从《溪山琴况》的美学思想看钢琴表演艺术
从《溪山琴况》的美学思想看钢琴表演艺术
论文摘要：文章以《溪山琴况》为研究立足点，笔者通过《溪山琴况》中的二十四况以及徐上瀛以“和”为理论核心意义的美学视角出发，进一步延伸到钢琴音乐学习领域，从更深层次探讨钢琴演奏之道。从演奏技巧、情感表现以及内心听觉等方面切入，探讨何为富有生命力的音乐。
关键词：溪山琴况演奏技巧情感表现内心听觉
在前人的研究成果中，有许多学者就《溪山琴况》这一经典著作研究古琴艺术，如王跃珠发表在1984年04期《中国音乐》的《徐上瀛与＜溪山琴况＞》；也不乏有从《溪山琴况》的美学角度出发，结合二十四况的艺术价值拓展到其他表演艺术领域。例如杜洪全于《中国音乐》1996年03期发表的《溪山琴况》今用之价值；修海林于《音乐研究》1989年01期发表的《溪山琴况》的琴乐审美思想；四川师范大学的秦琴2001年所著的《溪山琴况》中的音乐审美思想等。笔者作为一名钢琴专业的研究生，在学习过程中逐渐参悟了二十四况的美学思想，以小见大，将其美学思想融会贯通到钢琴表演艺术当中去，就钢琴表演中的演奏技巧、情感表现、内心听觉等方面进行更深层次的研究。
《溪山琴况》,简称《琴况》,它总结了明末以前古琴表演艺术的丰富经验,比较系统地论述了古琴表演艺术的美学原则,是一篇颇有见地的音乐美学论著。作者徐上瀛(?——约1662),号青山,明亡后改名谼,号石泛山人,娄东(今江苏太仓)人。
徐上瀛所著《溪山琴况》是一部全面而系统地讲述琴乐表演艺术理论的专著，也是中国音乐美学史上的重要著作。这部著作在总结前人琴学理论的基础上提出了古琴表演艺术的24个审美范畴，即所谓“二十四况”。这二十四况是：和、静、清、远、古、澹、恬、逸、雅、丽、亮、采、洁、润、圆、坚、宏、细、溜、健、轻、重、迟、速。在琴乐“二十四况”中，具有理论核心意义的就是“和”。所以徐上瀛在卷首便提到“二十四况”中，“其所首重者，和也”。说明“和”况作为琴乐审美范畴之一，在琴学理论中，具有其他琴况不能替代的地位。这是认识，理解徐上瀛琴乐美学思想的要点之一。认识、理解徐上瀛琴乐美学思想的要点之二，是要把握住，徐上瀛谈琴乐审美，从整体上讲，始终是着眼于琴乐的实践，从古琴演奏中的“弦、指、音、意”的相互关系去谈“和”的审美意义。其他各况所谈到的内容，也都与这一点息息相关相关。
徐上瀛认为，从演奏技艺上讲，弹琴首先要达到对演奏技巧的运用自如与纯熟，其次，在掌握纯熟的执法技艺基础上，在音乐演奏的处理中，要“务令宛转成韵，曲得其琴”。最后，为达到更高的审美要求，论者并未停留在“曲得其琴”的层面上，而是
进一步寻求“音与意合”的审美境界，提出了“以音之精义而应乎与音之深微”的要求，即以演奏技艺达到的精妙细微的乐音表现，来触及人内心深处最敏锐的幽深的心理体验，而这是从单纯的乐音运动形式中难以领会到的。
我认为作为一位成熟的演奏者需要具备卓越纯熟的演奏技巧、丰富细腻的情感表现、敏感的内心听觉以及善良的心智。我认为首当其位的应该是演奏技巧。二十四况中的溜、健、轻、重、迟、速等都是在演奏技巧层面的艺术范畴。人们从小学习钢琴必定先从基本功入手，通过专项手指练习逐一攻克技术难关。即便在专业院校中技术问题始终伴随学生，不同时期的作品需要不同的音乐效果和形象，要通过指触的变化去控制风格。往往在这个时候技术问题便会浮出水面，如手指灵活度、指尖支撑感等等。只有通过不断的练习逐渐达到纯熟的程度。表现情感是依靠强大的技术作为支撑的，如果没有纯熟的技术那么满肚子的情感只会难以表达，这一点与徐上瀛的观念是相同的。
其次，一定要有丰富的情感。二十四况中的和、静、清、远、古、澹、恬、逸、雅等就是通过精湛的技艺进一步达到的较高的艺术范畴。音乐原本就是相对主观的艺术，二次创作是一个成功的演奏者所必须的能力。二次创作的源泉我认为就是一个心智健全善良开朗的“好人”。这就是前面为什么提到“善良的心智”。经过十几年的钢琴学习，我逐渐参透了一个道理，只有你是一个好人，你才会演奏出好音乐。要对生活充满热爱，对生命充满激
情，对身边的朋友友好等等。这一切都是丰富情感的基础，试想一下，内心阴暗的人即便具备超高技术，他就能成为好的表演艺术家么？答案当然是否定的。那与琴匠又有什么区别呢？举一个我在学习演奏过程中遇到的困难，在演奏一部作品的时候，导师认为我的音乐太过刻板，太学生化，要求我在音乐进行中多一些rubato的节奏，导师一遍遍示范我坐在旁边一便便模仿。可是他的音乐是那么的富有生命力，而我的有点像浑身僵硬的木偶，即便我在严谨的模仿导师的rubato。为什么相同的节奏相同的音效相同的力度变化却有如此大的差别？当我回到琴房独自练习时，我试图将自己置身于作曲家当时的背景和经历中去，去体会他的痛苦煎熬，去揣摩他的心智。渐渐地我发觉自己演奏出来的音乐非常的舒服，我深深的感觉到我的指尖与我的血液脉动的频率默契的融合。第二次去上课时导师听后终于给了我满意的肯定。通过这件事情我总结出了一个道理，什么是真正的好音乐？不是模仿CD，不是埋头苦练，而是在娴熟的技巧之上将音乐与自己的生命连结起来，与血液一起流动，将其变为自己的音乐，这个时候就会打动你的听众。我认为这是二次创作的至高境界——内心的声音。因此要热爱生活，情感丰富，这点对于成功来说太重要了。
最后在钢琴演奏中极为重要的一点就是内心听觉。中国学生与外国学生最大的一个区别就是中国学生学习钢琴是手指——耳朵——大脑的过程。而国外的学生则为大脑——耳朵——最后到手指。像个琴匠一样仅仅机械的跑动手指，从来不去想或听自己
需要什么样的声音，这直接造成了感情的空洞和音乐的苍白。在演奏之前应该先去思考：我要什么样的音色？如何通过控制手指去达到这一音色？即内心听觉。然后触键的时候仔细去聆听是否与内心听觉相吻合。这点至关重要。
我认为，娴熟的技巧、丰富的情感和良好的内心听觉在钢琴演奏中是逐一递进的关系。有了技术做支撑便可自如的抒发内心情感，再通过内心听觉去完善内心情感，使之更加淋漓尽致，达到“音与意合”的审美境界。“以音之精义而应乎与音之深微”，这样演奏出来的音乐如何不美！如何打动不了听众！我们要从单纯的乐音运动形式中剥离出来，使我们的艺术高度升华至全新的层面！
中国艺术中的美学思想
第九讲中国艺术中的美学思想 一、中国艺术中的形神问题 正像中国造型艺术中“不似似之”的原则：“太似则呆滞，不似为欺人，妙在似与不似之间，既不具象，又不抽象，徘徊于有无之间，斟酌于形神之际。”中国艺术追求超越于形似之外的神韵的秘密。 二、中国艺术中的动静关系 中国艺术或在静穆中求飞动，或在飞动中求顿挫，或从常态中超然逸出，纵肆狂舞；或于断处缺处，追求一脉生命的清流。总之，静处就是动处，动处即起静思，动静变化，含道飞舞，以达到最畅然的生命呈现。舞之精神贯穿中国艺术。中国哲学强调以静制动，在宁静中表现活泼泼的生命精神（舞使其动了），阴阳相摩相荡，一推一挽，即是舞了。中国艺术中极为明显的重视线条的倾向（即使在非造型艺术中，重视线条的精神仍然不可忽视），舞的精神是其最好的象征（舞是形，是姿容，中国人认为，舞的精神在线条，抽象的线条，而不是块面）。 三、中国艺术中的含蓄问题 曲胜过直，忍胜过躁，力从内在的冲荡来，胜过外在的强力，美从迷离中寻来，胜过通透的美感。中国艺术的世界宛如一条弯弯曲曲的小径，赏艺人沿着这条小路悠然前行，在那深深的处所，有一无上妙殿。 四、中国艺术中以小见大的思想 一花一世界,一草一天国,一勺水亦有曲处,一片石亦有深处。中国文化有见微知著的智慧，中国艺术有以小见大的特殊创造方式。心灵的活动是在有限中表现出无限。一切艺术的表现与其说是对对象的表现，倒不如说提供一个引子，一个开始，让人联想起无限的江山来。小的世界可以延展，大的世界却容易黔驴技穷。 五、中国艺术中大巧若拙的思想 中国艺术家于散木中求全，怪石中求春，在丑陋中发现美意，在迷离中玩味清幽。他们认为，以巧追巧，并不能巧；拙中见巧，方是大巧。 六、中国艺术中荒寒冷寂的境界
艺术设计与美学(04026)重点电子教案
(04026)设计美学复习详细资料 一、人名、成就、名言、作品 伽利略——科学家。现代科学研究方法的奠基人； 培根——科学家。被誉为“自然大臣”；书籍《新工具》、提出“知识就是力量”； 笛卡尔——科学家。笛卡尔二元论逻辑； 牛顿——科学家。三大运动基本定律和万有引力定律； 法拉第、麦克斯伟——科学家。电磁理论； 阿尔文?托夫勒——美国著名未来学家；书籍《第三次浪潮》 塞尚——印象派画家。现代艺术之父； 莫奈——印象派画家。《阿尔让特依大桥》 修拉——印象派画家。点彩画法；《大碗岛的星期天下午》 毕加索——立体主义画家。对现代设计影响最大的艺术家； M.金兹堡——俄国构成主义设计师；书籍《风格与时代》 艾尔?利兹斯基——俄国构成主义主要代表。海报《红楔子攻打白色》 康定斯基——抽象表现主义画家，包豪斯教师； 杜斯伯格——“风格派”理论家、发言人； 蒙德里安——荷兰“风格派”核心人物，画家。《红黄蓝》系列油画 里特维德——“风格派”家具、建筑设计师。《红蓝椅子》 鲍姆伽通——德国哲学家。书籍《美学》 康德——德国哲学家黑格尔——德国哲学家 彼得托齐纳——捷克设计师，提出技术美学的概念； 鲍列夫——苏联美学家； 泽姆佩尔——德国建筑学家，最早研究美学的学者，其理论成为现代设计理念形成的基础；约瑟夫?帕克斯顿——“万国博览会”英国“水晶宫”的设计师； 拉斯金——英国艺术理论家。把造型艺术称为“大艺术”，设计称为“小艺术”；
莫里斯——英国艺术设计家、作家。拉斯金思想的传承人，英国工艺美术运动奠基人；书籍《乌有乡消息》、《乔叟集》（书籍装帧第一书）；设计史上第一次提出整体设计概念； 穆特修斯、凡德?威尔德——德意志制造联盟成员，双方发生著名的争吵； 沙利文——美国现代主义建筑大师。提出“形式服从功能”； 斐迪南?保时捷——电动汽车之父，开发出“大众汽车”、“甲壳虫”； 弗兰克?皮克——30年代英国工业设计代表人物，英国设计与工业协会主席； “七人集团”——意大利现代主义建筑师团体，强调“理性建筑”； 吉奥?庞蒂——30年代意大利最富才华的设计师、建筑师、教育家，意大利设计师协会创始人。创办《多姆斯》杂志； 亨利?福特——美国福特汽车公司创办人。“T型”车； 哈利?厄尔——美国工业设计师，通用汽车公司设计部主任，开创了企业成立设计部门的先河，也是推行“有计划的商品废止制”的主要人物。1955年设计出卡迪拉克“艾尔多拉多”59型小汽车、“艾尔多拉多”型小汽车； 雷蒙德?罗维——美国工业设计师。设计出不少流线型交通工具； 罗斯诺普——美国飞机设计师。设计出“飞翔的翅膀”是世纪最经典的飞机造型； 格罗皮乌斯——德国建筑师，包豪斯首任校长，后任哈佛大学建筑学院院长。《包豪斯宣言》 迈耶——包豪斯第二任校长； 米斯?凡?德罗——包豪斯第三任校长，后移居美国，任教于伊利诺伊理工学院。提出“少就是多”观念；《巴塞罗那椅》 纳吉——包豪斯教师，对包豪斯发展方向的转变起重要作用，后移居美国芝加哥设计学院； 穆希——包豪斯最年轻的教师。《霍恩街住宅》 贝耶——包豪斯教师，现代字体设计的奠基人。移居美国； 保罗?雷纳尔——字体设计家，“未来体”Fotura的创造者； 马塞尔?布鲁耶——包豪斯教师，首次设计出钢管椅，开创现代家具新纪元； 英格?绍尔、格里特?绍尔——乌尔姆设计学院创办人； 马克思?比尔——包豪斯毕业学生，乌尔姆设计学院首任校长； 马尔马纳多——乌尔姆设计学院第二任校长； 马克思?布劳恩——德国布劳恩公司创办人，长期与乌尔姆设计学院合作。“布劳恩原则”； 古戈洛特、拉姆斯——乌尔姆设计学院教师，为布劳恩公司进行产品的系统设计，成为德国系统设计的典范。“白雪公主的棺材”
中国书法里的美学思想阅读理解及答案
《中国书法里的美学思想》阅读理解及 答案 人愉快时面呈笑容，哀痛时放出悲声，这种内心情感也能在中国书法里表现出来，别的民族写字还没有能达到这种境地的。唐代韩愈说张旭善草书，“有动于心，必于草书焉发之”，“观于物，见天地事物之变，可喜可愕，一寓于书”。张旭的书法不但抒写自己的情感，也表现出自然界各种变动的形象，但这些形象是通过他的情感所体会的，因而能形成情景交融的意境。 汉字的起始是象形的，书法家可以用字的结构来表达物象的结构和生气勃勃的动作，使写的字成为一种表现生命的艺术。元代赵子昂写“子”字时，先习画鸟飞之形，从中吸取对生命形象的构思，使“子”字有着鸟飞形象的暗示，成为一个表现生命的单位。书法家要想使字表现生命，就要用他所具有的方法和工具在字里表现出生命体的骨、筋、肉、血的感觉来。许慎说：“书者，如也。”书的任务是如，写出来的字要“如”我们心中对于物象的把握和理解。但这里并不是完全像绘画那样直接模示客观形体，而是通过较抽象的点、线、笔画来表现的。 中国人写的字，能够成为艺术品，使用毛笔是另一个重要原因。毛笔铺毫抽锋，极富弹性，所以巨细收纵，变化无穷，这是欧洲人用管笔、钢笔、铅笔及油画笔所不能比的。
正是这个特殊的工具使中国人的书法有可能成为一种世界独特的艺术。中国书法用笔有中锋、侧锋，方笔、圆笔，轻重、疾徐等各种区别，皆是运用单纯的点画而成其变化，来表现丰富的内心情感和世界诸形相；就像音乐运用少数的乐音，依据和声、节奏与旋律的规律，构成千万乐曲一样。唐朝张彦远在《历代名画记》里说张芝学习草书之法，“一笔而成，气脉通连，隔行不断”。石涛《画语录》也说，“人能以一画具体而微，意明笔透”，“一画之法立而万物著矣”。但这里所说的一笔、一画，并不真是一条不断的线纹，而是如郭若虚所言，“自始及终，连绵相属，气脉不断”。中国书画家正是运用这一笔的点画，构成万千的艺术形象，创造中国特有的书画艺术。 中国书法从一笔入手，但一笔不能摄万象，须要变动而成八法，才能尽笔画的“势”，以反映物象里的“势”。这“永字八法”由“永”字的笔画而来，为侧(点)、勒(横)、努(直竖)、超(钩)、策(提)、掠(长撇)、啄(短撇)、磔(捺)。这些笔画，悬腕中锋，运全身之力以赴之，笔迹落纸，反映着生命的运动，显示着力量。点，不称点而称为侧，是说它的“势”，左顾右瞰，欹侧不平。卫夫人说“点如高峰坠石，磕磕然实如崩也，一点之力真是石破天惊。横画称为“勒”，是说它的势，牵缰勒马，跃然纸上。书法的“美”就是势、是力、是虎虎有生气的节奏，它倾向于壮美。
钢琴启蒙教育的几点建议0(1)
钢琴启蒙教育的几点建议 【摘要】随着文化水平的不断提高，曾经被冠以上流社会“身份象征”的钢琴弹奏在国人眼中逐渐成为一种时尚，学习弹钢琴的孩子与日俱增。孩子是否能够有所成就，启蒙教师尤为重要。在孩子练琴的过程当中，家长的协助作用也显得尤为突出。结合实际教学经验，给出钢琴启蒙教育的几点建议。 【关键词】钢琴启蒙教育教师家长 0 引言 日前，留法归国的钢琴演奏大师倪文指出，目前广东钢琴教育存在四大怪现象，“我们国家的钢琴教育生病了，比赛、考级甚至是学习完全被经济利益所‘扭曲’”。初学钢琴的孩子，大多五、六岁。这个年龄段的儿童正处在骨骼、体力、智力的发育时期，也是他们最初掌握钢琴弹奏方法与技能的关键阶段。这个时期的弹奏基础如何、方法是否正确，对未来影响至关重要。 1 钢琴启蒙教育的意义 钢琴教育是一门很具情感的艺术,在培养儿童的高尚情操、审美情趣等方面,能发挥出不可替代的作用。 1.1钢琴教育能培养儿童良好的观察力、注意力、听辨力和记忆力等。 学习钢琴除了要求双手在琴键上协调弹奏外,还要求眼、耳、脚等多器官的协调运动。从视谱、识谱、把握正确的触键到熟练地进行演奏,这个过程就是眼、耳、手、脚的大脑神经中枢反复锻炼,形成协调指挥的过程。这个过程能培养儿童的观察力、注意力、听辨力和记忆力等,将为他们今后的素质教育打下良好的基础。 1.2钢琴教育能促进儿童道德素质的形成 在钢琴教育中,通过对儿童的音乐形象培养与德育渗透有机结合,使儿童在艺术审美中净化心灵,潜移默化地提高道德标准,从而有利于儿童良好道德素质的形成。 1.3钢琴教育能培养儿童坚强的意志和严谨的作风 儿童学习弹钢琴需要经过长期而刻苦的训练,需要有坚强意志、过人的毅力和勇气才能弹出完美、和谐的乐章。因此,坚持学习钢琴可以培养儿童坚强的意志和做事严谨、认真、完美的作风。 1.4钢琴教育能培养学生审美能力 在钢琴演奏的过程中,儿童通过体会不同的演奏方法所传达的感情,充分体会音乐的自然脉动。这样使儿童在把握动作与声音的关系、不同风格曲目的特点、典型节奏的同时,对演奏的认识从感性到理性升华,再从理性到感性得以回归,充分发挥儿童的表演和创造性潜能,培养了良好的乐感和高尚的艺术情操,使儿童具备了一定的审美能力。 2 儿童钢琴启蒙教学必须更新观念 旧的教学观念阻碍了教育发展已得到教育界人士的广泛认可，新的教学观念正在影响我们的教育思想、教育行为。很多落后观念的改变迫在眉睫。钢琴教育观念也同样需要随着历史的车轮向前进，这就需要家长和老师共同努力转变教学观念。 2.1转变家长的学习观念 钢琴的学习是需要学生和家长有很大的耐心和决心来坚持的。每一位钢琴家的背后，他们的父母都付出了无数的汗水。就是这样的艰辛也挡不住家长让孩子学钢琴的热情。对于四岁这样低龄的儿童，家长们在学琴的观念上应该有新的突破。四岁，是孩子对这个世界充满好奇的年龄，他们有太多的“为什么”需要家长来解答，如果家长在孩子这个年龄要求他每天练琴，并固定练琴时间，这对他们来讲，应该是非常枯燥的一件事。因为枯燥，所以很难坚持。如果家长的观念转变一下，让四岁的孩子放弃一些纯技术的练习，在钢琴学习中加入更多孩子喜欢听的乐曲、喜欢唱的歌曲、喜欢玩的音乐游戏来培养他们对音乐的兴趣，这样来提高他们音乐方面的综合能力从而为日后的钢琴学习拓宽道路。无论把弹钢琴作为业余爱好还是一生追求的职业想必对一个人的全面发展都是有帮助的。 2.2转变教师的教学观念 对于四岁儿童的钢琴教学适用的教学理念分为三个方面即参与与体验、创造、评价。参与音乐、体验
[音乐性,钢琴]论钢琴演奏的音乐性
论钢琴演奏的音乐性 摘要：钢琴大师的演奏充满音乐性，是学习钢琴弹奏的楷模。大师课的核心内容也是提升弹奏的音乐表现力。除了练好技术，弹好钢琴还需打好基本功，还更需从感性和理性两个角度去树立和发展良好的音乐概念。 关键词：钢琴演奏；音乐性；读谱 2016年5月，四川音乐学院隆重举办了“四川音乐学院第三届国际钢琴节”。钢琴家们精湛的表演令人陶醉，久久难以忘怀。我曾在法国学习工作十年有余，在欧洲聆听过无数场钢琴音乐会，参与过无数堂钢琴家公开课，这些大大小小的演奏家中凡是可以称为钢琴大师的人都有一个共同点――音乐充满灵性和感染力，这是一种无比强大的力量，足以深深震撼听者的内心，进而让演奏者在面对自己的演奏时，不得不审视自己的演奏是否具有足够的“音乐性”。记得所有关于钢琴演奏的书都讲到，一切的技术手段都是为音乐服务的，最终目的是音乐，音乐！演奏者所有的努力都是为了在钢琴上寻求到好的声音，美妙悦耳的声音！这些年，每一场优美的音坊幔每一堂精彩的公开课，都会引发我新一轮的思考。本届钢琴节上，我有幸聆听了数位大师的精彩演奏和大师课，其中，美国钢琴家Anton Nel的演奏及公开课最令我激情澎拜，思绪万千。Anton Nel为美国德克萨斯大学奥斯汀分校钢琴系的教授，他不仅是诸多国际钢琴比赛金奖获得者，而且还是一位非常出色的钢琴教育家，今年作为客座教授在曼哈顿音乐学院开展了一系列大师课。Anton Nel的演奏光彩夺目，授课也耐人寻味，他非常注重音色并且追求音乐本质性的东西。我将Anton Nel的公开课进行归纳，加上以前历次钢琴大师课所做的总结，结合在教学中发现学生的通病，从以下几点阐述关于本人对钢琴演奏的音乐性的几点粗略的想法。 一、认真读谱 读谱看似简单，但认真读谱是每一次大师公开课都会强调的问题，也是学生极其普遍存在的问题。每次上课的时候我都会准备几只荧光彩笔，把学生忽略的标记划出来，再和学生探讨这些音乐术语标记的意义。记得中学时，上海音乐学院的赵晓生老师来讲课，对学生说：“你要像读琼瑶小说一样去读谱”。这说明谱子涵义深远，“暗藏玄机”。其实，读谱是一种习惯。只看音符，基本忽略其他所有的标记是一种读谱习惯；拿着谱子不着急弹奏，认真看谱上所有的信息，仔细研究也是一种读谱习惯。既然是习惯，那么就是逐渐养成的。在这个问题上，教师需要付出长时间的艰苦努力。 在西方音乐学院，有一门必修课叫做“sightreading”，也就是试奏课。这是一门非常具有实际意义、非常必要的课程。然而，刚开始的时候，我也曾怀疑这门课程的意义所在。每次上课的时候，老师都会强调，在短短的准备时间里，首先必须快速读谱，从而给这首曲子一个正确的总体轮廓；然后，在演奏中，要给这首曲子的原意一个正确的表达；最后，演奏是允许有某些错音和遗漏的。但是，重要的东西不能漏，必须给听者一个大概的音乐轮廓，而这个轮廓，正是作曲家的意思。这种在最短时间里需要完成的试奏课是对读谱能力的最佳考验方式。弹几个无大碍的错音不是严重的问题，但错误诠释作曲家的音乐构思却是非同小可的。试奏课的核心内容，其实还是音乐。通过快速浏览，准确把握琴谱上所有信息，然后快速分析、提炼，抓住作曲家的意图，体现作品灵魂。这门课程对于我个人来说，收获的不仅仅是一个优异的成绩，而是一种习惯。之后每当拿到一首新曲子，我都很喜欢挖掘它除了
艺术美学复习资料
理解“形而上者为之道，形而下者为之器”及在艺术上的表现。 这句话出自孔子《易传·系辞》。形而上和形而下之争，道与器之争贯穿了整个文化史、艺术史。所谓形而上是就事物的精神因素而言的，相对于某一具体事物来说，形而上的品质往往指向永恒性、透明性和不确定性；所谓形而下是就事物的物质因素而言的，相对事物的精神因素来说，形而下的物质品质往往指向有限性、遮蔽性和确定性。重道就是注重事物的精神内涵和精神功能；重器就是只注重事物的物质内涵和物质功能。在艺术上表现为：“重道”即注重创作主体的精神情感，“重器”即注重创作的技巧与材料。用形而上学来说明艺术的本质最能体现出其带有的永恒性和无限性。 理解毕加索：艺术是指向“真”的谎言: 1毕加索说艺术是指向“真”的谎言，这个真的谎言就是指艺术的审美价值。 2 艺术价值的谎言性是与生俱来的。如，人类童年涂鸦与原始洞穴壁画。 3艺术总在不停地复归，每一次复归的结果都是艺术谎言性的剧增，也更具有艺术的精神价值性。 4谎言性所带来的价值震撼与价值体验正是艺术的魅力所在。 价值： 所谓价值就是人类的自我肯定值，人的自我确证。具体来说，价值就是指一定事物和人或者人的社会关系所形成的一种积极或消极意义的特殊社会规定，价值就是事物和人所构成的需要关系，或者说就是人存在的意义。 元价值的特点： 1 元价值词作为纯粹的语言成分具有极大的构词能力，构生的词语一般都具有价值含义。 2 元价值具有透明性，即不可定义或无须定义。 3元价值有其构成性，每个词都必然形成以它为圆心的价值系统。 真价值： 具有创造性的价值。其前提是所有的行为方式都围绕着积极的肯定性来予以 提升，其使用是服务于精神的，所有的一切都还原于人的精神需要，根源于内心的需要，呈现为某种崭新意义的显现过程。不管它是通过哪种价值形式，都会给那种形式增添一些新的东西。 艺术应如何反映社会生活全部： 1、艺术是一种特殊的社会意识形态，反映全面的社会生活，即从物质到精神的、情感的社会生活的方方面面。 2、对现实生活进行全部理解和深入体验，同时反映和表现现实生活时必须符合艺术精神和整体要求。 3、从事艺术活动的创作主体必须将表现对象放在对抗性的、矛盾冲突的情境中才能既全面又符合审美价值。 4、艺术对社会生活的反映应是提升性的、典型性的、概括性的，而非复制性、直线性、单线条的。 如何认识艺术形象是感性和理性的统一： A、艺术形象是艺术家对社会生活进行审美认识并按照美的规律进行审美价值创造和表达的结果，同时又是观众的审美对象。审美价值的认识，审美价值的创造和审美价值的欣赏都涉及感性，同时又涉及理性。所以感性与理性的统一是艺术形象的重要特征。 B、艺术形象是可以作用于欣赏者感官的感性因素或感性形式，其次，它还必须以具体的感性形式表现深刻的理性内容和价值，以可感的现象形态表现深沉的审美情感和审美理想，以达到审美价值本质上的感官快适和理性满足的统一。 C、理性因素，感性因素在艺术中体现出各自不同的审美价值，否定任何一方面都会使艺术的审美特性得到伤害，唯有将理性与感性完美结合才能化解彼此的冲突和分裂。 D、艺术作品不仅应有一种灵感想象和韵律节奏的完美结合，而且也应在作品中浸透一种力图诗意地接近本体的精神血液。 如何认识艺术形象是主观和客观的统一： 1、艺术形象，是艺术家按照他对社会生活的独特审美认识创造出来的，既有客观现实生活的根源，又有主观的意识和精神作用，是主观和客观的统一。 2、主客观的统一，主体才能在现实的自然环境和社会环境中，赢得自身的生成前提，以充分的能动选择改变自己的生成现状，寻找到人生的目的和意义，建立起人类的价值范畴。 3、在主客观统一的艺术形象中，作为主体的生命就是生活，生活即生命，其中心关联是体验。作为生命存在方式的艺术就应通过介入生活、社会、自然、历史去实现主客体合一的意义与价值。 审美中的个体价值：是文学艺术满足个人精神需求的属性。个体价值的产生则是从思想的角度，心灵的角度出发，直指人的内心，其关键是自我实现的问题。其内容包括：自我实现需求、情感舒泄需求的满足、精神自由的获得。 艺术的个体价值与社会价值的关系： 1艺术的个体价值是社会价值的基础，从艺术接受者的主观动机来看，他之所以为艺术作品所吸引主要是由于个人精神上的需求。从艺术价值实现的过程而言，个体价值总是先于社会价值。 2、艺术的个体价值与社会价值的关系还表现在社会价值对个体价值的渗透上，因渗透使个体价值更丰富更深刻。 3、艺术的个体价值与社会价值的关系还表现在它们的相互转化上。艺术的个体价值还是社会价值，都只有在具体的关系中才显现出来。 一般符号与艺术符号的区别： 艺术符号是从一般符号发展而来的。艺术符号与一般符号存在着“能指”与“所指”
设计美学复习资料(04026)
艺术设计与美学复习资料 一、人名、成就、名言、作品 伽利略2——科学家。现代科学研究方法的奠基人 培根2——科学家。被誉为“自然大臣”；书籍《新工具》、提出“知识就是力量” 笛卡尔2——科学家。笛卡尔二元论逻辑 牛顿2——科学家。三大运动基本定律和万有引力定律 法拉第、麦克斯伟3——科学家。电磁理论 阿尔文·托夫勒4——美国著名未来学家；书籍《第三次浪潮》 塞尚7——印象派画家。现代艺术之父 莫奈7——印象派画家。《阿尔让特依大桥》 修拉7——印象派画家。点彩画法；《大碗岛的星期天下午》毕加索7——立体主义画家。对现代设计影响最大的艺术家M. 金兹堡9——俄国构成主义设计师；书籍《风格与时代》艾尔·利兹斯基30——俄国构成主义主要代表。海报《红楔子攻打白色》 康定斯基9、43——抽象表现主义画家，包豪斯教师 杜斯伯格28——“风格派”理论家、发言人 蒙德里安9、29——荷兰“风格派”核心人物，画家。《红黄蓝》系列油画
里特维德29——“风格派”家具、建筑设计师。《红蓝椅子》鲍姆伽通16——德国哲学家。书籍《美学》 康德16——德国哲学家 黑格尔15——德国哲学家 彼得托齐纳16——捷克设计师，提出技术美学的概念 鲍列夫16——苏联美学家 泽姆佩尔16——德国建筑学家，最早研究美学的学者，其理论成为现代设计理念形成的基础 约瑟夫·帕克斯顿21——“万国博览会”英国“水晶宫”的设计师 拉斯金23——英国艺术理论家。把造型艺术称为“大艺术”，设计称为“小艺术” 莫里斯23——英国艺术设计家、作家。拉斯金思想的传承人，英国工艺美术运动奠基人；书籍《乌有乡消息》、《乔叟集》（书籍装帧第一书）；设计史上第一次提出整体设计概念 穆特修斯、凡德·威尔德27——德意志制造联盟成员，双方发生著名的争吵 沙利文31、54、134——美国现代主义建筑大师。提出“形式服从功能” 斐迪南·保时捷32——电动汽车之父，开发出“大众汽车”、“甲壳虫” 弗兰克·皮克34——30年代英国工业设计代表人物，英国设计与工业协会主席
浅析钢琴演奏中的演奏技巧和乐感
浅析钢琴演奏中的演奏技巧和乐感 发表时间：2019-06-06T10:40:45.350Z 来源：《教育学》2019年5月总第176期作者：谢毅晖[导读] 乐感是钢琴演奏的艺术灵魂，是对音乐感受和表达内在含义的深刻表现。 湖南涉外经济学院湖南长沙410000 摘要：乐感是钢琴演奏的艺术灵魂，是对音乐感受和表达内在含义的深刻表现。在钢琴演奏中，改变音色的演奏技巧，是钢琴弹奏的关键。那么，自然的乐感需要一个人的天赋，更需要后天的培养。优美的音乐是音乐表演者通过演奏优美的音色表现出来的，能打动人们的心灵，实现音乐带给人们的触动心弦的乐感。 关键词：钢琴演奏技巧乐感 一、正确的触键方式是获得良好音色的前提 有很多业余钢琴爱好者，他们有着良好的钢琴演奏技能，但是他们忽略了触键的方式。有时候他们在弹奏强烈的时候会出现生硬、死板；在弱奏的时候会出现声音“虚”。要想在技术方面弹出“优美的声音”，必须具备灵活和柔顺的双手。柔顺的双手但绝对不是柔弱无力。另外，还要放松重量，从肩部和背部起，整个手臂都是放松的。弹奏轻巧的声音，需要手指轻轻掠过琴键。弹奏高亢的声音，就需要用手指用力去弹奏。好听的声音是由不同力度、各种时值的声音互相配合、互相对比的过程。钢琴上面的音不同于别的乐器，想要清晰的表达音调，就得在弹奏的时候掌握一定的技巧和掌握灵活性，这样才能弹奏出优美的曲子、给人美的享受。 二、良好的音色的获得与踏板的运用有直接的关系 “踏板就是整个钢琴的灵魂”。它对钢琴的演奏音色和声音起到了重要的作用。在钢琴音乐中，踏板对音响和音色都起到了至关重要的作用。无论是初学者还是钢琴家，在演奏的时候都会用到踏板，所以，演奏者在演奏的时候应该正确运用踏板，才能弹奏出好的曲子。踏板就是触键的得力帮手，踏板的用法决非一成不变，要根据演奏者的变化而变化，没有固定模式。就算是同一个演奏者，每一次弹奏同一首曲子，运用踏板的时候也是稍有区别的。同时，踏板艺术风格的影响，不同曲子、不同风格和不同弹奏着对踏板使用和要求也是不一样的。不同品牌的钢琴由于性能差异，踏板的运用也会有所不同。 要想掌握演奏技巧，学会钢琴的每一项技术手段不是一件容易的事情。在突飞猛进的高科技时代，钢琴演奏技术也在逐渐走向深层次的发展。钢琴演奏者，除了要学会掌握基本原则和方法以外还要了解不同时期、不同作曲家的作品对琴键的要求。在掌握一定钢琴演奏的技术手段以外，还要根据对音乐的理解和音响效果的需要，灵活运用踏板，不断练习，才能演奏出令人陶醉的乐曲。 三、钢琴演奏中的放松是获得美感的因素 放松是钢琴演奏的基础，很多演奏者由于心理紧张，导致演奏姿势不自然，演奏的效果也大大打折扣。放松是一种心态，分为静态和动态。正常的放松是休息，全身心处于完全舒服和不费力气的状态。而演奏钢琴的放松是属于一种动态的放松。是在演奏的时候，要保持好一种心灵的放松，一种最好的姿态来弹奏。在弹奏的时候让肌肉处于放松状态，弹奏的时候才会动作自然、思路清晰。 在弹奏的时候，不但要学会调整身体的各部位的肌肉放松，还要做到有支撑的方式，还要具备良好的心理素质，才有可能在钢琴演奏的领域中运用自如。逐渐在钢琴的演奏道路上走向成功。 四、钢琴弹奏的关键性因素之一是乐感 乐感是人对音乐的感受能力和理解能力。乐感的状况对钢琴表演艺术具有重要的意义。在演奏中，钢琴演奏者除了要对现成的曲词作品追求原意，还要发掘其中的根本，同时在演奏的时候要结合自己的理解和感受，在琴键上表现出来，将自己的感情融入到这首曲子中，进行有知而感的创造。也就是说，支配着手指对乐曲的感受能力和理解能力，对弹奏的乐感起着重要的作用。 一个钢琴弹奏者有了良好的乐感，不一定能成为钢琴家。但在具体的演奏实践中，还必须在良好乐感的基础上，注意对作品的正确理解和有效表达。乐感的理解和表达涉及很多，但有两点是必须注意的。一是要认识到乐感理解也是因人而异的，它受时代、环境、个人遭遇的影响，同时又被个性、兴趣、愿望所束缚。因此，演奏者在借鉴他人乐感理解的基础上，必须有自己的独特的的理解。只有这样，你的乐感才是你自己的，你的乐感表达才是有创造性的。二是要注意将乐感的理解和表达与娴熟的演奏技术有机结合起来。 总之，钢琴演奏中的乐感，需要一定天赋，更需要专业训练与培养，最终成为钢琴演奏中良好的乐感。同时，乐感只有与高超的钢琴演奏技巧有效的结合在一起，才能使乐感得以精妙的表达，使得作品得以精妙的诠释。 参考文献 [1]李利论钢琴表演艺术.人民音乐出版社，2001，241-243。 [2]张晓生钢琴演奏之道.世界图书出版公司，1999，（4）：56-59。 [3]姜媛媛论钢琴演奏中的放松问题.沈阳音乐学院学报，2008，（04）：29-33。 [4]张文静钢琴演奏与伴奏技巧。 [5]樊禾心钢琴演奏教学论.人民音乐出版社，第116页，2007，10。
[论钢琴演奏的几个技术性问题]以柔和几个词描写钢琴演奏一段话
[论钢琴演奏的几个技术性问题]以柔和几个词 描写钢琴演奏一段话 摘要：本文主要从”指” 、“腕“、”大臂”、”身”、“耳” 、“心”六点论述了钢琴的演奏技巧。 关键字：技术性指法节奏 钢琴，被人们称作”乐器之王” 、“音乐王冠上的明珠”。首先，钢琴是唯一的可与整个交响乐相比拟、相对应、相抗衡的独奏乐器；其次，钢琴的音域囊括了交响乐团由最低音区到最高音区间全部音域。钢琴可以发出类似交响乐队合奏时的雄浑、嘹亮、光辉、铿锵的音响；钢琴上能同时奏出余音的合弦以及四五声部的复调。钢琴的种种特点，决定了它在乐器中的特殊地位。随着钢琴结构的改进，音量的增强和音域的扩大，钢琴演奏技术也由以手指为主的音阶、琶音发展到双音、八度和弦、大跳等等多样的、复杂的演奏技术，要求钢琴演奏的发力部位从指尖开始，成为包括腕、肘、臂、腰、脚在内直到全身整体运动的综合。在研究钢琴演奏技术的时候，不得不先将身体各部分在演奏状态中的功能、作用、特性、技术要则分别加以探讨。但在真正演奏时，全身是整体，各部分之间是不可分割的。 我们可将钢琴演奏的技术性问题分为：指、腕、大臂、身、耳、心。现在我们就将这6 层加以具体讨论学习。
一、指 指是演奏最前哨最直接最敏感的部位。因此，指的力量，灵敏、速度，以及千变万化的触键方式和控制能力，是基础之基础。 指的支撑与均匀是初级钢琴训练最基础要求之一。就手指的技术训练而言，有效的方法有许多。一：弹奏任何五个连续白键。①连奏。A高抬指快速触键，声音结实饱满，有爆发力。B低指触键，触键需快！②断奏。要求弹奏时有力，果断。A 手指跳音，以掌或手指第二关节为主的动作。B 手腕跳音。C 肘部跳音，二，将哈农移至所有调上进行练习，以熟悉所有调式。三，五指范围内的三度双音练习。四，用各种声音，各种触键，各种力度，各种速度练习，以训练手指变化能力。五，一指的穿指训练。其训练方法有以下几种，①按住大指，均匀顺当地将其他四指中的任何一指弹奏大指左右两边的音。②同上，但大指不按住，作为轴心配合其他手指在左右两边均匀弹奏。③用大指上行或下行，在二指，三指，四指之后转弯，配合适当的手腕动作。 ④用大指与四指或五指在大小五度的音程转弯，跨度也在四度以上。 二、手腕 手腕处于分重要的位置，是连接指尖与大臂的桥梁，是大臂向指尖输送力量的必经途径。手腕必须是坚挺的，不是软弱无力的，否则手腕会下塌，手臂的力量就会在手腕处消失而达不到指
2016年尔雅《艺术美学》考试答案
一、单选题（题数：50，共 50.0 分） 1美的本质的三个倾向不包括下面哪一个：（） A、从精神世界出发 B、从物质世界出发 C、从客观世界出发 D、从人类社会生活的角度出发 正确答案：B 我的答案：B 2下面关于米开朗基罗描述不正确的一项是：（） A、教皇查理五世曾为他弯腰捡笔 B、意大利画家 C、文艺复兴时期的雕塑家 D、被尊为超人 正确答案：A 我的答案：A 3下面哪一项不属于艺术的分类：（） A、学前艺术 B、表演艺术 C、造型艺术 D、语言艺术 正确答案：A 我的答案：A 4下面哪一位的著作《新科学》被称为西方近代历史哲学的奠基之作：（） A、康德 B、维科 C、卡尔波普 D、赫尔岑 正确答案：B 我的答案：B 5下面哪两个地方是十七世纪巴洛克艺术的中心：（） A、葡萄牙和荷兰 B、葡萄牙和芬兰 C、西班牙和芬兰 D、西班牙和荷兰 正确答案：D 我的答案：D
6下面哪一项不是波普艺术的特征：（） A、普及的 B、短暂的 C、可大量生产的 D、持续的 正确答案：D 我的答案：D 7下面关于波普艺术描述不正确的一项是：（） A、20世纪50年代初萌发于意大利 B、20世纪50年代中期鼎盛于美国 C、波普是Popular的缩写 意思是流行艺术、通俗艺术 正确答案：A 我的答案：A 8苏格拉底为柏拉图美学和亚里士多德美学奠定的两个基本原则是下面哪一项：（） A、姿势学原则；规范学原则 B、伦理学原则；人文学原则 C、伦理学原则；道德学原则 D、姿势学原则；道德学原则 正确答案：D 我的答案：D 9下面哪一个不是古罗马纪念性的建筑：（） A、凯旋门 B、人民英雄纪念碑 C、纪念柱 D、以上都是 正确答案：B 我的答案：B 10下面哪一个不属于“下九流”的范畴：（） A、师爷 B、媒婆 C、盗 D、举子
自考设计美学
1.人的形式感形成的根源是什么？它包含哪些内容？ 人的形式感是在社会生产实践中形成的，包含节奏、韵律、均衡等感受。 2.节奏：是事物在运动的过程中形成的周期性连续过程,它是一种有规则的重复,产生奇异 的秩序感。 3.人对节奏的认识，是在什么过程中形成的？ 具体的劳动过程中 4.内容：是指事物的全体组成部分，及其特性、内部过程、联系、矛盾运动和发展的统一。 5.形式：是指内容的外部表现方式、类型和结构。 6.审美形式：是审美对象的感性形式，也就是说，作为感觉对象的形状，质地，色彩，一 级构成某种空间秩序的相互关系和外在形象。 7.形式美具有哪些形式法则？ 节奏与韵律、比例与尺度、对称于均衡、对比与协调、变化与统一 8.韵律一词最初出现于哪个领域：诗歌 9.解释比例与尺度的基本概念 比例构成了事物之间以及事物整体与局部、局部与局部之间的匀称关系；尺度是一种衡量标准，涉及对人的生理和心理适应性。 10.形式美：形式美是事物形式因素的自身结构所蕴含的审美价值。 11.分析理解对比与对称的概念 对比是对事物之间差异性的表现和不同性质之间的对照；通过不同色彩、质地、明暗、和肌理的比较产生鲜明和生动的效果，并形成在整体造型中的焦点。对称是事物的结构性的原理，它是一种变换中的不变性，它使事物在空间坐标和方位的变化中保持不变的性质。 12.生态美：与满足人的需要相关联的审美价值 13.生态美与自然美的区别 自然美是大自然自身所具有的一种审美价值，它可以满足人们一种情感寄托的“畅神” 或“比德”作用，成为一种激发情感共鸣的对象或道德的象征物. 生态美是直接满足人们的生态审美需要，在这里审美主体是融入其中的，构成直接参与者。 14.在高科技时代，技术美的意义何在？ 在高科技时代，对技术美的研究，具有巨大的现实意义和理论意义；①技术美不仅是当代的一种审美形态，而且也是人类原发性的审美形态；②对技术美得历史研究表明，人类审美意识的发展，始终受到科学技术的影响和制约；③技术美作为工业产品和人工环境所具有的审美价值，它是产品合规律性与合社会目的性相统一而取得的自由形式，作为人的创造物，它超越了技术的自发性，突出了科学技术为人类服务的社会目的性的特征；④美哉和谐。技术美强调了科技进步与社会发展和自然环境的和谐统一；⑤技术美存在于人们的日常生活和劳动环境中，通过环境与人的相互作用，可以发挥技术美的审美教育职能。 15.艺术：是人们对社会生活作出的审美反映和精神建构，他以特定的物质媒介将人的感受， 审美经验和人生理想舞台化和客观化，以艺术作品的形式表现出来。 16.艺术美：以表现人的社会生活和精神世界的艺术作品的美。 17.谈谈生态美与自然美的区别 答生态美是与满足人的生态需要相关联的的审美价值。是人把自己的生态过程和生态环境作为审美对象而产生的审美观照。与自然美的不同在于其价值构成中，主体的需要的性质是不同的，自然美是大自然自身具有的一种审美价值，满足人们的情感寄托，人在自然美的形成中只是旁观者；而生态美则是直接满足人们的生态审美需要，其审美主体是融入其中的，构成直接的参与者。 18.设计怎样体现出生态美？ 生态审美是人把自己的生态过程和生态环境作为审美对象而产生的审美观照。生态美只有内在于生态系统中才能感受到，也只有人通过生态过程本身才能感受到。生态审美涉及整个人的生命体验与对象世界的交融与和谐。 19.通用性设计：非个性化的具有普遍适用性的设计如中国古代建筑和传统服饰等的设计。 20.为什么说人的形式感的形成是审美以及形式美产生的根源？
浅谈古钢琴与现代钢琴的演变
浅谈古钢琴与现代钢琴的演变 摘要钢琴素有“乐器之王”的美称，它以宽阔的音域、丰富的声音层次而著称。从最初的古钢琴到钢琴的发明，再到逐步完善的现代钢琴，钢琴已有了三百多年的历史，它的历史演变过程是漫长而复杂的，从声音粗糙的拨弦古钢琴到反应灵敏但声音不够响的击弦古钢琴，最终钢琴因它性能上的特点，还因它一出世便开始了不断完善的过程，音域也逐渐扩大，音响、音质也有所改变，所以能在竞争中取代前辈的古钢琴，以其无止境的表现力普受大家欢迎。 关键词古钢琴现代钢琴演变 钢琴自其诞生之日起，已历时三百年。钢琴历史三百年，就是人类文化所经历的三百年。钢琴几乎无处不在，哪里有音乐，哪里就需要钢琴。当谈论钢琴时，我们也许不只是谈论一件乐器，而是在谈论与之有关的种种文化。它涉及了我们生活的方方面面：物质的和精神的，世俗的和宗教的，有形的和无形的，具体的和抽象的，以及个别的和一般的。 从古钢琴到钢琴的发明，钢琴从最初的名不见经传到风靡全球。钢琴的诞生，给人类的音乐和生活带来了无与伦比的精神享受。其文化内涵博大精深，涵盖了与之有关的时代精神与流行元素。它曾经担任过西方文明东征的使者，从而在东方社会成为了西方文化的代表。随着社会的发展，钢琴，如今已经不只是乐器，它更成为了一种文化的象征。 钢琴的三百年，前一百年是它成长、奋斗，与古钢琴共处、竞争的百年；中间百年是它优胜、夺魁的盛世；近百年是钢琴热愈演愈烈的时代。 一、古钢琴的演变 古钢琴最早出现在12世纪的欧洲，一说到古钢琴，很多人可以能会误以为它
与钢琴之间有什么继承关系，其实所谓的古钢琴原名中并无“古”的含义。一般笼统称为古钢琴的可分为两类，一类是拨弦古钢琴（harpsicord），另一类是击弦古钢琴(clavicord)。通常说的古钢琴，主要是指前一种拨弦古钢琴。 拨弦古钢琴产生于14世纪的英国，在巴洛克时期，拨弦古钢琴受到重用，犹如十九世纪的钢琴。从有些方面来说，甚至比钢琴还要吃香。比方说，在现代管弦乐队的常规编制中有不一定有钢琴，但在古时的乐队与室内乐中，拨弦古钢琴却是不可缺少的一名成员，而且地位非常重要。坐在古钢琴面前弹奏着的人，起着领头演奏的作用。在歌剧演奏中，还需要它来伴奏宣叙调。此风一直延续到莫扎特时期。 拨弦古钢琴的外观平台与钢琴没有多少差别，但发音方法和钢琴大不相同，它的每一个键子的后面连接着一个拨子，一按下键子，拨子便拨响了琴弦。拨子有用皮革做的，也有用鸟羽管做的，所以也有人将这种古钢琴的名称译为“羽管键琴”。听古钢琴音乐，一个最明显的印象就是这种力度变化的呆板单调。相形之下，也就更可以感觉到钢琴的力度变化而且层次丰富。古钢琴的弱点还不止这一点，它的声音不够响，在音乐厅里如果不用扩音装置，就无法同别的乐器取得平衡。其余音短促也成了问题，所以在古钢琴曲中那些需要拖长的音不得不借助于各种装饰音。 还有音色的问题，如今人们从录音当中听一曲古钢琴音乐，比方说巴赫《平均律曲集》中的第一首《前奏曲》，会觉得声优雅幽远，古色古香。其实用拨子拨弦发声，音质粗糙，而且会夹带上一点噪声。 现在再来看古钢琴的另一部：击弦古钢琴，它产生于15世纪，又称“楔槌键琴”。它的发声原理与钢琴有着相似之处，是用琴键后端的一个金属块敲击琴弦发声的。声音比拨弦古钢琴还要轻，更不合适在大庭广众间演奏了。然而这种乐器的音响别有风味，优雅可喜，胜过拨弦古钢琴。它的音响不仅可以改变强弱，还可以使已奏响的音在音高上发生变化。当按下琴键，键子一端的小金属块击弦之后便继续留在弦上不动。这时，制音器捂住弦的一部分，让金属块以下的那部分自由振动。你如果稍稍加强指尖的压力，那个音的音高便升高了。这好像我们弹中国的古筝，左手按弦使之升高半音一样。既然这样，弹奏击弦古钢琴也就可以在琴弦上“揉指”，弄出像小提琴上的那种效果了，而这种独特的效果在钢琴
艺术设计与美学
艺术设计与美学刘子川考试大纲 艺术设计与美学 每章重点 作者:刘子川 第一章何谓现代设计 一、自学和考试基本要求 本章是现代设计与美学。通过本章的学习,了解“现代设计”的诞生;了解现代设计与传统工艺美术设计的异同;了解现代设计美学的概念及特征; 本章重点:设计美学的界定和特性。 本章难点:现代设计美学的意义。 二、课程内容 1、现代设计诞生的背景 2、现代设计与传统工艺美术设计的异同 3、设计美学 三、考核知识点 (一)现代设计的诞生背景。 (二)现代设计与传统工艺美术设计的异同。 (三)设计美学的界定。 四、考核要求 (一)现代设计的诞生
1. 识记:现代科学观的建立、基于工业化背景下的社会总景观。 2. 领会:基于机器文明的现代艺术。 3. 简单应用:现代设计诞生的综合背景。 (二)现代设计与传统工艺美术设计的异同 l. 领会:现代设计与传统工艺美术设计的异同点。 2. 简单应用:现代设计的复杂性和易变性、传统工艺美术的稳定性和地域性。 3. 综合应用:他们各自对人类社会生存环境的影响。 (三)现代设计美术的界定 1. 识记:现代设计美学的概念。 2. 领会:现代设计美学的形成与发展。 3. 简单应用:现代设计美学的研究对象、特征和类别。 第二章工业经济时代的设计观念与美学思想 一、自学和考试基本要求 本章是工业经济时代的设计观念与美学思想。通过本章的学习,从工艺美术运动到现代设计运动,掌握现代设计诞生的过程;从“包豪斯设计学院”到“乌尔姆设计学院”掌握功能主义的形成;对欧洲现代主义的设计体系的阐述,使学生了解到功能主义在欧洲的具体体现;对美国现代主义的设计体系的分析,使学生了解现代设计在美国不同的体现。 本章重点:现代设计的欧洲体系和美国体系。 本章难点:这两大体系产生的环境以及对世界设计发展的作用。 二、课程内容
古希腊罗马美学思想对西方艺术的影响
古希腊罗马美学思想对西方艺术的影响 古希腊是欧洲文化的发源地，古代希腊人在学科、哲学、文学、艺术上都创造了辉煌的成就，对欧洲文化的发展产生了深远影响，正如恩格斯说的“没有希腊、罗马奠定基础，就不可能有现代的欧洲。” 公元前6~前5世纪之间，希腊进入奴隶社会的全盛时期。工商业奴隶主掀起的民主运动，促进了文学艺术的发展，悲剧、喜剧、音乐、雕塑等，都达到了高度的繁荣，同时有推动了自由辩论和对于知识的重视，与自然科学结合在一起的哲学取得了空前的发展。对美和艺术进行哲学思辨性的反省和思考，产生和形成了希腊最早的美学思想。它支配了以后西方美学思想的发展。 最早提出较有系统的美学思想的，是一些研究宇宙构成的哲学家。他 们认为宇宙是由某种或某些元素，按照一定的“秩序”构成的；人的心灵 也是由同样的元素构成的，因之人能够认识世界。公元前 6世纪的毕达哥 拉学派认为，数的秩序、比例和尺度，不仅构成了宇宙万物，而且构成了 宇宙的和谐。美，就是从和谐中产生的。例如音乐的美，就是由不同长短 高低的声音，按照数的比例关系所形成的和谐。整个宇宙是一曲和谐的音 乐。他们有“天体音乐”的讲法，其他如“黄金分割”、“多样统一”等 美学上的形式观念，也是根据数的秩序提出来的。节奏、对称、和谐等形 式观念，是希腊美学思想的理论基础。 赫拉克利特继承了毕达哥拉关于和谐的观点，不过他认为和谐不是由"联 合同类的东西"造成，而是由“互相排斥的东西结合在一起”，从而“造成 最美的和谐”，和谐是从斗争中产生的。德谟克利特则提出文艺创作中灵 感与模仿两个重要的美学观念。到了苏格拉底，希腊哲学的重点从宇宙论 转到政治伦理方面，美学思想也强调对于人类社会的效用。苏格拉底认为 同样的东西，当它适合目的，对人有用的时候，是美的；反之，当它不适 合目的，对人无用的时候，就是丑的。亚里士多德对美和艺术进行了真正 的系统的哲学思考，建立起完整的体系，从而成为以后西方美学思想的奠 基者。 柏拉图在把美学思想融贯在哲学思想中，广泛地探讨了美与艺术的问 题。他认为，世界的根本是“理念”，现实世界是从理念世界派生出来的， 事物的美也是从美的理念派生出来的，美的理念是“美本身”。现实事物 之所以美，是由于分享了“美本身”。他离开美的事物，认为另外还有一 个高高在上的美的理念存在，这是唯心主义的。但是，他把美学研究从现 象引向美的本质，从个别事物的美引向美的普遍规律，则是一个历史的贡 献。西方美学史关于美的本质问题的争论，是从柏拉图开始的。柏拉图比 较系统地提出了“艺术是模仿”的理论。他认为现实世界是理念世界的模 仿，而艺术又是现实世界的模仿，因此，艺术是“模仿的模仿”，是“影 子的影子”。从而否定了艺术能够认识真理的价值和意义。他认为诗往往 挑动感情，败坏人性，亵渎神圣，因而要把诗人从他的“理想国”中赶出
宗白华《中国书法里的美学思想》阅读练习及答案
阅读下面的文字，完成5-7题。 人愉快时面呈笑容，哀痛时放出悲声，这种内心情感也能在中国书法里表现出来，别的民族写字还没有能达到这种境地的。唐代韩愈说张旭善草书，“有动于心，必于草书焉发之”，“观于物，见天地事物之变，可喜可愕，一寓于书”。张旭的书法不但抒写自己的情感，也表现出自然界各种变动的形象，但这些形象是通过他的情感所体会的，因而能形成情景交融的意境。 汉字的起始是象形的，书法家可以用字的结构来表达物象的结构和生气勃勃的动作，使写的字成为一种表现生命的艺术。元代赵子昂写“子”字时，先习画鸟飞之形，从中吸取对生命形象的构思，使“子”字有着鸟飞形象的暗示，成为一个表现生命的单位。书法家要想使字表现生命，就要用他所具有的方法和工具在字里表现出生命体的骨、筋、肉、血的感觉来。许慎说：“书者，如也。”书的任务是如，写出来的字要“如”我们心中对于物象的把握和理解。但这里并不是完全像绘画那样直接模示客观形体，而是通过较抽象的点、线、笔画来表现的。 中国人写的字，能够成为艺术品，使用毛笔是另一个重要原因。毛笔铺毫抽锋，极富弹性，所以巨细收纵，变化无穷，这是欧洲人用管笔、钢笔、铅笔及油画笔所不能比的。正是这个特殊的工具使中国人的书法有可能成为一种世界独特的艺术。中国书法用笔有中锋、侧锋，方笔、圆笔，轻重、疾徐等各种区别，皆是运用单纯的点画而成其变化，来表现丰富的内心情感和世界诸形相；就像音乐运用少数的乐音，依据和声、节奏与旋律的规律，构成千万乐曲一样。唐朝张彦远在《历代名画记》里说张芝学习草书之法，“一笔而成，气脉通连，隔行不断”。石涛《画语录》也说，“人能以一画具体而微，意明笔透”，“一画之法立而万物著矣”。但这里所说的一笔、一画，并不真是一条不断的线纹，而是如郭若虚所言，“自始及终，连绵相属，气脉不断”。中国书画家正是运用这一笔的点画，构成万千的艺术形象，创造中国特有的书画艺术。 中国书法从一笔入手，但一笔不能摄万象，须要变动而成八法，才能尽笔画的“势”，以反映物象里的“势”。这“永字八法”由“永”字的笔画而来，为侧（点）、勒（横）、努（直竖）、超（钩）、策（提）、掠（长撇）、啄（短撇）、磔（捺）。这些笔画，悬腕中锋，运全身之力以赴之，笔迹落纸，反映着生命的运动，显示着力量。点，不称点而称为侧，是说它的“势”，左顾右瞰，欹侧不平。卫夫人说“点如高峰坠石，磕磕然实如崩也”，一点之力真是石破天惊。横画称为“勒”，是说它的势，牵缰勒马，跃然纸上。书法的“美”就是势、是力、是虎虎有生气的节奏，它倾向于壮美。