论述答尔丢夫的艺术形象

论述答尔丢夫的艺术形象

伪君子虚伪假虔诚能言善辩巧于应变灵魂肮脏手段狠毒愚蠢混淆是非急躁懦弱

伪装虔诚的恶棍，他用欺骗手段博得了富商奥尔贡的信任，混进奥尔贡家里充当良心导师。奥尔贡将他俸若圣徒，为表达自己的信任与崇敬，不仅每天供养着他，不断的送他钱财，还将自己的政治秘密交付与他，将女儿许配给他，最后把家产全部赠送给答尔丢夫，而所有这一切正式答尔丢夫的目的。等到奥尔贡醒悟过来认清其嘴脸时，答尔丢夫却以其政治秘密欲置奥尔贡于死地，以维护自己骗到手的财产，露出了他的凶残本性。

达尔丢夫表面上清心寡欲，实际上拼命追求世俗享乐，要鲸吞奥尔恭的全部财产，而且心狠手黑，一旦被揭穿就凶相毕露，欲置主人于死地。作家通过这一形象集中揭露了教会势力的虚伪和反动，指出了达尔丢夫作为一个"良心导师"，打着上帝的旗号干坏事的欺骗性和危害性，刻画了表里不一伪善性格。他的手段是假虔诚，一边贪食、贪色、贪才，一边嘴里说着圣洁的言辞。

他披着宗教外衣进行诈骗活动而展开的.他是一个没落贵族,宗教骗子.这个形象的最大特点是表里不一,伪装虔诚.达尔丢夫披上宗教信士的外衣混到奥尔恭家中，其目的是为了破坏别人的家庭，满足自己的兽欲，霸占别人的财产，以伪善的手段来达到掠夺的目的。

作者在剧本中从不同侧面表现了他的本质与假象之间的严重失调和冲突,在同体对经中,使丑的东西原形毕露.他表面不喜爱吃,但实际是贪吃之徒;表面不好色,可骨子里全是男盗女娼,甚至连恩人的妻子都要调戏.除了伪善之外,他还有阴险狡猾,歹毒凶狠的一面.为霸占奥尔恭的财产,他不惜向宫廷告密,并串通法院,欲置友人于死地.

伪善的没落贵族，职业宗教骗子。在当时的法国，它又成了反动势力的代表，而伪善正是它最显著的特点。17世纪初期，教会势力和贵族反动势力勾结在一起，组织了反动谍报机构“圣体会”，打着宗教慈善事业的幌子，派人混进“良心导师”的行列，监视人们的言行，陷害进步人士，更露骨地体现了宗教的虚伪性。莫里哀笔下的达尔丢夫，有着明显的针对性，他把讽刺的锋芒对准了这种宗教伪善，揭露它的罪恶本质。伪善的风气还流行于整个上流社会，莫里哀在他的一些剧本中就曾揭露过当时法国社会的这一特征，

1表里不一：表面上虔诚教士“把世界看成粪土一般”，实际上是贪图享乐的酒肉之徒。

如：“一顿饭吃两只竹鸡、半只羊腿、一离开饭桌就睡觉”；看到桃丽娜袒胸

露背是竟扭过脸去，掏出手帕，要她把胸脯遮起来。然而，他一边答应做奥尔

贡的女婿，一边又向奥尔贡的妻子求婚；当奥尔贡送他一点钱时，他总是说

“太多了，一半已经太多”；当奥尔贡把全部家产赠给时，他没说半个“多”字。2进一步揭露答尔丢夫伪装虔诚的罪恶用心在于贪财好色。

达尔丢夫一出场就非常精彩。他看了侍女桃丽娜，故意加大声量对他的仆人说：“劳朗，把我的鬃毛紧身衣和鞭子藏起来，求上帝永远赐给你光明。倘使有人来找我，你就说我去给囚犯们分捐款去了。”这两名话，一是要向人说明他是个禁欲主义者，而且是鞭身教那样的禁欲主义者，身上穿着鬃毛紧身衣，用鞭子抽打自已,进行苦修，是决不近女色的，二是要向人说明他是真正的慈善家，决不贪财好利。其实，这都是骗人的假话。这两句话的重要性不止于暴露达尔丢夫的虚伪，还在于他们是莫里哀在后三幕讽刺，揭露达尔丢夫的两个重点。在第三幕莫里哀为达尔丢夫所选的中心动作是对美色，肉欲的强烈追求。

达尔丢夫盯着穿法国敞胸衣的女仆桃丽娜，他未等说话就掏出手帕，要桃丽娜把袒露的胸脯遮起来，说什么“看了灵魂就受伤”，俨然正人君子。仿佛他是一个断绝一切欲念的圣徒，就突出地表现了人物虚伪透顶的性格特征。达尔丢夫出场后的第一个行动就是勾引欧米尔，还恬不知耻地打着上帝的幌子来掩盖自己的用心，并且扬言这是“敬爱上帝”的表现。他的丑行被达米斯揭发后，他又把自己装扮成一个被诬告者，耍弄假虔诚的手法，混淆是非，颠倒黑白，既洗清了自己又嫁祸于别人，结果使愚蠢的奥尔恭受了骗，反把自己的儿子赶出家门。从这两件事中，我们看到了达尔丢夫的伪善，也看到了他能言善辩，巧于应变，灵魂肮脏而手段狠毒。

达尔丢夫追求的目标不是桃丽娜,也不是奥尔恭的女儿玛丽亚娜,而是光艳照人的欧米尔,达尔丢夫再次向欧米尔求欢，一见到欧米尔就垂涎欲滴，色相毕露，说什么“如果你抬出上帝来反对我的愿望，那么索性拔去这样一个障碍吧，这在我是算不了一回事的”，“一件坏事只是在被人嚷嚷得满城风雨的时候才成其为坏事”。这就彻底暴露了他是个亵渎上帝、否认任何道德准则，以伪善手段来达到不可告人目的的无耻之徒，连糊涂的奥尔恭也看清了他的真实面目。最后，当虚伪骗不了人，恶行败露的时候，他就抛掉画皮，露出凶相。他串通法院，以执行“契约”为名，要赶走奥尔恭，又借奥尔恭交给他的自己朋友的文件匣子，向国王控告奥尔恭是政治犯，妄图把他置于死地，达到永远霸占他的财产的目的。

如：一看见欧米耳太太就垂涎欲滴，“要拔去上帝这样一个障碍”。当他的罪行面临败露时，他伪装深受委屈而不予计较，致使奥尔贡盛怒之下将儿子赶出家门，并立下字据，把全部家产赠给答尔丢夫。至此，伪君子的罪恶用心已昭然若揭。

3再进一步揭露了答尔丢夫伪善的危害使人家破人亡。

如：把奥尔贡一家赶出大门，还到宫廷告发奥尔贡私藏政治犯的秘密文件，想置人于死地。并声称：“现在王爷的利益是我的头等重要责任。”伪善的社会孕育了这类伪善的人。社会意义：体现了强烈的反封建反教会的民主倾向。答尔丢夫成了“伪善者”的同义语，是个不朽的艺术典型。

通过这一形象，莫里哀深刻地揭露了教会和贵族上流社会的伪善、狠毒、荒淫无耻与贪婪，突出地批判了宗教伪善的欺骗性和危害性。天主教是欧洲封建社会的精神支柱，剧本围绕宗教骗子答尔丢夫与奥尔恭一家的矛盾冲突来展开.喜剧的主题是揭露宗教的虚伪性和欺骗性.

深刻地揭露了教会和贵族上流社会的伪善、狠毒、荒淫无耻与贪婪，突出地批判了宗教伪善的欺骗性和危害性。

答尔丢夫这一形象具有高度的概括性。作品把他刻画成一个伪装虔

诚的恶棍，他用欺骗手段博得了富商奥尔贡的信任，混进奥尔贡家里

充当良心导师。奥尔贡将他俸若圣徒，为表达自己的信任与崇敬，不

仅每天供养着他，不断的送他钱财，还将自己的政治秘密交付与他，

将女儿许配给他，最后把家产全部赠送给答尔丢夫，而所有这一切正

式答尔丢夫的目的。等到奥尔贡醒悟过来认清其嘴脸时，答尔丢夫却

以其政治秘密欲置奥尔贡于死地，以维护自己骗到手的财产，露出了

他的凶残本性。答尔。。是17世纪法国封建贵族和教会势力的化身，

是一个职业的宗教骗子。他的手段是假虔诚，一边贪食、贪色、贪才，

一边嘴里说着圣洁的言辞。当时的法国教士假仁假义、口是心非，已

成普遍现象，答尔丢夫集中体现了这种伪善的恶习。从艺术角度来看，

莫里哀运用了高度概括的喜剧化手法，将一种伪善丑态推到极至，因

此答尔丢夫已经成为“伪善者”、伪君子的同义语。他是莫里哀创作中

最为成功的艺术典型。

达尔丢夫形象

伪善的没落贵族，职业宗教骗子。

1表里不一：表面上虔诚教士“把世界看成粪土一般”，实际上是贪图享乐的酒肉之徒。如：“一顿饭吃两只竹鸡、半只羊腿、一离开饭桌就睡觉”；看到桃丽娜袒胸露背是竟扭过脸去，

掏出手帕，要她把胸脯遮起来。然而，他一边答应做奥尔贡的女婿，一边又向奥尔贡的妻子求婚；当奥尔贡送他一点钱时，他总是说“太多了，一半已经太多”；当奥尔贡把全部家产赠给时，他没说半个“多”字。

2进一步揭露答尔丢夫伪装虔诚的罪恶用心在于贪财好色。

如：一看见欧米耳太太就垂涎欲滴，“要拔去上帝这样一个障碍”。当他的罪行面临败露时，他伪装深受委屈而不予计较，致使奥尔贡盛怒之下将儿子赶出家门，并立下字据，把全部家产赠给答尔丢夫。至此，伪君子的罪恶用心已昭然若揭。

3再进一步揭露了答尔丢夫伪善的危害使人家破人亡。

如：把奥尔贡一家赶出大门，还到宫廷告发奥尔贡私藏政治犯的秘密文件，想置人于死地。并声称：“现在王爷的利益是我的头等重要责任。”伪善的社会孕育了这类伪善的人。社会意义：体现了强烈的反封建反教会的民主倾向。答尔丢夫成了“伪善者”的同义语，是个不朽的艺术典型。

伪君子》是莫里哀讽刺喜剧的代表作.剧本围绕宗教骗子答尔丢夫与

奥尔恭一家的矛盾冲突来展开.喜剧的主题是揭露宗教的虚伪性和欺

骗性.17世纪法国出现的"圣体会"是封建顽固势力的代表,它以宗教

为幌子进行秘密特务勾当,突出表现了教会的伪善的特点.《伪君子》

切中时弊,具有强烈的思想性和战斗性.

2,人物形象

○1答尔丢失

答尔丢夫是喜剧的中心人物,剧情就是围绕他披着宗教外衣进行诈骗

活动而展开的.他是一个没落贵族,宗教骗子.这个形象的最大特点是

表里不一,伪装虔诚.作者在剧本中从不同侧面表现了他的本质与假象

之间的严重失调和冲突,在同体对经中,使丑的东西原形毕露.他表面

不喜爱吃,但实际是贪吃之徒;表面不好色,可骨子里全是男盗女娼,甚

至连恩人的妻子都要调戏.除了伪善之外,他还有阴险狡猾,歹毒凶狠

的一面.为霸占奥尔恭的财产,他不惜向宫廷告密,并串通法院,欲置友

人于死地.

《伪君子》的人物形象分析

深刻地揭露了教会和贵族上流社会的伪善、狠毒、荒淫无耻与贪婪，突出地批判了宗教伪善的欺骗性和危害性。

伪君子虚伪假虔诚能言善辩巧于应变灵魂肮脏手段狠毒愚蠢混淆是非急躁懦弱

一．揭示《伪君子》中心人物达尔丢夫的虚伪形象。

《伪君子》共五幕，但中心人物达尔丢夫直到第三幕第二场才出场。喜剧的前半部分达尔丢夫未不出场，但事事与他有关。很多情节都是围绕他进行的。作者运用种种方式，多侧面地勾画出达尔丢夫的基本轮廓，刻画了他的伪善，并初步揭示其危害性，达尔丢夫人未露面，性格却已突现观众面前，呼之欲出，栩栩如生。

达尔丢夫表面上清心寡欲，实际上拼命追求世俗享乐，要鲸吞奥尔恭的全部财产，而且心狠手黑，一旦被揭穿就凶相毕露，欲置主人于死地。作家通过这一形象集中揭露了教会势力的虚伪和反动，指出了达尔丢夫作为一个"良心导师"，打着上帝的旗号干坏事的欺骗性和危害性，刻画了表里不一伪善性格。莫里哀在这个人物身上集中概括了封建贵族和教会势力的伪善本性，对他进行辛辣的讽刺和深刻的揭露。在戏的头两幕，莫里哀通过奥尔恭一家老、少两派激烈的争吵，从各个方面介绍了他的经历和特点，达尔丢夫原是外省的一个贵族，后来破落了，穷得连一双鞋都没有。流落到巴黎以后，他利用宗教来谋出路。在教堂里，他装扮成一个虔诚的信士，用一些虚假得过火的虔诚动作骗取了奥尔恭的信任。到了奥尔恭家里，他仍然以矫揉造作的一套骗取信任，“一点点小事他也要扣在自己身上认为罪孽深重”。这种虚伪的外衣和他的实际情况是根本配不上的。从外貌上看，他“又粗又胖，脸蛋子透亮，嘴红红的”，没有一点苦行者的样子。桃丽娜早就指出：他是一个贪图享乐的酒肉之徒。在奥尔恭家，他一个人能吃够六个人吃的东西，每天大嚼松鸡和羊腿，酒足饭饱之后，

在睡意缠绵之中走到自己房间，猛孤丁地躺在暖暖和和的床上，安安稳稳地一直睡到第二天早晨。

达尔丢夫的形象不仅体现了宗教的虚伪性，更重要的是通过这个形象，莫里哀揭露了宗教伪善对于社会的危害性。达尔丢夫披上宗教信士的外衣混到奥尔恭家中，其目的是为了破坏别人的家庭，满足自己的兽欲，霸占别人的财产，以伪善的手段来达到掠夺的目的。所以剧本从第三幕开始就逐步深入地揭露达尔丢夫伪善的本质，让达尔丢夫以自己的行动剥下他虚伪的外衣，暴露出他的罪恶目的和凶狠面目。

达尔丢夫一出场就非常精彩。他看了侍女桃丽娜，故意加大声量对他的仆人说：“劳朗，把我的鬃毛紧身衣和鞭子藏起来，求上帝永远赐给你光明。倘使有人来找我，你就说我去给囚犯们分捐款去了。”这两名话，一是要向人说明他是个禁欲主义者，而且是鞭身教那样的禁欲主义者，身上穿着鬃毛紧身衣，用鞭子抽打自已,进行苦修，是决不近女色的，二是要向人说明他是真正的慈善家，决不贪财好利。其实，这都是骗人的假话。这两句话的重要性不止于暴露达尔丢夫的虚伪，还在于他们是莫里哀在后三幕讽刺，揭露达尔丢夫的两个重点。在第三幕莫里哀为达尔丢夫所选的中心动作是对美色，肉欲的强烈追求。

达尔丢夫盯着穿法国敞胸衣的女仆桃丽娜，他未等说话就掏出手帕，要桃丽娜把袒露的胸脯遮起来，说什么“看了灵魂就受伤”，俨然正人君子。仿佛他是一个断绝一切欲念的圣徒，就突出地表现了人物虚伪透顶的性格特征。达尔丢夫出场后的第一个行动就是勾引欧米尔，还恬不知耻地打着上帝的幌子来掩盖自己的用心，并且扬言这是“敬爱上帝”的表现。他的丑行被达米斯揭发后，他又把自己装扮成一个被诬告者，耍弄假虔诚的手法，混淆是非，颠倒黑白，既洗清了自己又嫁祸于别人，结果使愚蠢的奥尔恭受了骗，反把自己的儿子赶出家门。从这两件事中，我们看到了达尔丢夫的伪善，也看到了他能言善辩，巧于应变，灵魂肮脏而手段狠毒。

达尔丢夫追求的目标不是桃丽娜,也不是奥尔恭的女儿玛丽亚娜,而是光艳照人的欧米尔,达尔丢夫再次向欧米尔求欢，一见到欧米尔就垂涎欲滴，色相毕露，说什么“如果你抬出上帝来反对我的愿望，那么索性拔去这样一个障碍吧，这在我是算不了一回事的”，“一件

坏事只是在被人嚷嚷得满城风雨的时候才成其为坏事”。这就彻底暴露了他是个亵渎上帝、否认任何道德准则，以伪善手段来达到不可告人目的的无耻之徒，连糊涂的奥尔恭也看清了他的真实面目。最后，当虚伪骗不了人，恶行败露的时候，他就抛掉画皮，露出凶相。他串通法院，以执行“契约”为名，要赶走奥尔恭，又借奥尔恭交给他的自己朋友的文件匣子，向国王控告奥尔恭是政治犯，妄图把他置于死地，达到永远霸占他的财产的目的。

通过这一形象，莫里哀深刻地揭露了教会和贵族上流社会的伪善、狠毒、荒淫无耻与贪婪，突出地批判了宗教伪善的欺骗性和危害性。天主教是欧洲封建社会的精神支柱，在当时的法国，它又成了反动势力的代表，而伪善正是它最显著的特点。17世纪初期，教会势力和贵族反动势力勾结在一起，组织了反动谍报机构“圣体会”，打着宗教慈善事业的幌子，派人混进“良心导师”的行列，监视人们的言行，陷害进步人士，更露骨地体现了宗教的虚伪性。莫里哀笔下的达尔丢夫，有着明显的针对性，他把讽刺的锋芒对准了这种宗教伪善，揭露它的罪恶本质。伪善的风气还流行于整个上流社会，莫里哀在他的一些剧本中就曾揭露过当时法国社会的这一特征，《伪君子》里的克雷央特说：有许多人“以假虔诚来配合他们的恶习”，从事罪恶活动。莫里哀的剧本切中时弊，触到了反动势力的痛处，抨击了庞大的反动集团，正如他自己在剧本的序言中所说：“这出喜剧，哄传一时，长久受到迫害；戏里那些人，有本事叫人明白：他们在法国，比起到目前为止我演过的任何人，势力全大。”几百年来。这一形象始终保持了它的生命力。到现在，由于答丢失的形象的高度的典型性，他已经成为伪善、“故作虔诚的奸徒”的代名词。

艺术的真实性

艺术的真实性 艺术是美学的技术性，艺术直接产生于创造它的主体——人。通过艺术的手段表达美学的精神和内容,目的就是通过表现和展示传播等程序触动、激发欣赏者的情绪，引导欣赏者的欣赏行为。它是人们为了更好地满足自己对主观缺憾的慰藉需求和情感器官的行为需求而创造出的一种文化现象，是人们在日常生活中进行娱乐游戏的一种特殊方式，又是人们进行情感交流的一种重要手段，属于娱乐游戏文化的范畴。 艺术的真实性--- 一个永恒的不容回避的话题，自古以来就被人津津乐道。 艺术形象作为艺术家对社会生活从感性到理性认识的成果，就存在着一个认识的正确与否活真实与否的问题。那么艺术到底是不是真实存在的，什么是艺术真实性。 艺术的发生和发展都离不开人类社会，任何创造艺术品的人也都是社会的人，离开社会，就没有现实的人，也就不会有艺术，所以，社会性是艺术的首要本质。艺术真实就是文学作品通过艺术形象所显示的社会生活的某些本质和规律性。作为艺术，真实是基础、是生命。离开了“真实”，就失去了读者，也就失去了作品存在的意义和价值。艺术真实是以实际生活为基础，他的真实必须来自实际生活。因为社会生活是文学创作的唯一源泉，也是艺术真实的唯一源泉。反过来，实际生活又是检验艺术真实的唯一尺度。艺术真实是观念形态的东西，它是否正确地反映了社会生活，还要用实际生活来检验。只有作品既真实地再现了实际生活的基本面貌和本质的某些方面、作家的主观感情色彩和评价，又同生活的客观实际相一致或大体一致，才算具有艺术真实。 艺术的真实来自生活的真实。实际生活的人和事，主要是指实际上已经存在和发生的人和事。而艺术作品一旦产生就必须回到社会去实现其价值。它不是也不可能是静止和孤立的现象。作为观念形态的艺术，它是社会生活在艺术家头

简论形象思维的特征以及他与逻辑思维的关系

简论形象思维的特征以及他与逻辑思维的关系(三） (2010-12-09 09:35:19) 转载什么叫形象思维？简单地说，“形象思维是依靠形象材料的意识领会得到理解的思维。”从信息加工角度说，可以理解为主体运用表象、直感、想象等形式，对研究对象的有关形象信息，以及贮存在大脑里的形象信息进行加工（分析、比较、整合、转化等），从而从形象上认识和把握研究对象的本质和规律。 形象思维与抽象（逻辑）思维是两种基本的思维形态，过去人们曾把它们分别划归为不同的类别，认为“……科学家用概念来思考，而艺术家则用形象来思考。”这是一种误解。其实，形象思维并不仅仅属于艺术家，它也是科学家进行科学发现和创造的一种重要的思维形式。例如，物理学中所有的形象模型，像电力线、磁力线、原子结构的汤姆生枣糕模型或卢瑟福小太阳系模型，都是物理学家抽象思维和形象思维结合的产物。爱因斯坦是一个具有极其深刻的逻辑思维能力的大师，但他却反对把逻辑方法视为唯一的科学方法，他十分善于发挥形象思维的自由创造力，他所构思的种种理想化实验就是运用形象思维的典型范例。这些理想化实验并不是对具体的事例运用抽象化的方法，舍弃现象，抽取本质，而是运用形象思维的方法，将表现一般、本质的现象加以保留，并使之得到集中和强化。例如，爱因斯坦著名的广义相对论的创立实际上就是起源于一个自由的想象。一天，爱因斯坦正坐在伯尔尼专利局的椅子上，突然想到，如果一个人自由下落，他是会感觉不到他的体重的。爱因斯坦说，这个简单的理想实验“对我影响至深，竟把我引向引力理论”。 形象思维的基本特点是： （一）形象性 形象性是形象思维最基本的特点。形象思维所反映的对象是事物的形象，思维形式是意象、直感、想象等形象性的观念，其表达的工具和手段是能为感官所感知的图形、图象、图式和形象性的符号。形象思维的形象性使它具有生动性、直观性和整体性的优点。 （二）非逻辑性 形象思维不像抽象（逻辑）思维那样，对信息的加工一步一步、首尾相接地、线性地进行，而是可以调用许多形象性材料，一下子合在一起形成新的形象，或由一个形象跳跃到另一个形象。它对信息的加工过程不是系列加工，而是平行加工，是面性的或立体性的。它可以使思维主体迅速从整体上把握住问题。形象思维是或然性或似真性的思维，思维的结果有待于逻辑的证明或实践的检验。 （三）粗略性 形象思维对问题的反映是粗线条的反映，对问题的把握是大体上的把握，对问题的分析是定性的或半定量的。所以，形象思维通常用于问题的定性分析。抽象思维可以给出精确的数量关系，所以，在实际的思维活动中，往往需要将抽象思维与形象思维巧妙结合，协同使用。 （四）想象性 想象是思维主体运用已有的形象形成新形象的过程。形象思维并不满足于对已有形象的再现，它更致力于追求对已有形象的加工，而获得新形象产品的输出。所以，形象性使形象思维具有创造性的优点。这也说明了一个道理；富有创造力的人通常都具有极强的想象力。 二、形象思维在物理解题中的作用

浅谈艺术的本质

浅谈艺术的本质 作者：王宏建 《美术》自去年八月号发表千禾同志《"自我表现"不应视为绘画的本质》一文以来，又先后刊登了几篇提出商榷的文章。理论上的争论，对于促进学术的发展是有益的。本文仅就艺术的本质问题谈一些个人的浅见。 艺术的本质问题，是艺术的哲学基础问题，也是美学上长期以来所要解决的根本问题之一。要回答这个问题，首先要把相关的概念和所论的范围确定下来，否则架空立论，把属于这一范畴的问题放到另一范畴去说，不容易把问题说清楚。当然，有些问题如创作中的主观性与客观性问题，艺术的社会功用问题等，都与艺术的本质相关，但毕竟不是一个范畴。我们说，所谓艺术的本质，就是指艺术这种事物的性质以及艺术这一事物同其它事物的内部联系；或换言之，也就是指艺术这种事物内部的一种规定性，这种规定性规定着艺术之所以是艺术，而不是其它的什么事物。因此，要说明艺术的本质，就必须找出艺术内部的这种规定性，以及确定艺术同其它相关事物的内部联系和本质差别。 关于艺术，我们不能孤立地看它本身，而首先应该把它看成是一种社会现象或社会事物，是一种社会意识形态，是基础的上层建筑，但它与相关的其他社会意识形态又有本质的区别。恩格斯曾说："政治、法律、哲学、宗教、文学、艺术等的发展是以经济发展为基础的。但是，它们又互相影响并对经济基础发生影响。"承认不承认艺术是一种社会意识形态，是基础的上层建筑，是能不能正确理解艺术本质的前提。 唯心主义美学根本否认艺术是社会生活通过艺术家的头脑反映出来的一种社会意识形态，否认艺术来源于现实生活，把艺术看作是艺术家个人主观意识的产物。克罗齐就曾主张：艺术是直觉的创造，是艺术家"诸印象的表现"、"心灵的活动"。弗洛依德则认为艺术是人的"潜意识"的本能和欲望的表现。认为"绘画艺术的本质，就是画家内心的自我表现"的提法，也是在回答什么是艺术这一艺术哲学的根本问题时，把艺术看成是艺术家主观意识的产物，认为艺术之所以为艺术，仅仅是由于艺术家"内心的自我表现"。上述几种说法在实质上是完全一致的，它们都把艺术创作看成是纯主观意识的活动，是无关于外物也无关于艺术家对外物的从现象到本质、从感性到理性的认识。这种关于艺术本质的观点是主观唯心主义的，它把艺术创作中的某一特点加以绝对化，代之以"艺术的本质"，从而否认艺术对现实的依赖关系，从根本上颠倒了意识与存在的关系。 旧唯物主义美学承认艺术是现实生活的反映，肯定客观存在是第一性的，而反映客观存在的艺术是第二性的。如亚理斯多德就说，艺术"实际上是摹仿"。车尔尼雪夫斯基也曾提出："再现生活是艺术的一般性格的特点，是它的本质。"他们在艺术的哲学基础问题上摆正了意识与存在的关系。但只是从艺术与现实的美学关系上来考虑问题，还没有看到艺术是一种社会意识形态以及艺术这种意识形态与其它意识形态的内在联系与本质区别，因此也就无法全面而准确地阐明艺术的本质问题。 马克思主义关于艺术是社会意识形态、是基础的上层建筑的学说，在美学史上作出了划时代的贡献。我们探讨艺术的本质，只有用马克思主义的立场、观点和方法进行研究，才有获得真理的可能性。 作为上层建筑的社会意识形态有多种形式，它们有共性，都是经济基础的反映并都反作用于经济基础。同时它们又各有自己的特殊性，各有自己的特殊地位和方式与经济基础发生关系，有的可以直接反映经济基础，更接近经济基础，如政治、法律、道德等等；有的则间接反映经济基础，是"更高的即更远离物质经济基础的意识形态"，如艺术、哲学、宗教等等。根据恩格斯在《费尔巴哈与德国古典哲学的终结》中的思想，更高的意识形态是通过"中间环节"联系于经济基础的。因此可以说，艺术这种更高的社会意识形态与政治、法律、道德等"中间环节"不同，但却是紧密相联的，特别是与政治的关系更为直接和密切。过去"四人帮"把艺术与政治的关系歪曲为艺术要为其反革命的具体政策服务，在理论上和实践上都是极为荒谬和有害的。但是，如果因此就否认艺术与政治的密切关系，说什么"当共产党取得政权之后……文艺为政治服务这个口号就逐渐暴露出是下个不科学的危险的口号了"，在理论上和实践上同样是荒谬和有害的。中外艺术史上的大量事实证明，在任何阶级社会里，进步的、革命的艺术总是由上升的经济关系通过进步的、革命的政治所决定的，并反过来给其政治以至经济基础以积极的影响；而落后的、反动的艺术则是由落后的经济

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覆作用。原始艺术普遍具有粗犷，质朴，单纯的特点，充满了野性和生命力，有着极其简洁的线条和浑然天成的色彩，不讲究构图和立体，无论哪一个事物，他们都从它最具有特性的角度去表现，感性的积淀是原始艺术最本质的东西。由于感性大于理性，精神盖过物质，它便古拙，纯粹。古代和现代的各种艺术都是在原始艺术的基础上发展而来的，不同地区呈现不同的特点，人和自然的和谐统一是其最大的共性。 二.原始艺术对现当代艺术的影响 原始艺术可以称得上是西方现代艺术的“范本”。西方的艺术自古希腊到19世纪上半叶，基本上是亚里士多德提出的“模仿论”占统治地位，一直到20世纪初，人们开始把直接表现自然形态转化为通过艺术家的大脑展现艺术形态。一方面，从各个民族，各种艺术类型相互借鉴；另一方面，回归历史，学习研究艺术的起源――人类童年的艺术。原始岩画带给艺术家们新的造型形式语言，打破了传统的三维空间，抛弃了理性的焦点透视，把富有立体感的画面变成了一种平面装饰。法国19世纪末出现的“野兽派”就是深受原始艺术影响的结果。西方现代艺术的奠基人塞尚、高更、梵高、马蒂斯等均受原始艺术的影响，从中吸取营养，激发创作灵感。 马蒂斯是19世纪法国野兽主义绘画的杰出代表，他对

浅谈对艺术的理解

浅谈对艺术的理解 艺术是一种审美的意识形态，它的反映本质是审美的而不是科学的。是一种不同于科学的反映，是拟人化的反映，即它的反映是体验的、形象的，而不是抽象的、概念的。 从哲学和科学角度说艺术是人类表达真理的一种特殊形式；从政治学角度说艺术是阶级斗争的工具；从社会角度学说艺术是对现实生活的反映；从心理学角度识艺术是人类心理需求的补偿形式；从伦理学角度说艺术是道德情感的净化和完美人格的塑造；从工艺学角度说艺术是技艺等。都是自觉不自觉地将艺术变成了哲学科学、政治学、心理学、社会学、伦理学、工艺学等的附庸。 艺术不直接与政治、科学、宗教、道德、法律对话，而是通过美学与他们对话。艺术是艺术家审美意识的物化和结晶，是艺术家审美创造的产物。艺术家通过艺术不是要表达他的政治意识、哲学意识、道德意识等其他意识形式的，表达这些意识有比艺术这种形式更便捷、更准确、更适当、更纯粹的形式，艺术是为了表达审美意识而创造的。 艺术的主要目的是为了满足人们的审美愉悦，为人们提供美感享受而创造的，因此艺术的目的是为了满足人们的身心和谐的自由体验而创造的，至少遵从一个愉悦的原则。 艺术的功能是以审美为中心，兼有认识、教育、娱乐等作用的价值系统，艺术的功能应该主要为我们提供审美愉悦的。 艺术描绘以人为中心，换言之，艺术的对象是以人为中心的社会生活，卢卡奇在《审美悟性》中认为，审美的真理由自我认识和对世界的认识构成一个循环，“认识你自己”的冲动把人们引向世界，使人们转向外部，对社会和自然有所认识，这种对客观现实的追求同时使人们认识到他自己本质的最深层。从写人到写社会，从写社会到写理想之间存在着无限的往复运动，相互支撑，相互深化。 艺术不仅说是一种观念形态的东西，又是一定的物质媒介，不仅是精神创造活动，还涉及到技能技巧，不仅是静态的认识深化过程，被动接受生活的过程，更是随着深入生活，不断对生活提出理想要求并在现实中追求它、实现它的实践过程。艺术家不仅是生活的理性关照者、守护者，更是介入生活的实践者、创造者，因此艺术是物质与意识的统一，是思想与技艺的统一，是认识与实践的统一。 艺是指工艺，术是方法、途径。艺术可以理解为，在一定的道德理念下，经过人为的发现和改变，将人类社会和大自然中最为美好的事物的生动再现，是一种方式、方法或技巧。在这里有个前提，也就是说，这种方式方法必须得到多数人们按照当时审美观念的认可，艺术才能够成立。若不认可的，也就称不上是艺术。艺术是伴随时代的境迁而发生变

浅谈艺术的真实与生活的真实

浅谈艺术的真实与生活的真实 摘要：艺术的真实和生活的真实问题很长时间以来都是文论界比较有争议的一个文学问题。由于作品题材不同，体材不同，创作者的风格不同等等主客观因素而导致的其作品内容上与现实生活，与历史文化有一定的出入或者不同，从而也引来了许多专业人士和非专业人士的质疑批评和争论。对于艺术的真实和生活的真实之间的界定以及它们之间的一些联系，文论界现已形成许多看法，但大多数的研究者的看法都趋于一致。本文将依据一些成熟的观点对艺术真实与生活真实的界定以及它们之间的关系作以简单的分析。 关键词：审美性感悟艺术真实生活本质假定性近些年来，文化市场上出现了好多历史题材的文化产品。例如电视剧《康熙大帝》、《雍正王朝》、《成吉思汗》，文学作品如《明朝那些事儿》、《清朝那些事儿》等等一系列的通俗文艺作品。于是，人民大众在欣赏完之后，各种意见便蹦了出来。有一群人拍着说双手赞好，说这些作品再现了历史上的帝王雄风，给人们带来了震撼，也让现代的人们对过去的历史有了更深一步的了解。但也有人持完全相反的意见。反对的人则认为，很大一部分的影视文学作品不尊重历史，在故事情节里随便虚构，导致与历史真实出入很大，扭曲了历史的真实性。实乃艺术的糟粕。 我们暂且不论谁对谁错，但从这一点分歧里我们可以看出，在艺术的创作上面，是否应该遵从客观事实，是否应该忠诚的反映生活原

貌，是否应该在作品里加入创作者的主体思想和能动性，而这种艺术与现实的相似度到底应该如何权衡，直到现在仍然是人们争论不休的一个话题。那么要弄明白这个问题，我们就必须讨论有关于艺术真实与生活真实这两个方面的问题，只有弄明白这两个方面的问题，才有可能在它们之间的关系上做出一个适中的判断。 一、艺术的真实 那么，什么是艺术的真实呢？我们知道，艺术是创作者通过对自然生活的体验和感悟，发挥自身主观能动性创造的一种源于生活，却高于生活的具有审美价值的产品。那么这也就是说，艺术是主观见之于客观，忠实于生活，反映生活社会本质规律和现象的精神文化产品。那么这种艺术产品的真实性是怎么体现的呢？艺术的真实其实是指作家在假定性的情境中，以主观性感知与诗艺性创造，达到对生活的内蕴特别是那些有规律的东西的把握，体现着作家的认识和感悟。它融入了生活真实和主体的特征，是一种审美意义上的真实，一种内蕴的、假定的真实。它不是对生活真实性的自然主义摹本，而是作家对社会生活的认识和感悟，能动的、审美性的反映。 那么体现在作品上，这种真实性就必须转化为具体的故事情境，以此作为载体，构造一个审美的世界。这就是艺术情境的假定性，它不一定需要生活中百分之百的原貌展现，而是通过并不完全真实的构建重组，用使读者和作者都认同的一种约定俗成的惯例，使其成为一种艺术形态来得到展现。这种看似虚构或者不完全真实的故事其实其

有关抽象思维的例子有哪些

有关抽象思维的例子有哪些 抽象思维能力是一种特殊的数学思维能力,抽象思维方法是重要的数学思维方法之一。下面小编为你整理抽象思维的例子，希望能帮到你。 有关于抽象思维的例子1 有好事者提出这样一个问题：“假如你面前有煤气灶、水龙头、水壶和火柴，你想烧些水应当怎样去做?” 被提问者答道：“在壶中放上水，点燃煤气，再把水壶放到煤气灶上。” 提问者肯定了这一回答，接着追问：“如其他条件不变，只是水壶中已有了足够的水，那你又应当怎样去做?” 这时被提问者很有信心地答道：“点燃煤气，再把水壶放到煤气灶上。” 但是提问者说：“物理学家通常都这么做，而数学家们则会倒去壶中的水，并声称已把后一问题转化成先前的问题。” 有关于抽象思维的例子2 某日，老师想看看学生的智商如何，于是有了下面的对话。 老师问：“树上有10只鸟，开枪打死1只，还剩几只?” 学生反问：“您确定那只鸟真的被打死了吗?” “确定。” “是无声手枪吗?” “不是。” “枪声有多大?” “80～100分贝。” “那就是说会震得耳朵疼?” “是。” 老师已经不耐烦了，“拜托，你告诉我还剩几只就行，OK?” “OK，树上的鸟有没有聋子?” “没有。” “有没有关在笼子里的?” “没有。”

“边上还有没有其他的树?树上还有没有其他的鸟?” “没有。” “算不算怀在肚子里的小鸟?” “不算。” “打鸟的人眼有没有花?保证是10只?” “没有花，就10只。” 老师已经满头是汗，且下课铃已响了，但学生还是追问。 “有没有傻到不怕死的?” “都怕死。” “会不会一枪打死2只?” “不会。” “所有的鸟都可以自由活动吗?” “完全可以。” “如果您的回答没有骗人，”学生满怀信心地说，“打死的鸟要是挂在树上没掉下来，那么就剩下1只;如果掉下来，就1只不剩。” 有关于抽象思维的例子3 草地上有两只羊，在艺术家、生物学家、物理学家、数学家看来却有不同的感受 与理解，下面是他们的的描述。 艺术家：“蓝天、碧水、绿草、白羊，美哉自然。” 生物学家：“雄雌一对，生生不息。” 物理学家：“大羊静卧，小羊漫步。” 数学家：“1+1=2。” 有关于抽象思维的例子4 夜市有两个面线摊位。摊位相邻、座位相同。一年后，甲赚钱买了房子，乙仍无 力购屋。为何?原来，乙摊位生意虽好，但刚煮的面线很烫，顾客要15分钟吃一碗。 而甲摊位，把煮好的面线在冰水里泡30秒再端给顾客，温度刚好。 有关于抽象思维的例子5 一位农夫请了工程师、物理学家和数学家，让他们用最少的篱笆围出最大的面积。 工程师用篱笆围出一个圆，宣称这是最优设计。

艺术形象是个性与共性的统一

艺术形象是个性与共性的统一，这句话深刻概括了艺术形象的一个与生俱来的特征。艺术形象是艺术反映生活的特殊形式，每一个艺术形象都必然具有鲜明而独特的个性，同时又具有丰富而广泛的社会概括性。 艺术典型是这种个性与共性统一的最集中的体现，鲁迅笔下的阿Q无论是受了别人的辱骂，还是被人暴打，甚至是最后被送上断头台，都处于一种自我世界的虚幻中寻求自我安慰。阿Q是中国文学史上的一个不可多得的艺术典型，他的精神胜利法体现了在长期经受生活打击，社会的畸形扭曲，自身的无能为力，但是更加体现了那个时代长期的半殖民半封建社会给人们造成的精神状态，是整个民族所共有的，具有普遍意义的国民性弱点。红楼梦中形形色色的人物都代表了处于自身那个阶层的群众所共有特点，王熙凤一方面是贾府的孙媳妇，贾琏的妻子，巧姐的母亲，这是作为个人而存在的特征，另一方面她又是大观园的实际管理者而存在，这展示了封建统治者的共性。 综观中外艺术宝库中浩如烟海的艺术作品，凡是成功的艺术形象，无不具有个性与共性的高度统一。 艺术离不开生活的方方面面，它源于生活，高于生活。这就好比巧妇难为无米之炊，艺术美注重形式，但并不脱离内容，他是二者的有机统一。一个再怎么美得雕塑，他缺乏真实的情感，丰富的内涵，至多会给人带来一瞥的惊艳。正每个人欣赏艺术时，不仅只关注于他的美，而且更加倾向于它所表达的内涵。黑格尔美学的核心是“美是理性的感性显现”，认为艺术的本质在于感性形式体现出理性内容。艺术家们在自己的创作实践中，不断探索和寻找美的形式，从内容出发去选择最恰当的形式以加强艺术的表现力，从而使得艺术的形式美日益丰富和发展。书法作为我们中国的国粹，高度展示了意美和境美，多样的书体展示了不同风格的形式，也体现了不同内容。王维更进一步认为，“凡画在水，意在笔先”强调必须显示出对象的内在精神来。 这些例子都说明艺术的审美性是内容与形式的完美统一。

七年级美术《真实动人的艺术形象》说课稿

赣美版七年级美术 《真实动人的艺术形象》说课稿 一、说教材： 我说课的内容是江西美术出版社出版的七年级下册，第一单元《真实动人的艺术形象》。这一单元属于欣赏*评述的学习领域。本课分为2个课时。设计理念：“视学生为主体，以学生发展为出发点，培养创新精神和解决问题的能力”是新课程提倡的重要理念。所以在设计中。针对欣赏评述学习领域的活动特点，在课堂教学中除通过欣赏获得审美感受，摄取知识外，还应加强对学生用语言、文字等进行主观能力的表述。采用灵活机动的教学方式，既要重视学生的积极参与，激发学生的主体精神，克服教师讲述的弊端，又着重培养学生的欣赏评述的能力。以这些为教案设计的理念，具体组织教学活动。 二、说教学目标及教学重难点 本节课的教学活动主要通过美术作品的欣赏与评述活动，进一步评论和认识作品中常用的艺术交流语言，使学生形成初步的审美经验，提高对作品的鉴赏能力。这个目标的确定是承接上学期的学习内容，在总结基础上在加以拓展和深化的。因此，1、认识目标：通过欣赏了解西方传统绘画的总体风格，掌握欣赏写实性绘画作品的基本方法。2、技能目标：提高学生对外国绘画作品的欣赏水平，培养学生运用语言、文字等形式表达自己感受的能力。3、德育目标：学习艺术巨匠们勤奋、刻苦和钻研的精神，领悟大师们的情感和心灵的表达。重点还以欣赏为主，理解西方传统绘画写实风格。在此教学重点活动中，能否形成自觉运用艺术语言来欣赏表述自己认识的艺术作品的能力和习惯，因此也就成立本节课教学活动的难点所在。 三、说教学过程： 教学过程的设计，没有固定的形式。一下是本节课的教学流程： 1、准备阶段：美术课堂教学，学习氛围我觉得很重要，如果在学生一进入教堂，就能感受并被一种浓厚的艺术氛围包围起来的时候，他的心身必定会受到感染。因此，课前播放音乐，并展示制作好的精美艺术图片，学生就能感受到不同。我选择的是旋律特点很强的贝多分的钢琴曲《命运》。并为下一步的导入作好铺垫。也是有备而来得。 2、导入阶段：“兴趣是最好的老师”尤其在欣赏课中，显得尤为重要。学生如果没兴趣，更不会用心欣赏作品进而探讨了。所以，采用了激情质疑兴趣导入：教师：听了《命运》交响曲，你有如何感受？生：畅谈感受，激情增趣。这里引导学生对音乐交流语言的认识，也可以扩展：舞蹈家*动作舞蹈进行语言交流，诗人用文字诗歌进行表达交流等。在兴趣激发的基础上教师可以定位课题了。音乐用旋律、节奏，音符等作为交流的语言，美术作品又是如何运用造型要素和手段进行交流的呢？ 3、发展阶段：具体分了来年各个活动，第一个是回顾评论艺术作品中造型要素与手段的运用。首先，教师质疑：在你所搜集的和上节课欣赏的作品中，你最喜欢那一幅？你认为作品中突出运用了那种造型要素和手法？ 学生分组探讨交流所搜集的作品，并选组员代表进行阐述。评论活动：及时在以上欣赏和总结回顾的基础上，重点认识西方传统绘画写实风格。先引导学生，对课本上的作品进行分析。如达芬奇的《蒙娜丽莎》，设计质疑问题：描绘了人物逼真？给你怎样的感受？教师可以讲解有关创作的故事试。分析画面的构成和色彩等。同时学生凭直观感受自由论述，集体讨论，认识西方传统绘画写实风格。

浅谈哲学对当今东西方绘画艺术的影响

浅谈哲学对当今东西方绘画艺术的影响文：吴玉亮 一个民族，一个时代，一个社会的艺术是与这个民族、时代、社会的哲学紧密相连的。艺术常常表现出深刻的哲学观。本文侧重于绘画与哲学的关系，尤其是东西方哲学各自对东西方绘画艺术的影响及其比较来作一些初步的探讨。 哲学，作为人类的自我表现意识，是理性精神的直接表现。一般人认为，西方哲学偏向于“纯粹理性”，中国哲学偏重于“实践理性”。前者强调自然界的必然，后者强调精神领域的自由。在西方文论中常常谈“形象”和“典型”等，偏重于艺术如何反映客观现实；而我们中国讲“意象”、“意境”，则侧重于审美主体对对象的渗透和把握。这些，反映在绘画上就是人们常说的“再现论”和“表现论”。 大家知道，西方绘画在很长一段时间里是比较强调模仿和反映客观的，这与他们西方的哲学传统是有一定关系的。我们都知道在西方美学界占统治地位的是柏拉图与亚里士多德的学说，虽然两者有明显的不同。柏拉图认为在现实世界之上，有一个超感官的理念世界，现实世界是对理念世界的模仿，艺术又是对现实世界的模仿，充其量不过是理念世界的一种仿本。而亚里士多德则认为，艺术模仿的物质世界本身具有无可怀疑的真实性，画家可以画出比原型“更美”的物象来。尽管两者有深刻的分歧，然而都认为艺术本质上是生活的再现，模仿。这种强调艺术模仿再现生活的再现美学在欧洲已持续了一两千年。在这种传统中发育成熟起来的绘画，在再现外部世界真实性上达到了令人叹为观止的程度。 中国绘画与西方绘画有明显的不同。中国绘画是在特定的中国哲学系统中孕育起来的，与西方《诗学》同时出现的《乐记》就指出：“乐者，通伦理者也”，“乐者，德之华也”。这标志着一条与西方模仿论完全不同的发展道路。西方美学强调与“真”统一，而中国美学强调与“善”的统一。总而言之，东方美学更多地把审美价值等同于伦理价值。前者为“纯粹理性”，后者则是“实践理性”。虽然它们都以感情为中介，不过前者更多地导向外在的知识，后者更多地导向内在的意志。二者价值定向、价值标准不同，所以在艺术上要求和表现也不一样。我们看到西洋绘画很重视体积感、质量感、透视感、色感、光感等等，哪怕是想象、虚构的事物，例如拉斐尔的圣母与天使、鲁本斯的精灵与魔鬼等者力求逼真，他们对于透视、色彩、人体结构的解剖比例都可借鉴实用科学来验证。我们知道像达.芬奇画可以用投影几何来证明，色彩可以用光谱分析来检验，人体的结构与比例可以用解剖学来分析。而中国传统绘画就明显地不同于西方写实绘画，因为中国美学把艺术看作一种德行化人格，它不强调艺术同具体客观事物相验证，而要求“以意为主”，“取会风骚之意”，即使是“传移模写”的作品，其目的也是为“达意”。越到后来，这一特点就越明显。清代八大山人的画，“既不杜撰非目所知的‘抽象’，也不甘心写极目所见的‘具体’，只倾心于以意为之的‘意向’”。可以说“借物抒情”，“托物言志”是中国绘画十分明显的特点之一。这在文同的画竹中表现得很突出。他自己也说过，“学道未至，意有所不适，而无以遗之，故一发于墨竹”。《毛诗序》说得更为清楚：“诗者，志之所之也，在心为志，发

形象思维与抽象思维的反复结合

形象思维与抽象思维的反复结合 我今年带一年级数学,以前带过一年,上课快一个月了，对的学生学习情况都有了一个了解.我们现在在学到10以内的加减法.一班有一个同学叫张明朗,他做这些口算题的时候，要靠扳手指完成.然后我观察了一下,发现大部分的孩子都在用这个方法,正确率还可以。孩子们扳手指的方法有几种，如“4+3=?”(1)先数出4个手指，再数出3个手指，然后一起数共几个。(2)很快伸出4个手指，再伸出3个手指，然后数出共多少个。(3)很快伸出4个手指，再把3记在心里，从4开始边扳手指边接着往下数3个，得到5。(4)在脑子里接着数，先记着第一个加数，再接着数，第二个加数用手指帮忙，数出3个手指。 1、学生的计算能一味依赖形象吗？ 看着这些孩子很快很熟练地扳着手指，我不由地思考该怎样对孩子进行数学的启蒙？对于10以内的加法，老师又该如何教呢？孩子接触计数便开始形成数概念，加减法的学习是建立在学生学会计数的基础上的，加减法活动同时又可以促进数概念的发展。3岁左右的儿童在成人的影响下能说出个别数词，并能凭机械记忆按顺序背诵这些自然数的名词，但他们并不理解这些数的意义，随着年龄的增加，儿童逐渐能按物点数，逐步体会到数与实物之间的那种对应关系，一般4岁以后儿童大多能数出10以内物体的总数，这时儿童的数概念获得了重要发展。在此基础上儿童便可以开始借助实物形象去理解加法，如家里原来有3个人，又来了2个，现在一共有多少个人？孩子脑子里没有3+2=5的“数字事实”，但是，孩子可以用一起数或继续数的方法，通过数实物算出答案。平时和一些年轻的家长探讨如何教自己的孩子学习加法，大家的做法基本上是这样。可见生活情

鲁迅小说艺术形象的造型特色及其成因

鲁迅小说艺术形象的造型特色及其成因 内容提要鲁迅小说形象具有黑白木刻似的造型特征，这一点被许多评论者所忽略。而这一特征却是构成鲁迅小说“表现的深刻和格式的特别”的重要因素。黑白木刻似的造型特点的形成与鲁迅浓烈的黑白木刻情结密切相关。黑白木刻情结产生自鲁迅全部的人生感悟和艺术追求。 长期以来，无数的专家学者对鲁迅小说艺术形象进行了多层次、多角度的研究，总结了许多的特点。但是，人们似乎都忽略了一个极为显著的特征，那便是鲁迅小说中的艺术形象分明地带着浓郁的黑白木刻的神韵。读鲁迅的小说，眼前会显现黑白对比分明，线条清晰有力，注重勾勒而淡于敷彩的造型简括的形象，如同鲁迅先生刻画祥林嫂最后形象时所说的———仿佛是木刻似的。黑白木刻似的造型效果构成着鲁迅所塑造的小说形象系列的显著特色，形成着鲁迅小说形象特有的风格。 在赞誉鲁迅艺术手法高明时，人们常断言他是高明的画家，这是不错的。鲁迅原本就是一位颇有造诣的美术鉴赏家、收藏家、理论家，而且自己也能画几笔。问题是这个高明的画家在以文字为笔墨描绘形象时具备什么特点呢？换句话说，他是以什么画种，什么方式来塑造形象的呢？我们只要对绘画稍加了解就可以得出这样的结论：鲁迅是一位黑白木刻大师，那些入木三分的小说形象就是大师以犀利的文笔为雕刀刻画出来的黑白木刻作品。 绘画艺术最基本的语言是色彩和线条。但是黑白木刻版画的色彩与线条的运用比起一般的绘画具有显著的特点。在色彩方面，它抛开一切有彩色，只选择最单纯的黑白二色，利用黑与白强烈的明暗对比衬托或黑与白的协调过渡来暗示大千世界的缤纷色彩；在线条的运用方面，它以刀为笔刻出的富有金石之味的各种粗线、细线、直线、曲线来勾勒形象，建构既抽象又具有表现力的空间。这种表现方式使黑白木刻不以模拟周围世界为能事，而将表现艺术家对这个世界的感觉与思考为己任，以简洁、概括、富有张力的形象给人强烈的视觉冲击力，启迪人们无穷的回味与想象。正是在这些特点上，鲁迅的小说形象与黑白木刻有着异曲同工之美。“刻画”二字用来解说鲁迅对小说形象的塑造是再准确不过的了。 有学者在分析鲁迅塑造的文学形象的艺术特色时候，提出了“色彩美”，认为鲁迅在艺术创作中以色彩铺陈弥补白描技法的局限，并认为鲁迅的艺术追求是用特定的色彩词准确地描绘现实生活图画，增强作品的形象性，造成人们的美感愉悦，并列举了一些例子。的确，鲁迅小说中有时会出现某些特定的色彩词，像《故乡》、《社戏》等作品的局部还以重彩敷衍出了色彩斑斓的场景。但是，统观鲁迅全部小说却只得到这样的印象：作为艺术大师，鲁迅利用颜色塑造形象时，最擅长而且最成功的是对黑与白的调度和运用，他那摄入魂魄的艺术世界是由自然界最单纯却又蕴着最丰富内涵的黑与白对比调和而成。 在鲁迅的小说中，《狂人日记》、《阿Ｑ正传》、《祝福》、《风波》、《伤逝》、《孤独者》、《药》、《铸剑》等作品最为人称道，其中的人物形象深入人心，可以说这些文学史上不

论艺术真实与美

论艺术真实与美的关系 摘要：追求理想与审美是人与生俱来的能力，在古今中外的艺术创作中，艺术真实区别于历史真实和生活真实被广泛运用，借以更深切地塑造和表达美。因此，艺术真实的表现手法体现着人们对美的追求，同时它的确为我们带来了审美的愉悦感受，它是为审美而生的。 关键字：艺术真实审美历史真实艺术想象 弗洛伊德认为艺术想象和虚构之所以必须，是因为其补偿了现实生活难以实现和满足的欲望和理想。这种欲望和理想即是人们对美的追求，人类的艺术活动，如古代神话的创作则表现了人们心中美与理想的统一。但创作不是重演和还原，于是尊崇于艺术既要满足创造美的要求，又不能有悖于人们的现实经验的要求，对文艺创作的艺术真实衡量手段应运而生。 艺术真实是相对于生活真实或历史真实而言的。历史真实是一种已然的真实，是一种力求客观的真实，艺术真实则是一种可能状态的真实，是以有限的艺术时空创生无限可能性的天地人生境界的真实，它带有主观规定性的真实，从而更接近人本身的经验性真实，这样的特点更方便于文艺创作对理想和追求的表达。 一、艺术真实体现了人们对美的追求 古希腊神话和其中的英雄故事，甚至是天神的形象塑造都已各种文艺形式表现了出来，并且被人们接受和喜欢。天神的雕塑：强壮有力又富含文艺风采的阿波罗、活泼可爱的丘比特、断臂的维拉斯等等；还有古文化中的歌舞、头饰和耳环，这些无一不表示着人类对于美的追求是与生俱来的。人类为了生存、发展，需要劳动、游戏、宗教、武术等，同样也需要艺术，需要追求美。

生活中的人们总是丢弃自己一闪而过的思想或意念，但在读天才们所创作的作品时却总能在作品中发现自己曾经丢弃的思想，这便是艺术作品的不可取代性，“我们在一件艺术作品中认识到的东西，根本不是艺术语言所要表现的。”①艺术作品所要表达的便是人们心中长久的理想，或是一闪而过的灵感的美妙，而这种美妙恰好符合人们的先验经验，使人们产生了共鸣，这便是文艺创作的价值所在。因此在艺术创作中，艺术真实对于人们追求美的活动是必要的，就如古希腊神话中英雄、天神的形象塑造必须符合人们的心理期待，符合人们的生活经验，有经验对其的可能状态的证实，才能够被人们普遍接受和喜爱。 同时，艺术真实与生活真实或历史真实并没有明显的界限，它并不是对立，而只是重构。伽达默尔说：“美的本质恰恰并不在于仅仅是与现实性相对和对立，而在于美可以不期而至，美是一种保证。真的东西也仍然不是远不可及的，而是我们碰得到的。”②因此，艺术创作者的才华便在此得以体现，他们将生活真实积累、升华，最终得出一个普遍的典型，一个艺术的真实，借以表现人们的心里期待和对美的追求。 二、艺术真实在于给人美的感受 英国诗人济慈说：“美是一种永恒的愉快。”美国美学家桑塔耶纳说：“美是在快感的客观化中形成的，美是客观化了的快感。”因此，美的存在是需要人们感知的，是“因感知而存在”的。于是艺术真实创造了美，人们的审美体验使美存在，这是生活真实或是历史真实无法达到的效果。 而审美体验的快感的产生原因是艺术作品的原型及其所蕴含的经验使欣赏者或阅读者产生了心灵的共鸣。原型是人类共同心理情感和基本的普遍的人性的呈现，许多事实和现象证明了人类这种相通性和共同性。而文艺原型是是在长期实践的基础上逐渐形成的审美意识和心理情感的积淀，是一种心理体验的模式，也是一种关于美的模式。于是原型便是作家创造的美的载体，原型并不是真切的真实，而是一种概念，一种模式。 中国古代文论也强调，艺术真实的最高境界应是“神似”而不是形似。因为客观地展现生活不可能产生文学艺术，艺术的创造实质上是用生活材料来表达艺术家对人生的感受和思考；文学艺术是因为有了主体精神的灌注才拥有了生命的 ①雅斯贝尔斯著，鲁路译：《尼采其人其说》，社会科学文献出版社2001年版，第371页。 ②笛卡尔著，王太庆译：《谈谈方法》，商务印书馆2005年版，第372页。

直观形象思维-抽象逻辑思维

直观形象思维抽象逻辑思维 《数学课程标准》明确将“数学思考”列入课程目标领域，它直接指向学生数学思维的发展水平。小学生由于年龄较小，其认知发展有自己的特点，他们主要是以具体形象思维为主，随着生活经验的不断累积，具体形象思维逐步向抽象逻辑思维过渡。在多年的实际教学中，我遵循学生认知发展的规律，做到直观形象与抽象概括相结合，达到发展和提高学生思维能力的目的。 一、通过实际操作，架起直观形象思维向轴向逻辑思维过渡的桥梁。 在课堂教学中，我根据儿童思维发展的特点，非常重视直观形象的教学，如：实际操作，让学生动手，在动手操作的过程中会积累出数学知识的一些表面的东西，为学生的抽象概括提供丰富的材料,帮助学生抽象出数学的知识。如:认识体积和容积的教学，体积和容积这些概念对学生来说是非常抽象的。因此，我决定用试验来帮助学生理解。我按照教材的编写，准备了一个红薯和一个跟红薯大小差不多的土豆，还有两个大小相同的量杯，在课堂上，我提出问题：“同学们，土豆和红薯哪个大？”然后进行演示试验，紧接着就带着学生总结出，红薯占空间的大小就是他的体积，然后将体积的概念板书在黑板上，进一步讲了容积的概念并板书出来。紧接着是课堂练习，从学生的回答中，我发现大多数学生尽然根本不理解物体在空间是要站大小的，当然，也就没有理解体积和容积的概念了。下课后我进行反思，今天上课的纪律很好呀，学生怎么会不懂呢。我又去问了几个学生。终于我发现了问题的关键，我进行的是演示试验，虽然六年级的学生已经具有一定的抽象思维能力，但“空间”太抽象了，学生没有经过自己的实际操作，的确很难理解。我又一想，我做的这个试验是最好理解体积概念的吗？我向同年

艺术图像中的女性形象变迁

从仕女图到网红脸：艺术图像中的女性形象变 迁 作者：廖廖 导语：在艺术撰稿人廖廖看来，艺术图像中的女性形象的流变，实际上就是女性的身份认同与社会地位的变迁。从隋、唐与古埃及艺术的“微胖界”，再到中世纪与宋、明、清的“纸片人”，从前苏联宣传画中的“女汉子”战士，再到60年代的国产宣传画中的男性化的“半边天”，从当代艺术中颠覆性的女性形象，再到流行文化中的自拍图像……女性逐渐攫取了图像话语权。 装置作品《晚宴》 艺术图像中的女性形象的流变，实际上就是女性的身份认同与社会地位的变迁。从隋、唐与古埃及艺术的“微胖界”，再到中世纪与宋、明、清的“纸片人”，女性一直被当作男性凝视与欣赏的对象。从前苏联宣传画中的“女汉子”战士，再到60年代的国产宣传画中的男性化的“半边天”，背后是女性身体的政治化与工具化。从当代艺术中颠覆性的女性形象，再到流行文化中的自拍图像，背后是女权主义与流行文化对图像话语权的争夺。 艺术图像中的中国女性 中国古代绘画中的女性形象大多是：嫔妃、女仆、妓女和怨妇。女主角的才华、妩媚、仪态都是为了满足皇室贵族与文人士大夫等男性精英阶层的品味而设定。 《捣练图》

豪迈开放的隋唐时期是今天的“微胖界”人士的向往。从《女史箴图》中的妇女模范，到《捣练图》里富足而空虚，雍容又茫然的宫廷女性。从《斜倚熏笼图》颓靡而寂寞的嫔妃，再到《韩熙载夜宴图》、《合乐图》、《陶谷蒻兰图》中的盛装歌妓，一水儿的丰腴秾艳、体态丰盈。 到了宋代，贵族和门阀在大一统皇权的打压下，开始走下坡路，文人屌丝们通过科举翻身成为统治阶层，整个国家的品味也随之变化。雍容华贵的贵族审美日渐式微，清雅素淡的文人审美开始兴起。 隋唐时期的盛装歌舞的“微胖界”，逐渐变成文人画中单薄瘦弱、人畜无害、岁月静好模样的“纸片人”。隋唐的《宫女画》和《夜宴图》变成了《赋诗图》和《侍读图》。但是闲坐窗边、手捧诗书，并不意味着女性就拥有独立意识和人身自由，她们跟文房四宝一样，只是主人的一件物品。李渔的《闲情偶寄》和卫泳之《悦容篇》等品鉴女子的书籍文章中，把女子与文房、书画等收藏品一样被分门别类，有格调的文化精英在书中教授人们如何调教、品鉴女子。女子和古董书画一样，都是文人身份与阶级的象征。 清代绘画中的女主角并无新意，以继承、仿古为主，只是画中人愈加慵倦瘦削、弱柳扶风，有清一代以女性的病态美为时尚，既是国势衰败的象征，也是LOW逼的士大夫需要更加柔弱的女性形象来凸显自身残存的雄性荷尔蒙。 20世纪50—70年代，传统文化被遗弃，传统父权体制下的柔弱妩媚的“纸片人”审美被彻底推翻，“女汉子”成为一时潮流。在女性能顶“半边天”的口号下，女性与男性一起从事各种繁重的体力劳动与革命事业。宣传画中的女性身体成为政治符号与生产工具，成为阶级意识与革命理想的象征，当时的宣传画中的“女汉子”个个都有男性化的身躯和坚毅的表情。 从隋唐的微胖界到宋明清的纸片人，再到近代的女汉子。国产绘画中的女性形象始终都是父权体系和国家意志的产物。 80年代末和90年代初，受到西方女权主义思潮的影响，中国的女性主义画家开始在作品中表达自我，表达私密情感，绘画中的女性形象有别于传统的柔弱仕女，也有别于女汉子式的“半边天”，她们通过描绘女性的情感诉求来表达女性的自我，来挑战父权体制与国家意志对女性的塑造与异化。 就在前卫的女性主义画家开始在作品中表现女性身份的时候，男权主义在传统绘画中开始复苏，一些传统绘画与摄影中的女性的形象重新回归柔顺、性感、羸弱的传统审美。 90年代初，裸体绘画与写真集流行一时。我们知道，中国的传统仕女图不会直接描绘女子裸露的肉身，传统画家通过女子的服饰、姿态和氛围的营造来挑动人们对隐藏的身体的

《真实动人的艺术形象》说课稿

《真实动人的艺术形象》说课稿 《真实动人的艺术形象》说课稿 一、说教材： 我说课的内容是江西美术出版社出版的七年级下册，第一单元《真实动人的艺术形象》。这一单元属于欣赏*评述的学习领域。本课分为2个课时。设计理念：“视学生为主体，以学生发展为出发点，培养创新精神和解决问题的能力”是新课程提倡的重要理念。所以在设计中。针对欣赏评述学习领域的活动特点，在课堂教学中除通过欣赏获得审美感受，摄取知识外，还应加强对学生用语言、文字等进行主观能力的表述。采用灵活机动的教学方式，既要重视学生的积极参与，激发学生的主体精神，克服教师讲述的弊端，又着重培养学生的欣赏评述的能力。以这些为教案设计的理念，具体组织教学活动。 二、说教学目标及教学重难点 本节课的教学活动主要通过美术作品的欣赏与评述活动，进一步评论和认识作品中常用的艺术交流语言，使学生形成初步的审美经验，提高对作品的鉴赏能力。这个目标的确定是承接上学期的学习内容，在总结基础上在加以拓展和深化的`。因此，1、认识目标：通过欣赏了解西方传统绘画的总体风格，掌握欣赏写实性绘画作品的基本方法。 2、技能目标：提高学生对外国绘画作品的欣赏水平，培养学生运用语言、文字等形式表达自己感受的能力。 3、德育目标：学习艺术巨

匠们勤奋、刻苦和钻研的精神，领悟大师们的情感和心灵的表达。重点还以欣赏为主，理解西方传统绘画写实风格。在此教学重点活动中，能否形成自觉运用艺术语言来欣赏表述自己认识的艺术作品的能力和习惯，因此也就成立本节课教学活动的`难点所在。 三、说教学过程： 教学过程的设计，没有固定的形式。一下是本节课的教学流程： 1、准备阶段：美术课堂教学，学习氛围我觉得很重要，如果在学生一进入教堂，就能感受并被一种浓厚的艺术氛围包围起来的时候，他的心身必定会受到感染。因此，课前播放音乐，并展示制作好的精美艺术图片，学生就能感受到不同。我选择的是旋律特点很强的贝多分的钢琴曲《命运》。并为下一步的导入作好铺垫。也是有备而来得。 2、导入阶段：“兴趣是最好的老师”尤其在欣赏课中，显得尤为重要。学生如果没兴趣，更不会用心欣赏作品进而探讨了。所以，采用了激情质疑兴趣导入：教师：听了《命运》交响曲，你有如何感受？生：畅谈感受，激情增趣。这里引导学生对音乐交流语言的认识，也可以扩展：舞蹈家*动作舞蹈进行语言交流，诗人用文字诗歌进行表达交流等。在兴趣激发的基础上教师可以定位课题了。音乐用旋律、节奏，音符等作为交流的语言，美术作品又是如何运用造型要素和手段进行交流的呢？ 3、发展阶段：具体分了来年各个活动，第一个是回顾评论艺术作品中造型要素与手段的运用。首先，教师质疑：在你所搜集的和上节课欣赏的作品中，你最喜欢那一幅？你认为作品中突出运用了那种