情书视听语言分析

追忆似水年华——《情书》视听

语言分析

岩井俊二的处女作《情书》一上映便迅速引起轰动，这也是我们最熟悉的一部岩井的作品。它具有典型的日系风格，画面似乎总是高光、过曝，使得颜色褪去了一部分色彩，显得清新淡雅。《情书》正是这样一部纯净的有关纯爱、有关死亡、有关追忆的电影。博子在参加未婚夫男藤井树（以下简称男树）的悼念祭奠时，偶然抄下他中学纪念册上以前的地址。本来是不抱期望地寄了一封信过去，寥寥数字以寄托哀思，没想到居然收到回信，而且落款正是“藤井树”的名字。于是辗转周折了几番，终于明白，对方是和男树中学同班同名同姓的女孩。两个女子通过书信，女藤井树（以下简称女树）将封存在记忆深处的有关男树的“美好”回忆一一倾诉，也让博子得以了解未婚夫不为她所知道的一面。

由中山美惠分饰博子和女树这两个虽然相貌相似性格却相距甚远的角色，这就为影片设置了障碍，博子和女树不能够相见出现在同一个画面中。故事结构和导演的设计巧妙地避免了二人相撞。博子与女树的通信往来，女树对男树的回忆刻画，加之影片三重线索插叙展开的叙事手法，共同构成了这一稳固而奇妙的三角关系。片中博子专程到小樽想要见一见女树未果，导演设计了一个非常巧妙的镜头，在喧闹的路口，博子轻声呼唤了一句“藤井小姐”，已经骑车驶过的女树停下转身回头，此时镜头固定几秒，在所有观众都以

为她们就此相见时，镜头切到全景，人潮扑拥过来，将博子淹没。女树没有看见博子，博子却清楚地看到了与自己相貌相似的女树，从而得知了男树选择自己的真正原因。她也怨恨过，但是到了最后，博子冲着埋葬着男树的远山一遍一遍撕心裂肺地大喊“你好吗？我很好！”时，一切都释然了，她不再念念不忘，不再怨恨，放下了一切对过往的怀恋，真正地与之告别。

整部电影就是一场对逝去时光的祭奠——逝去的故人、逝去的青春、逝去的朦胧的爱情。但是就日本的传统文化来讲，美好的事物中也总隐藏着幽怨和死亡的气息。日本有着“春日的樱花婀娜多姿，但其根下总埋着尸骨”的典故。该片虽如一首散文诗一般优美，但其中也处处藏匿着死亡的气息。男树的祭奠典礼、女树的感冒、女树父亲的过世、冻死在冰雪中的蜻蜓、旧屋搬迁、抢救女树等等这一系列传达着死亡讯息的符号贯穿着影片始终。几乎在岩井俊二的所有影片中，他都试图从不同角度剥开死亡的面纱，《莉莉周》中的斗殴，《梦旅人》中的意外和手枪。影片中，博子和女树都笼罩在死亡中。尤其要讲的是女树在医院看病的场景。她靠在座位上睡着了，依稀听到护士在叫“藤井树”的名字。走廊的尽头突然被照亮，一辆无人推扶的病床从拐角处驶来，画面快速剪辑了两三次，病车越来越近，女树看到上面躺着的是正在被抢救的父亲，她与父亲站在走廊的两端，此时导演运用了补偿镜头（希区柯克镜头），摄影机一边后退一边使用快速向前变焦镜头，画面突然变形，楼道空间被拉长，树奔跑起来，镜头跟随在她身后，左上右下地来回摇

摆，时不时切换她的侧脸与背影，当女树推开抢救室的门，画面突然切换到少女藤井树与少年藤井树的那次告别和中学开学时点名的情景。她梦中见到的人都已逝去，她的那段青春记忆也已逝去，现在她开始慢慢回想起来。然而死去父亲的妹夫忘记大哥的忌日，少女藤井树在父亲的葬礼日轻快地在雪地上滑冰，在忌中见到前来还书的男树露出灿烂的笑容……在这部影片中，岩井俊二将对死亡的写照处理的十分唯美，哀而不伤。

电视台出身的岩井俊二在电影的拍摄上也诸多沿用了拍摄电视的手法，如现场报道式的跟拍、多机位跳切。从传统上来讲，为了创造电影画幅内，角色之间、场景之间的立体感与空间感，进行角色的走位调度，纵深构图安排，都是非常重要的事情，需要一系列的技术手段来达到这些目的，比如轨道的安排、变焦镜头的细微调整，以及灯光的精巧摆放，都是所谓现场调度所必须明确的工序。但是岩井俊二另辟蹊径，并不想一味的使用业已成熟的方案，而是大量地使用广角镜头，大量地进行非正常的多主光源布光，大量地进行机位的灵活变换，以一种高效省时省力，但是同时能带来一种莫名的临场感的方法，进行了大量的尝试。影片中，导演使用浅景深镜头对中山美惠的表演进行诠释，使得观众能够更加贴近人物。在构图上，既可以看到符合标准构图原则的稳定画面，也可以看到故意打破平衡的画面。人与景物相呼相应，景物的及时出现总能填补人物语言的短暂缺失，使得画面具有极强的流动性。

在色调的运用上，我们可以明显看到，在讲述博子的这条线索时，

画面是冷色调，到处充斥着漫无边际的皑皑白雪。影片的开始，一个长镜头，博子从雪地里起身，从离画面很近一直走到山下看不到人影，画面只有雪白和青黑两种色彩，博子的着装也以冷色系为主。直到秋叶先生向博子示爱的场景，才出现了桔红的火光；在讲述女树这一线索时，由于是冬季的小樽，处处被大雪覆盖，色调仍然偏冷，但好过博子；只有在回忆少年时期的画面，犹如宫崎骏的动画片一样色彩鲜艳。此时，配乐也由哀婉的钢琴曲转变成活泼轻快的小提琴曲。导演用暖色调描摹回忆，用冷色调书写现实，形成鲜明对比，引导观众对这段回忆更加关注，其对于往昔的留恋和追忆可见一斑。

在用光方面，岩井俊二有着自己独特的理念。高光、逆光拍摄，这种在其他摄影师看来是自杀的行为，却成为他招牌式的电影风格。这样的手法，在《情书》以及《关于莉莉周的一切》等作品中均有体现。从摄影角度来看，所谓逆光摄影，是一种有别于正常摄影的技法，因为它所描绘的最终成品并不是人眼正常情况下能够识别的。一般来说，逆光摄影的最明显标志就是剪影，因为往往背景曝光级数高于前景，背景正常曝光，缺少光线的前景就会漆黑一片。而正常的肉眼观察是看不见这一现象的，因为人眼会自动调节，保证注视区域的亮度信息完整。岩井俊二所使用的逆光技巧，是在此基础上的延伸，统一提高曝光量，从而能够看清人物的面孔，同时让人物的轮廓融化在稍微曝光过度的背景中。这个是接近肉眼观察的效果，而且是广泛存在于生活中的状况。一般电影会在电影布光

上下很大功夫，通过4到5个角度的光线，塑造起在美术上十分正确的人物形象，但也因此丧失了真实性。而逆光，可以很好的充当主光源，同时淡化背景因素，突出演员的存在，真实性也大大增强。不矫揉造作，体现淳朴的美感，岩井的电影普遍存在这种倾向。同时，逆光是一种十分内敛的手段，这对于表现片中主角的心绪来说非常合适——男树深沉内敛的性格，最终也没有告白；女树朦胧的好感却也不了了之；博子压抑的情感寄托。我注意到，《情书》中所有存在窗户、门等会透光的地方，都无一例外地呈现出一种梦幻般的光线效果，是由于高光太过充足而导致的，人物经过也因此而被虚化，轮廓若隐若现变得不那么真实。最经典的一个画面是，男树靠在窗边看书，身旁白色的窗帘随风舞动，男孩在窗帘旁若隐若现。此时，光线从窗外打进来，男孩处于逆光的位置。若是普通拍摄，男孩的面目将会暗淡不清，导演于是做了补光的处理，使男孩的面孔足够清晰而又与窗帘的高光部分形成对比，出现局部光斑的效果，亦真亦梦。女树不经意地抬起头，注视着沉默的少年，朦胧的情愫暗暗铺开。

影片的最后，女学生们将夹着画有少女藤井树的借书卡的书送到女树手里，书名是普鲁斯特的《追忆似水年华》。女树曾经翻看过借书卡，遗憾的是她没有发现背面的秘密。那本书是少年藤井树交给她手里，那次是他俩最后一次相见。女树拿着借书卡，明白了一切，一时间百转千回。之前进行的一场关于过去的回忆，她以为那是属于博子的，其实那是属于她自己的。

罗拉快跑视听语言分析报告

《罗拉快跑》 精彩片段赏析 “我总是起始于影像、意念。在我的脑海中先有影像，我开始想要延续它，绕着这个意像发展出一些故事，从中做出一部电影。《罗拉快跑》的原始意像是一个奔跑的女人。我想创造一部充满动感的电影的想法，这是每一位电影创作人的最大欲望。 ——汤姆提克威 为什么选择这部影片呢？最重要的是：《罗拉快跑》是一部崭新的电影，表面上看，《罗拉快跑》的主题是一个“陈旧”的爱情主题，也就是说《罗拉快跑》是表现一对恋人之间的“爱情的营救”。但是，影片的核心和精神实质又是全新的。崭新的艺术形式、罗拉与她的“游戏”，留给我很深的印象。 段落解读： 1.第一次奔跑（10分—40分）：罗拉没借到钱，罗拉和曼尼抢超市，罗拉被警方击毙。 2.冥界（3分钟、红色）： 3.第二次奔跑（33分钟—53分）：罗拉在银行枪到钱。曼尼被急救车撞死。 4.冥界（2分钟、红色） 5.第三次奔跑（53分钟—73分）：罗拉在赌场赢钱，曼尼找回丢失的钱。罗拉、曼尼成为富人。 《罗拉快跑》中，罗拉曾经三次“大叫”。这三次大叫，声音剧烈刺耳之外，并且都产生了神奇的效果，环境中的玻璃器皿发生爆裂。 德国电影大师施隆多夫的影片《锡鼓》中的主人公奥斯卡的经典的“大叫”是一个弱小的孩子在向虚伪丑恶的成人社会和法西斯小丑抗争。这里，罗拉的“大叫”是为了逆转似乎上天已经安排好了的自己的命运。奥斯卡的“大叫”与罗拉的“大叫”，从表现形式到精神内涵一脉相承。

“大叫”是一种反抗，一种对现实世界彻底拒绝的反抗。“大叫”更是一种无奈，它是现实中无法实现的人们的一个神奇、浪漫、美丽的愿望和想象。 第三次大叫发生在第三段落。 镜头剪辑分析： 《罗拉快跑》中罗拉的第三次大叫，白天，赌场，事件：赌场好运赢钱。时间：（01：07：35—01:08:40） 号景 别 摄法内容音乐音响长度 1近景固定，慢速变 焦 赌场中转动的滚轴低沉的音 乐 滚轴转动的声音，罗拉开始 大叫的声音 02 秒6 2全景固定罗拉开始大叫及周围人 们的反应 低沉的音 乐声 滚轴的声音，罗拉叫声爆发 的声音 03 秒3 3特写固定滚轴上白色滚球音乐声渐 落 滚轴声，罗拉的尖叫声02 秒3 4近景固定赌场发牌员的反应无尖叫声01 秒6 5近景固定赌场保安的反应无尖叫声01 秒9 6全固定，慢速变罗拉大叫及周围人们的无尖叫声01

2020年《情书》影片色彩语言分析

《情书》影片色彩语言分析 电影是运用连续的镜头画面来叙述故事，镜头脱离不开构图、色彩、光影的组织结构。影视美术设计离不开对绘画的表现的原则和形式的吸收运用，因而影视美术设计天然地和绘画有着不可分割的联系。影视美术设计具有造型艺术的特点，造型艺术最基本的特征就是造型性与直观性，但是影视美术设计又不同于造型艺术的瞬间性和永固性，影视美术设计包含运动性，是“属于运动着的造型艺术”。这一特点让影视美术拥有了如音乐一般的流动感，在变化的景别、角度中造型。正如柏格森所说，时时在变化中即时时在创造中。影视美术设计的这种特性，捕捉了世界的瞬息万变，参与了影片的叙事中，从而形成了“有意味的形式”。 电影的色彩语言 法国电影理论家麦茨曾说过：“不是由于电影是一种语言，它才讲述了如此美丽的故事，而是因为讲述了如此美丽的故事，它才成为一种语言。”电影的语言就是视觉语言和听觉语言。当电影从黑白片进入到彩色片时期，电影色彩便成为了电影语言的重要组成部分。电影色彩不仅具有还原现实的再现功能，更重要的是它具有传达创作者的主观情感。电影色彩不是某一个具体的电影镜头里的色彩，它是在运动过程中不断变化的色彩，具有极强的感染力。电影美术是在运动中造型，同样色彩也是在不断运动变化中，给影片定下总的基调。电影色彩构成可以分为：基调色、段落色、场景色、具象色、场景色、抽象色。

基调色 首先基调色是指电影创作者以最准确的色彩基调，赋予整部影片以代表性的观念特征。一部电影的色彩基调，是影片主题的外在体现，影响影片的总体风格，也反映电影作者的创作思想和色彩思维意识。岩井俊二的影片《情书》的基调色是白色，白色是光谱的总和。康定斯基称白色为“一个世界的象征，在这个世界里，一切作为物质属性的颜色都消失了……白色的魅力犹如生命诞生之间的虚无和地 球冰河时期。”白色是七彩光全部反射的结果，能给人宁静、清洁、光亮、平淡、休止、肃静、倾向等联想。岩井俊二选用白色作为基调色，主要为了表达一种哀思，白色是一切色彩中最完美的颜色，是象征着哀悼的色彩。情书的基调色是白色，但其中人物的服装都为黑色，尤其是开篇博子的服装。如果说白色是一切的开始，那么黑色就是一切的结束。黑色否定白光，否定生命。康定斯基这样描述黑色：“黑色的基调是毫无希望的沉寂。在音乐中，它被表现为深沉的结束性停顿。在以后继续的旋律，仿佛是另一个世界的诞生。黑色像是余烬，仿佛尸体火化后的骨灰。”《情书》中的黑与白，正如太极图中的阴阳相生，它对比鲜明，但又和谐统一，寄托了对逝去的生命、对逝去的青春、对逝去爱情浓浓的哀思。 需要谈到的是基调色，也是在变化的，它变化的动机于剧本，于人物情感。在《情书》最后一个部分，博子在雪景中对藤井树说“我很好”的时候，整个调子暖了起来。同样是雪景的部分，这种冷暖调的对比非常明显，影片开篇时的白色是一种冷蓝色的白，而最后结尾

电影视听语言分析

电影《太阳照常升起》中的视听语言分析 影片改编于叶弥的短篇小说《天鹅绒》，这是一部反映人性欲望之中各种极致境界的电影，它同时具备让人心驰神往的梦幻色彩、天马行空的想像力、以及一种精致的黑色幽默。 电影的名字是从《圣经?旧约》里来的："一代人来，一代人走，大地永存，太阳升起，太阳落下，太阳照常升起。"姜文说，他觉得很像这个电影的味。时间流逝，生命交错纠结，在漫长的生命环节里，每个人都只是一瞬间。 姜文采用倒叙的手法将影片分为四个段落，每段都有不同的情感表述，他在努力营造一种酒醉般诗意化的氛围，一切画面都是无序的，时间是散落的碎片，情节是随意拼贴的段落。 台湾影评人焦雄屏对姜文的《太阳照常升起》的评价是：“这部电影有非常多解密的快感，几乎像《达芬奇密码》般繁复，一旦找到关键，就觉得此片非常清晰和令人震惊。”因此，这就涉及如何在这样一种断裂的话语中解读个中语意的问题。这四个独立成篇又互相关照的段落分别是疯、恋、枪、梦，即疯狂与执着、荒诞与尴尬、冲突与毁灭、生命与希望。其实。我们不妨从视觉和听觉的表达方式上去理解和感受影片的魅力。 第一篇——疯狂与执着 拥有一双美丽且灵性大脚的疯妈从影片一开始就执着地爬树，执着地呐喊，执着地刨石头、执着地重复那首"黄鹤一去不复返，白云千载空悠悠"、执着地为儿子搭建起了一座她认为最安全的世界。这里的每块石头都汇聚着她的爱，别人都以为她是疯子，然而隐藏在疯子外表下面的却是那种对于信念的执着。因为别人也不是什么都懂。 在视觉上的表达，首先，所有的色彩都是那么纯粹和饱满，那么直接刺眼。天空是纯纯的蓝，草木是油油的绿，泥土是生生的红，没有搀杂任何灰调。很单纯，有味道。其次，在光影的处理上也是采用了有力道的光线，把人物处理得棱角分明，对比强烈，没有柔和的过渡。有的是鲜明与对立。最后，片中出现了大量破碎化的视觉印象，破碎的镜子、破碎的照片、破碎的碗碟、破碎的算盘，这些都暗喻出了主人公的脆弱。疯妈最后也破碎地、空空地漂走了。 第二篇——荒诞与尴尬 在某种历史语境下，人们的行为总是表现出无法言表的荒诞与尴尬。在影片第二段中，以黄秋生扮演的小梁为视角，目睹了一幕幕真实的却又荒唐的戏剧化事件。当激情遭遇压抑，当真诚遭遇虚伪，当欲望遭遇名誉，当明亮遭遇黑暗，小梁突然觉得周围的一切都变得很陌生，于是，他选择很潇洒的"离开"，但也许这并不是一个悲惨的结局。 在视觉上的表达，首先，运用了忽明忽暗的、晃动的、压抑的光影，调制出隐藏于人们内心深处矛盾的味道。其次，色彩基调保持了一种黑白混合出的暗灰色，是人物内，心的写照。

《千与千寻》视听语言分析

中国传媒大学2011-2012 学年第二学期 视听语言课程 题目《千与千寻》中的氛围感——宫 崎骏动画中视听语言运用特点 学生姓名刘静雯 学号3033 班级10媒体创意 学生所属学院电视与新闻学院 任课教师 教师所属学院 成绩

《千与千寻》中的氛围感 ——宫崎骏动画中视听语言运用特点 10媒体创意3033 刘静雯 摘要：影视动画是绘画艺术和影视语言有机结合的产物，在表现非现实场景方面有着独特优势。其中，影视动画中独特的视听语言的运用为我们营造了一种非现实却又十分真实的观影感受，带领我们进入某种情感氛围。本文就动画大师宫崎骏作品《千与千寻》的视听语言运用进行简要分析，以更好地理解其中感情氛围的营造。 关键词：宫崎骏《千与千寻》视听语言运用感情氛围 正文： 1922年，法国影评家埃利?福尔满含感情的预言：“终有一天动画片会具有纵深感，造型高超，色彩有层次……会有德拉克洛瓦的心灵、鲁本斯的魅力、戈雅的激情、米开朗基罗的活力。一种视觉交响乐，较之最伟大的音乐家创作的有声交响乐更为令人激动。”八十年后，世界动画界最接近埃利?福尔梦想的，首推宫崎骏。宫崎骏可以说是日本动画界的一个传奇。他是第一位将动画上升到人文高度的思想者，同时也是日本三代动画家中，承前启后的精神支柱人物。宫崎骏在打破手冢治虫巨人阴影的同时，用自己坚毅的性格和永不妥协的奋斗又为后代动画家做出了榜样。他在全球动画界也具有无可替代的地位，迪斯尼称其为“动画界的黑泽明”。 《千与千寻》是由吉卜力工作室制作，由宫崎骏担任编剧和导演的一部纯粹的宫崎动画。它于2001年7月20日在日本首映，创下约2350万观影人次和304亿日元的票房收入，成为日本历史上最卖座的影片。《千与千寻》作为宫崎骏在《幽灵公主》宣布息影之后的出山力作，获得第75届奥斯卡最佳动画长片奖，被誉为宫崎骏的“爱丽丝梦游仙境”。 该片讲述了一个十岁少女在和父母由城市搬向乡村的路途中进入异界，在异界的生活中经历了种种奇异的事情时候获得成长，最终拯救父母回到现实世界的故事。该片日本名为《千与千寻の神隐》，“本来‘神隐’（神隐是指小孩子突然不知道去向）与澳大利亚的比特威尔导演创作的《罕巾古岩山的郊游》的电影，有着紧密的关系。……这部电影（《罕》）是给予1990年澳大利亚一座名为罕巾古岩山上，实际发生的神隐事件而创作的”①但是，比特威尔导演的电影只是根据了实情，并没有弄清楚神隐后在山中到底发生了什么。如果不利用幻想和动漫来完成的话，是很难描绘异界的，而宫崎骏将比特威尔导演没有实际表现的异界用《千与千寻》描画了出来。 这部典型的宫崎动画长篇将场景设置在一个完全由宫崎骏创造的异界之中，一切都既熟悉又陌生，处处散发着神秘的气息，我们的许多日常观念被打破，我们脑海中的既定规则被重置，但在这样的环境中宫崎骏为我们展现的故事却并不让我们觉得突兀，而让我们觉得其中蕴含真情，故事的发生发展都有其真实和合理性。该片之所以在叙事上如此成功，除了前期构思、大量与现实生活相近的材料搜集，以及宫崎骏独特的人生观世界观积淀以外，巧妙运用视听语言对故事氛围的烘托和对故事发展的推进无疑是最重要的原因。 爱森斯坦说过“电影只有在其变为彩色的时候，才能获得形象与音响的有机统一的彻底胜利，只有到那时，我们才能为旋律的最细微的曲折处找到最美妙的视觉价值”；另一方面，声音的运用为画面起到了补充作用的同时，也使观众的更多感官进入到影片塑造的环境之 ①引自《水的故事<千与千寻>》——出自《宫崎骏的暗号》116-117页【原着：（日本）青井泛翻译：宋跃莉】云南出版集团公司云南美术出版社2006年12月第一版

电影《情书》镜头剧情细细品评

好的电影就像一本好书一样，可以重复地看很多遍，可以认真地仔细地分析和研究，而且越看越有味道，越看越喜欢，每一次看都有会不同的感受和心情。第一次看《情书》的时候还是高中，当时在贵港石羊塘市场附近的一个混乱拥挤的网吧看的，那个有点炎热的下午，阳光照进来，空气中充满了看得见的灰尘，有点痒，有点热，有点困，更有点烦躁，于是竟然连最基本的剧情也没看懂，看完也不知道影片说了什么东西，唯一记得的场景就是博子对着雪山大声喊着“你好吗，我很好”，还觉得女藤井树的毛衣样式很好看，很温暖。第二次是前些日子，不记得是哪一天了，偶然间就看着了，当时的心情也许比现在更加激动吧，当时的心情也比现在更加满怀想说的话吧。今晚第三次看完，心中却仿佛无话可说，或者说有话说不出了。但是不管怎么样，还是应该写一些东西纪念一下的，毕竟这是一次难得的感情冲动，毕竟这是一次难得的情感共鸣，而且这是要作为自己以后有空回忆起来的印记，这更是一个珍贵的回忆吧，是值得珍惜和记忆的。也许手写的会更好吧，清晰的字迹一笔笔写在淡黄色的便签上，写完再夹上一片枫叶，以后回想起来会更美吧。那是当然的，那会增加了很多画面感，色彩感以及历史感，但是我的字很潦草，所以还是打字吧。 豆瓣和时光上的影评各有千秋，豆瓣更加纯洁，深刻，感性一些，而时光则是华美，有种光与影的交错的美感，那排版，设计，颜色，背景，图片都相当地精美，还有细细地评说。对于我这个年纪，这个经历不多，感情不深，认识不深刻，思想不深沉的人来说，时光上的影评会好看好理解很多。我喜欢的影评首先是可以从剧情，人物，故事，场景，镜头，剪切，哲学，音乐，历史，以及导演的审美观等方面综合地详细地分析一部影片，然后再写点自己的深刻感受，或者把自己的感情穿插其中，这种影评是我这个年纪所喜欢的，因为要喜欢一部电影，起码你得看得懂这部电影，理解这部电影。豆瓣上的影评大都是个人单纯的感受，写得纯洁而深刻，但如果你不能理解电影，你就难以达到共鸣。 影片一开始博子安静地躺在雪地里，闭着眼，憋着气，仿佛她要假装进入死亡的状态，以此来达到能与死去的未婚夫共同呼吸，共同对话，进入同一个世界的机会，这是一种多么幼稚到可爱的精神状态，可见博子对未婚夫的用情之深。白色的雪无疑是象征着纯洁的爱情，这是无用细说的，在电影后文中，几乎电影的大部分时间里都笼罩着这么一种白色纷繁的世界中。 博子在车中与未婚夫的妈妈对话，以及在未婚夫家中蛋糕，毕业照这些小事上，都显示出一种主动和被动性格的对比。博子内敛含蓄，而妈妈则独立自主，勇敢自信。而在紧接下来的剧情中，在混乱而小气的小樽市，邮差和女藤井树也是如此，邮差热情主动，而女藤井树则冷淡退避，那些可爱的神态可以一一表现。邮差叫“啊树”的亲切有力，仿佛包含感情，而啊树则“”怎么啦的不耐烦和讨厌，明眼人谁都可以看得出邮差的心思。看到混乱而小气的小樽市的街道，我想到的更多的是无关剧情的历史和政治，想到隐忍，小气，认真的日本国民性格，想到日本狭小的国土面积和众多的人口，想到火柴盒式的房子，“居则养其气”，可能就是因为狭小的空间让日本人的性格中充满了小气，小气包含了认真，细腻和认真到要钻牛角尖的极端。这在日本的教室也可以体现，教室的窗子总是乱七八糟，黑板和墙上同样如此，细细碎碎的东西相当多，这如果在小学，那会显得很可爱，但在高中和大学就显得琐碎和多余了。

广告视听语言分析

先声夺人，先以鸽子声和高跟鞋的声音出现，带入飞翔的鸽子和穿着高跟鞋快步小跑的女人。以全景的构图交代故事发生的地点，时间和环境。鸽子首先飞过，以横向线飞入，女子从画面最右下角进入，以纵向线行走，与整个画面形成对角线构图，把女子作为主体放在对角线，能有效利用画面对角线的长度，同时也使火车站建筑这个陪体和主体发生直接关系。故事的开始就为故事的发展做出了铺垫，使整个画面富有动感，显得活泼。鸽子的飞行方向与女子的行走方向形成聚拢，使画面有中心点，达到突出主体的效果。高耸的建筑与女子的身高形成高低对比，增加画面的纵深感。从色彩上建筑屋顶的绿色与女子的红色上衣形成对比，利于吸引观众的视线。

以汽笛声，高跟鞋声，火车站播报声，增加现场感。多角度的拍摄使画面更加丰富，先以一个全景交代地点和环境，机位轴线从左边切到右边，进入中景，镜头的斜街非常自然，镜头的运用为画面添加紧张感。人物在纵向跑动中，列车的倒影产生一些光影明暗变化，使画面更加丰富。 通过两个镜头的弧线运动，完成故事和画面的延续性，增加紧张感，配合此时的一声哨声，暗示故事的即将正式开始。此时列车的颜色加深，为深墨绿色，与女人的红色上衣形成鲜明对比，突出主体。

机位从左侧的中近景转到右侧略俯视的特写镜头，再转回平视，使画面更加生动。 第一张在构图上把女主角至于中心点的位置，男主角通过手触摸玻璃，环绕着女主角慢步进入画面中心，玻璃的反光使人物更加灵动，中近景客观地交代了事情的起因和环境，在狭小的车厢内，男主角侧身而过嗅到女主角身上迷人的香水味，这是男女主角的第一次邂逅。因为这个狭窄而又无人的环境显得私密，暧昧而浪漫。景别的切换使人物产生关联，拉近了角

《海上钢琴师》视听语言分析

《海上钢琴师》视听语言分析 描述:电影《海上钢琴师》整部影片采用回忆的方式讲述了一个名为1900的天才钢琴师从出生到死亡始终没有踏上过陆地的传奇故事。时空的交错，场景的切换，镜头的衔接，整部电影都处理得十分流畅自然。整个故事浑然一体，没有一丝一毫突兀的感觉。让观看者不知不觉融入到电影中去，如同身临其境般与故事中的人物同喜同悲。 电影《海上钢琴师》整部影片采用回忆的方式讲述了一个名为1900的天才钢琴师从出生到死亡始终没有踏上过陆地的传奇故事。时空的交错，场景的切换，镜头的衔接，整部电影都处理得十分流畅自然。整个故事浑然一体，没有一丝一毫突兀的感觉。让观看者不知不觉融入到电影中去，如同身临其境般与故事中的人物同喜同悲。 导演托纳托雷似乎比较钟情于在影片中贯穿一种比较含蓄甚至是有点悲剧色彩的格调,在《天堂电影院》和《海上钢琴师》这两部他的代表作中充分体现了他的这个特色,《海上钢琴师》中1900的与船同亡的结局给观者留下的不仅仅是对主人公的惋惜,更多的却是对这个世界的思考。 下面仅就“钢琴决斗”一场试分析影片的一些视听特征。 场景选择 在“钢琴决斗”这场戏中，导演选择让决斗在维尼吉亚号上华丽的舞池中展开。维尼吉亚号可以说是1900的整个世界，正如他自己所说“我的世界就是在这艘船上”而船上的舞池是1900唯一展现他才华的地方，对于一个没有生日、没有国籍、甚至是否存在于世都被怀疑的1900来说这方小小的舞台是其存在的体现与意义。Jelly选择在舞会高潮的时候开始了他的挑战。这个爵士乐的发明者，从这个场景一开始就被塑造成一个被金钱和名利所包裹的人。次刻，他需要在一个万众瞩目的时候登场，他是在炫耀,他要在众人面前羞辱这个被人称为比他强的1900。全然不顾这个从未离开过维尼吉亚号，所有音乐仅限一方小小舞台的1900，他带着莫明的仇恨向1900的根据地席卷而来。 同时，这个攒动着当时社会名流的舞池，集聚着一群趋炎附势、人云亦云自诩为音乐欣赏者的人。他们浮华、并不愿意沉静下来欣赏真正美妙的音乐。这也直接影响到1900最终没有踏出那一小步的原因，因为他们根本不懂得1900的音乐。1900是个天生的钢琴家，同时也是个天生的思想者，他追求生活存在的意义。他清楚地认识自己，大海就是他的世界，钢琴就是他的人生，他可以用88个键弹凑像大海一样无限宽广的音乐，在这里他能看到天边的尽头，而这是那些人所不能明白和理解的。

《假如爱有天意》段落视听语言赏析

《假如爱有天意》段落视听语言赏析 摘要：爱是上帝馈赠给我们最好的礼物！《假如爱有天意》虽然看了很多次，但每一次看都还是能深深得打动我，在所有的爱情片中她绝对是独特得!不单单是两代人浪漫情节设置巧妙，更多的是细节的刻画，每个画面的独特魅力，及音乐的恰到好处！在这里我只选了一段，赏析分镜头剧本及视听语言。这段是“梓辛在合作社和女职员的对话中知道尚民是为了自己故意把伞留在合作社跑去和她淋雨的，她兴奋地像只幸福的小鹿淋着雨奔跑去给尚民还伞(在话剧舞台上他们终于袒露了已久的心声)每次看到这里我都落泪！心会情不自禁跟女主角剧烈地颤动着，难道只因为我是个简单而又纯情的小女生才会这样想吗？其实只要是爱过或渴望被爱的人亦如此！爱情是人类永恒的主题，怎么表达爱也必定是每个爱情片决胜之处，此片的诱人之处就是影片从头到尾都以情缘为主线，两个人相爱没有什么“原因”，更没有什么“条件’,那是从心底而发的再自然不过得感觉了，它就像刚刚挤出来的牛奶，纯纯的，香香得…… 关键词：情感伞雨音乐光 赏析示爱情节（内容） 1、这段是《假如爱有天意》感情浪的一次最美丽的高潮。别看只有短短的6分钟，但它却超级巧妙地揭开了梓希幸福的面纱悄然的流露爱的甜蜜，原来自己一直暗恋的人也喜欢自己，没有一句“我爱你”没有爱情片惯有的拥抱，拉手，亲吻，开始甚至没有男主人公尚民在场，其实那扇窗就是幸福的寄寓，这个片段共有16个镜头都和窗有密切的关系或是直接描绘，男女主人公都从那里看到了自己的恋人也就是对方，窗也是情节、感情、剪辑的突破口；如这段的第26和第27个镜头的蒙太奇式连接，让观众一下子恍个神站在窗前明明是梓希，透过窗字外面跑的怎也是梓希？经过这扇窗回来梓希不见了，是尚民站在窗前！第24和第25个镜头也是用窗做了两个镜头的连接，特别巧妙！第26和27个镜头也一样，同样是窗前，同样是转头，尚民马上变成了梓希！透过这扇窗可以让我们一起和梓希回忆：还是下雨天，只有结合着上次的雨天发生的事我们才能明白一切，上次尚民淋着雨跑到梓希躲雨的大树下，给观众也造成了一种错觉，以为只是巧合再说的悬点就是缘分，不过当时梓希也只能这么想，然后尚民非常热情的把上衣脱下来他俩一直披着上衣在雨中迈着同样的步伐跑到了图书馆，梓希一直怀念着这份相遇，谁曾想……这是尚民苦心的安排；女职员开始说这是把特别的伞，遭到了梓希的冷嘲热讽，谁知这把伞却真正是自己的爱的信物，它真的很特别，为什么梓希和女职员都说它特别呢？画面中还有那么多伞的镜头，（片中女职员回忆尚民时往门边上立了一次伞，第二次梓希想象的尚民也在同样的位置放了一次伞，十几秒吧，画面上共放了两次伞，还有长时间门边上伞的特写，别小看这些动作，导演为什么要这么安排呢？这些画面又是女主人内心怎样的一种反应呢？ 所以说导演把这个道具“伞”好像失去了实用价值，男女主角在大雨中宁愿把它十分开心地送给别人（女职员）：“我的给你用吧！”就算有也不会用，哪怕浑身湿透也开心无比。这在女职员眼中是不理解的，是近乎疯子所为呀！但在荧幕

日本电影大师 岩井俊二 电影《情书》 课件解析

情书 导演编剧：岩井俊二 演员：中山美穗藤井树/渡边博子 丰川悦司秋叶茂 柏原崇男藤井树 酒井美纪.少女藤井树 上映日期：日本 1995年3月25日 《情书》是岩井俊二指导的第一部在电影院公映的剧情长片，上映后立即在日本等各国引起轰动，至今仍然有着简单纯净的艺术内涵，成为九十年代最为脍炙人口的日本爱情文艺片。 其它作品：《燕尾蝶》《关于莉莉周的一切》《梦旅人》《烟花》、《爱的捆绑》 1.唯美含蓄的爱情故事。 影片其实是在讲述两个故事，一个是博子怀念死去的未婚夫藤井树，又要面对善良的老师的追求，她处于失去爱喝被爱的矛盾境地，只好借助死去的未婚夫来寄托哀思；另一个故事时讲述中学时期的暗恋。通过一场误会，逐渐揭示了三个人物之间的内在关系，也将男藤井树对女藤井树的暗恋呈现出来。这个暗恋是在影片最后才揭示出来的，也就是那封女藤井树没有勇气寄出的信。由此导演揭示出男藤井树真爱的是少年女藤井树。而他对于博子的爱只是一种无法实现的暗恋的寄托。 两段爱情中，博子的爱浓烈深沉，藤井树却如此内敛羞涩。影片以以含情脉脉的笔触舒缓地展现了两段可贵的爱情。女主角博子对藤井树的眷恋，两个藤井树之间朦胧的情感，这两段爱情都没有由于藤井树的意外死亡而枯萎，而通过细腻感人的影象深深地印在心里。

是女藤井树的回忆让博子终于走出了自我情感的深渊，也是博子让藤井树了解到从未深究过的记忆中的自己。彼此照亮却从未相逢，似乎没有人为她们遗憾。在影片中两人已然融为了一体，成为爱与记忆的印象。 主题：爱记忆与遗忘孤独和离丧 2.一人饰演两个角色的精妙之处。 影片成功的让一个演员扮演两个不同的角色，而这两个角色是结束影片主题的关键。通过成年女藤井树和博子极为相似的长相，来表现中学时期男藤井树对女藤井树的暗恋。 3.对岁月的怀念 在精心描绘爱情的同时，岩井俊二还着意表现了对逝去岁月的怀念和追忆。尘封的爱情和青春在主人公的回忆中逐渐清晰、复活。与现实相比，影片中的过去更为明快优美。在那一幅幅唯美的画面中，漫天飞舞的片片樱花，暗生情愫的少男少女，都唤起我们的无限遐想。 4.对死者的悼念，对死亡的看待。 《情书》的故事情节始终是围绕着生死而展开的，但与众不同的是，它并没有刻意去表现死亡的恐怖与残酷。 例如：男性藤井树的遇难、少女藤井树父亲的去逝、成年女藤井树因患重感冒而险些丧生。影片中将死亡淡化为一种哀思和怀念。 男藤井树的死亡，片子一开始便是他离世两周年的悼念会，死亡本应给片子笼上灰暗的色调，但导演却将他的死处理得十分平和。在他死后，身边所有人的生活又走上了正常温馨的轨道。连他的父母都已经从哀伤中走出，唯独博子却一直耿耿于怀无法自拔。 少女藤井树父亲的死亡，那一段回忆的镜头和而后在冬季结冰的湖面被冻死的蜻蜓，一切的一切都是对死亡沉重的怀念。 尤其是在女藤井树生病，爷爷背着她在大雪中奔跑，不放弃一分一秒抢救时间的镜头叙述，用大量镜头来表现女藤井树的病，则意在通过这种生死较量的情节衬托出生命的珍贵。

影视视听语言艺术分析

影视视听语言艺术分析——以电影《这个杀手不太冷》为例 摘要：影视艺术是一种视听语言艺术，而视听语言则又包括了视觉艺术和语言艺术，两者缺一不可共同构成了影视作品中的视听艺术。电影《这个杀手不太冷》是着名电影导演吕克·贝松难得一见的佳作，也是一部非常成功的商业电影。吕克·贝松在导演该作品过程中运用了大量的视听语言技术，为整个电影作品营造出来很强的艺术表现效果。一方面显示出导演吕克·贝松对电影艺术创作技术掌握的非常到位，将自身精湛的技艺充分融入到电影拍摄过程中；另一方面也为自己以后的影视创作带来了诸多的良性影响。本文主要以电影《这个杀手不太冷》为例，对电影作品中的影视视听语言艺术进行了深入的分析、研究。 关键词：影视；视听语言；艺术；《这个杀手不太冷》 《这个杀手不太冷》电影中的主人公里昂是导演吕克·贝松虚拟刻画出的一位人物，如果说谁是这个世界上最着名的杀手，那么很多人会异口同声的说“里昂”。在杀手的行业里，往往人们眼中的高手都是非常低调的，尽管如此，他们的名字还是被人们所熟知，他们的故事还是被人们争相谈论。在世界范围内，论杀手的知名度和影响力，很少有超过里昂的。电影在上映的初期，许多媒体在宣传的时候都冠以《杀手之王》的美称，一位电影银幕上的杀手主人公形象能如此地深入人心，这不仅体现了饰演者让·雷诺精湛的演技，更体现了电影导演吕克·贝松对电影创作的驾驭能力。 电影《这个杀手不太冷》于1994年上映，可以说是导演吕克·贝松的转型之作。在此之前，吕克·贝松的作品都是一些艺术性较强的小众电影，而电影《这个杀手不太冷》可谓是其第一部真正意义上的大众电影。作为一部成功的商业电影，吕克·贝松通过对影视视听语言的掌控，将作品表现的更加细腻，这也是众多好莱坞商业电影中非常罕见的，电影中的很多镜头和场景都被一些专业人士或非专业认识拿来分析、研究，让人们更加能够深入了解该部影片的艺术价值。 影片一开始部分，导演吕克·贝松就为主人公里昂制作一个长达9分钟的开场秀，勾勒出里昂基本的主人公形象：杀手身份、身手娴熟、讲原则、守承诺、冷酷且又低调，让观众对里昂有了一个全面的了解。随后出场的是故事的女主人公玛蒂尔达，导演用一个俯拍的全景镜头进行了特写，“回字形”楼梯的中控部分当作镜头的北京，镜头中出现一双女式皮鞋。紧接着镜头逐渐上升，画面中出现女主人公的裤子，然后出现的是纤细的手拿着香烟、秀气的脸庞、灵动的双手合秀发，上身的外衣很随意地半掩着右肩。故事接下来，玛蒂尔达和里昂在交谈的过程中，不小心将右脸的伤痕显露出来，这让观众了解到女主人公是一个处于青春叛逆期的女孩，生活过的不是很快乐，但是生性大胆、有主见。在这里，导演吕克·贝松大概用了30几秒和几个镜头来勾勒出女主人公玛蒂尔达的人物性格、人物特征和生活面貌，拍摄手法精炼无比。 接下来的部分是电影中经典的桥段之一，可分为三个部分。其一，是邪恶的警察史丹杀害玛蒂尔达全家的过程，包括她的父亲、母亲、姐姐和弟弟。其二，是玛蒂尔达因为去超市买东西而幸免于难，当玛蒂尔达从超市回来看到自己家门口站着坏警察手下的时候，并且得知家人被杀害的一刹那，她故作镇定的往前走到里昂的门前并按响了门铃乞求里昂开门。其三，里昂一直用猫眼观看门外发生的一切，在看到玛蒂尔达走向自己

范例—电影毕业生视听语言分析

范例—电影毕业生视听语言分析

电影《毕业生》视听语言分析 一、故事梗概： 《毕业生》这部电影是美国60年代中后期的电影代表作品，反映了当时美国的很多社会现实典型问题，真正表现了平常百姓遇到的问题和生活的感受。本电影的剧情如下：一个刚步出大学校门的社会新人本杰明，然而面对众人口中所谓的美好前程，他只感到一片茫然，这后他陷入了一个已婚妇人罗宾逊夫人的诱惑中，然而又爱上她的妙龄女儿伊琳。在当时这个题材是很吸引人的，这部大胆揭露六十年代年轻人迷失方向，戳破美式中产阶级虚伪面具的电影，成为当时好莱坞电影的先锋之作，冷战使得社会的压力强加到了这些刚出校门的社会新鲜人身上，人一旦承受了压力就一定会找机会发泄或者倾诉，但是无论压力怎样大，理性是不会失去的，电影中的本杰明克服罗宾逊夫人的威胁最后选择了伊琳，正是理性的。这部电影简介上总写着：爱情/喜剧/剧情这三个词语，不过，在我看来这部电影首先是剧情片，至于爱情，是在电影后半部分才体现出来的。 这个电影大致可以分为四条主线。 二、影像分析： 整部电影的画面具有XXX特点，采取了XXXXXX风格，夕阳中的大海、天空、绿色的原野、空阔而笔直的公路。整个作品画面非常XXXX、XXXXXX、在XXXX中透着XXXXXX。例如，随处可见的自然光源，透过树叶洒下的细碎光影，打在公路上飞快行驶的车内人的脸上，光影变幻，导演捕捉光的能力值得称道。 1、光影： 光影的运用也很巧妙，当汽车在公路上飞驰的时候，阳光通过路旁的树叶的剪影打在车上，非常漂亮。线条的运用也很出色，几乎每一个镜头，都能发现线条的美感，从摄影的角度来说，是非常到位的。 2、色彩： 整部电影主要采用XXXXXXXXXX的色调，具有XXXXX特点，摄影运用滤色镜，使整个画面蓝色衬底。夕阳中的大海、天空、绿色的原野、空阔而笔直的公路。整个画面非常柔和、浓郁、在平静中透着轻盈。随处可见的自然光源，透过树叶洒下的细碎光影，打在公路上飞快行驶的车内人的脸上，光影变幻，导演捕捉光的能力值得称道。 3、构图： 整个片子摄影上非常出色，整个构图符合XXX原则，唯美而干净。大量采用XXXXX，使片子富有绘画般的美感。有几处运用了景深镜头，一是本杰明被罗宾逊太太诱骗到家中百般引诱，外面传来汽车声，本杰明奔下楼梯，罗宾逊先生开门进来，前景是二人交谈，后景是楼梯拐角，前后景形成了互动关联的关

电影《情书》的影评分析范文

电影《情书》的影评分析范文 东方式的电影构思——由日本影片《情书》引发的思考 近年来，被日本电影评论界称为“日本新电影的旗手”的岩井俊二引起世人瞩目。特别是1995年他的爱情影片《情书》，不仅在日本引起了空前的轰动，而且获得了东南亚乃至欧美的好评。在同年的横滨电影节上，一举夺得了年度最佳导演和最佳影片两项大奖。 影片《情书》的魅力何在？岩井俊二自己说他只不过是在影片中加入了许多个人化的东西。所谓“个人化”，我以为既是他的个人艺术风格，也是民族心理、情感的表达，更是一种东方式的电影艺术构思。本文拟从《情书》的结构方式、情感表达和人生感情三个方面分别加以阐述。 一、细密的蒙太奇结构 在世界各国的许许多多爱情影片中，男女之间相互爱恋的故事早已司空见惯，形形色色。有的直率倾情，有的明争暗斗，有的成人之美，有的夺人所爱，或悲或喜，亦悲亦喜，林林总总，不一而足。故事尽管千差万别，各不相同，但其中的共同点是：铺陈人物情感发展变化的历程。然而，岩井俊二的《情书》却独辟蹊径，在众多爱情影片中脱颖而出。其实，严格地说，《情书》算不上爱情片，因为影片中三个男女主人公都没有真正相爱过，所谓“情书”也不是其中一对男女主人公互诉衷肠的书信，而是通过两个女孩之间的通信唤起回忆的媒介。那么，《情书》用什么打动了不同国界的千百万观众呢？这正是岩井俊二东方式电影构思的秘密所在。 《情书》的叙事文本很简单：处于青春萌动期的男中学生藤井树深深地暗恋着与自己同姓同名的女孩藤井树。尽管他这种纯真的感情很强烈、很执着，但却始终不曾向她表白过，只在一些微不足道的细节中以恶作剧的形式透露出一丝丝内心的隐秘。而女藤井树全然未觉，根本感受不到他的爱恋。中学未毕业，男藤井树内心埋藏着那种青春的暗恋情愫转学来到了另一座城市，认识了另一个叫博子的女孩。博子的相貌、气质与女藤井树几乎一模一样，于是，男藤井树便把对女藤井树的爱恋倾注在博子身上。后来，男藤井树在一次爬山中，意外坠山身亡。 这样一个简单的故事，如果采用一般的结构模式，完全可以衍化成一部曲折生动但毫无特色的爱情片。然而，岩井俊二的独特而高明之处就在于他特意舍弃了三个男女主人公之间爱情的是是非非、悲欢离合，而把笔墨集中在对往事的追寻和回忆上，形成了《情书》错综复杂的电影结构文本。 影片情节发展以博子探寻男友藤井树的爱情真相作为推动力，引发了另一女主人公藤井树的回忆；再以女藤井树的回忆作为次动力，不断推进博子的情感转变，从而共同完成两个女孩子情感蜕变的过程。 时空层面。在现实时空中的情节采用外视角的形式，按照编导者的理性思维和情绪变化，表现两个女主人公在共同寻找“情书”之谜的答案过程中，由于某些外在因素的联结，致使两

电影视听语言风格分析

电影视听语言风格分析 摘要 每一部电影由于创作者的不同而体现出不同的风格，但表现在影像的表达方式上主要是蒙太奇与长镜头。在每一部电影中，都会有这两种方式的出现，而区别就在于更注重哪一种方式的使用，这也就形成了导演的特色风格，如侯孝贤的长镜头的冷静观察，但大部分好莱坞电影更注重蒙太奇的使用，无论哪种方法都给观众带来不同的视听感受。 关键词视听语言，蒙太奇，长镜头 视听语言作为影视艺术独特的造型手段和叙事方式以及文化传播工具，具有非常强大的艺术魅力和审美功能。作为影视艺术叙事、表意媒介的视听语言是由有机组合在一起的画面和声音组成，以及声画关系等。主要是蒙太奇和长镜头两种风格。 （一）蒙太奇 1.含义：蒙太奇是法语montage 的中文音译名，在法语里是装配、构成、升高或爬上之意，是建筑学用语。苏联蒙太奇学派的创始人库里肖夫、普多夫金、爱森斯坦在镜头剪辑与组合的科学试验和艺术实践中，发现了镜头组接中产生的心理效应和艺术效果，库里肖夫把这种镜头称之为“蒙太奇”。蒙太奇镜头在组接和剪辑影片时，可以在时间和空间上给人特别的视觉效果。 蒙太奇有广义和狭义之分。广义的蒙太奇指的是镜头画面的组接,也指从影视剧作一开始直到作品完成的整个过程中所有参与的艺术家的一种独特的艺术思维方式和他们对作品对艺术的诠释方式。这个概念里比较著名的应该是苏联学派的理论。其中最突出的代表是普多夫金和爱森斯坦。爱森斯坦他主张破坏人们的习惯的叙述法则。他强调单镜头空间因素的那种内部结构张力的变化以及镜头的空间上的冲突。而普多夫金则主张尊重人们的习惯叙述法则。说时间应该顺应情节的发展，而且非常的注重人物心理的描写和感情的描述。两个人主张的确定

艺考编导视听语言分析

视听语言四课时的教学内容： 教课方式：结合精剪视频片段 理论知识： 第一章影像 第一节基本概念 一、影像的基本单位——镜头 （一）镜头的基本含义 镜头一般有两层含义：一层是指作为组成画面的镜头；另一层是指作为硬件方面的镜头。 1.画面镜头 指拍摄过程中摄像机由启动到关闭这段时间内连续拍摄的内容。 镜头是由画面和音响组成的一个信息单位，是视听语言的最基本的单位。镜头的职能是提供信息。 单个的镜头并不能完全表达明观念、内涵，镜头与镜头连接后形成的逻辑关系才是视听语言用以表达含义和讲故事的重要手段。 2.物理镜头

作为硬件方面的镜头，它是指摄像机的光学构件，它是内透镜组合而成的成像系统。 （二）镜头的类别 从摄像机装备的镜头规格以及形成影像的效果看，我们一般把镜头划分为三种类别：广角镜头、标准镜头和长焦镜头。 1．广角镜头(Wide Angle Lens) 指焦距小于25毫米，视角﹥60度的镜头。 可提供较宽广的视角，景深大，透视力强。拍摄效果的特点是前景显大，后景物愈远愈小。 能显示广阔的空间和深度，适应拍摄远景、全景、大场面的活动，或是在狭小空间以及没有退步场合的拍摄。 广角镜头贴近主体拍摄时，可以得到夸张性效果。 缺点：被拍摄景物容易变形，如近距离拍摄人物时往往发生形象扭曲、变形和失真等情况。 2．标准镜头(Standard Lens) 焦距为25毫米，视角在45度左右的镜头。 所摄景物成像比例和远视关系都接近人眼的视角影像，而且畸变最小，一般用来拍摄近景和中景。 是影像表现的主要手段和形式。 3．长焦镜头(Telephoto Lens) 焦距大于25毫米，视角﹤40度的镜头。物距可达几米甚至几十米不等。 观察范围小，其视角窄、景深小，所摄画面包括的景物范围也不够大，一般用来拍摄特写和局部影像。 可拍出远处景物的特写或不易接近的主体。 缺少空间感，但有很好的朦胧美，适合对细小景物的描写。对人不容易接近的动物生态摄像时，效果尤佳。 （三）镜头的长与短 在拍摄中，每一个镜头都有时间长短的差别，分别称之为长镜头和短镜头。 长镜头:长镜头就是在每一个统一的时空里，用推拉摇移等方法多层次、多景别、不间断地展现一个完整的动作过程或时间进展的镜头。 其主要目的是，一方面用来记录事件本身；另一方面还要抓取人的情绪反映和现场的氛围。 二、影像的基本元素 机位：摄像机的位置 画框：影像的边缘 构图：画面内各种元素的结构、布局 景别：画面范围的大小、远近 角度：摄像机与被摄物体的水平与垂直夹角 焦距：镜头中心点到清晰聚焦的那一点间的距离 景深：距离摄像机镜头最近的清晰影像到最远的清晰影像之间的距离。 运动：摄像机拍摄时位置和角度的改变 照明：场景中的光效

视听语言分析之阿甘正传

视听语言分析之阿甘正传好莱坞一直以来都是电影的王国，大量的商业巨制电影从这里产生，进而风靡世界。但是我们也可以看到一些非常经典的电影，《阿甘正传》就是一部非常经典的好莱坞大片。今天我们就从视听语言的角度来分析一下这部经典的作品。 本片改编自一部同名小说，影片通过阿甘对自己生活的讲述，深层次的剖析了美国当代历史，以幽默的方式对社会现象和战争进行讽刺。作为一部以人物记录历史的影片，阿甘作为主要线索，经历了美国最动荡的一段历史。影片也同样倡导了美德的回归，进行正确的精神引导，大力提倡人性关怀和人文主义精神。它是好莱坞反智潮流电影中的经典名作。 上个世纪九十年代是美国社会的反智情绪高涨的时代。于是好莱坞便出品了一系列贬低现代文明崇尚回归原始阐释人性的影片。其中《阿甘正传》便是通过一个智力障碍者的视角，描述了美国二十世纪五十年代到八十年代生活的方方面面，越战，政府丑闻，外交，种族冲突……反映了当时社会的动荡不安，与人们生活的生活状态——多数人的消极颓废与盲目热情。《阿甘正传》这部影片就是让美国人回顾自己的历史，重新审视自己。阿甘在此片中被塑造成一个天生弱智，却具备了人类最优秀美德的人。他坦荡的面对生活带给他的挑战，在混乱中接受锤炼，只冲着一个方向奔跑，最终跑向了他的终点。这是一部人生寓言，带给人们欢乐的同时，引发了广泛的思考。 在这部影片中，人物造型有很强烈的对比。阿甘的形象出现时一般是清爽整洁的，与影片中出现的其他人的形象形成了鲜明的对比。汤姆汉克斯成功的塑造了一个先天性智力残疾，却朴实真挚的阿甘。幼年时阿甘拙笨，说话缓慢而坚定，而成年的阿甘说话滔滔不绝，包含了一种绝对的自信。珍妮，她一直是阿甘的天使，正因为听了珍妮的话，阿甘才能永不停歇的跑着。但是与阿甘不同，她的生活始终是随波逐流居无定所的，她从生活上到精神上都是个流浪者，找不到自己的位置。她想成为歌星，却只能在街上或者色情酒吧里卖艺，与一帮狐朋狗友们吸毒。她的生活中总是充满了色情，暴力，毒品这些负面因素。所以影片塑造出的珍妮的形象总是阴暗的，模糊的。但是她对阿甘又是真诚的，所以在影片结尾处，珍妮的形象又回归了初识阿甘时的纯洁美丽。丹中尉，一开始出场便是狂野的，翻脸如翻书，上一刻还在开玩笑下一刻又在严肃的下达命令。他在战场上一门心思的求死，延续他家族的“光荣”捐躯历史。在做完截肢手术后的丹中尉异常绝望，他认为生活的希望全都结束在了战场上，他本该死在那里，对阿甘的救命之恩完全不领情。从战场回来后变得有些神经质，穿着邋里邋遢，说话粗声粗气，宣泄着他的不满。但是在新年夜里，他的悲伤抑制不住的外泄，让观众感受到他真正的内心世界。后来在海上他与风暴进行搏击，又以不屈不挠的反抗者形象出现。最后“他和上帝讲和”后，以及在阿甘结婚时出现的形象是温和的，这

视听语言1结课作业

视听语言1结课作业-标准化文件发布号：（9456-EUATWK-MWUB-WUNN-INNUL-DDQTY-KII

《情书》《黑天鹅》景别和构图分析一．远景 1.大远景 电影开始女主躺在雪中，醒来后镜头慢慢拉远，直到出现这个镜头。这个镜头采用了动态的S型构图，路从画面左下角向右上角延伸，这个镜头是定的，而女主则从画面左下角向右上角跑去。有力的表现了其空间感和深度感，也突出了雪后小镇的宁静。交代了影片主人公生活的环境，渲染了氛围。 2.远景

这个镜头采用了动态立式斜垂线构图，画面中电车和人物都是运动的。这样更好的延伸了画面。而电车是从左下向远处驶去的，这样很好的和上一个镜头（藤井妈妈把感冒的藤井骗到医院后与弟弟驾车由远处向镜头驶来）转场。画面中的人物向右下走来，进入下一个镜头。 二．全景 1.大全景

藤井由于感冒被妈妈骗来医院就医。这个镜头采用了立式斜线构图交代了医院内部。倾斜的画面感体现了藤井内心的不平静，呼应了前面藤井不愿意来医院就医的事实。这个镜头中虽然藤井的位置比较靠中，但是由于运用了倾斜式构图，避免了画面的平淡无奇。 2.全景

藤井由于感冒迟迟不去医院就医所以被妈妈骗到医院。画面采用了二分法。虽然采用二分法容易使画面平淡无奇，但是因为这个画面周围环境单一。并且这样拍摄更客观化的展现了主人公的情绪。有承上启下的作用。 三．中景 1.中全景 藤井在医院等候过程中睡着了。迷迷糊糊间梦到以前爸爸因为感冒被推到手术室的情景。她也因此从椅子上站起来跑向手术室，这个过程中大量的运用了立式斜线构图。增加了画面的不平衡感。也是藤井内心变化的折射。由于这是在梦中，导演在光线上采用了逆光拍摄。增加了画面的朦胧感。也为之后的梦中转场铺垫。 2.中景

电影视听语言分析

从《赤壁》的视听语言中浅析电影文化电影文化是反映一个国家和民族文化的重要途径，电影《赤壁》就具有鲜明的民族特色，以中国文化为核心融入了好莱坞的风格，超越了国界，推广了中国文化。我们以电影《赤壁》的视听语言来分析其优势和特点，近而反映出的电影文化，主要包括细节展示、人物塑造、节奏剪辑和台词设计四个方面。 一、彰显特色的细节展示 在电影的开篇出现的是一把锈蚀的铜剑，那些斑斑锈迹正在慢慢剥落。宝剑逐渐显露出原初的锋芒。这把古剑的纹样雕刻精美，是中国古代特有的兵器，象征权利的争夺与智慧的交锋。接着曹操的出场镜头是腰部的特写，把观众的视线集中到他佩戴的一大串玉坠上。玉在中国古代使用时有明显的等级地位，君臣佩戴玉的规格和形制都有明确的规定。这里用曹操佩戴的玉之多凸显其至尊贵的地位，大权在握的他极为嚣张，容不下半句反对的言论，为后文一系列情节的发展打下铺垫。在第一次周瑜和诸葛亮上一阵法时，乌龟出现留下悬念。之后在八卦阵启用之时揭示了谜底，原来这种阵法源于乌龟背上的纹理，隐喻了我国古人的智慧和用兵的神奇。小乔尽显江南美女的婉约与柔媚，其服装的设计以柔和的波浪线表现古典婉约，色彩上华丽典雅。同时也不乏朴素。这种独有的凸显人物性格的纹样设计，也是表现中国传统文化的一种形式。在《赤壁(上)》的结尾出现了很多自由飞翔的白鸽，它们从两军对峙的江水上轻轻飞过。就好像跨越了战争

飞向人类共同追求的和平。 二、性格鲜明的英雄人物 三国鼎立时期的英雄层出不穷，但却性格迥异。电影《赤壁》抓住了各个人物身上的主要特点，将中华民族的精神恰当的附加在他们身上，表现出对和平、自由、团结等精神的向往。在影片中首要表现的是人物的重情重义，在危难之时紧密的团结在一起，共同对抗强大的敌人。周瑜在练兵时就强调“东吴军队需要的，就是“齐心”，之后又用编草鞋的草告诉大家团结就是力量。在《赤壁》中除了表现英雄人物在战场上的神勇和在战术方面的智慧，还表现了不少他们的个人生活，这样就摆脱了好莱坞电影平面的人物形象，使人物更有立体感。刘备多年保持编草鞋的习惯，拿起课本教书的关羽与在战场上勇猛无敌的他判若两人，而张飞放下丈八的长矛竟然拿起毛笔也挥洒自如，料事如神的诸葛亮亲自给鸽子洗澡并用扇子为其晾干。这些情节不仅让三国中的人物走下神坛，成为有血有肉的活生生的人，而且在无形中融入了我国的历史文化，也是带有现代精神的历史传奇。三、张弛有序的节奏剪辑 电影《赤壁》的节奏发展非常有规律，与好莱坞电影的节奏有几分相像。在松紧交替的节奏剪辑啊中，导演将中国的文化与故事情节巧妙的结合在一起。总的来看几场战役是紧张而激烈的，其中穿插了很多缓和观众紧张情绪的段落，从而防止审美疲劳。在《赤壁(下)》中主要是影片的情绪跌宕起伏，或喜或悲，或愁或忧，穿插变换，同时用两条主线叙述两军战前的准备过程。在孙权为染伤寒病去世的战