论西藏的表演艺术——舞蹈

论西藏的表演艺术——舞蹈

福建师范大学音乐系

藏民族是一个有着悠久历史的民族，特别是它独特的地理位置所造就的舞蹈艺术，令人如痴如醉。恰巧在我的学校三明市列东中学西藏部，就有一群来在西藏的学生，在任教排练的同时，我也逐渐对他们的舞蹈产生了浓厚的兴趣！在了解藏舞的同时也让我对西藏学生的舞蹈排练增加了不少的帮助！

舞蹈艺术是伴随人类社会生活和生产劳动同步产生，并成为人类历史发展中不可缺少的一门最早形成的艺术形式之一。同样，藏族舞蹈也在民族心理素质和审美理想的基础上，伴随着藏民族的形成发展而成为人们日常生活中不可缺少的审美内容。

一、探讨藏族舞蹈的审美特征，首先要搞清楚历史上如何看待舞蹈，以及如何定位舞蹈艺术在藏族文化中的地位。在藏族传统文化典籍?大小五明学?中把舞蹈归于?工巧明?(即工艺学)，这就表明舞蹈艺术在理论上被定位于大文化范围之内，并形成具有成熟理论依据的艺术形式之一。在西藏历史上，?羌姆?等舞蹈大多不仅配有文字记录的?舞谱?，还用?线?记录着?舞曲?；?卡尔?舞蹈的音乐?藏文古谱?流传至今。在古代藏族民间歌谣中传唱着众多的有关?说舞蹈?方面的歌谣。在众多舞蹈论述中，什么是舞蹈、形体运用以及?舞蹈艺技九?等舞蹈理论是古代论述藏族舞蹈的精髓之作，也是最具有代表性的舞蹈理论部分。舞蹈是用人体的?形?，动作语言的?声?、舞动的?情?表现生活和情感。如：?优美、英姿、丑态?都借助人的各种生动的形态来表现；又如同说话一样用人体把?凶猛、嬉笑、恐怖?表演的活灵活现；同样用人体把?悲悯、愤怒、和善?等内心情感表现得有声有色、淋漓尽致。从以上?舞蹈艺技九?的观点中不难看出舞蹈以升华到艺术高度来表现人的思想情感。?形、声、情?和谐运用到舞蹈中，更进一步突出了舞蹈的美学特色。同样，随着社会的进步，种类繁多的藏族民间舞蹈，也由起初的简单模仿、无

意识的自娱性逐渐发展成为具有较高艺术价值的一门艺术。值得指出的是，有人认为西藏古代的?舞蹈艺技九?是古印度?乐舞论?中婆罗多牟尼论述的，与藏族舞蹈无关。对此，在查阅有关资料的过程中发现，在藏族历史上，人们在吸收印度佛教文化的同时，也吸收了不少相关的艺术理论和技法。?波罗多牟尼在论述‘拉斯’时只提出了八种，后经印度舞蹈家增至九种。这九种‘拉斯’主要作为卡达卡利舞演员的面部表情和眼神训练之用?这与藏文古籍?舞蹈艺技九?中论述的内容相重合的只有?愤怒、恐怖、英武?三种，其余六种则根本不同，而且古印度的?拉斯?也没有提到?形、声、情?和谐运用于舞蹈艺术中的观点。这就有力地证明藏族先人在吸收外来文化时非常重视与本土的审美意识相结合，以民族审美需要和创新精神创造了符合民族审美特征的舞蹈理论。

二、历史上每一个民族都在他们的社会生活中创造了一整套反映民族生活、思想情感并具备一定审美特征的艺术表现形式。舞蹈艺术是每个民族开创时间最早，历史延续时间最长，流传范围最广，最能直接表现情感的一门艺术，也是每个民族历史发展中最具有代表性，最具有民族特色，最能反映民族性格和审美情趣的一门艺术。任何一个民族或部落的人们，当听到他们最熟悉的音乐或舞步声时，都会情不自禁产生兴奋情绪，并传达给身体各部位、各关节，随着舞律的变化，身体便自然舞动起来。这就是这个群体审美意识的一种本能的具体表现。由于每个民族所处地理环境、政治历史、宗教信仰、民俗民风的不同，又形成了具有民族和地方特色的风格，如不同地区舞蹈，动作的力度、软度、开度、幅度和舞律的差异，有的民族舞蹈动作的重点在人的下肢，而上身动作较小；有的民族舞蹈，上身动作较为丰富，而下身动作较少；有的地区舞蹈以大动为美，有的地区则以含蓄舞动为美。正是诸多舞蹈风格中蕴藏着民族的审美情趣和审美特征。美感中包含着审美意识活动各个方面和各种表现形态，如审美趣味、审美能力、审美观念、审美理想、审美感受等等，同时还包含欣赏活动或创作活动中的特殊的审美心理现象。

如前所述，藏民族在历史上已形成了比较符合民族审美特征的舞蹈理论藏族民间自娱性舞蹈可分为?谐?和?卓?两大类。?谐?主要是流传在藏族民间的集体歌舞形式，其中又分为四种：《果谐》、《果卓》（即《锅庄》）、《堆谐》和《谐》。下面，我就对这几种舞蹈形式简单介绍一下：

果谐：西藏山南地区的舞蹈，以充满浓重劳动气息、节奏鲜明、步法稳重为特点。男女舞者沿顺时针方向携手旋转，分共同起舞与轮流起舞等不同形式。至今西藏农村在修建房屋、铺打地面时还可见到《果谐》的形式之一?打阿嘎?。?打阿嘎?早在唐代就有记载，源于古老的劳动号子。后来增加了简单的上肢动作、原地旋转和队形变换，成为一种男女交替、载歌载舞的劳动歌舞形式。这种劳动歌舞今天已被搬上舞台，成为历史上劳动艺术的纪念。

果卓：流行地域广阔，不同地区的称谓不同。萨迦地区称之为

?索?，工布地区称之为?波??波强?，藏北牧区称为?卓?或?锅庄?。《果卓》是古代人们围篝火、锅台而舞的圆圈形自娱性歌舞，其中包括?拟兽?、表示爱情等舞蹈语汇。农、牧区舞蹈风格不同，各有特色。舞时男女分站、拉手或搭肩，舞者轮流伴唱共舞，不时加入呼号，这是《果谐》融入羌族原始舞蹈形式的鲜明特点。动作以身前摆手、转胯、蹲步和转身等为主，活泼而热烈。

堆谐：最早流传于雅鲁藏布江流域，地势高耸的日喀则以西至阿里整个地区的圆圈舞，后来逐渐盛行于拉萨。这是最早出现的由六弦琴乐器伴奏的舞蹈。《堆谐》后来逐渐演变成了在小型乐队伴奏下的、以踢踏步为特色的男子表演舞蹈《踢踏舞》。而传统的《堆谐》，则在舞时以男女体前或体后交叉拉手区别于其他圆圈舞形式。这与羌族的《洒朗》和古格王朝宫堡遗址壁画中的舞蹈形式相同。可见公元10世纪时已有《堆谐》舞蹈存在。

卓谐、热巴卓：是藏族舞蹈《卓》的两种具有代表性的舞蹈。《卓》以表演各类圆圈?鼓舞?为主，其中也有以原始?拟兽舞?为素材，加工整理后所形成的表演舞蹈。在《卓》的整个舞蹈中以歌时不舞，

舞时不歌为特点，技巧性表演占舞蹈的主要地位。拉萨、山南等其他地区的《卓谐》的鼓面小，侧系腰间，无长木柄。这种?鼓舞?形式历史悠久，早在唐代，各寺庙壁画中就有《卓谐》的形象，在桑耶寺金成公主殿壁画《桑耶寺落成庆典图》中，也可见到它的风采和?卓本?的姿容。

《热巴》是一种包含?民间歌舞??铃鼓舞?和有一定情节的?杂曲表演?的三位一体的表演形式，流传在西藏自治区的昌都、工部地区和云南、四川省藏族聚居地区，是过去流浪艺人以此卖艺为生的杂艺歌舞节目。而《热巴卓》，则是一种由男女艺人共同表演的双人?铃鼓舞?，现在，人们所说的《热巴卓》和《热巴》本上都是特指其中的《铃鼓舞》而言。《铃鼓舞》是《卓》中颇具特色的一种?鼓舞?。

此外，《噶尔》是由被称为?噶尔巴?的男性儿童表演的?乐舞?。多用于驱邪迎祥、歌颂政教等方面。从这种舞蹈的伴奏乐曲、乐器和舞姿、服饰上看，《噶尔》明显地受到过中原和西域?乐舞?的影响。

除以上介绍的民间舞蹈外，历史悠久的?藏戏?中的舞蹈也值得一提。藏戏曲调高亢，舞蹈性强，节日剧目《拉萨姑娘》、《顿月顿珠》、《苏吉尼玛》、《卓瓦桑姆》等，深受民众喜爱。在拉萨唐代所建大昭寺大经堂的?寺庙落成庆典图?壁画上，就绘有一位头戴白色面具、手持法器的戏人，正在边作舞边全神贯注地逗引着两头由人披兽皮装扮的?牦牛?，一旁还有击鼓作乐的伴奏者，其神态个个栩栩如生。这幅?寺庙落成庆典图?上的?戏兽舞?形象，不但说明早在千余年前的西藏已有?戏兽?表演，而且经历各个时期延续至今的?白面藏戏?和它的唯一传统剧目《西容仲孜》（藏语意为：西容县斗牦牛）在唐代已是十分成熟的节目。在白面藏戏的基础上发展起来的?蓝面藏戏?，不但内容丰富、题材广泛，而且继承和保留了在古格王朝时已有的《布马》等民间舞蹈形式。使民间的广场舞蹈进入了程式化的藏族戏剧，同时还引用了藏民喜爱的民间音乐，使藏戏流传于藏族民间长盛不衰。

为符合藏族?多神崇拜?的信仰特点，人们在祭祀礼仪中，创编了使用各种神祇面具，并含有大量藏族土风舞成分的程式舞蹈。这种祭祀舞蹈被后来盛行的藏传佛教黄教教派所采用，称其为《羌姆》，流行于西藏、内蒙、甘肃、青海、四川等省区信仰黄教的广大地区。《羌姆》舞蹈多由《拟兽舞》、《法器舞》混杂而成。在表演时，很少歌唱，气氛庄严、肃穆。每逢重大宗教节日，喇嘛寺都要举行?跳神?活动。在唢呐、蟒筒、长号、鼓钹齐鸣之中，表演者头戴面具、手持法器或兵器，装扮成众神列队绕场一周，揭开序幕。然后陆续表演《凶神舞》、《骷髅舞》、《牛神舞》、《鹿神舞》、《喜乐神舞》和《护法神舞》等，每段舞蹈都有一定的宗教内容。在各段舞蹈之间，还穿插喇嘛们表演的摔跤、角斗等，以娱乐观众。有时还表演?舍身饲虎?之类的佛经故事和表现乐善好施、长命富贵的《寿星舞》、《仙鹤舞》等。今天，黄教的祭祀舞蹈《羌姆》与清代、民国时期的《羌姆》，在内容和形式上都没有大的改变。《羌姆》的最后一场是驱鬼，众神兵天将把用酥油和糌粑制做成想象中的鬼首——?朵玛?押送到寺外旷地点火焚烧，以此逐一年之邪，祈一年之福。

在西藏各大喇嘛寺院中，都保留有专门供跳《羌姆》时使用和供经堂壁挂的各种神祇面具。在桑耶寺中，至今珍藏着创建西藏喇嘛教的印度高僧莲花生的空体半身像，为在宗教节日举行《羌姆》时，套于表演者身上作祭祀之用。全国各大喇嘛教寺院，每年都选出刚入寺、具有歌舞素质的小喇嘛，由老喇嘛以《羌姆》舞谱为依据，口传心授《羌姆》舞蹈的各种舞姿。小喇嘛经过长期的的学习，成年时即为优秀的《羌姆》表演者。

总之，每种优异的民间文化都有其浓厚的文化背景，在今天，人们通过各种不同的方式对舞蹈艺术进行加工改编，但是，舞蹈的本质内涵还是不会发生太大的变化，那就是?起源于生活，服务于人民?。

浅析舞蹈教育中的舞蹈艺术表演

浅析舞蹈教育中的舞蹈艺术表演 舞蹈教育作为当今素质教育的重要途径，它不仅是艺术教育的主要课题，也是教育独特性和文化内涵的重要表现方式。本文结合我国舞蹈教育，对舞蹈教育中的舞蹈艺术表演原则以及内容设置进行了简要的探讨和阐述。 舞蹈教育；舞蹈艺术表演；原则；内容设置 作者简介：顾忱，性别：女，学校：沈阳音乐学院2004年-2008年沈阳音乐学院，舞蹈教育系学习2008年至今沈阳音乐学院应用舞蹈教育系任教。 【中图分类号】S731.2文献标识码：B文章编号：1673-8500（2012）12-0073-01 舞蹈作为艺术的重要表现形式之一，它不仅生动的描绘了人类的精神内涵，还体现了生命以及文明的律动。通过生活提炼以及加工，从而构造出真、善、美的美妙动感形象，激发人体情感活动，丰富群众精神世界，让人在情感愉悦的同时，净化思想，陶冶情操，搭建教育效果。舞蹈作为美与雅的独特艺术结合体，在社会文化发展中具有无可替代的作用。舞蹈教育不仅能让学生掌握舞蹈理论、技能以及知识，还能塑造学生形体，让外在更有气质和美。同时，通过舞蹈教育还能开拓青少年的鉴赏能力、审美情趣以及艺术气质，通过舞蹈艺术表演，能促进文化交流以及身心发展。

1舞蹈教育的重要作用 舞蹈作为人类历史最早的艺术形式之一，起源于劳动，和音乐、文学、美术相伴相生，在欣赏愉悦的同时，陶冶情操。俄罗斯文艺理论家雪夫斯基层说“优秀的艺术品，不仅能引导人们追求崇高的生活理解，还能提高情操；读他们的作品，会让我们变得更加高尚、善良、美好。”同理，当积极、优秀的作品展现在学生面前时，内心深处的高尚品质和善良会油然而生，通过蔓延，转化成推动学生良好素质品德以及内涵形成发展的途径。 不同民族拥有不同的舞蹈风格，其中，民间舞蹈在舞蹈中占有重要的地位，它是人民群众在时代变迁下的不断加工创造，具有鲜明的地方特色、民族风格特点以及时代特点，在民间广为流传。民间舞蹈主要产生于斗争生活和人民劳动，根据不同的历史、自然条件、风俗习惯以及人民生活形成风格迥异的舞蹈特色。通过舞蹈教育，可以了解民族舞蹈、音乐、历史文化，不仅可以了解文化遗产、民间艺术，在老师指导和讲评中，还能了解中国精湛的艺术文化以及人文精神，从而，激发学生爱国热情，促进爱国、爱民、爱家的素质情操。 中国舞蹈在世界舞蹈中，具有得天独厚的人文环境、文化资源以及历史轨迹，通过“随风潜入夜，润物细无声”的舞蹈教育行为，不仅能引导青年人心理层面和精神文化成

世界非遗舞蹈名录

世界非物质文化遗产舞蹈类名录阿拉伯地区 阿尔及利亚古拉拉地区的阿赫里 时间：2005 国别：阿尔及利亚 地区：阿拉伯地区 类别：表演艺术 “阿赫里”是古拉拉地区的泽尼特民族（Zenete）在集体仪式中表演的一种诗词音乐。这一地区位于阿尔及利亚西南部，包括大约100个绿洲，居住着波波尔族、阿拉伯族和苏丹族，人口超过5万人。尤其在古拉拉的波波尔语区，“阿赫里”常见于宗教庆典、朝圣以及一些日常的庆典仪式上，如婚礼、社团活动等。“阿赫里”与泽尼特人的生活方式以及绿洲农业密切相关。它是恶劣环境中的社区生活凝聚力的象征。 作为集诗词、圣咏、音乐和舞蹈于一体的表现形式，这一复调音乐类型在表演时由一名长笛手（bengri）、一名歌手和一个近百人的合唱队共同完成。合唱队的团员肩并肩，围绕站在圈中央的歌手，一边拍手一边慢慢移动。一场“阿赫里”的表演，通常包括一组圣咏，顺序由乐手或歌手确定。演出沿袭着古老的方式，时常持续一整夜。第一部分“莱姆色热”（lemserreh）向所有人开放，表演短小的、众所周知的圣咏，直到深夜。此后，最有经验的表演者留下来，表演“奥格鲁特”（aougrout），直到凌晨。而拂晓时结束的“特拉”（tra），只有真正的专家才有资格参与。这三个层次的结构，在带有前奏的圣咏演唱中也有所体现，由乐师为合唱队定调。合唱队则合着领唱歌手，并挑选诗歌的某些片断演唱。在结束部，合唱导引圣咏由弱渐强，最终达到有力而和谐的终止。 非洲 古勒-沃姆库鲁祭祀和舞蹈仪式 时间：2005

国别：马拉维、莫桑比克、赞比亚 地区：非洲 类别：礼仪与节庆活动 “古勒—沃姆库鲁”，或叫“伟大的舞蹈”，是居住在马拉维、莫桑比克和赞比亚北部地区的柴瓦人的表演形式。仪式舞蹈于7月的丰收节后进行，并伴随有成人仪式，也在婚礼、葬礼、就职仪式或首领去逝时表演。 柴瓦人传统的母系社会中，丈夫扮演着边缘化角色，因此仪式具有了尼奥（Nyao）神秘社团在不同村庄的人们之中树立一定地位和达成团结的含义。这些神秘社团负责举办少年至成年的成人仪式。会社成员就是成人仪式结束时古勒—沃姆库鲁的表演者，祝贺年轻人融入到成年社会。 在此场合，尼奥的舞蹈者从头到脚穿着民族服装，戴着木制和稻草做的面具。面具代表了不同的角色，如野生动物、死人灵魂、奴隶贩子，甚至现代事物的形象，如本田汽车或直升飞机。每个形象扮演着一个特殊的、经常是邪恶的角色，以代表某种错误行为，用来指导观众的道德观和社会价值观。这些舞者以充沛的精力表演舞蹈和艺术化了的运动，其中部分是娱乐，部分是表达神灵和鬼魂的世界以恐吓观众。面具制造者既有专业的、也有临时的工匠。古勒—沃姆库鲁的传统服饰被认为是神圣的，因此，它们常被藏于隐秘之地，也常在仪式结束后焚烧掉。 尽管基督教传教士努力禁止柴瓦社会中的这类表演，它还是设法以吸收基督教因素为代价，在英国殖民统治下幸存下来。现在，尽管母系氏族体系已在这一社会中失去意义，奈瓦社团依然活跃。柴瓦人既是基督教信徒，也是奈瓦社团的成员 形态元素：尼奥的舞蹈者从头到脚穿着民族服装，戴着木制和稻草做的面具。 姆班德或耶路撒勒玛舞 时间：2005 国别：津巴布韦 地区：非洲 类别：表演艺术,礼仪与节庆活动 姆班德舞蹈是一种在东津巴布韦木瑞瓦和乌宗巴-马兰巴-普风维地区的则祖鲁-绍那人中流行的舞蹈形式。 舞蹈的特色是：由一个鼓手打出多变的节奏，男人们敲击响板，女人们拍手，真假嗓音变换地歌唱，吹口哨，在这些声音的伴奏下，女人们的动作带有特技性和色情的色彩。不同于其它基于鼓点的东非舞蹈形式，姆班德或耶路撒勒玛舞不依赖于复杂的步伐或大量的鼓手。它由一个主鼓手表演，不带任何唱词。舞蹈中蕴含着丰富的物质文化，包括鼓、响板、口哨和服装等。 舞蹈过程中，男人抽搐着手臂，强健地用右腿踢踏地面模仿鼹鼠挖洞的动作。舞蹈的古怪名字揭示了它几个世纪的兴衰。在殖民统治前，这一古老的生殖舞蹈被称为姆班德——修纳语鼹鼠的意思，这一动物被认为是繁殖力、性能力和家庭的象征。 在某个严厉的基督传教团的影响下——他们不赞成舞蹈如此直白的表现性——舞蹈的名字改为耶路撒勒玛，这个名字来自修纳语的圣城耶路撒冷，其意图是将这个传统的内涵转变为宗教内涵。今天，这两个名字都在使用。尽管传教士谴责反对，这一舞蹈仍然流行并成

声乐教学舞台表演艺术探究论.doc

声乐教学舞台表演艺术探究- 一、声乐演唱基本方法及运用 演唱时要保持良好的心情和放松的心情，放松自己的身体，慢慢的用丹田开始吸气，吸气的时候我们的小肚子会微微的胀大，这是正确的吸气方法而不是大口吸气使肚子产生干煸的状况，当慢慢吸气以后，我们开始发声，发声的时候，气息慢慢向外吐，有控制性的向外吐气，不要每句话都换气而是在需要换气的时候换气，较好的气息或想要能够控制好自己的气息，这就需要长期良好的锻炼，要有良好的换气的经验，因为急促的换气可能影响整个作品的完成度完美度。没事的时候我们可以运用无声的呼吸练习或发声与换气相结合的练习。人体分为三个共鸣腔分别是头腔共鸣、口腔共鸣与胸腔共鸣。一般长刀高音区的时候共鸣会产生在自己的头腔，也称为鼻腔，自己的鼻子会有震动感，这就是我们所说的高音区。在我们平时说话或者唱到中音的时候，自己的喉咙管道会产生震动感，这就是我们所说的口腔共鸣，也就是我们常说的中音区。一般声音低沉的时候，依赖于胸腔共鸣，这就是我们唱到低音的时候，也叫做低音区。这三个音区虽分高中低音区，却相互联系，密不可分，想唱好一首歌就要学会掌握我自己的发声技巧当我们唱到高音的时候，我们会发现我们的口腔和胸腔都在做着辅助作用，当我们唱到中音区的时候我们的头腔共鸣和胸腔共鸣也在做着辅助作用，当我们唱到低音的时候我们的头腔共鸣和口腔共鸣也在做着辅助作用。在歌唱的时候吐字也很重要，音乐与语言的结合在歌唱艺术中也极为重要，分开口音、齐齿音和合口音。唱歌的时候吐字要连贯，要清楚，字与字之间的衔接也尤为重要，必须做到连贯统一。语言可以传达

人类之间的很多感情，所以我们在唱歌的时候必须在字里行间传达出词曲作者想要表达的思想感情，这就需要我们更好的语言来传达。歌曲的快慢、高低、轻重都需要我们去良好的掌握。 二、舞台表演艺术的情感表现 （一）表演艺术的重要性 声乐艺术是一门舞台表演艺术.演员在舞台上的一举一动，一个眼神一个动作以及个人心理活动，对他的演唱都有着很重要的影响。在声乐学习过程中学生应该用肢体去表达想要表达的情感体现，了解舞台的表演的精髓，学习舞台表演的基本常识和礼仪，如上下台的走步，如何与乐队指挥、主持人.钢琴伴奏的协调配合以及演唱结束以后的谢幕等等。这些都属于一个好的歌唱演员舞台的经验与素质。 （二）表演艺术实践的形式 第一次上台演唱的同学应该先调整好自己的呼吸，演出场地可以选在教室或会议室，演出时组织好观众即可。大学一、二年级的学生，可以以班级或者老师为单位，用音乐会的形式组织实践活动，每学期可进行两到三次。演唱曲目要和自己的专业老师和自己的经验来挑选，既能充分发挥自己的真实水平，又使学生能轻松地驾驭作品，减轻心理负担，让自己的第一次登台演出可以顺利进行。大三、大四的学生除了参加正常的艺术实践活动外，还应该积极参加学院、歌舞团等机构组织的各种演出和声乐比赛活动，通过参加这些活动来了解舞台、熟悉舞台，通过演出实践来真正掌握舞台表演技巧，从而锻炼舞台表现技能，培养良好的歌唱心理，在不断地参加演出活动中培养学生的自信心和荣誉感，积累和丰富舞台表演经验。 三、声乐与表演的联系

儿童舞蹈：什么是舞蹈艺术

儿童舞蹈：什么是舞蹈艺术 舞蹈艺术：是以经过提炼加工的人体动作来作为主要表现手段， 使用舞蹈语言、节奏、表情和构图等多种基本要素，塑造出具有直观 性和动态性的舞蹈形象，表达人们的思想感情的一种艺术形式。舞蹈 可分为生活舞蹈与艺术舞蹈。舞蹈是一种人体动作的艺术。但是，这 个人体动作，必须是经过提炼、组织和美化了的人体动作--舞蹈化了 的人体动作。另外，属于人体动作范畴的艺术也有很多种，如杂技、 哑剧、人体雕塑、韵律操等等。所以，舞蹈不同于别的人体动作艺术 的主要方面是：它是以舞蹈动作为主要艺术表现手段、着重表现语言 文字或其他艺术表现手段所难以表观的人们的内在深层的精神世界-- 细腻的情感、深刻的思想、鲜明的性格，和人与自然、人与社会、人 与人之间以及人自身内部的矛盾冲突，创造出可被人感知的生动的舞 蹈形象，以表达舞蹈作者（舞蹈编导和舞蹈演员）的审美情感、审美 理想，反映生活的审美属性。另外，因为人体动作不停顿地流动变化 的特点，它必须在一定的空间（舞台或广场）和一定的时间中存有； 而在舞蹈活动中，一般都要有音乐的伴奏，要穿特定的服装、有的舞 蹈还要手持各种道具，如果是在舞台上表演，灯光和布景也是不可缺 少的。所以，也能够说舞蹈是一种空间性、时间性和综合性的动态造 型艺术。在哲学家，美学家的眼中，舞蹈艺术已经升化为一种生活， 甚至生命的艺术。在远古的社会生活中，几乎没有比舞蹈更重要的事 情了－婚丧嫁娶，生育献祭，播种丰收，驱病除邪，一切都离不开舞蹈。舞蹈成为远古先民的质朴的生活方式和感知世界的手段。新喀里 多尼亚的北方，市场店铺里商人轮流出来跳舞以展示他们的商品；北 昆士兰的居民跳着节日的环舞，一只一只地捕捉虱子；非洲喀麦隆的 酋长因为背叛被处死刑时，甚至唱着歌跳着舞走向刑场。现代社会的 舞蹈是相对于古代舞蹈的萎缩。所以回忆这位艺术之母的历程成了一 场追溯生命激情和复兴人体文化的跋涉。德籍犹太学者库尔特.萨克斯 从史学的角度，把世界的舞蹈分为了石器时代，上古时期，中古时期，18和19世纪的华尔兹，波尔卡时代，以及20世纪的探戈时代。而在

表演基础练习课程教学大纲

导演系 (戏剧影视导演)专业 《表演基础练习》课程教学大纲 1、课程代码：D1102 2、英文译名：Basics in Acting 3、课程性质：专业基础课 4、适用专业（含方向）和年级：导演专业一年级 5、学时与学分：360学时，15学分 第一学期 一、教学目的和要求 通过讲授和训练使学生体验到舞台行动的具体过程与环节，基本掌握舞台表演的基础知识和创造人物形象的基本方法； 要求： 1、选择熟悉的社会生活内容，学会构思比较简单的,合理有机的规定情境和人物行动线索，通过人物有机的，积极的舞台行动，排除妨碍人物行动的“障碍”； 2、运用有机的舞台行动展现一个完整的生活片段； 3、具备初步的表演概念，感受正确的舞台表演自我感觉，最后达到真实自然、有想象力的在舞台上生活。 二、教学内容 1、第一阶段：表演元素练习（32学时） 本阶段的学习是使学生掌握最基本的表演元素，消除多余紧张，学会在舞台上注意力集中地、有逻辑地生活。 ①肌肉放松练习； ②注意力集中练习； ③想象练习； ④体会物体的重量感、体积感、质感的练习； ⑤人物行动逻辑性的练习； ⑥无实物小品练习。 此外，根据教学进度和学生的具体情况，也可酌情加入“人物模拟练习”、“动物模拟练习”等。 2、第二阶段：单人小品练习（112学时）

训练学生在具体准确的规定情境下，运用连续的、不停顿的、积极有效地、彼此之间有着紧密逻辑关系和有机联系的“发现——判断——行动”的环节，从而组成一个完整的具有明确目的和一定思想意义的舞台行动。 ①人物简单行动练习； ②人物简单行动目的的练习； ③人物较复杂行动目的的练习。 三、教学方法 1、课堂练习与理论讲授相结合； 2、教师针对学生的作业进行点评； 四、考核方式 平时成绩占30％，期末考试占70％。 五、教材与参考书目 教材：《戏剧导演本科教程》，李建平编著，中国戏剧出版社，2006年11月，北京第一版参考书目：《戏剧表演基础》，梁伯龙、李月，文化艺术出版社 《表演技巧》，（英国）休·莫里森，中国戏剧出版社 《戏剧表演学》，胡导，中国戏剧出版社 第二学期 一、教学目的和要求 通过讲授进一步训练和培养学生基本的表演能力，使其可以在一定的规定情境中，组织积极有效的舞台行动，并具有初步的人物形象创造的能力。 要求： 1、选择熟悉的社会生活内容，学会构思比较简单的,具有一定戏剧性因素的情节线索和规定情境，有想象力的再现生活；并学会在舞台上思考、判断，组织清晰有机的，积极有效的舞台行动； 2、学会运用具体有机的舞台行动展现一个完整的生活片段； 3、具备初步的表演概念，感受正确的舞台表演自我感觉，最后达到真实自然、有想象力的在舞台上生活。 二、教学内容 1、第一阶段：双人无语言交流小品练习（48学时）

舞蹈艺术的审美特征

舞蹈艺术的审美特征 舞蹈是人类生命中最为重要、最活跃、最充分直接的 情绪，是人类历史上最基本古老的艺术，它表现了人肢体运动的艺象美。歌舞在我国具有悠久的历史，舞蹈同人类其他进步文明一样，都是社会发展的表现。舞蹈不是一种仅仅靠身体来表达情意的形式，而是通过与音乐节奏结合组成的种文化艺术，我们的一切情绪如喜怒哀乐都可以以舞蹈的形式表现出来。舞蹈艺术来源于生活，并反映生活，是一种既通俗又高雅的艺术。舞蹈表演通过肢体语言的变化、节奏音乐的渲染和情感因素的融入来完成艺术的展现。舞蹈表现人的内在情感、理想、思想等方面，它以内在的心动、情动去驾驭外部的形动。舞蹈和舞蹈审美有着密不可分的关系，因为舞蹈艺术本身得以产生舞蹈审美。审美特征是体现一部舞蹈作品艺术高低的重要标准，要求作者在创作过程中紧紧把握住独创性这一点，在选取舞蹈题材和主题上标新立异，同时还需要加入抒情性因素，带给观众生动形象的舞蹈欣赏。 1情感美情感作为一切艺术的共同审美特征，早已被人们所认 知。而舞蹈作为艺术中的重要一种，情感自然是其题中应有之义。事实的确如此，舞蹈美千真万确是舞蹈艺术的重要审 美特征之一。许多舞蹈艺术精品充分而有力地证明了这点，例如，舞蹈《红绸舞》表达了中国人民翻身得解放、当家做主人的欢欣鼓舞之情；舞剧《红楼梦》表达了林黛玉与贾宝玉的真挚、复杂、曲折、悲剧的爱情……不胜枚举。因为情感性的存在，可以让人从欣赏舞蹈的过程中尽情感知舞蹈所蕴含的美感。舞蹈艺术的创造主要是结合人们日常的感进行的创作。它来源于人类的日常生活，主要是通过人体动作来对其情感进行充分表达。舞蹈艺术情感美的审美特征，要求所有舞蹈创编人员，满怀激情地选择富有情感含量的题材，从而创作出含情量极高的舞蹈作品。由此可见，情感美的审美特征对于舞蹈艺术而言，是何等重要。 2独创美独创美赋予舞蹈作品一个独立可行的空间，无论是题材

关于“非遗”舞蹈保护与传承的几点可行性建议

龙源期刊网 https://www.wendangku.net/doc/6017679794.html, 关于“非遗”舞蹈保护与传承的几点可行性建议 作者：靳晴 来源：《魅力中国》2018年第14期 摘要：“非物质文化遗产”中也包含了各地区、各民族所保存、流传下来的舞蹈，它记录了各地区、各民族丰富的历史文化、宗教信仰、生活劳动等内容，其最显著的特点就是来源于人民，扎根于人民，紧贴人民的生活，体现了各地区、各民族的个性特点及审美习惯。大部分“非遗”舞蹈是通过口传身教的方式得以延续，少数则有其相应的文字、图谱等资料的记载。随着时代的发展，非遗正遭受到现代文化的强烈冲击。呼吁大家，放下手机，走出家门，亲身去感受、去体验我国优秀传统文化的魅力，去保护、去传承我国“非遗”舞蹈文化。 关键词：非物质文化遗产；舞蹈；保护与传承 “非遗”舞蹈受到越来越多的关注，其保护与传承也受到前所未有的重视，本文通过三个部分浅谈笔者对“非遗”舞蹈保护与传承的几点愚见。通过实际的例子说明当下对“非遗”舞蹈的保护与传承迫在眉睫，给大家提供一些可行性的建议，呼吁大家关注、支持“非遗”舞蹈，让这朵美丽的舞蹈之花永远的开放。 一、“非遗”舞蹈的概况 “非物质文化遗产”中包含了各地区、各民族所保存流传下来的舞蹈，它记录了各地区、各民族丰富的历史文化、宗教信仰、生活劳动等内容，其最显著的特点就是来源于人民，扎根于人民，紧贴人民的生活，体现了各地区、各民族的个性及审美习惯。大部分“非遗”舞蹈是通过口传身教的方式得以延续，少数则有相应的文字、图谱等资料的记载。我国“非遗”舞蹈种类繁多，涉及区域广，政府出台相关法律文件，推行大量鼓励政策，人们对于这些弥足珍贵的文化财富越来越重视，使得“非遗”舞蹈的保护与传承有了良好的发展趋势。 二、“非遗”舞蹈保护与传承的现状 现已有不少“非遗”舞蹈处于消失的危险边缘，许多民间“非遗”舞蹈都是依靠传承人的口传心授才得以世代相承。现在的年轻人愿意走出农村到城市里打拼，愿意接受现代化的城市文明，却不愿意固守祖辈传承下来的文化，而非遗传承人高龄化也是我们不得不面对的问题。如何才能避免“人亡艺绝”的悲剧？这值得我们深入思考。在这方面，河南省濮阳市的“狮龙斗蛛舞”为那些适宜走向市场的“非遗”提供了一个样本。这个曾经因为传承人身患重病，演出市场小、场次少，人才培养断层等问题困扰的省级“非遗”舞蹈，近几年来从衰落颓废迎来了一个相对明朗的发展态势。首先是剧团人的不放弃，在看到“狮龙斗蛛舞”成功地申报了省级非遗后，剧团人更是团结一致，一心一意扑在了对其的挖掘、整理、加工、排练上。请来了省里、市里

歌唱的表演常识

歌唱的表演常识 声乐表演是听觉的艺术，也是视觉的艺术。作为舞台表演艺术，不但要有优美动人的声音、完善的声乐技巧、感人的艺术表现，还要有优雅大方的演唱风度和气派。也就是面部表情、眼神手势、形体动作、姿态仪表等要与歌唱相配合，加强歌唱的艺术表现力，吸引观众，感染听众。 1形体动作 歌唱艺术首先当然是以歌声来表现感情的。但是，如果我们唱一首歌，从头到尾站着一动不动，就会显得太死板。现代歌唱表演应是听、视合一，既要有感人动听的声音形象，也要有优美大方的形体动作，这才是完整、美好的演唱。因此，适当的形体动作十分常必要的。 歌唱的形体动作是辅助歌唱表演的一种手段。形体动作与歌声一样，要发自内心，情动于中而形于外，就是一切歌唱的外部形体动作，都来源于内心的感受，都从作品的内容和感情出发，切记在外形上故做姿态，无目的地乱动。在放声歌唱时，不到感情发展的必要时刻，切勿手舞足蹈，身体随意的晃动。形体动作只是作为歌唱的一种辅助，一定要做到恰倒好处，不能喧宾夺主。一些个人的习惯动作，千篇一律的手势，非但不美观，而且还会破坏歌曲的艺术表现，影响听众的情绪。 我国的民族歌唱艺术，除了注意唱功以外，将“做功”（形体表演）也置于十分重要的地位。在舞台上的一举手、一投足，都讲究形体美。恰当优美的形体动作与动人的唱腔紧密配合，又唱又做，又演又说，在舞台上生动活泼，大大加强了歌唱艺术的表现力。我国很多从事民

族声乐的歌唱演员大都继承了这一优良传统，因而受到广大观众的欢迎。 形体表演也是需要训练的，平时练唱时就要注意歌唱站立的姿势，要端庄大方，精神充沛。可适当做一些形体训练，使手势、形体动作优美协调，既要有精、气、神，又要自然放松，不能全身紧张僵硬。除了平时的形体训练外，还应多观摹一些优美的歌唱舞台演出，学习别人在表演上的长处，提高自己的表演能力。 2 眼神与脸部表情 我国的传统声乐都十分重视眼神和脸部表情，要求歌唱时每一个眼神、每一个表情都有“戏”传“神”。歌唱的喜、怒、哀、乐主要利用眉、眼来表现。眼睛是心灵的窗户，是传达内心感情最有表现力的工具，因此在歌唱时要注意发挥眼神的作用。眼神应随着歌曲的起伏而变化，内心要有视象，切忌在演出时挤眉弄眼或眼神空白无物。 3口型 口腔的变化，关系到共鸣、音色和吐字等表现技巧。要有符合歌唱要求的美的口型，并随着歌曲表现的需要而变化运动。假如将口形固定为一种状态也是不对的。有人为了使歌声清脆明亮，不管歌曲内容如何，从头到尾都作微笑状，这样就会使音色的变化和脸部表情陷入僵化，影响歌曲内容的正确表现。 4“台风” 歌唱者在舞台上的姿态，给予听众的印象非常的重要，也非常深刻。演唱者的一举一动，都应是为了完美的表现歌的思想内容，要让听众既在演唱者的歌声中，又在演唱者的姿态举动中受到艺术感染。因此，歌唱者一出台就应该进入表演艺术的境界。

影视表演的技巧(一)

影视表演的技巧（一） 在正式学习这三大部分的课程之前，有必要先了解一下什么是电影表演艺术，包括电视表演艺术的方方面面，这样将对下面的学习有所帮助。 演员在摄影机或摄像机前，以演员自身为创作手段去体现影片内容，塑造人物形象的艺术,这就统称影视表演艺术，它的核心就是解决演员与角色的矛盾。 演员自身：在表演艺术创作中，创作者、创作的工具材料、和创作的产品即人物形象这三位一体统一于演员自身。 影视演员应掌握和磨练自身的外部表现工具-形体、五官、声音、语言以及各种技能，并掌握一整套表达人物情感、思想的内部心里技巧，他依据剧本，在导演指导下进行二度创作，将人的艺术形象从剧本体现到银、屏上。 表演艺术的创作主要表现在独特的再体现和鲜明的性格化，又能形象而生动地表现出隐藏在剧本字里行间的深邃的作者意念，并对剧作的人物形象作有个性的补充和体现。这种再创作，就要求影视演员有一定的思想水平和较高的文化和艺术修养，只有这样具以较深的理解力，丰富的想象力和形象的表现力，从而达到演员与角色、生活与艺术的统一，体验(即内部)与体现(即外部)的统一。 作为电影的种种特性，例如：它的逼真性、时空性、蒙太奇及电影特有的生产过程(电视也类似)必然带来镜头前表演的种种特点。 一、银、屏幕的逼真性： 银、屏幕的逼真性要求表演的生活化，影视反映现实极其逼真，将真实的现实环境(实景偷拍时，包括现实中的人们)一一纳入自己的形象体系，这就是说，影视演员是在与现实相一致的真实景物中进行表现的。这就要求演员的表演与真实的环境融为一体，做到自然、真实、生活化。 二、演员以导演的分镜头剧本进行创作，其表演必须在导演的总体构思下，通过综合手段体现出来。 演员创作角色的过程中，组成创作自我感觉的必不可少的各种因素和技术方法，如动作、假使、规定情境、想象、单位与任务、注意与对象、真实感与信念、速度与节奏、情绪记忆、交流与适应、逻辑与顺序、性格化、舞台魅力、肌肉松驰、道德与纪律、控制与修饰、面部表情、声音、语调、言语、造型等。为了掌握演技和进行具体的理论及分析影视片表演鉴赏，我们先从表演的内部技术学起。 一、动作 表演(员)的名词就是动作。演员就是动作者。在生活中的任何一个动作，都有它的“原因”、“目的”和“结果”，这就是动作的三大要素。动作-是演员技术最主要的一部分。我们必须重视它。演员表演时，仅依靠外在动作是不够的，必须找出内在的根据(即目的)。如： 1、削铅笔 2、疲倦 二、注意力集中 人在生活中，除了睡眠外，他的注意力是不停的、时刻集中在一定的对象上的。那么影视演员在银、屏上的注意力集中应该是什么样的呢?它是有意识地把注意力集中在表演对象上的一门技巧。银屏上或舞台上的注意多为有目的的注意。 演员要强迫自己注意力集中，一方面要和实际生活一样，同时吸引你的注意力集中的对象必须明确。所以，一个演员必须养成一种自然的注意力集中的习惯。演员需要有注意的对象，对象越有吸引力，就越有力量控制演员的注意力。演员在排练过程中，有时会被私心杂念所干扰或被外界各种现象所吸引，离开了应注意的对象，将会出现肌肉紧张、慌乱等现象。演员运用“注意力集中的技术”，假借于想象虚构，给自己提供根据，并对对象加以改造，使之有吸引力，就能把内部和外部的注意力集中到注意对象上，从而排除私心杂念及外界干

舞蹈表演艺术特色和规律.pdf

一、舞蹈艺术的本质特点——美 俄国一位伟人——车尔尼雪夫斯基曾经这样说过，他说“美是生活”，那么作为用审美的视角和方式展现生活的舞蹈艺术则是来源于生活又高于生活的。舞蹈作为一种独特的美学艺术、表演艺术，是一种通过舞蹈者的肢体语言来表达美的艺术形式。无论是在我国，还是在国外，许多的美学理论学家都一致认为舞蹈比所有动人、美丽语言更美好、更优美。18世纪的法国舞蹈理论家诺维尔指出，当人类的感情达到一定的极致，而语言有时候是不能够表达的，那么人们就会通过自己的肢体语言来表达自己的某种情感，那么在此时，人们的情节舞蹈就会起到很重要的作用，人们的一个舞步、一个动作、一个身段都能够表达出不同的心境，例如激动、欣喜、愤怒、伤心等等。也就是说，越是难以表达的情感就越是难以用语言来表达，而作为肢体语言的舞蹈艺术就是最好的表达形式。舞蹈本身就是一种美，她有美的形象、美的旋律、美的节奏、美的线条、美的舞步、美的画面......舞蹈时时刻刻给人一种视觉的享受和心灵的陶冶。美就是舞蹈的本质特征，离开了美的舞蹈就不能称之为舞蹈，也就失去了舞蹈的价值和内涵。因此，正确认识舞蹈表演艺术的美学特征，探讨舞蹈表演艺术的美学内涵并以舞蹈的美学特征为基础进一步探讨舞蹈美学的规律对丰富、发展我国舞蹈表演艺术和促进我国人民精神文明建设都有很重要的意义。 二、舞蹈艺术的美学特征和规律 1、舞蹈表演艺术的形象性由于舞蹈是一种视觉上的享受，眼睛上的审美，所以无论是在舞蹈节目的编排、舞蹈情节的叙述、舞蹈角色的塑造还是舞蹈的表演过程中都需要用很直接、形象的方式展现在观众的面前。但是需要我们特别注意的是，舞蹈的情节和人物关系的编排不能过于复杂，否则就会导致舞蹈的编排者为了对舞蹈的情节和人物关系进行解释而使得舞蹈的表达缺少了连续性和流利性，这也就会使舞蹈艺术的魅力有所减少，大打折扣。此外，运用舞蹈艺术来表现虚拟的时间对于舞蹈的编排者而言也是件难事。要想表达发生在过去或者是将来的场景，就需要舞蹈的编排者创造出特定的情节或者是用特定的处理手法对舞蹈的情节进行灵活的处理、进行说明。比如，我们熟知的舞蹈剧《文成公主》，这部舞蹈剧是展现文成公主在入藏前所遭遇的不幸和困难的事件，由于舞蹈剧情是为了展现文成公主对未见的松赞干布的仰慕和决定为国牺牲、进行联姻的精神，所以，舞蹈的编排者就采用了“叠化”的手法对这段处于虚拟时间中的情节进行处理，安排了文成公主和松赞干布在幻觉中、虚拟世界中的共舞。虽然，这段双人舞蹈实际上是没有发生的，但是却因为舞蹈的编排者对这段情节交代得当，所以，观众在观看舞蹈、解读舞蹈情节时并没有对此产生误解，可见懂得舞蹈的美学特征是多么的重要。 2、舞蹈表演艺术的动作性舞蹈作为一门美学艺术，对舞蹈的美学动作的要求也是很高的。正如我们所共知的，一部舞蹈的好坏、一部舞蹈能否吸引住观众，在很大程度上都取决于舞蹈动作的设计和舞蹈动作的表现力。舞蹈的动作可以说是直接为舞蹈的情节服务，它直接推动了舞蹈情节的发展和人物性格的塑造。例如，我们所熟知的《狼牙竞秀》、《西刹秋涛《》鸡水环清》等几部舞蹈剧，这几部舞蹈剧展现的是保定十景的动人传奇故事，在舞蹈的编排过程中，编导运用形象的思维、化动为静的手笔、强烈的动作表演深深地吸引了观众的眼球。 3、舞蹈表演艺术的虚拟性舞蹈的表演艺术有一定的虚拟性，也就是说，它所展现的一些动作在现实生活中是很难发生的，有一定的夸张和想象的空间在其中。例如，舞蹈《水》中，刀美兰一边急速的旋转，一边潇洒的挽着头发；再如，《金山战鼓》中，梁红玉在宋金交战最激烈、最猛烈的时候突然跳到战鼓上的舞蹈动作等等，这些在实际的生活中是不可能出现的，而在舞蹈的舞台上不仅仅不会显得突兀和荒诞，反而是一种艺术的美感，一种顺其自然地表达。走进剧场观看舞蹈的观众对于这种来源于现实却又高于现实的动作有着很强的好奇心和赞赏高度，他们愿意欣赏舞台上的这种舞蹈艺术的虚拟性和假设性，因为，在他们看来，这是一种美的感受和艺术的情趣，是一种超脱了自然，超脱了社会现实的想象，甚至是把他们对人物情节的虚拟想象呈现在舞台上的一种成功。但是我们需要特别强调的是，这里所指的虚拟性和假设性并不是完全的脱离生活实际的妄想和漫无边际的狂想、乱想。这种舞蹈表演艺术的虚拟性和假设性是建立在社会生活实践、社会生活本质的基础之上的，是对生活现象和情节的高度凝练和对生活艺术的再创作，讲究的是融入生活，深入生活，又高于生活，绝对不是提倡艺术的虚假和失真。 三、总结 总之，舞蹈作为一门表演艺术，有其特殊的表现手法和手段；而作为一门审美艺术，又有其独特的美学特征和规律。作为舞蹈的编排者或者是舞蹈的教授者都应该积极的探索舞蹈表演艺术的美学特质表现手法和舞蹈反映生活的美学规律，把我们的生活生动活泼、惟妙惟肖的反映，并借用一些特殊的舞蹈美学手法展现给观众欣赏。对舞蹈表演艺术的美学特征和规律的分析与研究不仅仅是学术上的需求更是舞蹈实践表演的要求，它对我国舞蹈事业的发展和进步都有着很重要的推动作用和促进作用。

舞蹈的审美特性论述

一、舞蹈的动律美 舞蹈通过其特定的艺术形式表现出丰富的艺术情感和认知力,其承载了几千年来的民族文化,鲜明的展现出我国各少数民族的民俗风情。这里提及的独特艺术形式实指动律,动律是舞蹈艺术的灵魂,是区分不同舞种和艺术风格的核心标志。而动律美则是舞蹈艺术的审美价值。动律是舞蹈艺术的内在灵魂,通过富有节奏感的形体动作来展现出舞蹈艺术的魅力。舞蹈艺术并不是日常生活中毫无规律性的形体动作,由于这些动作没有进行艺术处理,所以无法给人带来美的感受。舞蹈中的节奏感在很大程度上需要与人的形体动作相互的配合,并植入富有韵味的动律美,才成为了舞蹈艺术的核心。简言之,在舞蹈中通过个体的形体动作来营造出节奏感,例如腰、四肢等,与此同时还要在节奏中植入动律才能构成完整而又富有审美性的舞蹈艺术。而动律美则是随着肢体在发生变化的过程中加以韵化,这里所说的韵化是指舞蹈艺术中以基本的形体动作为基础,再融入多变的动律,把音乐、表情以及动律三者完美的糅合在一起,给人带来了全新的视听享受。在这一过程中,我们可以得知舞蹈艺术的动律美不仅要借助人的形体动作来诠释出舞蹈的内涵, 还要舞者对配曲的主题内涵以及其中的思想情感,通过自身的表情变化和肢体动作生动的演绎出来。因此,舞蹈作为一门综合的艺术形式,充分的体现了舞者对外界事物的客观认识,并把这些认知进行加工使其富有美感。舞蹈艺术的动律美是我国每一个民族的舞者共同追求的审美境界,例如藏族的舞蹈艺术,舞者会利用服饰的袖子跟随者肢体动作的转变而勾勒出美的意境,把藏族的文化风以及由内到外的艺术美淋漓尽致的呈现出来。试想一下,如果舞者没有充分的理解舞蹈中的美与精神,那么不论舞者的肢体动作和节奏如何的出彩,也难以呈现出舞蹈中审美内涵,这也就不能称为是舞蹈艺术了。另外,动律也在不同程度上强化了舞蹈的表现艺术,例如在我国壮族极为流行的采茶戏中,舞者就把采茶过程中的肢体动作与全脚等步法相结合,即使是在舞台的表演中也把采茶时的形态摸样形象的营造出来了。 二、舞蹈的整体美 舞蹈造型是舞蹈整个舞台艺术的有形表现,特别是新时期的舞蹈艺术,尤其要结合舞台的灯光、音效、舞美等,使整个舞蹈形成一个整体,通过舞蹈队形的变化,形成富有感染力的艺术效果。舞蹈造型是遵循一定审美要求的过程,从整个舞蹈构图来看,有分散集中、平衡整齐与多样统一等几种分类:分散集中是舞蹈演员在舞台上展现的整体风貌,分散的造型使得舞台饱满,而集中造型则起到特写效果;平衡整齐也是新时期舞蹈审美艺术的基本要求,节奏鲜明,动作和谐,舞蹈演员以舞蹈中心进行扩散,保持整个舞台的平衡,使得观众形成稳健协调的观赏效果;多样统一则要求舞蹈艺术具有创新要素,敢于打破常规,形成富有时代意义和个性特点的舞蹈造型,形成眼前一亮的视觉效果。 三、舞蹈的灵魂美 情感要素是舞蹈审美艺术的核心灵魂,有了舞蹈的动作编排和造型设计,更加要突出舞蹈艺术的情感需求,犹如一盏华丽的灯,释放五彩斑斓的光芒。舞蹈艺术在进行舞蹈编排之前,一定要对舞蹈的主题思想进行了解,从舞蹈所要表达的主旨基础上,进行情感的释放和身体的舒展,才能通过自己的动作造型真实的反应舞蹈所要体现的深度和广度。舞蹈什么艺术的情感要素,不是舞蹈者个人的情感要素,而是所有的舞蹈演员作为一个整体所体现的一种思想或者一宗心情,舞者在进行角色转换以前要进行个人的情感转化,用角色感情来实现舞蹈审美艺术这一创作过程。例如舞蹈《巴黎圣母院》表达的是艾丝美拉达受刑中的苦痛和忧伤,而舞蹈动作使用夸张的艺术形式,通过融入舞者的感情,仿佛自己就是受刑中的艾丝美拉达,悲伤的情感自身体流露出来,才能有效的感染观众。 四、舞蹈的内涵美 一个好的舞蹈作品应是在真正切入到人的生命精神状态之中,准确地把握并开掘人的深层心理变化,深刻地呈现出人的特定生存状态的作品。舞蹈创作的价值领域是审美活动,而这

影视表演艺术的表演技巧秘诀讲解

影视表演艺术的表演技巧秘诀讲解 演员在表演的过程中有什么秘诀可以让自己的表演更好么?我为你讲解影视表演艺术的表 演技巧，希望对大家有所帮助! 演员在摄影机或摄像机前，以演员自身为创作手段去体现影片内容，塑造人物形象的艺术,这就统称影视表演艺术，它的核心就是解决演员与角色的矛盾。 演员自身：在表演艺术创作中，创作者、创作的工具材料、和创作的产品即人物形象这三位一体统一于演员自身。 影视演员应掌握和磨练自身的外部表现工具-形体、五官、声音、语言以及各种技能，并 掌握一整套表达人物情感、思想的内部心里技巧，他依据剧本，在导演指导下进行二度创作，将人的艺术形象从剧本体现到银、屏上。 表演艺术的创作主要表现在独特的再体现和鲜明的性格化，又能形象而生动地表现出隐藏在剧本字里行间的深邃的作者意念，并对剧作的人物形象作有个性的补充和体现。这种再创作，就要求影视演员有一定的思想水平和较高的文化和艺术修养，只有这样具以较深的理解力，丰富的想象力和形象的表现力，从而达到演员与角色、生活与艺术的统一，体验(即内部)与体现(即外部)的统一。 作为电影的种种特性，例如：它的逼真性、时空性、蒙太奇及电影特有的生产过程(电视 也类似)必然带来镜头前表演的种种特点。 银、屏幕的逼真性： 银、屏幕的逼真性要求表演的生活化，影视反映现实极其逼真，将真实的现实环境(实景 偷拍时，包括现实中的人们)一一纳入自己的形象体系，这就是说，影视演员是在与现实 相一致的真实景物中进行表现的。这就要求演员的表演与真实的环境融为一体，做到自然、真实、生活化。 演员以导演的分镜头剧本进行创作，其表演必须在导演的总体构思下，通过综合手段体现出来。 演员创作角色的过程中，组成创作自我感觉的必不可少的各种因素和技术方法，如动作、假使、规定情境、想象、单位与任务、注意与对象、真实感与信念、速度与节奏、情绪记忆、交流与适应、逻辑与顺序、性格化、舞台魅力、肌肉松驰、道德与纪律、控制与修饰、面部表情、声音、语调、言语、造型等。为了掌握演技和进行具体的理论及分析影视片表演鉴赏，我们先从表演的内部技术学起。

表演艺术基础知识

表演艺术基础知识 李?R?波洛克对于电影表演的独特性的阐述则由五个基本元素构成： A、演员与观众的分离; B、摄影机和它对演员的影响; C、表演不按顺序; D、表演分成独立的小单位; E、通过剪辑重新结构表演。 因此，在这篇论文中，我将不再拘泥于以往的一些戏剧表演理论，而尽可能地引用一些现当代的电影艺术(尤其是电影表演艺术大师的)理论来巩固、充实我的论题和论述。 二、电影表演的历史发展在我论证“电影的本色表演与本能表演”之前，首先必须来论述一下电影表演的历史演进，而我最为欣赏和赞同的对于电影表演历史的总结是： 李?R?波洛克在《电影的元素》一书中所言的六个发展时期： 1、电影时期，电影演员的表演主要是由夸张的表情和手势等动作构成的，譬如卓别林、璧克馥、哈特和瓦伦蒂诺等，他们在银幕上表现出夸张的人物，很少真正展示出任何风格特征。因为当时的电影表演是从哑剧表演开始的，而哑剧表演只能传达最基本的情绪。 2、有声电影的发明给电影表演的发展注射了一针强心剂，它使演员摆脱了夸张的手势和哑剧表演，但由于这时的演员大多数局限于舞台上学习训练的表演艺术，所以早期有声片的表演仍旧是过火的。 3、在30年代末和40年代，电影表演艺术的主要发展是“银幕名牌”(明星效应)的兴起，这种情况最为典型的例子是美国好莱坞，当时的蓓蒂?戴维斯、斯宾塞?屈塞、克拉克?盖博等等，他们作为演员，不如作为“名人”更有号召力，他们在众多的角色中很少改变他们的表演风格，而是用个人化的表情动作和手势来装饰每一个角色，这些动作表情(诸如盖博的微笑、屈塞的低垂的脑袋、戴维斯的手等)使观众觉得他们很亲切，并且成为他们的表演标志。 4、在二战前后，随着导演把摄影机和麦克风移得离演员越来越近，以及镜头、摄影机和录音设备的日益改进，演员的表演显得越来越细腻，声音可以压低，从而使对话越来越真实，人们开始互相交谈，而不是对着看不见的观众说话。 面部表情，手势和形体动作减少了，其实也就是发展了演员所处的真实空间，让演员可以更加深信自己的角色环境与氛围，从而引发演员的本能意识，开始调动演员的本能表演，也就是电影表演特征的基本五元素确立，由此电影表演作为一门独立的艺术形式开始得到初步的发展。 5、50年代开始，在欧洲艺术家的进一步探索中出现了宽容的艺术创作态度和活跃的艺术风格，促使电影表演向更高层次迈进，一批杰出的英国戏剧演员开始使他们的表演艺术适应银幕，他们把英国舞台传统的华丽雄壮的表演格调压低，但保留着英国著名剧院非常注重细节的特点，而这其中最为伟大的表演艺术家就是曾以《哈姆雷特》和《蝴蝶梦》名噪一时

浅谈流行演唱中舞台表演的重要性

浅谈流行演唱中舞台表演的重要性 摘要：舞台表演艺术在对流行音乐的表现力方便起到非常重要的作用。每一部音乐作品客观而准确的演绎，都需要用适当的“肢体语言”补充流行演唱的表现手段，通过情感的合理性和理性投入及完备的综合素养的共同协作，才能形成自己独特的音乐舞台表演艺术风格。本文就此课题进行了探讨，希望通过研究能够帮助到流行演唱中的舞台表演。 关键词：流行演唱；舞台表演；重要性 Introduction to pop singing of the importance of stage performance Abstract:In popular singing, in the proper performance means, "body language" by reasonable emotional and rational investment and perfect comprehensive literacy work together, to form their own unique style of music performing arts, stage, objective and accurate interpretation of each music piece. Stage performance art plays an important role in popular music expressive force, this article on the subject are discussed in this paper, in order to pop singing stage performance in the study help. Key words: Pop singing; Stage performance; Importance 音乐舞台表演，在音乐艺术实践中将音乐创作与作品欣赏衔接中起到桥梁的作用，它的技术过程体现着音乐作品从平面形态变为时空形态的变化，也展现着是音乐表演者的音乐表演实践能力。良好的音乐舞台表演能力培养包含：表演技术、技巧；合理情感与理性投入；良好心态；优良的综合素质；恰当“肢体语言”的补充等几方面。 一、丰富的舞台表演是流行歌曲演绎所必须的 出自《音乐美学基础》里有一句话说，音乐是感性的材料，但这声音又并非一般意义上的声音，它是在创造性的基础上建立，在模仿、象征、暗示和表情等表现

影视表演基础

影视表演基础 第一章绪论 第一节表演艺术的特性和影视表演的特点 一、表演艺术和影视表演艺术的发展简说 1.表演是人类的一种动态活动，依托于人们身体的一种动态的艺术；而戏剧是一门古老又年轻的艺术，是一种动态造型的艺术，实在一个相对固定的时空里，演员以自身的“动作”把剧本中的人物表演给观众看的艺术 2.剧本、演员、剧场（场地）、观众——戏剧的四要素。其中，演员和观众是戏剧存在的核心基础；演员的表演是戏剧的核心，是在综合了文学（剧本）、戏剧（导演构思）、美术（布景、灯光、化妆、服装、道具）、音乐（背景音乐、音响）、舞蹈（演出中的形体造型）等多种艺术手段，有演员在舞台上直接传达给观众的。演员是戏剧舞台艺术的中心 3.电影表演艺术的出现是因为有了电影。电影表演艺术依附于电影而存在 4.最初的电影《工厂大门》《水浇园丁》《火车进站》等只是摄影机对生活情景的客观记录，十八个月后，乔治·梅里埃把戏剧带入电影，把舞台艺术中的剧本、演员、服装、化妆、舞台机关等系统应用在电影中 5.表演是戏剧构成的主体 6.在电影技术上，乔治梅里埃运用了“叠印”“多次曝光”“移动摄影”等手段，形成了电影逼真性和假定性并存的特性 7.梅里埃之后出现的英国布莱顿学派在影片中注意了外景的完善使用，并出现了蒙太奇手法变化使用了镜头拍摄，使电影表演与戏剧表演有了区别 8.1903~1909年间，查尔·百代支配了世界电影市场，这一时期被称为“百代时期” 9.白带公司最著名的明星时安德列·斯特和麦克斯·林黛（后被卓别林取代） 10.1908~1912年间，大卫格里菲斯创造了电影的语言，使电影成为一门独立的艺术 11.卓别林把喜剧表演推向了默片表演的最高峰，在整个默片时期，由于卓别林，美国喜剧流派在世界上一直占据独一无二的地位 12.1914年2月2日卓别林出演第一部影片《谋生》 13.默片时期，前苏联电影大师爱森斯坦在《战舰波将金号》中启用非职业演员，创造了非职业演员成功塑造银幕群像的范例 14.默片时期，前苏联电影大师普多夫金的影片《母亲》是典型的运用杰出戏剧演员进行创作的成果。同时，他的《电影演员论》论述了戏剧与电影表演的异同以及电影表演的非独立性 15.我国电影诞生于1905年秋，以北京丰泰照相馆拍出京剧名角谭鑫培主演的京剧《定军山》为标志 16.1913年我国诞生第一部故事片《难夫难妻》，同年香港完成电影《庄子试妻》 17.1923年《孤儿救祖记》，主演王汉伦 18.1934年《神女》，主演阮玲玉，代表中国默片时期表演艺术高峰 19.中国电影发展历程：①无声片时期（1895~1930） ②有声电影的发明与发展时期（1930~1960） ③现代电影时期（1960年后） ④后现代电影时期（1990年后） 20.电影声音的发明使电影表现手段有了质的飞跃 21.匈牙利电影理论家贝拉·巴拉兹的“电影微相学”强调演员本色表演的重要性