了宣传抗日，支援抗日战争不停的工作着，在1953年9月全国第二次“文代会”的当晚徐悲鸿脑溢血复发，26日不幸在北京逝世，终年58岁。徐悲鸿将他的一生都奉献给了国家，在他的身上我们看到了一名真正的艺术家所应具备的一切，他曾教导他的学生人不可有傲气，但不可无傲骨，他正是这样一名伟大的艺术家。 这才是艺术的人生，充满了坎坷与挫折，但是当他走到了尽头，人们去追溯他的时候，会发现他留下的是无穷的财富。如今所谓的艺术家，他们为了展示自己的才华，为了某些金钱上的利益，当众泼墨作画，在几分钟内就完成了一幅作品，试问这样的作品能展示些什么呢?作者画工的娴熟?怕是不能吧，就这样轻浮的完成了一幅画，丝毫没有价值，试问从古至今的名家名作有几幅画是在短短几分钟内完成的?怕是没有吧。所以作一名画家并不是像如今人们所认为的只要会图鸦就行，徐悲鸿的父亲曾对他说过要想学绘画是要先读很多书的，只有多读书，读好书，才能立志、明理、增智，画画和这些知识联系更为密切。而如今自称是画家的又有几个是饱读经书的?徐悲鸿用他的一生在告诫着我们，何为艺术，以及艺术与人生的完美结合。就让

我喜欢的艺术家作文6篇_优秀作文

我喜欢的艺术家作文6篇 画向日葵的人 谷依洋 文森特.梵高是位贫穷的荷兰艺术家。他以插在瓶中的向日葵为主要内容，一系列的油画作品，作品代表他生命的理解，他不忧愁钱，他只想画周围沐浴在阳光中的生活。 在他到达法国南郊的阿尔兹镇，租了一间房子，室内是洁白的墙壁和红瓷砖地板，他的房里缀满了向日葵，有时他就画这些花和其他阳光照耀着的东西。 而他大部分时间是站在室外的阳光下，画田野，画树木和正在劳动的人们，他的画笔似乎蘸上了太阳的余晖。因而他的画金光灿灿，光彩夺目。 在他的画中，阿尔兹比世界上任何其他地方要好得多，因为这里天空更加蔚蓝，阳光更加灿烂，盛开花的果园更加万紫千红，鹅卵石的道路更加崎岖而坎坷，他的黄色房屋分外金黄，他所画的也向日葵，是你所从未见过的茁壮，绚丽多彩。 梵高希望他的画斑斓夺目，甚至他画的夜色也像是七月的夜空，散热着五彩缤纷的烟火。 梵高在世期间并没有很多人欣赏他的画，而现在全世界都知道他是个伟大的艺术家，作品传递者怀着感激之心对待家人，善良之心对待他人，怀着坦诚之心对待朋友，对待工作生活，怀着一颗欣赏心，

享受艺术，宛若眼前那灿若花开的向日葵，给人们精神上的极大振奋。 我喜欢的艺术家 王嘉雯 在中外艺术界中,有许许多多的艺术家,如:贝多芬、常香玉、梅兰芳、达芬奇等等一些名人。但是，最令我敬佩的，还是中国著名的画家齐白石爷爷。 齐白石爷爷曾任北平艺术专科学校名誉教授，北平美术作家协会名誉会长，中央美术学院名誉教授。 他著名的作品还有《借山吟馆诗草》、《白石诗草》、《白石老人自传》，出版的还有《齐白石全集》各种画集近百种。 我最喜欢的就是齐白石爷爷的《齐白石虾图》。 《齐白石虾图》是画家齐白石晚年期间所创作的一幅画。在表现了水墨、宣纸的独特性能外，又将虾之质感表现的淋漓尽致。 齐白石的虾，栩栩如生，情趣盎然。懂得笔墨也善于操纵笔墨的齐白石，他在画虾时，能巧妙地利用墨色和笔痕表现虾的结构和质感。看到这幅画，就使我觉得有许许多多的虾在我的眼前游来游去。 齐白石爷爷的绘画技术和毅力实在让我敬佩。他可以把虾画得惟妙惟肖；他可以只画是画了几十年。而我却没有那样的绘画技术，也没有那样的耐心。总之，我非常敬佩齐白石爷爷。 齐白石爷爷能有今天的成就，也是他平时刻苦练习得出的结果，齐白石爷爷就是我生命的动力，也是我的榜样，所以我也要学习齐白石爷爷的这种精神。

艺术概论论文

艺术概论作业 ————艺术修养与人才培养 84070101班 李明娟 2008040701004

艺术素养对人才多元化发展的重要性 当今时代是知识经济时代，知识将成为推动经济社会发展最重要的要素，同时人才市场的发展与经济社会的发展将会逐渐趋于一体化，相互依存，彼此促进，共同发展。人才市场的多元化发展，要求人才多元化发展。 多元化人才培养有许多方面因素，其中既有学校的、也有家庭的，还有社会的，但学校对多元化人才培养所起的作用不可低估。大学四年正是我们价值观、人生观、世界观形成的重要时期，在这期间的教育对于我们今后的发展影响显著。但人人往往忽视艺术素养对于人才多元化发展也有着非常重要的作用。对于艺术有着以偏概全的理解，认为艺术是空虚的不实际的，只有艺术系的学生才需要学习，这些观点很明显是错误的。我们应认识到艺术素养对大学生的成长、创造力都是有着十分重要的意义。 首先，艺术素养对大学生的成长具有重要的作用和意义。通过培养和提高大学生对艺术的感受力、鉴赏力和创造力,可使他们完善品格,丰富感情,开拓思路,增长才干。大量事实证明,许多有重大发现的科学家在探索真理的过程中都怀有某种审美情感,而这大都与他们青少年时代所受过的艺术熏陶有很大关系。 以美启真的原则有利于调动大学生的学习兴趣,便于他们认识和掌握事物的内在规律。同时艺术修养所特有的对心灵的松弛作用和自由感还可以适当消除大学生在科学研究中过度的紧张与疲劳,从而为创造性想象的充分展开提供了条件。青春期的大学生,正处于各种心

理矛盾最普遍、最突出、最激烈、最难把握的时期,是一个人一生中心态情绪最不稳定、最容易冲动的时期。艺术教育对于疏导人们情感,保持心理平衡,促进身心健康能够产生明显的作用。 情感是心理健康的晴雨表,而美育就是一种情感教育,当人们沉浸在美的享受中时,美的内蕴如甘甜的雨露滋润着人的心田,使人的精神得到愉悦,情感得到净化,心理紧张得到放松,心理负担得到转移,从而促进情绪调节和稳定,保持或恢复心理平衡。 其次,艺术教育能够为大学生创造力的培养提供了广阔的空间。艺术活动与艺术教育是个性鲜明、创造性品质较高的活动。因为,艺术欣赏与创造,要求接受者进行个性化的再创造,这种创造力与一般逻辑思维的创造力不同,它是偏于感性的、综合性的,往往在瞬间发生;它是一种诗化的哲思,是一种顿悟,是在生动的知觉形象中把握世界的真谛。就像郭沫若同志曾经要求科学家“既异想天开,又实事求是”。艺术教育并非局限于几门艺术类的课程,它是融合了相关人文艺术的精华,在融通的基础上,打通不同专业的壁垒,在拓宽大学生视野的同时培养了创造力。 此外，艺术素养还有利于大学生集中精力,在轻松愉快中解决难题。我们通常提到的“乐学”是在重视广大大学生有限发展的潜在性前提下,通过创造学生学习兴趣的环境,培养大学生成功的心理,发展自我学习的内部机制,帮助大学生取得成功。兴趣是一种心理状态,是引起和维持注意的一种重要的内部因素。对感兴趣的事物,总是会主动愉快地去接受它、研究它。以兴趣入手进行艺术教育能使大学生

书法艺术与人生修养

书法艺术与人生修养 人生修养的途径是多种多样的。书法艺术应该说是人生修养途径之一。但任何人生修养，都应该包括生理和心理两个部分。对身体的修养又称作保健养生，通过调节身体内部阴阳二气来达到身体的健康和生命的长久。与身体修养相对，是对人的内在心性的修养，中国古人常常认为，不仅身体与心灵相互影响，而且心灵更是身体的主宰。如道家认为，人生的最好境界是要获得心灵的安宁和自由，而要想达到此境界则要避免外在之物的不利影响。如老子说：缤纷的色彩让人眼盲，美妙的音乐让人耳聋，急迫的速度让心衰微，故而老子言“虚怀若谷”，庄子“希望坐忘”来忘却人生的烦恼。孟子说：“吾善养浩然之正气。”荀子也认为，唯有保持心灵“虚静为一”的纯粹境界，才能认识人生的根本道理。古人所追求的人生修养最高境界正是书法艺术可以承担的重任。 1、书法艺术与心理修养。 书法是一种以汉字点线结构为载体，以笔法、结字法、墨法、章法、取法为表现方法，来表现主体精神和体现审美的抽象艺术，之所以称为抽象艺术，乃在于它看似简单的线条，却蕴含着无限的世界，提示着神秘的人生，尤其是中国式做人做事的道理更在其中。 其一，书法五体，体体传情。 从书法的几种书体看，无不传达出中国人的特质和心性，比如楷书，亦称“正书”，以形体方正，可作楷模得名。它如金刚瞠目、力士挥拳，来不得一丝的将就，正如那刚正的人生不能沾染一点污点一样，因此说：楷书只为君子生，只帷君子而成，这正是书为心画，作字先做人的道理之所在。 再比如行书，其特点就是随意、潇洒，做人也是一样需要讲究应变。在有规有矩的前提下，随意且顺其自然。这样的人生才能潇洒自如。 那么篆隶呢?篆书崇尚婉道、圆润、方中矩、直中绳，隶书尽管比秦篆简便，但内在仍要求严谨性和规范性。篆隶用笔都如棉里裹铁，暗合人生的生存哲学，辩证的思维。 草书无论是章草、今草乃至狂草，其笔端或轻如蝉翼或重若崩云，刚中显柔，柔中寓刚，无不透露着书家人生的抒怀，博大清新，纵逸豪放，潇洒流落，飞动轻盈。 由此可以看出，书法做为一种艺术形式，它是可以表达一个人的修养、气质和心性的，这就是说一个性急的人很难去写出平和安祥、恬淡婉丽的字体，而一个文静的人也很少能写出放浪于形骸，龙飞凤舞的字体。 其二，把握书体，修养心性。 以上我们分析了五种书体可以表现的五种心性和气质。那么我们就可以依据自己的性格特征选择对应的书体加以习练，这样可以取得事倍功半的成效。而更重要的是分析出自身性格特征的不足或缺陷，通过选择对应的书体去修练，从而加以弥补，强化人生心性的修养。如过于耿直，刚正不阿的人，可练篆隶和行书，感悟一下处世的圆润和随机应变。如性格过于急躁，静不下来的人，习练楷书或隶书，感悟一下静气和尘忘等。过于沉稳、老成之人，习练一下行书或草书，体会一下灵动和潇洒。 大凡学习书法的人，认为书法艺术有助于强身健体，这是不争的事实。据统计，中国历史上在生卒年代可考的著名书画家152名，其中有109名活到70岁，享年80至90亦不乏其之。古语说人到70古来稀，这在古代已经难能可贵了。书法为什么能使人长寿呢？我认为主要体现在以下2点：

艺术概论论文2

论经典美学和流行文化美学 信工0903班何为经典，被后人所记住的印象深刻的堪称经典，举个例子，后印象派画家文森特梵高的《有乌鸦的麦田》这幅画堪称世界之经典。本幅画上，最赏心悦目的蓝色被重新展示出来。这样的蓝色是深沉，晶莹，迷人和深不可测的。画上的群鸦仅仅是一些用浓重的黑线构成的飞动线条，低低的压向大面积的橙黄色麦田。所有的笔触都是短而粗的直线堆砌。梵高越画越激动，远处悬于天际的落日和提前升起的圆月，就像两个大小不等的光晕，在飞速的旋转着。他还充满着以蓝色“压”蜜黄色的浪漫主义情调，蓝色象征云天，它又具有运动之势，好像在向观众方向逼近。可它又不像是半壁天空，简直就是变了色的火焰，在向大地蔓延。画面上布满密集的短而硬直的粗笔触，它并不象征任何物象，只有一种颤动感。这是怎样的一种孤独和沉寂！这幅经典之作被后人铭记。梵高的绘画精神也不会被后人忘记。 一提到“流行”二字，我们不免想到现在90后经常提起的非主流，非主流指不属于主流的事物，如文化上的次文化，宗教上的异端，人群中的异类等。非主流是相对于主流而存在概念。一个事物既可以从非主流变成主流，也可以从主流变为非主流（比如90年代流行的衣着打扮、语言文化等就从最初的非主流发展成主流）；一个事物在某个环境是主流，到了另外一个环境就有可能变成非主流（比如国外街头艺人的街头即兴show,在国内上演肯定令人乍舌）。因此，没有绝对的主流，也不会有绝对的非主流。但是这种非主流就像是过眼云烟，因为生产周期的短暂而无法让人持久的记住。 那么现在就来看看经典美学和流行文化美学的不同之处。

一、创作时间长短的差异，导致产生的底蕴不同 《蒙娜丽莎》是一幅享有盛誉的肖像画杰作，这幅巨作用了达芬奇四年的时间。它代表达·芬奇的最高艺术成就，成功地塑造了资本主义上升时期一位城市有产阶级的妇女形象。画中人物坐姿优雅，笑容微妙，背景山水幽深茫茫，淋漓尽致地发挥了画家那奇特的烟雾状“无界渐变着色法”般的笔法。画家力图使人物的丰富内心感情和美丽的外形达到巧妙的结合，对于人像面容中眼角唇边等表露感情的关键部位，也特别着重掌握精确与含蓄的辩证关系，达到神韵之境，从而使蒙娜丽莎的微笑具有一种神秘莫测的千古奇韵，那如梦似的妩媚微笑，被不少美术史家称为“神秘的微笑”。 达·芬奇在人文主义思想影响下，着力表现人的感情。据资料显示，这幅巨作在构图上，达·芬奇改变了以往画肖像画时采用侧面半身或截至胸部的习惯，代之以正面的胸像构图，透视点略微上升，使构图呈金字塔形，蒙娜丽莎就显得更加端庄、稳重。另外，蒙娜丽莎的一双手，柔嫩、精确、丰满，展示了她的温柔,及身份和阶级地位，显示出达·芬奇的精湛画技和他观察自然的敏锐。深厚的内涵和底蕴造就了这幅画的细腻感。色彩的搭配。层次的凸显。每个部分都精心布置，达芬奇让我们看到了这幅画的重量。 流行文化讲究快感，流行文化是时装、时髦、消费文化、休闲文化、奢侈文化、物质文化、流行生活方式、流行品味、都市文化、次文化、大众文化以及群众文化等概念所组成的一个内容丰富、成分复杂的总概念。这个总概念所表示的是按一定节奏、以一定周期，在一定地区或全球范围内，在不同层次、阶层和阶级的人口中广泛传播起来的文化。这种快感、快节奏加快着人们的生活节奏。笔者认为非主流式的美学文化过于肤浅，往往给人很薄的感觉，比如现在的qq闪图，简单的制作，讲几个流行图片放在一起，用flash编辑即可。

艺术概论论文精编版

艺术概论论文精编版 MQS system office room 【MQS16H-TTMS2A-MQSS8Q8-MQSH16898】

艺术概论论文 认知达芬奇—— 探究《蒙娜丽莎的微笑》的美感与创造 性 班级：工商管理 0903 学号：12 姓名： 2012年10月23日 认知达芬奇—— 探究《蒙娜丽莎的微笑》的美感与创造性 摘要：列奥纳多·达·芬奇，意大利文艺复兴三杰之一，他的着名作品《蒙娜丽莎》，以鲜明的人物形象取代了神秘的宗教形象，体现了高度的人文主义精神。《蒙娜丽莎》神秘、含蓄、总让人琢磨不透。我认为美感的想象创造性的立基点是对对象的整体表象的认识，只有通过对对象的表象的观察和认识，人们才能够对对象进行深一步的想象和创造。同时若对对象有了一定程度的了解，那么我们的想象思维会更加开阔，创造的出的新的形象也会更加具有独特性，我们的情感体验也会愈加强烈 关键词：艺术巨匠美感创造性新的形象蒙娜丽莎的微笑 天才少年 列奥纳多·达·芬奇，1452年4月15日出生于佛罗伦萨西面的芬奇镇，在他14岁时，被父亲送到好友着名画家和雕塑家韦罗基奥的作坊当学徒。达·芬奇来到作坊以后，老师韦罗基奥就拿来一个鸡蛋让他画。达·芬奇很快就画了几张，可是老师让他继续画，一连几天都是如此。达·芬奇终于不耐烦了，认为老师小瞧了他，让他画这么简单的鸡蛋。老师看出了他的心思，意味深长地说：“这个蛋可不简单，世上没有两个完全相同的蛋，即使是同一个蛋，由于观察角度不同，光线不同，它的形状也不一样啊。”达·芬奇恍然大悟，原来老师是为了培养他观察事物和把握形象的能力呀！从此以后，他废寝忘食地训练绘画基本功，学习各类艺术与科学知识，为他以后在绘画和其它方面取得卓着的成就，打下了坚实的基础。而这个小故事就是我们大家都知道的——《达·芬奇画鸡蛋》。达·芬奇在那接受了启蒙的艺术教育。达·芬奇天资极高，才华早露，谙熟希腊罗马和圣经故事，但丁的《神曲》他倒背如流，手风琴也拉得很棒。在学画期间他不仅勤奋好学，而且善于观察，在接触自然和人生中，他在笔记本中画满了人和动植物的速写，记满了寓言、格言和故事。他不时走访科学家、工程师、建筑师，聆听教诲，写下心得，记下数理公式，因此，在学艺的阶段他已积累了多方面的知识，为他的博学多才打

湖南大学艺术与人生课程论文

在生活中发现艺术 信息科学与工程学院通信工程0902班贾启蒙20090820206 从遥远的北方来到湖南求学，湖南人那特有的强调给我留下了很深的印象。军训的时候第一次听到《刘海砍樵》，第一次听到“胡大姐你是我的妻罗，刘海哥你是我的夫哇”感到新奇有趣，第一次知道了“花鼓戏”。那个时候《刘海砍樵》就等于花鼓戏，一提到花鼓戏脑海中就响起“胡大姐你是我的妻罗”。 然而，在听过《艺术与人生》课程的钟宜淳老师讲课之后，我才知道花鼓戏不仅仅有《刘海砍樵》，还有《补锅》；花鼓戏里不仅有刘海，还有刘大娘，还有恶婆婆；花鼓戏也有生旦净丑诸行。麻雀虽小五脏俱全。 为了进一步了解湖南花鼓戏，我上网查阅了相关资料。花鼓戏源出于民歌，逐渐发展成为一旦一丑演唱的花鼓戏初级形式。最迟在清嘉庆年间已经形成。清同治元年（1862）湖南花鼓戏不但已发展成“三小”（小旦、小丑、小生）戏，而且演出形式也具有一定规模。从声腔和剧目看，初期以民间小调和牌子曲演唱边歌边舞的生活小戏，如《打鸟》、《盘花》、《送表妹》、《看相》等。后来，“打锣腔”与“川调”传入，才逐渐出现故事性强的民间传说题材剧目。打锣腔主要剧目有《清风亭》、《芦林会》、《八百里洞庭》、《雪梅教子》等，川调主要剧目有《刘海戏蟾》、《鞭打芦花》、《张光达上寿》、《赶子上路》等。这样，便形成了艺术上比较完整的地方剧种了。 早期的花鼓戏，只有半职业性班社在农村作季节性演出，农忙务农，农闲从艺。光绪以来，这种班社发展较快，仅宁乡、衡阳两县就有几十副“行箱”，艺人近200人。训练演员采取随班跟师方式，也有收徒传艺的，称“教场”或“教馆”，每场数十天，教三、四出戏。过去，由于花鼓戏经常遭受歧视和禁演，各地花鼓戏班都曾兼演当地流行的大戏剧目以作掩护，这种戏班称“半台班”或“半戏半调”、“阴阳班子”。中华人民共和国成立后，各地分别成立专业剧团，进入城市剧场公演。据1981年统计，全省有花鼓戏剧团54个，并成立了湖南省花鼓戏剧院。1957年，湖南省艺术学院成立，设有花鼓戏专科。 湖南花鼓戏以反映民间生活为主，多以生产劳动、男女爱情或家庭矛盾为题材，表演艺术朴实、明快、活泼，语言生动，乡土气息浓厚。1949年后，花鼓戏艺术有较大发展，不但整理了如《刘海砍樵》、《打鸟》等传统戏，而且创作了