论述19世纪法国绘画风格的演变

论述19世纪法国绘画风格的演变

答：19世纪的法国，资本主义兴盛和全面发展，同时社会也处于的动荡不安中。在这种社会情势下，法国美术进入最活跃、最辉煌的阶段。依次出现了古典主义、浪漫主义、现实主义、印象主义等美术流派，一个个美术流派产生，一批批美术家涌现，在各种艺术思潮的交锋、碰撞中，推出了众多各具特色、姿容分成的美术杰作，堆起了欧洲美术史上有一座高峰。

新古典主义在18世纪末期19世纪出达到高峰。同以古典美为典范，但注重从现实生活及大自然中汲取营养，摆脱那种脱离现实的抽象、绝对的美的概念的束缚。艺术形象趋于生动丰满。从创作倾向而言，此时的古典主义可以分为革命古典主义和学院派古典主义。雅克·路易·达维特是革命古典主义的代表画家，作品主要表现积极的革命英雄主义。代表作品有《荷拉斯兄弟的宣誓》、《处决了自己儿子的布鲁特斯》等，《马拉之死》是他肖像画的代表作，表现对革命者的礼赞。

让·奥古斯特·多米尼克·安格尔，被称为古典主义最后一位大师，他是继他的老师达维特之后，在法国画坛影响最大的古典主义画家。虽然安格尔否认自己是肖像画家，但是恰恰是在肖像画方面，他取得了最值得肯定的成绩，做出了不可忽视的贡献。女人体是安格尔最喜欢描绘的对象，也是他一生中下功夫最大，在艺术中有独到之处的领域。《大宫女》曾因背部过长引起了争议，代表作《泉》达到了内容和形式的完美统一。其他人体作品还有《瓦尔平松浴女》、《土耳其浴室》等。

19世纪的法国新古典主义自达维特之后，积极策战斗精神退化，代之而起的是消极的保守的官方学院派。学院派古典主义陈陈相因，僵化的规范使其艺术收到极大地束缚，而缺少内在的火力，因此不仅其每部分化，而且受到浪漫主义的严峻挑战，在激烈的斗争中，古典主义走向衰微，而浪漫主义则日趋活跃。

泰奥多尔·热里柯是法国浪漫主义美术的奠基人。他的作品色彩强烈，笔触活跃，富有动感，充满激情。其代表作《帝国骑兵团的军官在冲锋》、《受伤的骑兵》、《爱普送赛马》以热烈的场面，夸张的动感和气势等，表现了这位年轻画家的澎湃的激情。

费迪南·维克多·欧仁·德拉克洛瓦作为浪漫主义的主将，在美术史上有最

要地位。仅创作了众多令人瞩目的美术作品，成就斐然，重要的是为美术的发展开辟了一条新路，而且留下了许多颇富文学和历史价值的日记，发表了一些见解鲜明的美术论文，从而铸成了他“浪漫主义狮子”的形象。《自由引导着人民》是他最有代表性的作品，也是浪漫主义绘画中最光辉的篇章。

1830年以后，浪漫主义开始滑坡，在艺术舞台上的主要角色由现实主义取代。现实主义美术以现实生活为基础，坚持“为生活，问民众而艺术”的主张，赞美自然，歌颂劳动，表现普通人的生活和斗争。绘画方面可大致分为两类，一类如柯罗、米勒、巴比松画派，主要描绘自然风光和农村田园生活，一类是库尔贝和杜米埃倾心于政治斗争，作品体现出明显的政治倾向和批判性。

柯罗振兴了衰落两个世纪的法国风景画，把19世纪的风景画推向了空前的高潮。代表作有《纳尔民桥》《沃尔特拉镇》、《威尼斯早晨》、《孟特枫丹的回忆》、《林妖的舞蹈》。

米勒在美术史上独树一帜，是地道的农民画家，代表作《播种者》、《倚锄者》、《拾穗者》、《晚钟》、《牧羊女》等。

库尔贝是现实主义画派的领袖人物，是现实主义画家中轰动当时，影响深远的一位。当然他的轰动与影响不光来自艺术，而且来自他的艺术细想和政治活动。代表作有《石工》、《向牧羊女施舍的姑娘们》、《塞纳河畔的姑娘》、《画室》、《断崖》。

奥诺雷·杜米埃是批判现实主义画家，创作与政治紧紧联合在一起，代表作有《七月英雄》、《立法肚子》、《高康大》、《拿破仑之洲》、《三等车厢》等。

印象主义产生于19世纪60至70年代，画家们在艺术主张上面并不完全一致，但他们在反对官方沙龙和守旧的学院派方面同一。主要追求光、色效果。印象派是一个对世界美术发生了深远的影响，在美术史上占有重要地位的画派，对传统美术形式的冲击是前所未有的，在光与色的探索中，对美术的发展，转化做了巨大贡献。

爱德华·马奈被视为印象派的领袖和奠基人，代表作品有《苦艾酒的嗜好者》、《左拉肖像》、《吹笛子的少年》、《草地上的午餐》和《国内战争》等。

克洛德·莫奈是印象派中最具代表性的画家。代表作有《印象·日出》、《阿尔让特依的游艇》、《花丛中》、《草垛》等。

爱德加·德加是印象派中独具特色的人物画家，尤以擅长舞女著称。代表作有《舞台上的舞女》等。

彼埃·奥古斯特·雷诺阿是印象派中长于画人物，以描绘妇女儿童形象著称的画家。代表作有《画家的女儿》、《看书的少女》、《秋千》、《包厢》等。

新印象主义与印象主义有联系和区别，都对光与色进行研究，但新印象主义对印象主义原理进一步发展，吧春色分割成点，块排列在画布上，通过人的视觉作用达到和谐，因采用色彩分割法，也成为分割主义，也称为“点彩派”。

代表画家有乔治·修拉，代表作品有《阿尼埃尔的水浴》、《镜前的化妆妇女》、《大碗岛的星期天下午》。保罗·西涅克，代表作有《马赛港的入口处》、《科恩卡尔港》。

2020级人教版高中历史必修3第八单元《19世纪以来的世界文学艺术》测试卷

第八单元《19世纪以来的世界文学艺术》测试卷 一、选择题(共20小题) 1.20世纪初期，欧洲发生这样的文化变迁：“巴黎、柏林或伦敦的嗜好和说话腔调，传播到国内最遥远的乡村。根深蒂固的地方文化开始被全国性文化取代，各国生活方式愈来愈受到国际消费文化的影响。”下列何者是促成这种变化的主要媒介（） A．电视和电影 B．铁路与飞机 C．报纸和广播 D．网络与漫画 2.19世纪后半期，在绘画方面，出现了新的流派，该画派对光和色进行了科学探讨，它着重于描绘自然的霎那景象，使一瞬间成为永恒。该画派观察、直接感受表现色彩变化的微妙的画风，对后来的现代艺术影响非常深远。属于该画派作品的是（） A． A B． B C． C D． D 3.诺贝尔文学奖获得者莫言的作品素以大胆新奇著称，其作品激情澎湃，想象诡异，语言肆虐，带有明显的“先锋”色彩，想象成为其最大特色。下列哪一作品与其风格最接近() A．《最后的晚餐》 B．《人间喜剧》 C．《牧神午后·前奏曲》 D．《等待戈多》 4.1949年，斯大林70寿辰，法国共产党专门派人请毕加索为斯大林画了一幅肖像以表祝寿。毕加索以反传统绘画技法完成这幅作品。此画( ) A．画中有诗，歌颂伟人 B．色彩艳丽，光彩照人

C．真实反映领袖的光辉形象 D．视觉异常，有支离破碎之感 5.在西方文学发展史上，某个流派的作家“行使了社会学家、社会史家以及社会批评家的职能，生动记录了这个时代纷至沓来的所有紧要事件，其中既有公共生活事件，又有个人生活事件都市社会、工人状况、贫困、婚姻、妇女角色。”下列符合该流派风格的作品是（） A． A B． B C． C D． D 6.欧洲曾有一位富有的公爵因反抗压迫，遭政府处死，激发当地人民反对统治者。后来一位文学家以此故事为主题，写了一个剧本，音乐家也将之谱成歌剧公演，赢得观众热烈回响，视这位公爵为民族英雄。这种剧本与歌剧创作及观众的反应，是哪一种思潮的体现( ) A．写实主义 B．保守主义 C．理性主义 D．浪漫主义 7.19世纪中期欧洲有个出版社想出版法国作家巴尔扎克的小说集《人间喜剧》。为吸引读者，出版社想为小说配一些插图，插图的风格要能与小说的风格一致。以下哪幅作品的画家最符合出版社的心意（）

巴洛克和洛可可艺术的风格和特点

巴洛克和洛可可艺术的风格和特点 巴洛克(Baroque)是西方艺术史上的一种艺术风格，其最基本的特点是打破文艺复兴时期的严肃、含蓄和均衡，崇尚豪华和气派。关于巴洛克一词的起源，有两种说法。一是意大利B．克罗齐等人认为源于Baroco。指逻辑学中三段论式的一个专门术语：一是认为源于葡萄牙语Baroco或西班牙语Barrueco，意为各种外形不规则的珍珠，泛指各种不合常规、稀奇古怪、离经叛道的事物。巴洛克16世纪末期产生于意大利，17世纪盛行整个欧洲。18世纪初期在德国和奥地利等国仍有较大的影响。巴洛克风格表现在建筑、美术、音乐、文学及染织艺术各个领域，内涵极为复杂，具有相当大的影响，这些影响使17世纪整个欧洲的建筑及艺术设计呈现出巴洛克气势雄伟、强烈奔放的特点。大量精美绝伦的艺术设计作品，使我们欣赏到这个时期艺术家们智慧的结晶，领悟到他们艺术设计的精巧构思和创作技艺。领略到他们卓著的艺术思维能力。 巴洛克艺术是17世纪广为流传的一种艺术风格，这个名称在当时含有贬义。有怪异、奇特、粗野或推理错误上的含义。古典主义者认为巴洛克是一种堕落瓦解的艺术。直到20世纪上半叶，人们对巴洛克时期的艺术风格才给予比较客观公正的评价。巴洛克最早产生于意大利，与反宗教改革有关，巴洛克是为教会服务并被宗教利用。教会是其最强有力的支柱。学者王明道将巴洛克的艺术特色总结为以下几点：一是豪华的特色．它既有宗教特色又有享乐主义色彩；二是它

是一种激情的艺术。具有浓郁的浪漫主义色彩．强调艺术家的丰富想象力；三是极力强调动感。运动变化是巴洛克艺术的灵魂：四是关注作品的立体感和空间感；五是讲究综合性，吸收文学、戏剧、音乐领域的一些因素和想象：六是有浓厚的宗教色彩：七是大多数巴洛克艺术家有远离生活和时代的倾向。 17世纪这个时期是有史以来人类生产力发展最快的时期．同时也是一个新的社会制度诞生并取代旧的社会制度的时期。进入17世纪，资产阶级的力量越来越强大，开始在政治上与封建势力较量。整个欧洲历经磨难——一系列的社会政治动乱，席卷整个欧洲，极大地震撼了欧洲国家。政治上中央集权制和君主制取代教会统治；经济上出现商业资本主义和君主商业；政治、经济和军事权力集于君主一身，并以国家的形式出现．形成前所未有的城市规划和建设能力。以德国为战场．因路德教会和罗马天主教的冲突引起。几乎所有的欧洲实力国家都卷人了这场举世闻名的三十年战争(1618—1648)。这场战争具有德国内战和国际混战的双重特点。在威斯特伐利亚和平法之后．这场恐怖的战争才结束，每个德国小诸侯都有权决定自己的宗教信仰。政治、经济、宗教等方面的变革与争斗．剧烈地改变着各国的面貌。30年的战争导致宗教问题目趋严重，最终把北欧和南欧分成新教和天主教两大宗教派别阵地。德国和西班牙王朝逐渐衰落。尤其在时装潮流中的统治地位也日趋降低。英国内战连绵不断。灾难接踵而来，使它无暇顾及时装式样。丹麦和瑞典对战争的加入有扩张疆土的意图，但最终也消耗了国力。意大利因西班牙的统治而日趋衰败．失去

西方美术史复习

西方美术史复习资料 受伤的野牛（西班牙）：在阿尔塔米拉洞穴壁画中，有一只“受伤的野牛”可谓是经典之作，他先是用富有变化的线条勾勒出受伤野牛的轮廓，再用红褐色做渲染使之具有明暗效果，同时还巧妙地利用岩壁自然的起伏凹凸来强调野牛厚重的体积感，这种表现是那只受伤倒地后仍在挣扎的野牛获得了一种野性的张力。维伦道夫的维拉斯（奥地利）：出土在奥地利维也纳附近，它由石灰石雕刻而成，高11 厘米，宽5 厘米，一般这类雕塑的尺寸都较小，目的是使于人们携带，它以极度夸张的手法强调女性的生理特征，肥大的臀部和丰隆的乳房，它是一种多产的象征，体现了史前人类对母性生殖的崇拜。 古埃及建筑形式：金字塔，方尖碑，陵墓雕塑。 正面律：人物头部以正侧面表现，眼睛，肩为正面，腰部以下为正侧面。命运三女神：是古希腊美术古典时期的头部虽然已被毁坏，帕特侬神庙东山墙的雕刻作品，其视觉效果就让人惊叹，但优美，恬静的姿态，丰满结实的躯体，纤细，繁复的衣褶，以及简约的轮廓却完整的表达了人生的智慧和理性，并展示了作者对人体结构的精确理解。 古罗马建筑形式：罗马万神殿，科洛西姆圆形竞技场，图拉真记功柱。欧洲中世纪美术和文艺复兴时期对比？答：从本质上来说：欧洲中世纪美术是基督教艺术，这是因为在当时基督教文化占有绝对的统治地位，一切造型艺术的最终目的都必须服务于宗教，基督教美术不注重客观世界的真实描绘，强调所谓的精神世界的表现；文艺复兴时期美术实质上是把学习古典文化作为途径而创造出一种新的文化，它的精髓所在就是人文主义；从内容和形式上说：欧洲中世纪美术以宣传基督教的教义和讲解《圣经》的故事为宗旨，以一种非写实的，平面化的象征风格竭力营造宗教情绪和气氛；文艺复兴时期的画家们在处理宗教题材时，尽量淡化或减弱宗教的意义，充分肯定人性的真善美和崇高。 罗马式美术：公元10 世纪以后，西欧建筑普遍采用类似古罗马时代的劵拱和梁柱结构体系，并

16.第十六讲 十八 十九世纪美国与德国美术

第十六讲十八、十九世纪美国与德国美术 十八、十九世纪美国美术 美国绘画历史不长，最初为摹仿英国风格的风景画和肖像画，到十八世纪中期以后，出现了具有不同于英国的绘画风格，其代表人物是J.s.柯普利（John Singleton Copley ,1738—1815），柯普利出生于波士顿，1774年离开美国，先到意大利学习绘画，后定居伦敦，在与英国画家雷诺兹的交往中形成自己的绘画风格。《柯普利之家》（1776—1777）是他定居伦敦后所作的自己一家的群像，这组群像在人物安排上克服了传统的刻板形式，人物安排错落有致，尤其通过小孩的描绘，使这幅画显得生动自然，洋溢着真实感人的亲切气氛。自他以后，美国的肖像画艺术出现了繁荣的景象。 继柯普利之后，美国肖像画家中重要的代表是G·斯图阿特（Gilbert stuart,1755—1828）。他早年到英国学画，美国独立战争后返回美国成为美国绘画史上第一次繁荣期的肖像画家。他1775年作《乔治·华盛顿像》一举成名。他的肖像画形象真实自然，准确生动，色彩与用笔直追英国肖像画家庚斯博罗。《理查·耶茨夫人像》（1793）采用细腻的笔法，朴素的色彩以及特定的姿势再现了一位中产阶级的妇女形象，从衣服的质感和人物表情的刻划上都能见出这位画家细腻谨严的绘画风格，开启了美国现实主义绘画的先河。 W·荷默（WinslowHomer , 1836—1910）是美国19世纪下半叶最有代表性的现实主义画家之一，60年代游历巴黎时受法国现实主义画家库尔贝和巴比松画家的影响，回国后作过战地美术记者，80年代后定居缅因湾和内克等地，专门描绘渔民的生活和海洋风景，成为美国现实主义绘画的代表人物。《生命线》（1884）一画取材于海上抢救落难者的惊心动魄场面：一条维系生命的缆绳横穿画面，两个悬挂在钢缆上的人正与波涛汹涌的大海作生死搏斗，画家真实地将这一幕惊心动魄的场面展现出来，以赞美人与大自然搏斗的无畏精神，这正是画家所理解的美国拓荒者的具体体现。 M·卡莎特（Mary cassatt , 1844—1926）是美国印象主义绘画中仅见的女画家。年青时入宾夕法尼亚美术学院学习绘画，后到欧洲游学，长期蛰居国外，尤其在巴黎期间受马奈和德加等印象主义画家的影响，形成了个人的风格。母与子是卡莎特一生中最喜用的题材，她赋予这类作品以伟大的母爱和对生活的向往。通过年青的母亲与幼儿形象的描绘，开掘人类普遍的骨肉之情以及欢愉恬静的生活情趣。在艺术处理上，卡莎特用笔畅快，有紧有松，尤其在色彩上既有局部区域颜色的相互变化与对比，又在整体上和谐统一，她的作品在当时曾受到德加和其他印象主义画家的高度赞扬。

美术概论第一学期作业

美术概论第一学期作业 （）在评论王维的诗画时曾说：“味摩诘之诗，诗中有画，观摩诘之画，画中有诗”。所谓“诗中有画”，是指语言艺术中有造型艺术的因素，是以抒情方式写景，景在情中，情中含景，使客观的景主观化了。所谓：“画中有诗，是指在有形的画面中蕴含着诗的情趣和不尽之意。 A、刘勰 B、苏轼 C、王士 D、严羽 我的答案：B 2.（5.0分） 《重为华山图序》的作者是( )。 A、王绂 B、王履 C、王冕 D、王维 我的答案：B 3.（5.0分） （）提出“书画本来同”的主张。 A、张璪 B、苏轼 C、赵孟頫 D、董其昌 我的答案：C 4.（ 5.0分） 德拉克洛瓦的《自由神引导人民》属于( )创作方法。 A、自然主义 B、浪漫主义 C、古典主义 D、现实主义

5.（5.0分） 《苦瓜和尚话语录》的作者是清代明僧人（） A、朱耷 B、石涛 C、李叔同 D、弘仁 我的答案：B 6.（5.0分） 山水画理论著作《笔法记》的作者是（）。 A、谢赫 B、宗炳 C、荆浩 D、石涛 我的答案：C 7.（5.0分） 元代画家（）称“仆之所谓画者，不过逸笔草草，不求形似，聊以自娱耳”。 A、黄公望 B、王蒙 C、倪瓒 D、吴镇 我的答案：C 8.（5.0分） 吴门画派是明代中期活动于（）地区的文人画流派。 A、扬州 B、杭州 C、苏州 D、上海

9.（5.0分） 著名油画作品《十五朵向日葵》是（）的代表作。 A、达芬奇 B、拉斐尔 C、塞尚 D、梵高 我的答案：D 10.（5.0分） 在中国传统风俗中，“鱼”是代表着年年有余的吉祥象征。这是指美术作品中意义（）层面。 A、作品中物象、事件、情节的指称含义和表现。 B、文化意义 C、作品形式的构成之中 D、物质材料层含义 我的答案：B 问答题(共4道题) 11.（15.0分） 简述中西方绘画艺术的差异性。 我的答案： 答:(1)由于中西方民族在美学思想和审美追求上存在着差异,使得中西方绘画在对现实的观察认识方法上也有着明显的不同。 ①以油画为代表的西方传统绘画在“绘画是对现实世界的摹仿”观念的支配下在创作中注重真实再现,讲求科学精神。在构图方法上采用合乎科学规则的再现物体空间位置的线性透视,其重点是焦点透视,在构图中表现出纵横、高低的立体效果。 ②构图在中国传统绘画中被称为章法或布局,并被认为是“画之总要”而备受重视。中国画的构图布局往往从画家情感的需要出发,讲究立意定景。在观察方法上主张以大观小,小中见大。在时空处理上非常灵活,打破了固定视点所带来的视野上的局限。中国画还讲求根据画面结构的需要,运用平面布局中的色、线、形的变化对比与呼应、开合、疏密、虚实、偏正、轻重以及阴阳向背、纵横起伏等对立统法则来布置章法,在对空间环境的处理上大胆取舍,并巧妙利用画面空白突出主体。 在中国画中,尚有长卷的绘画形式把发生在不同时间的内容展现于同一件作品之中,如《洛神赋图》《韩熙载夜宴图》等,将时间进程的表现转化为不同空间的描写,体现了中国画章法的灵活多变的特点。 （2)由于中西方文化传统的差异,造成以油画为代表的西方绘画与以水墨画为代表的中国画除了在材料及使用工具上的差异外,在审美观念和创作方式上也存在着一些根本不同。

“哥特式艺术”、“巴洛克艺术”、“洛可可艺术”及其风格

十二至十六世纪初期欧洲出现的一种以新型建筑为主的艺术，包括雕塑、绘画和工艺美术。这种建筑风格，一反罗马式厚重阴暗的半圆形拱门的教堂式样，而广泛地运用线条轻快的尖拱券，造型挺秀的小尖塔，轻盈通透的飞扶壁，修长的立柱或簇柱，以及彩色玻璃镶嵌花窗，造成一种向上升华、天国神秘的幻觉。反映了基督教盛行的时代观念和中世纪城市发展的物质文化面貌。代表作品有法国的巴黎圣母院、德国的科隆教堂、英国的林肯教堂、意大利的米兰教堂等。 “哥特式”(g。thic)一词源于中世纪的建筑，是一种发祥于北法兰西、普及于整个欧洲的国际性艺术样式，包含了绘画、雕塑、建筑、音乐和文学等所有文化现象。 哥特式艺术形式意志的基本性质是指一种无止息的驱动力，沉静是这个驱动力的目标。然而，哥特式形式意志在寻找沉静、求取解脱的过程中，并不能获得真正的沉静和满足。哥特式形式意志融会于混乱的迷狂中，融会于超感官狂喜的强烈渴望，融会于一种悲怆，可以说哥特式灵魂追求的是一个超越实际与感官的世界。正如哥特理论家沃林格尔所言；“正是这被提升了的歇斯底里，才是哥特式现象最突出的标志”，。”人们感受到的是心理的沉醉，并最终获得从感觉世界中解脱出来的无上自由感。 哥特式艺术趣味的复兴 近代以来，欧洲的哥特式艺术热潮持续不断。18世纪中期，英国首先见证了哥特式艺术趣味的复兴，这种复兴是由浪漫主义文学、尤其是浪漫主义诗歌激发的，中间夹杂着宗教的虔诚、神秘幽微的自然观、悲怆的宿命情怀等因素。 源于19世纪早期的哥特小说，其要素包括神秘、厄运、死亡与家族诅咒等，从而使得“哥特”这个词汇与恐怖、黑暗和超自然的意境相关联。哥特小说对于维多利亚时代文学样式的发展产生了深远的影响。 复兴的哥特式建筑在19世纪十分流行，英国的一些贵族乡绅热衷于在他们的庄园里复建中世纪哥特式教堂的废墟，以满足怀古的幽情。自拿破仑战争以后，已然对文学和建筑产生影响的浪漫色彩和哥特风格也延伸到了女装之中；在欧洲和美国，晚会上的珠光宝气开始渗透到白天，镶马赛克和浮雕宝石的饰针以及与之相配的珠宝逐渐流行，哥特式艺术成为当时激发浪漫主义艺术家强烈的非古典审美情怀的载体。 巴洛克艺术是指（16世纪）后期开始在欧洲流行的一种艺术形式，不仅在绘画方面，巴洛克艺术代表整个艺术领域，包括音乐、建筑、装饰艺术等。 巴洛克（—Baroque）此字源于西班牙语及葡萄牙语的“变形的珍珠”(—barroco)。作为形容词，此字有“俗丽凌乱”之意。欧洲人最初用这个词指“缺乏古典主义均衡特性的作品”，它原是18世纪崇尚古典艺术的人们，对17世纪不同于文艺复兴风格的一个带贬抑的称呼，现今这个词已失去了原有的贬抑，仅指17世纪风行于欧洲的一种艺术风格。 虽然“巴洛克”直指缺乏古典均衡性的艺术作品，但其实巴洛克艺术家，与文艺复兴的前辈相同，都很重视设计和效果的整体统一性，巴洛克风格以强调“运动”与“转变”为特点，尤其是身体和情绪方面的，同时，巴洛克也是对矫饰主义的一种反动。

中西方不同时期绘画差异比较课稿

中西方不同时期绘画艺术风格差异比较 绘画艺术是一种高层次的艺术意识形态，中西方不同时期文化背景的不同，造就了绘画艺术风格在形成和表现上的相异。所以我认为想要了解中西方绘画艺术的差异，首先我们要知道中西方不同时期是文化背景，在这种背景下找到中西方绘画艺术的内涵，并且保持一个清晰的大脑，并在此基础上更加深切的理解、欣赏和学习中西方绘画艺术。 一、中西方不同时期文化背景差异 对于中方文化背景而言，我觉得就我们所了解的在古代文化背景是一种乱世下的文化背景，是一种封建制度下的大统一的文化背景。在这一背景下，艺术的本质是在一种在高度集中统治下形成，其形成的艺术性是畸形的，当然也是一种不完整的艺术意识形态。而我们静观西方绘画艺术文化时，我们会发现西方绘画艺术是在一种在非常自由的时代的大背景下形成的。除此之外在绘画时中西方不同民族对艺术形态和审美观念也是不一样的。就从艺术形式的本源来说，中西方对于世界的本源说法不一。中方认为世界事物的本源是一种“气”，因为在中国古代的道家就是这么认为的，在道家中“气”是很重要的，因为我们人类从生下来就需要空气，而我们身体之中都存在一种气，所以中方在绘画时会将自身的气汇聚在其中，将山水田园之间的气宇轩昂描绘的栩栩如生。而在西方的发展历史时期则多注重的是西方人自由平等的意识观念，所以绘画风格与中国迥然不同，在绘画艺术上

有独特的创作领域。 二、文艺复兴之前绘画 对于古希腊艺术风格我自我认为是一种近乎自然的创作风格。在古希腊时期模仿被认为是一种求知的手段，是一种人的本能。表现在绘画中是凭借自然科学的手段再现自然，并加以理想化。这种精神被文艺复兴继承和发扬，所以在艺术中产生了《命运三女神》、《米洛斯的阿芙罗蒂德》、《蒙娜丽莎》等高不可及的理想美的范本。古埃及在绘画中把时间和空间联系在一起，体现了空间的四维性，他们所创造的空间形象具有观念、图式特征。艺术家们凭知觉认为，要在平面中表现完整的人体，必须把多方面观察到的印象结合起来组成一副画面。他们采用“正”、“侧面混合法”，人物头部取侧面，上半身与肩取正面，下半身与双腿取侧面，这一正一侧多次观察的结果，反映了时间的变化。这与东方绘画空间观念较为一致。在中国，有关透视的内容最早记载是战国时期，荀况在《荀子·解蔽》中把反映近大远小关系的概念通过“从山上望牛者若羊，而求羊者不下牵也，远蔽其大也；从山下望木者，千仞之木若箸，而求箸者不上拆也，高蔽其长也”表述反映出来。公元前三四百年的《墨经》中也有“针孔成像”原理的记载。中世纪时期，艺术家们继承了古希腊人研究线透视的成果并试图解决深远空间的表现方法，并未取得多大进展。从空间意义上讲，历史好像回到古埃及时代。而此时，中国山水画中有关透视的基本法则有了形象的记录。如南北朝时期，宋宗炳的著作《画山水序》。到了宋朝，相关的透视理论逐渐成熟起来，其中最具代表性的当属郭

我眼中的外国美术发展史

我眼中的外国美术发展史 一部美术史即是社会历史发展的形象化记录，也是人类不同视觉方式的展现。它将历史性地阐述世界的变迁和发展，探讨艺术同社会历史文化现象的关系，阐释艺术风格流派同人的审美心理发展的关系，记述并品评艺术家的创作作品。 纵贯西方艺术发展，将我们的视角从传统流派移向现代派“表现性”角度，就会发觉艺术家们渐渐在创作中加入更多的主观情感因素，不再是纯客观地再现自然。 欧洲文艺复兴时期美术及17、18世纪欧洲美术都属于传统流派的范畴。 文艺复兴作为欧洲历史上的一个伟大转折点，美术在这个时期发展起来。随着资本主义生产方式的出现，不仅动摇了中世纪的社会基础，也确定了个人价值，人文主义肯定人是生活的创造者和主人，要求文学艺术表现人的思想和感情。 13世纪到14世纪，在一些地方画派中，佛罗伦萨画派和锡耶纳画派起着重要的作用。乔托是佛罗伦萨画派的创始人,也是意大利文艺复兴艺术的伟大先驱之一。它的艺术是中世纪与文艺复兴的分水岭，他不仅表现出卓越的绘画技巧，同时也奠定了文艺复兴艺术的现实主义基础。尽管乔托的写实技巧还显得比较幼稚、生硬，但却在欧洲美术史上具有极其重要的意义。其代表作《哀悼基督》 他的创作实践中所提出的问题，如构图、人物表情、背景及画面空间层次、物体体积感、质感、明暗等都是现实主义艺术在技巧和理论上

的重要课题，乔托所创立的现实主义原则超越了一般技法的范畴，而作为一种全新的艺术观念对文艺复兴的发展产生巨大的影响。 马萨乔的艺术成就标志着意大利文艺复兴时期绘画的繁荣期的到来，而佛罗伦萨画派对此做出了重要贡献。15世纪中叶开始罗马取代佛罗伦萨的经济、政治、文化地位，在艺术上形成了以罗马为中心的罗马画派。“美术三杰”达·芬奇、米开朗其罗、拉斐尔的艺术成就几乎成为西方美术史上一座难以逾越的高峰。 活跃于15世纪至16世纪的威尼斯画派到15世纪后半期将美术题材从宗教转向世俗。威尼斯画派转向追求色彩的热烈明朗与辉煌灿烂，在此时，油画得到发展。 16世纪初出现于意大利佛罗伦萨的样式主义艺术风格起到上承文艺复兴下启17世纪的巴洛克艺术的过渡作用。样式主义的艺术家们是比达·芬奇、米开朗其罗、拉斐尔年轻一代的艺术家，他们学习文艺复兴大师们的作品。面对前辈大师们高度完善的技术和伟大的艺术成就，他们十分羡慕，但又深感难以超越。他们要么使已有的技术和手法成为某种程式，要么主动背离前辈大师们的成就，去开创新的风格。但样式主义的创新失去了科学、实验的理性动力，更多地是源于对文艺复兴艺术的记忆和沉思，专注于对精神世界的表达，试图要走出心灵的困境。 样式主义艺术的特点在于技巧十分精湛，追求奇异刺激的效果。帕尔米贾尼诺的作品《长颈圣母》是一幅典型的样式主义作品。该画故意拉长画中人物的人体比例和幻想式的空间安排，都体现了作者主观化的处理和对形式化风格的追求，脱离了文艺复兴的自然主义传统，画面像是在一面变形镜中映出来的景象，具有典型的样式主义特点。

19世纪法国美术的发展

19世纪法国美术的发展 摘要：在西方美术的历史长河中，19世纪是一个特殊的阶段。艺术传统的中断和持续的艺术革命，使这百年显得流派纷呈，大师辈出。法国作为资产阶级民主革命的摇篮，在文化艺术上显得最为活跃。巴黎是19世纪欧洲的艺术之都，蒙马特区的咖啡馆里聚集着从世界各地来到巴黎的艺术家，他们就艺术的本质问题进行各种深入的讨论和争论,经过苦心推敲形成了新的艺术概念。在这个世纪中，随着革命形势的起落和文艺思潮的变化，产生了新古典主义、浪漫主义、现实主义、象征主义、印象主义，直至最后影响深广的后印象主义。这些美术流派通过其作品和理论，对整个西方世界产生了深远影响。 关键词：新古典主义；浪漫主义；现实主义；象征主义；印象主义；后印象主义 一、新古典主义美术 以复兴古希腊罗马艺术为旗号的古典主义艺术,早在17世纪的法国就已出现。所谓新古典主义也就是相对于17世纪的古典主义而言的，大革命时期的法国美术既不是古希腊和罗马美术的再现,也非17世纪法国古典主义的重复，它是适应资产阶级革命形势需要在美术上一场借古开今的潮流。同时，因为这场新古典主义美术运动与法国大革命紧密相关，所以也有人称之为革命的古典主义。 新古典主义力求恢复古典美术(主要指希腊美术和罗马美术)的传统，强烈追求古典式的宁静凝重和考古式的精确，受理性主

义美学的支持，大量采用古代题材。与衰落的巴洛克美术、罗可可相对，它代表着一股借复古以开今的潮流，并标志着一种新的美学观念。主要有如下特征： 1.选择严峻的重大题材（古代历史和现实的重大题材），在 艺术形式上，强调理性而非感性的表现； 2.在构图上强调完整性； 3.在造型上注重素描和轮廓，注重雕塑般的人物形象，而对 色彩不够重视； 4.注重唯美与写实的结合，有别于传统的古典主义。 二、浪漫主义美术 新古典主义被19世纪的学院派视为典范，长期成为正统。但同时又由于它对远古和异国的热烈憧憬和官能性的倾向，也构成浪漫主义美术的先驱。浪漫主义美术产生于大革命失败以后的波旁王朝复辟时期，人们对启蒙运动宣扬的理性王国越来越感到失望，一些知识分子感到苦闷，他们反对权威、传统和古典模式，从而产生了浪漫主义美术。 浪漫主义的兴起与英国的产业革命直接相关。产业革命使机器生产代替了以农业为基础的手工业作坊式的生产，人们开始从繁重的工作中解放出来，这种空前的变化促进了人们思想的大解放。敢于打破一切传统，蔑视任何权威，他们提倡注重艺术家的主观性和自我表现，以民族奋斗的历史事件和壮美的自然为素材，抒发对理想世界的追求，以瑰丽的想象，夸张的手法塑造形象，

洛可可艺术概念

艺术概念 １、意义与背景 洛可可艺术(Rococo art)是法国十八世纪的艺术样式，发端于路易十四（1643～1715）时代晚期，流行于路易十五（1715～1774）时代，风格纤巧、精美、浮华、繁琐，又称「路易十五式」。洛可可艺术风格是继巴洛克艺术风格之后，发源于法国并很快遍及欧洲的一种艺术样式。开始是指用贝壳、石块等建造的岩状砌石，源于中国的假山，玲珑剔透，华丽雕琢的艺术趣味，后指具有贝壳纹样曲线的主题，成为以室内装饰为主体的样式名称。洛可可特点是室内装饰和家具造型上凸起的贝壳纹样曲线和莨苕叶呈锯齿状的叶子，C形、S形和涡旋状曲线纹饰蜿蜒反复。创造出一种非对称的、富有动感的、自由奔放而又纤细、轻巧、华丽繁复的装饰样式。巴洛克那洋溢的生气、庄重的量感和男性的尊大感，都被洗练的举止和风流的游戏般的情调，以及艳丽而纤弱柔和的女性风格所取代。如果说17世纪的巴洛克风服饰是以男性为中心、以路易十四的宫廷为舞台展开的奇特装束，与此相对，18世纪的洛可可风服饰则是以女性为中心，以沙龙为舞台展开的优雅样式。十八世纪被看成是「理性的时代」或「启蒙运动」的时代，哲学家从过去假设上帝存在进而推论所有事物的工作，转换为依据实验和观察的理性方法去推论世间的万象，几乎将神学从哲学中剔除，选择倾向世俗的路线，趣味从注重高尚的教化转向寻求轻浮的快感。艺术的风格，在音乐家莫札特、海顿，文学家蒲伯、爱迪生、伏尔泰，画家华铎、康斯博罗中，贯穿著一种共同主题，它把理性与优美趣味同轻松、明晰、秩序井然的材料相互配合起来。 路易十四常在凡尔赛宫开各种舞会，藉著繁琐的礼仪与无意义的职务折腾贵族们，再以富丽堂皇的宫廷装饰营造悠闲的环境，有利搞风流韵事，以便消耗贵族们的精力，使他们无暇去策划造反。因此艺术家授命编造一种理想生活的极乐世界情景，其唯一的目的是塑造出一个悠闲的、实际上是懒惰的社会快乐。洛可可是相对于路易十四时代那种盛大﹑庄严的古典主义艺术的，这种变化和法国贵族阶层的衰落，与启蒙运动的自由探索精神（几乎取代宗教信仰），及中产阶级的日渐兴盛有关。洛可可在形成过程中还受到中国艺术的影响，特别是在庭园设计室内设计、丝织品、瓷器、漆器等方面（如《中国人物小陶瓷》，麦尔，德国，1768）。由于当时法国艺术取得欧洲的中心地位，所以洛可可艺术的影响也遍及欧洲各国。洛可可艺术的繁琐风格和中国清代艺术相类似，是中西封建历史即将结束的共同征兆。 ２、词源与含义 从词源来看，rococo 一词与法语rocaille（岩状饰物）相关。早在17世纪，法语rocaille 一词常用以称谓岩洞，（也有一说即文艺复兴时代传到意大利的中国假山设计），和庭园中的贝壳细工，travail de rocaille (岩状工艺）为travail 的同意语。洛可可即由「岩状工艺」和「贝壳工艺」引伸而来，指室内装饰、建筑到绘画、雕刻以至家具、陶瓷、染织、服装等各方面的一种流行艺术风格。洛可可的另一种解释

浅谈中外美术之差异

浅谈中外美术之差异 几千年来，人类的文明史孕育了丰富的艺术底蕴，人们在这片土地上创造出绚烂的文化。无论是东方文化的神秘典雅，还是西方文化的华美靡丽。东西方的绘画，也如同文化发展一样，在漫长的历史轨迹里，发展出了不同的艺术风格。东方绘画的代表当然首推中国了，中国的传统绘画重言志抒情，西方传统绘画则重模仿自然；中国绘画讲究意境美，西方传统绘画则重视人体美；中国传统绘画呈现出哲学化的审美倾向，而西方传统绘画却呈现出科学化的审美倾向。 为什么中西传统美术会存在如此大的不同呢？艺术是一定土壤中生长的植物，不同的土壤环境，决定了不同的植物品种。随着时代的不同，地域的不同，人文的不同，所产生的艺术语言，艺术内涵都不同。 从思维方式来看，中西方不同的思维方式决定了中西方艺术本质上的区别。中国绘画注重表现写意，作品表现了一个画家的人格品行，个人修养，所以中国画历来偏重表现作者的感情，注重抒写主观感受，不过分强客观，画家所画常在“似与不似之间”，不受拘束。而西方人考虑问题向来理性，多是侧重作品形式的抽象分析和阐述。西方绘画主要是对景写生，要求对象、光源、环境、视点四固定。这就意味着画家在创作时，对客观景物的位置和自己的视点一旦做出选择，就不能随便移动。画家要严格地按照物理和光学的透视原理来构图，精心地把各类表现对象组织在画面中。因为只有这样，三维空间中的客观世界才能被科学、准确地再现出来。 从社会意义上来看，中西方对待自然的不同态度也影响着东西方绘画的差异。一般来说，中国人常常强调人与自然的调和，西方则往往强调人对自然的控制和改造；中国认为自然先于人类而存在，人是后来者，是自然的一部分，西方则认为自然为人类而存在，人是自然的主人。这种观念上的差异，表现在中西画家们的艺术主张和艺术实践中，形成了中西艺术的不同传统和风格。 从艺术特点上来说，有以下几个小点。 ①中国画不注重透视法，西洋画极注重透视法。西方绘画为了达到真实而客观地表现现实空间，利用焦点透视成功地模仿自然。以焦点透视表现空间，画家的视点是静止的，位置是固定的。视线向远方层层探索，使画面空间表现以展现深度空间为主，以真实的视觉为基础，注重物象的形体与色彩。中国画则不然，中国画不喜欢画市街、房屋、家具、器物等立体相很显著的东西，而喜欢写云、山、树、瀑布等远望如天然平面物的东西。偶然描房屋器

西方绘画史

西方绘画发展史 一. 课时结构：一课时 二. 本课教学的目的是：1.理解什么是西方绘画发展史。2 .使 学生了解西方绘画发展史各个时期的特色。3. 开阔眼界，增进知识，陶冶情操，培养健康的的审美情趣和感受、体验、鉴赏艺术美的能力。 三. 教学重点：西方绘画发展史的的历程跟风格特点。（由于涉及到 外国古代艺术、，以及意识形态、社会制度的历史变迁，学生理解起来必然有一定的难度） 四. 教学方法：讲授法 五. 教学过程： 1.导入新课：长期以来，艺术界有一种倾向，认为求真是科学的任务，求善是 宗教的任务，求美才是艺术的本职，因而对求“真”的重要性有所忽略。 “真善美”的理想图式中。“真”是一个重要的基点，美必须以真为基础。 罗丹认为：“美只有一种，即宣示真实的美”。美的本质就是“真”，从美术发展史来看，人类艺术一直在不停探索着“真”。绘画中的“真”含义是随着人类绘画艺术的发展，随着人类对绘画艺术的内涵认识不断深化而不断嬗变和扩延这，他包括客观再生，主观表现和情感。无论是侧重反映客观对象特征的“真”，还是侧重书法主观感受的“真”，所创造出来的艺术形象都是主体与客观的统一，都体现了艺术家的真诚与真挚。鲁迅曾说过“表面上是一张画或一个雕塑…其实是他的思想和人格的表现”一切艺术只有 “真”，才能与艺术本源，艺术精神相统一，今天我们便来探讨下西方美术的发展。 2.开始新课：14-16世纪的文艺复兴运动拉开了近代美术史的开端，而史前时 代西方人最早的美术作品产生于旧石器时代晚期，即距今3万到1万多年之间。最杰出的原始绘画作品，发现于法国南部和西班牙北部地区的几十处洞窟中，其中最著名的是法国的拉斯科洞窟壁画和西班牙的阿尔塔米拉洞窟壁画。所绘形象皆为动物，手法写实，形象生动。迄今为止发现的原始雕刻大多为小型动物雕刻，少数人像雕刻中，裸体女性雕像占主要地位，这些女性雕像夸张女性的生理特点，突出表现女性的乳房、臀部、腹部、大腿等，体现出原始人对于母性和生殖的崇拜意识。在维也纳附近的威伦道夫出土的女性雕像被称为“威伦道夫的维纳斯”，是其中最著名的代表作。 奴隶社会时代进入奴隶社会，那些文明古国谱写了人美术史的辉煌篇章。美索不达米亚（即幼发拉底河和底格里斯河之间的地区，又称两河流域）的雕塑，如巴比伦王国的“汉漠拉比法典”浮雕，讲述王国那些表现战争和狩猎的紧张场面、手法极为写实、充满激烈动势的浮雕。古埃及的庞大

中西方绘画审美观念 的异同知识讲解

中西方绘画审美观念 的异同

中国绘画以中国的水墨画为代表，中国的水墨画以写意为主旨，作画者不但要心中有画面，还要有对画面深深的感情寄托，不以生活中的实物的形象为局限。用笔是大胆，不拘于形式，不刻求光感以及画面色彩搭配，观赏者要走入画中，走入作画者的思想中，这样才能真正的欣赏它，感受它的美。中国的水墨画画面多辅以文字，作为欣赏画作的铺路石，如中国五代时期画家荆浩的《匡庐图》，画面气势磅礴，危峰重叠，四周溪峰连绵，山石之感坚实，体感厚重，体现出作者对山水无限敬仰之情，也同时能体现出作者无限的胸襟。 西方绘画作品非常繁多，但其中以宗教色彩浓重的题材为其代表，画面多凝重，色彩对比鲜明，画法笔触精细，力求完美，画面人物表情清晰明了，而且作品题材多为广为人知的宗教故事。做平力求形似，有种真实贴切的感觉。作者多追求画面的光源，以及光源在画中人物中的折现。他们善用光和色彩来体现作品，西方绘画作品也能体现画家的一些思想感情，但过于拘泥，不像中国水墨画般豪放、洒脱。如：拉斐尔的《西斯廷圣母》徐徐打开的帷幕中圣母怀抱着圣婴从云端缓缓落地，圣母端庄矜持的脸上略带忧伤，而圣婴也带着超乎儿童的神圣。画面如诗一般，艺术语言表现出一种优雅、和谐、轻快，体现了当时的人文主义理想。

那你可能会问中国就没有了细腻，西方就没有来豪放吗？我只能告诉你：“是也！非也！”。 无论是西方绘画还是中国的绘画，他们都在不断的发展，不断的变化，随着世界文化的交流，随着审美观念的拓展，西方也出现了洒脱之作，中国也不乏细腻光感的作品出现。 西方绘画作品中现代的大作中写意、奔放的作品很多，如蒙克的《呐喊》，画中天空被染成了鲜红色，灰蓝色的海湾和小镇，桥头两个僵直的人影向前走着，画中央一个有几分变形的人正在捂着耳朵呼号呐喊，像是画家自己的化身。让我们体会到了画家的紧张、恐惧和不安，甚至是绝望。 中国绘画的细腻、婉约就如同中国的绣花针，细致入微，极其考究，如中国唐代阎立本的《历代帝王图》，他以每位帝王以及侍从为一组造型，侍从体型小于帝王，同样的背景进行烘托，画面通过描绘人物的外貌特征的细微，刻画表现人物各自的性格气质心态。它是中国古代绘画史上重要的人物肖像画之一。

西方绘画发展概况(二)

西方绘画发展概况（二） 上文对西方绘画的发展概况介绍至17世纪左右，尤其是文艺复兴之后西方绘画的转变，也更有助于人们理解“以人为本”这一文艺复兴核心思想。本文将接着上文的第三部分【理性与科学时代】，继续介绍17世纪后的西方绘画发展历程。 三、理性与科学时代（17世纪后） 据上文介绍，17世纪后西方绘画一般可分为三大类：巴洛克，古典主义和学院派，写实主义。巴洛克艺术最基本的特点是打破文艺复兴时期的严肃、含蓄和均衡，崇尚豪华和气派，注重强烈的情感表达，气氛热烈，具有动人心魄的艺术效果。 而到18世纪就不得不提洛可可艺术。洛可可艺术产生于法国、遍及欧洲，有人认为洛可可风格是巴洛克风格的晚期，即颓废和瓦解的阶段。18世纪欧洲的洛可可艺术与享乐、爱情、奢华的生活联系在一起，反映宫廷贵族的审美理想和趣味。美术史家龚古尔言：“当路易十五的时代代替了路易十四的时代时，艺术的理想从崇高转向了愉悦，讲求雅致和细腻入微的感官享受遍及各处。” 弗拉戈纳尔《秋千》布歇《德·蓬帕杜尔夫人》

古典主义美术是17世纪发端于法国，先后有三种不同的艺术倾向。 1.以对古希腊、罗马古典艺术风格德怀旧与模仿为本，以普桑为代表的古典主义。古典主义形成并广泛传播于法国，随后扩展至欧洲其它国家，是新兴资产阶级和封建贵族在政治上的妥协产物。 古典主义从古希腊、古罗马文学中吸取艺术题材和形式，有一套严格的艺术规范和标准，主张拥护中央集权，崇尚理性，克制个人情欲。 普桑《阿卡迪亚牧人》 2.以大卫为代表的宣扬革命和斗争精神的古典主义，或称为新古典主义。 新古典主义兴起于18世纪下半叶的法国，同时迅速向欧美地区扩张。新古典主义依然是以重振古希腊、古罗马艺术为信念，刻意模仿古代艺术，并体现出巴洛克和洛可可艺术繁琐的装饰的厌恶。 艺术家们对传统作品进行改良，运用新材料及工艺，但依然保留古典主作品高雅端庄的高贵气质，使得这一风格广受欢迎。 大卫《荷加斯兄弟的宣誓》

浅谈西方美术的变化及原因

浅谈西方美术的变化及原因 南京大学法学院陈恬 111030008 原始社会 西方人最早的美术作品产生于旧石器时代晚期，即距今3万到1万多年之间。最杰出的原始绘画作品，发现于法国南部和西班牙北部地区的几十处洞窟中，其中最著名的是法国的拉斯科洞窟壁画和西班牙的阿尔塔米拉洞窟壁画。所绘形象皆为动物，手法写实，形象生动。迄今为止发现的原始雕刻大多为小型动物雕刻，少数人像雕刻中，裸体女性雕像占主要地位，这些女性雕像夸张女性的生理特点，突出表现女性的乳房、臀部、腹部、大腿等，体现出原始人对于母性和生殖的崇拜意识。在维也纳附近的威伦道夫出土的女性雕像被称为“威伦道夫的维纳斯”，是其中最著名的代表作。 在原始社会人类还在慢慢成长，进化，与一般动物还未完全分隔开，他们对抗大自然的能力很差，对许多自然现象，动物，植物的未知使人类对他们是一种敬畏，崇拜，害怕的心态。与动物的接触也十分贴近，是一种共同生存的关系。人类的存活主要依靠妇女采集，储存果实等，因为采集比男人狩猎要稳定可靠的多。而作为一种新兴崛起的种族，想要在物竞天择，适者生存的环境中存活下来，繁衍出更多的后代就显得尤为重要。而繁衍后代是妇女的职责，因此妇女在原始社会显得十分重要，地位也很高。当人们会用绘画来表达记录时，动物和女人自然是最主要的题材。而对女性生理特点的夸大就很容易理解了。 奴隶社会时代 进入奴隶社会，那些文明古国谱写了人类美术史的辉煌篇章。随着石器的发展，金属工具的出现，生产进一步发展，劳动生产率有了较大的提高；社会产品除维持人们的生活必需以外，开始有了剩余。剩余产品的出现，一方面为一部分人摆脱繁重的体力劳动，专门从事社会管理和文化科学活动提供了可能，从而促进了生产的发展；另一方面也为私有制的产生准备了条件。随着私有制的产生，社会上出现了剥削阶级和被剥削阶级，原始社会开始解体，奴隶制度逐渐形成，奴隶社会产生。 在奴隶社会，奴隶主对奴隶进行残酷统治，对奴隶主而言奴隶只是“会说话的工具”。奴隶主阶级占有全部生产资料并完全占有奴隶本身；奴隶毫无人身自由，是奴隶主的私人财产。奴隶主阶级与奴隶阶级之间是赤裸裸的剥削与被剥削的关系，奴隶被剥夺一切权利，在暴力下从事最紧张、最

第十三章 19.20世纪欧洲美术

课题：第十三章19.20世纪美术 提要：文艺复兴绘画、巴洛克绘画和十九世纪绘画是二十世纪前世界美术史上并立的三大绘画高峰。与前两个绘画高峰相比，十九世纪绘画艺术体现了传统形态向现代形态的过渡，流派纷呈，风格迥异，经历了新古典主义、浪漫主义、现实主义、印象主义、象征主义．后印象主义等阶段，成为二十世纪现代主义绘画诸流派的历史源头。 内容： 一、浪漫主义 1814年3月联军进入巴黎，4月6日拿破仑下沼退位，路易十八随即登上王位，波旁王朝就此复辟。在复辟年代里，一些知识分子是苦闷的，在文学和艺术上掀起了浪漫主义运动。法国浪漫主义艺术的主要代表是藉里柯与德拉克罗瓦。1819年，年仅26岁的席里柯根据1816年所发生的沉船事件创作了震惊画坛的《梅杜萨之筏》，从此，揭开了法国浪漫主义美术的序幕。 浪漫主义画家不同于达维特、安格尔那样热衷于希腊、罗马的古典规范，热衷于从希腊、罗马神话中去寻求创作的灵感；而是立足于对现实生活的感受，热衷于从中世纪、东方文化中寻求灵感；在创作中，他们不强调素描和严谨的外形而是强调激越的情感和极端个性化的表现。 藉里柯(G6ricault，179l一1824) 短促的一生与马紧密相连，他自幼崇拜驯马演员，画马的作品多达千幅，最后还因坠马受伤而死于33岁的盛年。<受惊的马>、<狮摞马>、<埃普松赛马>都是捕捉动物神情的力作。不过，借里柯最可贵之处还在于他的画笔凝聚着时代感情。1812年，他第一幅参加沙龙的作品<骑兵>以一位挥刀驰骋的指挥官表现出战火纷飞的年代，荣立金奖。两年之后，他又展出<受伤的龙骑兵退出战场>，与前者形成鲜明对照，绝好地体现了拿破仑的溃不成军。1816年发表的<梅杜萨之筏>，更被视为浪漫主义的伟大宣言。 《梅杜萨之筏》：1816年，“梅杜萨”号军舰由于指挥者无能，触礁沉没，军官乘救生艇逃命，并对试图登艇的士兵开枪。义愤填膺的借里柯当即创作了巨幅油画<梅杜萨之筏>，该画取金字塔式的构图，右下角是已被浸泡得变色的尸体，左面是抱着儿子遗体，衰弱得无法动弹的老水手，第三组人是坚持了14天的幸存者，他们发现了海平面上的一点帆影；正在把最健壮的一个黑人推到高处去挥舞衣衫。 画家废寝忘食地工作，在几个月中只到海边去了一下——为了观察乌云密布的天空。这位写实主义的伟大先驱扎了真正的木筏放在画室里，并请来肝炎病人作模特儿，把在惊涛骇浪中漂流的苦难表达得淋漓尽致。如果你长久地置身画前，会有海浪击身的逼真感。当这幅巨作在英国首次展出时，便被视为浪漫主义的伟大宣言。 德拉克罗瓦：是19世纪上半叶最重要的浪漫派画家。他以富于激情和动感的构图与色彩挑战了保守的学院派传统，受到青年一代画家的普遍尊敬。在他的画面上，除了飞腾的笔触与跳跃的色块，我们还可以感觉到一个欧洲人在描绘一个骁勇善战的东方民族时所流露出的力量和兴奋。 《自由领导人民》：反映1830年革命的<<自由领导人民>>是德拉克罗瓦最具有浪漫主义色彩的作品之一。画家以奔放的热情歌颂了这次工人、小资产阶级和知识分子参加的革命运动。高举三色旗的象征自由神的妇女形象在这里突出地体现了浪漫主义特征。她健康、有力、坚决、美丽而朴素，正领导着工人、知识分子的革命队伍奋勇前进。强烈的光影所形成的戏剧性效果，与丰富而炽烈的色彩和充满着动力的构图形成了一种强烈、紧张、激昂的气氛，使得这幅画具有生动活跃的激动人心的力量。 二、现实主义 西方19世纪的美术思潮。最早起源于法国，其中心也是法国，后波及欧洲各国。法国在新古典主义、浪漫主义之后，于30～70年代间，曾掀起过一场强大的现实主义美术思潮，1848年革命后，首次用“写实主义”这个词来自称。写实主义的代表人物为画家G.库尔贝，最早的

浅析招贴设计的发展

浅析招贴设计的发展 招贴广告是社会发展的必然产物，是伴随着科技进步、社会的发展而发展。科学技术进步所带来的传播手段的革新，无不对招贴广告的发展产生巨大的推动作用。不同时期的时代特征决定了招贴广告的存在形式和表现内容，招貼广告作为一种意识形态和上层建筑是由经济基础决定的，它反过来必须为经济基础服务，所以它的内容都是受政治因素的制约。千百年来，招贴广告在各个时代发展的过程中，对社会政治、经济的发展起到了重要的作用。 标签：招贴；必然产物；传播手段；存在形式；推动作用 1 招贴的定义 招贴，亦作“招帖”。基本解释为：写印在纸上供张贴宣传用的文字、图画。现代汉语词典中，招贴的意思是贴在街头或公共场所已达到宣传的文字、图形。招贴英文名字叫“poster”，在牛津英语词典里意指展示于公共场所的告示（Placard displayed in a public place）。最早指的是大木板或车辆上的印刷广告，或以其它方式展示的印刷广告，它是户外广告的主要形式，也是最古老的广告形式之一。招贴是广告艺术中比较大众化的一种体裁，兼有绘画和设计的特点，一般分为公共招贴和商业招贴两大类别[1]。 2 招贴的作用 招贴具有许多优点，是任何其它媒介无法替代的，它是通过创意传达信息的一种形式，主要依靠视觉传达来进行交流和沟通受众的感知而实现的。招贴的具体作用可以分为以下几种： 2.1 信息传播 信息传播是招贴最基本的作用，特别是商业招贴，商业信息通过招贴有效的传递给消费者，达到营销的目的。招贴作为一种有效的广告形式，可以充当商品基本信息及商品变化情况传播的媒介。 2.2 有利于竞争和刺激需求 好的招贴设计能够极大的提高产品的竞争力，促进销售额。因为它能够彰显商品的品牌与质量优势，同时又能树立企业形象，打动并吸引特定的受众目标，按照心里法则进行科学的广告诉求，在市场经济中，有效的刺激消费需求。 2.3 审美价值 招贴的这一作用，是指它在实现其基本功能后所延伸出来的审美价值。招贴只有具备的审美功能，才能使受种者在愉悦的基础上“被说服”并接受。具体表现