外国设计史教案

《世界现代设计史》教案

第一章现代设计的起源时期

一、本章主要内容

现代设计产生的前提和社会历史条件；工业革命初期设计发展的新动向；英国工艺美术运动；威廉·莫里斯及其追随者；工艺美术运动的主要成就

二、重点

英国工艺美术运动；威廉·莫里斯及其追随者

三、难点

工艺美术运动的主要成就

四、教学内容

第一节现代设计产生的前提和社会历史条件

从18世纪末到19世纪中叶，从英国开始，欧洲各国先后开展了工业革命，这场革命堪称人类历史上继进入农业社会以后的第二次巨大变革。它不仅给人类的政治、经济、文化带来了诸多变化，而且使人类为了生存、生活所开展的生产活动的整个过程，与传统相比，也发生了显著的变化。这种变化主要表现在人类所生产的产品（主要是商品）的设计环境、条件、性质及方式等方面。具体而言，主要有：第一，生产方式的变化。工业革命带来了标准化、批量化和机械化的大生产方式。这种生产方式与传统的手工作坊下生产的个性化、少量化的状态有明显的区别。它要求改变手工业作坊时代产品设计在造型功能、装饰等方面的随意性；要求产品的设计必须适应机械化批量生产的要求与特点。

第二，传统类型的设计无法满足和适应新形势、新情况的要求。以经验型为主要特征的传统设计思维模式，面对工业革命所带来的新的能源、新动力和新材料的出现及日新月异，表现出无所适从，甚至不知所措。传统的木、铁材料被各种水泥、优质钢和轻金属所代替以后，设计师们不但不能从传统手工业品的设计、制作中找到借鉴，而且还面临着对这些新材料性能、特征的重新认识与把握。

第三，工业革命导致了设计与制作、销售的完全分离，这与传统手工业时代的作坊主和工匠既是设计者，又是制作者，甚至还是销售者和使用者迥然不同。工业革命以后，机械化的大批量生产，使设计从制造中分离出来，也与销售相脱离，成为独立的行业和职业。设计的独立，对设计者提出了许多新的任务和要求，它要求设计师必须在产品的生产、制作以前，对产品的功能性、造型、装饰艺术、生产流程、材料的撷取，乃至销售状况等有一个明确的了解和预见。正因为如此，所以设计者的设计所涉及到的知识、问题不断拓展，大大增多，设计逐步发展成为一门专门的学科。

第四，工业革命所带来的社会化大生产，其产品的使用对象具有超国界、超地域和超阶级性，要求产品必须满足不同国家、民族和民众的要求，因此，其设计理念要在保证功能性的前提之下，要求具有大众化的审美特点。这与手工业作坊生产时代狭窄的设计视野观念和设计产品狭窄的使用群体是有着根本区别的。正因为如此，所以产品的设计在其过程上，与传统设计相比，阶段性更加明确，阶段性的内涵与目标也更加具体。

第五，工业革命所带来的先进的生产方式对新产品设计要求与传统设计的不适应，一方面给设计提出了新的要求与任务，另一方面，也使工业革命初期，产品的功能性和大众的视觉审美要求受到了诸多限制。设计现状与代表社会进步的生产方式的格格不入，使一部分传统的设计者、制作者束手无策，另一部分传统设计者则试图改变自己的观念行为，适应新的要求。

上述情况的产生和客观存在，使一种新的设计和设计观的出现势在必然。也就是在这种情势之下，使得有别于传统设计的现代设计也就从传统设计中分野了。设计作为一种文化现象，从此步入了一个新的时代——一个围绕机器和机器生产而设计的时代，一个围绕商品经济规律运动而设计的时代。

第二节水晶宫博览会

1851年英国在伦敦海德公园举行了世界上第一次国际工业博览会，由于博览会是在“水晶宫”展览馆中举行的，故称之为“水晶宫”国际工业博览会。这次博览会在工业设计史上具有重要意义。它一方面较全面地展示了欧洲和美国工业发展的成就，另一方面也暴露了工业设计中的各种问题，从反面刺激了设计的改革。

举办这次博览会的目的既是为了炫耀英国工业革命后的伟大成就，也是试图改善公众的审美情趣，以制止对于旧有风格无节制的模仿。帕金、柯尔等人的思想和活动对于促成举办这次国际博览会起了重要的推动作用。举办博览会的建议是由英国艺术学会提出来的，维多利亚女王的丈夫阿尔伯特亲王（Prince Albert）是该协会的主席。他对工业设计和设计教育非常关注，亲自担任了这次博览会组织委员会的主席。柯尔负责具体的组织实施工作，帕金则负责组织展品评选团，另外一些著名的建筑师和设计师，如散帕尔等也参加了组织工作。由于时间紧迫，无法以传统的方式建造博览会建筑，组委会采用了园艺家帕克斯顿（Joseph Paxton，1801—1865）的“水晶宫”设计方案。帕克斯顿以在温室中培养和繁殖维多利亚王莲而闻名，并擅长用钢铁和玻璃来建造温室。他采用装配温室的方法建成了“水晶宫”玻璃铁架结构的庞大外壳（图5-6，图5-7，图5-8）。“水晶宫”总面积为7.4 m×104 m；建筑物总长度达到563 m（1851ft），用以象征1851年建造;宽度为124.4 m，共有5跨，以2.44 m为一单位（因为当时玻璃长度为1.22 m，用此尺寸作为模数）。其外形为一简单的阶梯形长方体，并有一个垂直的拱顶，各面只显出铁架与玻璃，没有任何多余的装饰，完全体现了工业生产的机械特色。在整座建筑中，只用了铁、木、玻璃三种材料，施工从1850年8月开始，到1851年5月1日结束，总共花了不到9个月时间便全部装配完毕。“水晶宫”的出现曾轰动一时，人们惊奇地认为这是建筑工程的奇迹。博览会结束后，“水晶宫”被移至异地重新装配，1936年毁于大火。

意义：“水晶宫”是20世纪现代建筑的先声，是指向未来的一个标志，是世界上第一座用金属和玻璃建造起来的大型建筑，并采用了重复生产的标准预制单元构件。

反映出的问题：

1、滥用装饰

与19世纪其他的工程杰作一样，它在现代设计的发展进程中占有重要地位。但“水晶宫”中展出的内容却与其建筑形成了鲜明的对比。各国选送的展品大多数是机制产品，其中不少是为参展而特制的。展品中有各种各样的历史式样，反映出一种普遍的为装饰而装饰的热情，漠视任何基本的设计原则，其滥用装饰的程度甚至超过了为市场生产的商品。

2、技术与艺术、功能与形式的脱节

生产厂家试图通过这次隆重的博览会，向公众展示其通过应用“艺术”来提高产品身份的妙方。这显然与组织者的原意相距甚远。其中的有些展品把相对来说无足轻重的家用品作为建筑性的纪念碑来设计。例如法国送展的一盏油灯，灯罩由一个用金、银制成的极为繁复的基座来支承。这种把诸如灯、钟表之类产品作为建筑来看待并不是一种新的发展，18世纪末法国帝王风格的设计者们就常常这样做。但现在的设计师们似乎失去了所有的自制力。一件女士们做手工的工作台成了洛可可式风格的藏金箱，罩以一组天使群雕。花哨的桌腿似乎难以支承其重量。设计者们试图探索各种

新材料和新技术所提供的可能性，将洛可可式风格推到了浮夸的地步，显示了新型奇巧的装饰方式。还有一些展品表现了对形式和装饰的别出心裁的追求，如一件鼓形书架可以沿中心水平轴旋转，每层搁板均挂在两侧圆盘上，这样搁板就可以连续地以使用者方便的位置出现。这件书架侧板上的花饰和狮爪脚同样是刻意把一些细微末节不适当地大加渲染。

3、没有找到与工业产品相适应的装饰形式。

美国也为这次盛会送来了展品。其中一件是美国座椅公司生产的金属框架的弹簧旋转椅，其结构全部是由铸铁、钢或两者的复合材料制成的。金属家具并非美国首创，在拿破仑战争中，金属被广泛用于制作战时家具。但是，在这把椅子中确实体现了一种对家具基本结构的重新考虑。可惜的是这位美国设计师的功能意识未能贯彻始终，因为用以支撑连杆进而支承弹簧的金属腿采用了精致的卷涡形。

在这次展览中也有一些设计简朴的产品，其中多为机械产品，如美国送展的农机和军械等。这些产品朴实无华，真实地反映了机器生产的特点和既定的功能。但从总体上来说，这次展览在美学上是失败的。由于宣传盛赞这次展览的独创性和展品之丰富，蜂拥而至的观众对于标志工业进展的展品有了深刻印象。但在那些试图通过这次盛会促进整个工业发展的人士中，却激发了尖锐的批评。正如帕金所说，工业似乎失去了控制，展出的批量生产的产品被粗俗和不适当的装饰破坏了，许多展品过于夸张而掩盖了其真正的目的，仅仅只是那些纯实用的物品才是悦目和适当的。

暴露的问题，最终成为了推动英国艺术与手工艺运动的直接原因。

第三节现代设计意识的萌芽——英国“工艺美术”运动

一、威廉·莫里斯及其追随者

如果说随着工业革命的开始，资产阶级思想的传播，以及资产阶级革命的进行，在建筑设计领域率先对传统进行了挑战的话，那么，在包括机械制品在内的工业设计领域，其新观念的确立要来得迟缓，以至在工业革命发生以后的一段时间里，包括英国在内的国家的机械制品丑陋不堪，设计低劣，同时过分装饰、矫饰做作的维多利之风，在设计中的日渐蔓延，使传统的装饰艺术因失去了造型基础，而成了一个为装饰而装饰、画蛇添足的东西。这种状态的日趋严重，终于导致在工业革命最早的发生地英国发生了工艺美术运动。

所谓工艺美术运动是起源于英国19世纪下半叶的一场设计运动。以追求自然纹样和哥特式风格为特征，旨在提高产品质量，复兴手工艺品的设计传统。这场设计运动由诗人兼文学家、设计师，被人誉称为“工业设计之父”的威廉·莫里斯倡导宣传和身体力行。英国的文艺批评家和作家罗斯金提出了某些理论指导。

威廉·莫里斯（William Morris，1834—1896）出生于沃尔瑟姆斯托一个富有家庭，曾就读于牛津大学，后受过建筑师和画家的训练。1851年，当伦敦举办“万国博览会”（Great Exhibition）时，年仅17岁的莫里斯随母亲前去参观，据说一进水晶宫展厅，他就大喊一声：“好可怕的怪物！”（图2-4）于是再也不肯去看那些粗劣外观造型的产品。这件事使他立志投身于设计事业。从他的一生来看，他早年酷爱欧洲中世纪的文明和建筑艺术风格，曾携同学游历法国，为法国庄严宏伟的哥特式建筑所折服，立志做一名推广哥特式建筑风格的建筑师。后来他受到主张忠实于自然新画风的拉斐尔前派艺术家的影响，决定改变初衷，做一名拉斐尔前派的画家。真正使他投身于设计事业则是始于1859年。

1857年，为了结婚，莫里斯请设计师菲利蒲·韦伯设计以红砖瓦构成的“红房子”（Ked House）（图2-5），这幢房子充分体现了工艺美术运动在建筑设计方面的思想，创立了建筑设计的四条基本原则。

第一，在形状、装饰和材料上，每个室内都应该是结构和面的逻辑派生。其外表隐约可见中世纪的影子，暖调红砖块、不对称L形面和窗户的随机排列，给人一种不拘礼和热情的气息。门厅中吊灯和楼梯起柱犹如加工过的哥特建筑塔尖。这种重复使整幢建筑一体化，并传达了一种整体构思。

第二，每个室内都必须具有与它的功能相适应的个性，但与此同时，它又必须是一个将房房连接的大

主题的变调。对于红房子来说，各个厅室的大小和气氛虽然都不一样，但都在用材、细节和家具方面连贯一体。

第三，每一个室内都应该如实地展现其结构成分。像楼厅里裸露的木材，支撑楼梯上空的带斜脊的天花板。住宅将骨架犹如外表一样自豪地展现出来，让结构成分充当装饰。

第四，每个室内，从最大的面积到最小的细节，都必须使用与整体相协调的材料。在入口处，如花砖提供了经久耐用的通道，而柔软的木板则为休息用的房间增添了优美感。

红房子建成以后，引起了设计界的广泛兴趣和称颂，使莫里斯感到社会上对于好的设计、为大众的设计的广泛需求，他希望能够为大众提供设计服务，为社会提供真正好的设计，改变当时设计中流行的矫揉造作方式，反对维多利亚风格的垄断。

就在莫里斯为红房子的设计踌躇满志时，由于跑遍全伦敦找不到合适的家具和装饰用品，他便与几位朋友一起自己动手设计家具、地毯、墙纸和壁挂等物品（图2-6），这是他真正从事设计的“试笔”之作，也是成功之作。也许是从中受到了鼓舞，增添了信心，莫里斯和朋友认为只有建立自己的商行，才有利于在各设计领域推广他们的设计思想和进行他们这一派的设计活动，于是，在1861年成立了莫里斯、马歇尔（Marshall）、福克纳（Falnkner）三人姓氏命名的商行，简称MMF商行。1846年，莫里斯把其他两人的股份买下来，成立了莫里斯事务所。这个由艺术家投入设计并进行生产的机构可以说真正拉开了工艺美术运动的序幕。

莫里斯事务所为顾客提供了各种各样的设计服务，设计范围由初期的家具、用品、地毯、壁纸、室内雕塑、彩色玻璃窗画、园林、喷泉、室外雕塑等，发展到19世纪90年代的书籍版式与装帧设计，最终成为一个兼有建筑、室内、产品、平面设计等多种内容的完美设计事务所。

从今天英国伦敦的维多利亚与阿尔伯特博物馆中的藏品来看（图2-7），莫里斯事务所设计的物品，是具有鲜明的特征的，这种特征后来被称为“工艺美术”运动风格的特征。具体表现在以下几个方面：第一，强调手工艺，明确反对机械化的生产。

第二，在装饰上反对矫揉造作的维多利亚风格和其它各种古典、传统的复兴风格。

第三，提倡哥特风格和其它中世纪的风格，讲究简单、扑实无华、良好功能。

第四，主张设计的诚实、诚恳，反对设计上的哗众取宠、华而不实趋向。

第五，装饰上推崇自然主义、东方装饰和东方艺术的特点，大量的装饰都有东方式的，特别是日本式的平面装饰特征，采用大量的卷草、花卉、鸟类等为装饰动机，使设计上有一种特殊的品味（图2-8）。

在设计上，莫里斯强调设计的服务对象，同时也希望能够重新振兴工艺美术的民族传统。他在1877年撰写的《小艺术》（The Lesser Art）中明确提出自己的设计思想。认为：我们没有办法区分所谓的大艺术（指造型艺术）和小艺术（指设计），把艺术如此区分，小艺术就会显得是毫无价值的、机械的、没有理智的东西，推动对流行风格的抵御能力，丧失了改革的力量；而从另外一方面来说，失去了小艺术的支持，大艺术也就失去了为大众服务的价值，而成为毫无意义的附庸，成为有钱人的玩物。

此外，从他所反复强调的设计的两个基本原则：一、产品设计和建筑设计是为千千万万的人服务的，而不是少数人的活动；二、设计工作是集体的活动，而不是个体劳动。看来，他的设计思想中带有浓厚的民主色彩，这一点很符合资产阶级所标榜的民主思想。因此，在英国和美国等国家产生了相当的反响。英国有不少年轻的设计家纷纷仿效莫里斯的方式，组织自己的设计事物所，称之为行会（guild）。其中主要有：1882年，由建筑设计师阿瑟·麦克墨多（Arthur Heygate Mackmurdo,1851—1942）成立的“世纪行会”（图2-9）；1884年，由圣乔治社（ST·George Society）和“十五人”（Fifteen）合并而成的“艺术工作者行会”；1888年，由查尔斯·阿什比（Charles Ashbee,1863—1942）创建的“手工艺行会”等。这些组织团体的成立，在承担了当时的大量设计的同时，将莫里斯的设计思想和设计风格传播开来。尽管他们未能超越时代的局限——对机械和大工业批量生产的否定，但在唤醒人们对工业产品设计重视，探索艺术与技术的结合，艺术设计的伦理道德观方面做了卓有成效的前瞻性工作，开启了现代设计的大门。

二、工艺美术运动的主要成就

工艺美术运动虽然是由设计师自发发起的，但是，由于人们的审美观念的变化、工业革命以后产品外

观设计的丑陋等事实，使这场运动发展迅速，从英国蔓延到了欧洲大陆的法国、斯堪的纳维亚半岛以及美国。影响所及，涉及到建筑、家具、陶瓷、金属工艺、染织品和平面设计等领域、范畴。

1、建筑与室内设计

建筑与室内设计可谓是受工艺美术运动影响最早的领域。这不仅表现在工艺美术运动的倡导者基本上是一些建筑设计师，而且在建筑与室内设计领域充分体现了工艺美术的思想。

除了我们前面所列的一些设计师在建筑与室内设计领域所作的工作以外，英国还有飞利浦·威柏（Philip Webb）、诺尔曼·萧（Norman Shan）；美国有弗兰克·赖特、格林兄弟（Green and Green）。其中后者在洛杉矶的帕萨蒂纳市设计的根堡住宅（The Gamble House）具有强烈的工艺美术运动特征。整个建筑采用木构件，讲究柱结构的功能性和装饰性，吸收东方建筑和家具设计中装饰性地使用功能构件的特征，强调日本建筑的模数体现和强调横向形式的特点。

2、家具设计

家具设计是工艺美术运动影响最大的领域。除了莫里斯的“红屋”设计以外，一批著名的设计师都设计了颇具工艺美术运动风格的家具——简洁、质朴，没有过多虚饰结构，并注意材料的选择与搭配。如英国查尔斯·沃塞（Charles Voysey,1857—1941）他习惯选用橡树木料，造型简单而结实大方，而比较少有中世纪风格的重复出现，偶尔采用黄铜或红铜作装饰，风格清新、轻巧。比较莫里斯的家具设计，沃塞的设计更加实在，也更加容易批量化生产，对于工艺美术运动为大众服务的精神来说，沃塞显然比莫里斯在实践上更加接近精神的实质内容。又如斯各特在家具设计方面喜欢采用动物和植物的纹样来做装饰，以凸出的线条来勾勒出这些自然纹样来，因而风格颇典雅。再如美国古斯塔夫·斯提格利设计的家具（图2-10），由于他对于东方风格，特别是中国的传统家具风格的优点了解得十分深刻，因此，他设计的家具，无论是其木结构方式，还是装饰细节，乃至金属构件，都有明显和强烈的东方特色，可以看到中国明代家具的影响，这是东西方设计比较早的直接影响成果之一。

3、陶瓷设计

从总体上说，工艺美术运动时期的陶瓷设计虽仍以实用性小，主要供陈设与玩赏的艺术瓷为主，陶瓷设计家和制作者们忙于提高温釉及窑变等品种的实验，但在克里斯托夫·德累塞、马克·马歇尔（Markv Marshall）、威廉·德·摩根（Williamde Morgan）和科尔曼（W·S.Coleman）等人设计已带有明显的植物有机形态的特点，特别是美国辛辛纳提市鲁克伍德，陶瓷厂（Rookwood Pottery）的产品（图2-11），具有工艺美术运动典型痕迹特征。

4、金属工艺设计

工艺美术运动的金属制品设计也很引人注目，它不仅是设计师们表达技术与艺术相结合的思想的一个重要方面，而且其设计更少无用的虚饰，更富于现代感，具有浓厚的哥特风格特点，造型比较粗重。在陶瓷设计方面作出了较大贡献的有前所述阿什比和德累塞同样在金属工艺设计方面作出了巨大贡献。查尔斯·罗伯特·阿什比（Charles Robert Ashbee,1863—1942）原在剑桥大学学习历史，受拉斯金影响，于1888年创办“手工艺协会”，从事银器和家具等的设计。他设计的银器造型高贵、典雅，带有修长弯曲的把手或支脚，是工艺美术运动中最精美且最具代表性的金属制品（图2-12）。而出身于植物学教授的克里斯托夫·德累塞（Dr Christopher Dresser 1834—1904），其金属制品设计造型以简结的几何形为主，外表光滑，运用铆钉衔接，已有工业化生产的痕迹，具有从手工艺向工业化生产发展的特征，甚至后来的包豪斯设计都从中获得灵感。

5、染识品设计

由于莫里斯对染织业兴趣最大，所以其对英国工艺美术运动中染织品设计的影响也最直接。他反对在染织上使用任何化学染料，坚持使用天然染料。他亲自设计壁挂、地毯、壁纸等，常用的纹样是缠绕的植物枝蔓与花叶，自然气息浓厚（图2-13）。在莫里斯的影响下，英国工艺美术运动期间出现了一批染织品设计家。如莫顿·阿比（Merton Abbey）于1883年设立了自己的染织工场，生产各种地毯和挂毯，称为“汉姆史密斯式”（Hammersmith），这些染织品的设计与他早期的墙纸设计风格是一致的，都采用大量的自然主义动机，特别是植物的枝条蔓叶，采用缠枝花的四方连续布局，内中杂以各种小鸟，色彩比较优雅

朴实，在当时弥漫市场的繁琐的维多利亚风格中独树一帜，很受欢迎。此外，设计家戴依（Lewis F.Day）、A.H.马克穆多（A.H.Mackmurdo），以及莫里斯的女儿玛利·莫里斯等，设计生产刺绣、地毯、墙纸等，具有一定“工艺美术”运动的特征。

6、平面设计

平面设计可谓是英国“工艺美术”运动比较有成就的一方面，莫里斯堪称是奠定这场运动平面设计基础的人物。1890年，莫里斯创办凯伦苏格特印刷厂，着手进行书籍装帧设计，1896年，曾出版过被认为书籍装帧史上最杰出的版本之一《桥沙集》，在莫里斯的影响下，工艺美术风格的平面设计在英国、美国和其它欧洲国家迅速发展开来。出现了包括了马克穆多、奥布里·文特生·比亚兹莱（Aubrey Vincent Beardsley,1872—1898），比利时的亨利·凡德·威尔德（Henrivande Veldt）、法国的阿尔丰索·穆卡（A.Mucho）等设计师。

马克穆多设计的《玩具马》（the Hobby Horse），是比较早的具有影响的工艺美术风格的平面设计作品，它是一本季刊，其设计以流畅黑白线条装饰插图而见长（图2-14）。

由于“工艺美术”运动时期包括莫里斯在内的设计家在平面设计方面具有强烈哥特复兴特征。这一点与当时流行的拉斐尔前派兄弟会的绘画风格是一脉相承的，表现了英国社会上在平面设计方面的浪漫主义倾向。所以遭到了刘易斯·戴依（Lewis F.Day）等人的指责，他曾住在1899年的一本期刊《东方杂志》（the Easter Journal,1899）撰文批评莫里斯，认为他的书籍设计过于沉溺于复古主义，过分古旧和沉重，他认为这样的复古倾向，完全违背了莫里斯一向主张和倡导的设计社会化、民主化、大众化的立场和原则，使书籍无法成为大众的普及读物，而全落为少数收藏家的收藏品。

为了扭转莫里斯等人的平面设计风气，戴依和插图画家杰西·金（Jessie M.King）、格里那维（Kate Greenaway）合作，创造出一种为广大儿童的读物设计风格来。他们的设计充满了儿童的天真、浪漫色彩，无论是字体、插图风格，还是布局排版，都轻松可爱，深受儿童的喜爱。他们的这种设计风格影响了当时和稍晚的许多平面设计家和插图画家，其中最著名的当推比亚兹莱。他曾向莫里斯学习绘画，后来他巧妙地吸收了日本浮世绘版画的线条艺术，也从波斯细密画中吸收其装饰手法，形成自己单纯、优美、秀媚的风格，尤其在描绘女性形象时，往往为主人公设计一套独出心裁的服装式样，因此有他插图的作品集一旦出版，马上会成为闰阁中的必备书，其插图中描绘的时装式样马上便会在社会上流传开来。代表其设计风格的作品有为唯美主义作家王尔德的作品《沙乐美》（Salome）所作的插图（图2-15）。

第二章现代设计的开始时期——“新艺术运动”

一、本章主要内容

新艺术运动的源流及主要表现；新艺术运动在欧洲各国的表现；新艺术运动在美国；自成体系的北欧设计二、重点

新艺术运动的源流及主要表现；新艺术运动在欧洲各国的表现

三、难点

新艺术运动在欧洲各国的表现

四、教学内容

英国“工艺美术”运动在拉斯金、莫里斯的理论指导和实践倡导下，提出美术与技术相结合的原则，主张艺术家从事产品设计，追求自然纹样的装饰动机，使一切重视设计、改良设计的实践和探索运动在19世纪下半叶的欧洲如火如荼地展开。这场运动打破了矫饰主义盛行的沉闷之风，唤醒了艺术家的社会责任感和社会对工业模式下产品设计的关注。然而，由于这场否认大机器的工业生产，将美的设计与机械生产

完全对立起来，未能找到艺术与大工业的契合点，未能把握到大工业生产方式下产品设计的真正脉搏，所以，这场运动存在明显的不足和缺陷。正因为如此，不少艺术家、设计家在彷徨之余，面对现实社会存在的问题，继续进行探索。探索的结果导致了19世纪末、20世纪初在欧洲和美国产生并发展成为一次影响相当大的“装饰艺术”运动、一次内容广泛的设计运动。学术界一般称这次运动为“新艺术”运动。

第一节新艺术运动的源流及主要表现

新艺术名称源于萨姆尔·宾（Samuel Bing,1838—1905）于1895年12月26日在巴黎将他的“巴黎东方艺术店”改名为经营现代装饰艺术品的“新艺术画廊”。“新艺术”之名便不胫而走，成为一场声势浩大的国际设计运动的名称。新艺术运动（Art Nouveau）首先在法国展开，之后传播到其他国家，至1900年的巴黎博览会而登峰造极，延续至1910年前后，逐步为现代主义运动和“装饰艺术”运动（Art Deco）取而代之。

新艺术运动直接起源于英国的工艺美术运动，并继承了工艺美术运动的主张，提出艺术与技术的结合来解决产品造型问题，追求一种与传统决裂、完全师从自然的全新风格。这场运动除了受到日本装饰风格，特别是日本江户时期的艺术与装饰风格和浮世绘（图3-1）的影响，从日本江户时期的工艺美术品如本刻、扇子及刺绣中吸取了大量灵感以外，还吸收了哥特式和罗可可建筑的设计因素。简单地说，哥特式、罗可可式和日本艺术是新艺术运动的三大源泉。

“新艺术”运动与“工艺美术”运动虽然有密切的联系，但两者之间有着明显的不同：“工艺美术”运动比较重视中世纪的哥特风格，把哥特风格作为一个重要的参考与借鉴来源，而“新艺术”运动则完全放弃任何一种传统装饰风格，完全走向自然风格，强调自然中不存在直线，强调自然中没有完全的平面，在装饰上突出表现曲线、有机形态，而装饰的动机基本来源于自然形态，充分运用了植物、昆虫、女人体和象征主义；把感觉因素引入了设计，并经常运用明显的性感形象。

“新艺术”运动从法国产生，迅速蔓延到荷兰、比利时、意大利、西班牙、德国、奥大利、斯堪的纳维亚国家、中欧各国，乃至俄罗斯，也越过大西洋影响了美国，成为一个影响广泛的国际设计运动。这场“新艺术”运动在上述国家和地区尽管有着共同的特征，但是在各个国家表现的侧重点并不相同，甚至连名称也不同。在英国称“现代风格”，新艺术风格的两个主要表现形式，曲线的和直线的，都来自英国；法国称为“新风格”；德国称“青年风格”，其前期尚未脱离欧洲大陆的自然主义主流，后期则转向更抽象的线条风格；在意大利称为“自由风格”也称“花草风格”；在奥地利称为“分离风格”；在斯堪的纳国家则称“工艺美术运动”；在西班牙称为“现代主义”，如此种种，不一而足。正因为名称歧异，以至于有人认为新艺术是一场运动，而不是一种统一的风格。

“新艺术”运动席卷了设计的各个方面，从建筑、家具、工业产品到平面设计、海报，以至雕塑、绘画等等，无所不包。本质上表现为一种线条装饰倾向或潮流。而线条的表现手法又分成曲线和直线两派。其中曲线派以法国和比利时为代表，德国、荷兰、西班牙以及英国的利尔兹利可以归属曲线派。直线派以英国的麦金托希与格拉斯哥派、奥地利分离派为代表。

曲线派主张师从自然，以模仿自然界动植物纹样的线条进行装饰。无论是物体的形状，还是物体的表面装饰，都以流畅、优雅、波浪起伏的线条为主。植物形状主宰了大部分曲线风格新艺术设计作品，百合属、鸢尾属、旋花属和罂粟属植物是设计师所爱用的植物种类。枝茎、树叶和花瓣可以按设计师的愿望缠绕、拉长和弯曲。新艺术曲线的节奏感，使设计师们自然而然地到舞蹈中寻找题材。美国舞蹈家洛伊·富勒的舞姿成为许多图形设计师创作的主要灵感。

与曲线风格同时并存的直线风格，主要存在于英国北部苏格兰的格拉斯哥，以麦金托希为代表，直线风格派在建筑、室内和家具设计中创造了一种以直线为主、白色为基调的装饰手法。后来这种风格影响到奥地利维也纳分离派，分离派在建筑、室内装饰、家具和灯具等方面，开创了一种与机械生产相适应的简洁的直线几何形体风格，为以后的功能主义设计奠定了基础。

第二节“新艺术”运动在欧洲各国的表现

1、法国

法国“新艺术”运动与英国“工艺美术”运动有着十分相似的背景，即都是因为反对工业化风格和雕

琢的维多利亚风格而产生的，都主张从自然、东方艺术中吸收创作的营养，特别是植物和动物的纹样，是它们创作的主要形式动机。它们都反对机械化的批量生产，都反对直线，主张以有机的曲线为中心，主张艺术与技术结合。当然，两者也存在着形式的参考倾向上的明显不同，这也可以说是“新艺术”运动对“工艺美术”运动“扬弃”的主要体现。

作为“新艺术”发源地的法国，在开始之初不久就形成了两个中心：一是首都巴黎；另一个是南斯市（Nancy）。其中巴黎的设计范围包括家具、建筑、室内、公共设施装饰、海报及其他平面设计，而后者则集中在家具设计上。1889年由桥梁工程师居斯塔夫·艾菲尔（Guistave Eiffel 1832—1923）设计的艾菲尔铁塔堪称法国“新艺术”运动的经典设计作品（图3-2）。这一纪念碑性质的建筑座落于塞纳河畔，是法国政府为了显示法国革命以来的成就而建造的。在700多个设计方案中，艾菲尔大胆采用金属构造设计的方案一举中标。塔高328米，由4根与地面成75度角的巨大支撑足支持着高耸入云的塔体，成抛物线形跃上蓝天。全塔共用巨型梁架1500多根、铆钉250万颗，总重量达8000吨，这一建筑象征现代科学文明和机械威力，预示着纲铁时代和新设计时代的来临。

法国“新艺术”运动时期，在巴黎和南斯，不仅出现了三个设计组织——新艺术之家、现代之家和六人集团；而且涌现了一批著名的设计家。新艺术之家由萨穆尔宾于1895年在巴黎普罗旺斯路22号开设称为新艺术之家的工作室与设计事务所而得名：“现代之家”由朱利斯迈耶一格拉斐（Julius Meier-Graefe）于1898年在巴黎开设称为“现代之家”的设计事务所和展览中心而得名。而“六人集团”则成立于1898年，是由六个设计家组成的松散设计团体。在这三个组织及周围有名的设计师还有爱米勒·加雷（Emile Galle 1846—1904）、路易·马若雷尔（Louis Major Elle，1859—1926）、勒内·拉里克（Rane Laliqua 1860～1945）欧仁·格拉塞（Eugene Grasset 1841—1917）、儒勒·舍雷（Jules chéret）、土鲁斯·劳特累克（Toulouse Lautrec 1864～1901）皮埃尔·波那尔（Pierre Bonnard 1867—1947）和埃克多·基马（Hector Guimard 1867—1942）。

爱米勒·加雷是南斯派的创始人，他在设计艺术方面的成就主要表现在玻璃设计上。在设计中，他大胆探索与材料相应的各种装饰，形成了一系列流畅和不对称的造型，以及色彩丰富的精致的表面装饰。他的玻璃设计显示了对圆形的偏爱，对线条运用的娴熟技能和对花卉图案处理的高超技能。常用的图案是映现在乳色肌理上的大自然的花朵、叶子、植物枝茎、蝴蝶和其他带翼的昆虫。此外，他设计的家具也与他的玻璃设计作品一样，其装饰题材以异乡植物和昆虫形状为主，鲜花怒放和花叶缠绕构成了这些作品独特的表面装饰效果，具有象征主义的特征。他常使用细木镶嵌工艺进行装饰，使其设计的家具精美而雅致。他在家具方面最有名的设计是1904年设计的“睡蝶床”，蝴蝶身体和翅膀所使用的玻璃和珍珠母传达了薄皮肌肤，木头黑白交替图纹则再现了翅翼的斑纹（图3-3）。

路易·马若雷尔是南斯派的另一位代表人物。他在设计上的成就主要表现在家具铁器上。和爱米勒·加雷一样，路易·马若雷尔的作品融合了异国和传统的成分，包括新罗可可图案、日本风格和有机体形状，以及受自然启发的形状和装饰。其作品的构造和装饰表现了流畅的节奏，圆形轮廓和倾斜线条赋予作品雕塑感。在他的设计中，功能从属装饰的特点十分明显。由于马若雷尔在家具设计方面成就卓著，所以有“马若雷尔式”家具的美称（图3-4）。

勒内·拉里克的设计成就主要体现在珠宝方面。他的作品是娇柔豪华的法国新艺术风格的最好见证。在他的珠宝设计中，大量运用来自自然的图案装饰，其中植物和昆虫图案最为常见，并且被处理成怪异的形式。此外，他对材料的选择也极富想象，包括仿宝石、彩金、搪瓷、不规则珍珠和半透明角。女人体是拉里克设计中爱用的另一个主题。珠宝上的女人体刻划细腻，栩栩如生。如1895年他向法国艺术家沙龙送交的展品中，有一件特别迷人的蜻蜓珠宝（图3-5）。拉里克在这件异乎寻常的胸针中加入了一个全裸女人体作为装饰。这是第一件采用女裸体装饰的新艺术珠宝，很快成为欧洲其他国家设计师模仿的对象。

继拉里克之后，在新艺术珠宝设计方面卓有成就的当推欧仁·格拉塞。他设计的珠宝奇特，具有独创性，充满了激情、想象和梦幻。其中最有名的作品是“西尔维亚”坠饰。它采用植物图案，用无金属底珐琅和淡水珍珠制成（图3-6）。

新艺术运动时期，法国的海报及其他平面设计也非常出色，被设计界公认为是现代商业广告的发源地。图形大师儒勒·舍雷因在1866年把从英国学来的色彩石版技法运用到广告印刷上，使此法风靡一时而被

称为现代“广告之义”。他一生设计了几百幅罗可可线条和亮色块为特征的招贴（图3-7）。

继舍雷之后，招贴设计迅猛发展，名家辈出，其中土鲁斯·劳特累克招贴的平块亮色，皮埃尔·波那尔招贴的粗犷字母和粗浓线条节奏，至今给人深刻的印象。土鲁斯·劳特累克设计的《快乐王后》、《简·阿伏勒》和《红磨坊》歌舞演出海报（图3-8）等堪称新艺术图形作品的代表。他的招贴用线条来勾勒物体与人物，选取日常生活的题材，令人感到亲切。最具独创性的，是他对人物性格的夸张，文字与图形的巧妙安排，有力的对比等。而阿尔丰斯·穆沙设计的招贴、海报因其具有强烈的新艺术运动特点：曲线、自然形式、高度装饰化、平面效果等，被誉为新艺术运动最杰出的平面设计师。据不完全统计，穆沙一生设计了近百张招贴，风格融合了多种影响，含有鲜明色块的日本高雅轮廓与来自拜占庭和摩尔人艺术的几何装饰糅合在一起。这些流露着拜占庭风格，以天使、棕榈叶和马赛克围绕的理想化女性形象为特征的招贴，将广告招贴提升到了美术品的高度（图3-9）。如他在1893年为“《JANE A VRIL》”设计的海报，就是这种风格最典型的例子（图3-10）。

至于埃克多·基马的作品，则体现了法国新艺术建筑的最高成就。他最重要的设计是为巴黎地下铁道系统设计的一系列入口，他在20世纪初受巴黎市政府委托，设计地铁入口，一共有100多个，这些建筑结构基本上是采用青铜和其它金属铸造成的。他充分发挥了自然主义的特点，模仿植物的结构来设计，这些入口的顶棚和栏杆都模仿植物的形状，特别是扭曲的树木枝干，缠绕的藤蔓，顶棚有意地采用海贝的形状来处理，令人叫绝！入口、栏杆、标牌、支柱和电灯构成了一幅和谐的有机体和抽象形状混合景观（图3-11）。

2、比利时

比利时的新艺术运动仅次于法国。主要的设计组织有1884年成立的“二十人小组”和后来由它改名的自由美学社。重要的代表人物有维克多·霍塔（Victor Horata 1867—1947）和享利·凡德·威尔德（Henry Van de Velde,1863-1957）.

享利·凡德·威尔德堪称19世纪末和20世纪初叶比利时最为杰出的设计家、设计理论家和建筑家。他对于机械的肯定，对设计原则的理论，以及他的设计实践，都使他成为现代设计史上最重要的奠基人之一。他于1906年在德国魏玛建立的一所工艺美术学校，成为德国现代设计教育的初期中心，日后又成为世界著名的包豪斯设计学院。威尔德在比利时期间，一方面从事“新艺术”风格的家具、室内、染织品设计和平面设计；另一方面，作为“二十人小组”和“自由美学社”的主要领导者，领导比利时的新艺术设计运动。

比利时新艺术运动在比利时设计史上被称为先锋派运动。始于19世纪80年代。1881年，由奥克塔·毛斯（Octave Maus ）创办民主色彩浓厚的艺术刊物《现代艺术》（L’Art Moderne），宣传新艺术思想。在他的组织下，一批有志于艺术与设计改革的青年在1884年组成了一个前卫小组二十人小组（the Groupe des Vingt），他们通过举办一系列艺术展览，展示当时欧洲最前卫的艺术作品，使比利时人了解当时前卫艺术发展的状况，接触现代艺术思想。二十人小组推威尔德为他们的领袖，从1891年开始，每年举办一次设计沙龙展示各种各样的产品设计和平面设计。1894年，这个小组改名为“自由美学社”。就个人的设计而言，威尔德的设计大量采用曲线，特别是花草枝蔓，纠缠不清地组成复杂的图案。这在他们平面设计和纺织品纹样设计上反映得最为充分，抽象线条形状的运用形成了维尔德独特的形式语言，刀叉餐具、珠宝、烛架、茶壶和其他实用物品的设计都传达了他那新艺术风格的强烈节奏。他能超越对自然的直接模仿去发掘生动和抽象的线条，认为这样的线条才是自然的本质。“线条是力量”当成为“新”的装饰的基础。他于1899年设计的烛架，可以看作是这种思想的体现，它巧妙地阐述了设计师有关线条的理论，成功的将树枝线条的节奏转化为抽象排列的曲线（图3-12）。

维克多·霍塔是一位激进的民主主义者，主要从事建筑及室内设计，他的建筑设计具有两个明显的特征：一是注重装饰，受自然植物启发的“鞭绳”线条到处可见，在墙面装饰、门和楼梯中十分突出；二是建筑暴露式钢铁结构和玻璃面。塔赛勒公馆是霍塔早期的代表作之一。该建筑设计的基础是叶、枝、涡卷精细图案构成的起伏运动。室内遵循华丽的新艺术设计。门厅和楼梯带有彩色玻璃窗和马赛克瓷砖地板，饰有盘旋缠绕的线条图案，与熟铁栏杆的盘绕图案、柱子和柱头、脊突拱廊以及楼梯圆形轮廓相呼应，整

体和谐统一。而霍塔公馆则为维克多·霍塔设计生涯的巅峰之作，新艺术建筑的里程碑（图3-13）。

4、西班牙

西班牙是艺术大师的摇篮，20世纪许多著名的个性化艺术家如毕加索、米罗、达利均出生在这里。而安东尼·高蒂（Andonni Gaudi，1852—1926），则为西班牙新艺术运动的最重要代表。他作为一位具有独特风格的建筑师和设计家，他出身卑微，是一名普通手艺铜匠的儿子。他一生被肺炎折磨，从小就沉默寡言。17岁开始在巴塞罗纳学建筑，其设计灵感大量来自他广泛阅读的书籍。早期具有强烈的阿拉伯摩尔风格特征，也就是其设计生涯的“阿拉伯摩尔风格”阶段。在这个阶段中，他的设计不单纯复古而是采用折衷处理，把各种材料混合利用。属于这种风格的典型设计是建于1883——1888年间，位于巴塞罗那卡罗林区的文森公寓。这个设计的墙面大量采用釉面瓷砖作镶嵌装饰处理。高蒂从中年开始，在他的设计中，糅合了哥特式风格的特征，并将新艺术运动的有机形态、曲线风格发展到极致，同时又赋予其一种神秘的、传奇的隐喻色彩，在其看似漫不经心的设计中表达出复杂的感情。高蒂最富有创造性的设计是巴特洛公寓（the Casa Batllo），该公寓房屋的外形象征海洋的海生动物的细节。整个大楼一眼望去就让人感到充满了革新味。构成一二层凸窗的骨形石框、覆盖整个外墙的彩色玻璃镶嵌及五光十色的屋顶彩砖，呈现了一种异乎寻常的连贯性，赋予大楼无限生气。公寓的窗子被设计成似乎是从墙上长出来的，造成了一种奇特的起伏效果，稍后他设计的米拉公寓（the Casa Mila）,进一步发挥了巴特洛公寓的形态，建筑物的正面被处理成一系列水平起伏的线条，这样就使得多层建筑的高垂感与表面水平起伏相映生辉。公寓不仅外部呈波浪形，内部也没有直角，包括家具在内，都尽量避免采用直线和平面。由于跨度不同，他使用的抛物线拱产生出不同高度的屋顶，形成无比惊人的屋顶景观，整座建筑好像一个融化时的冰淇淋（图3-14）。米拉公寓由于风格极端，引起了巴塞罗那市民的指责，报纸以各种诨名来攻击这个设计：比如蠕虫、大黄蜂的巢等（the Quarry the Pate the hornets’nest）。

在高蒂所有的设计中，在今天看来，最重要的还是他为之投入43年之久，并且至死仍未能够完成的神圣家族教堂。该教堂1881年委托高蒂设计，1884年始建，用了42年时间才建成，主要由于财力不足，多次停工。教堂的设计主要模拟中世纪哥特式建筑式样，原设计有12座尖塔，最后只完成4座。尖塔虽然保留着哥特式的韵味，但结构己简练得多，教堂内外布满钟乳石式的雕塑和装饰件，上面贴以彩色玻璃和石块，仿佛如神话中的世界一般，教堂浑身上下看不到一条直线，一点清楚的规则，弥漫着向世界的工业化风格挑战的气息（图3-15）。

西班牙“新艺术运动”另一位代表人物是路易·多米尼科·蒙塔尼（Louis Domenico Montaner，1850-1930）其设计风格基本上与法国、比利时的风格同步，但更重视功能的作用，代表性的设计是卡塔拉兰音乐厅。

5、奥地利

奥地利的新艺术运动是由维也纳分离派发起的。这是一个由一群先锋艺术家、建筑师和设计师组成的团体，成立于1897年，最初称为“奥地利美术协会”（the Austrian Fine Art Association）。后来，因为他们标榜与传统和正统艺术分道扬镳，故自称“分离派”。其口号是“为时代的艺术，为艺术的自由”（Der Zeit Ihre Kunst-der Kunst Ihre Freiheit）。主要代表人物有：建筑家奥托·瓦格纳（Otto Wagner 1841—1918）、约瑟夫·霍夫曼（Soseph Hoffmann 1970—1956）、约瑟夫·奥尔布里希（Sosph Oblrich 1867—1908）、科罗曼·莫塞（Koloman Moser 1868—1918）和画家居斯塔夫·克里木特（Gustav Klimit）等。

瓦格纳是奥地利新艺术的倡导者，他早期从事建筑设计，并发展形成自己的学说。他早期推崇古典主义，后来受工业技术的影响下，逐渐形成自己的新观点。其学说集中地反映在1895年出版的《现代建筑》（Moderne Architektur）一书中。他指出新结构和新材料必然导致新的设计形式的出现，建筑领域的复古主义样式是极其荒谬的，设计是为现代人服务，而不是为古典复兴而产生的。他对未来建筑的预测是非常激进的，认为未来建筑“像在古代流行的横线条，平如桌面的屋顶，极为简洁而有力的结构和材料”，这些观点非常类似于后来以“包豪斯”为代表的现代主义建筑观点。他甚至还认为现代建筑的核心是交通或者交流系统的设计，因为建筑是人类居住、工作和沟通的场所，而不仅仅是一个空洞的环绕空间。建筑应该具有这种交流、沟通、交通为中心设计考虑，以促进交流，提供方便的功能为目的，装饰也应该为此服务。他在1900——1902年设计建造的维也纳新修道院（Neustiftguss 40）40号公寓，就体现了他的“功能

第一，装饰第二”的设计原则，并抛弃了“新艺术运动”风格的毫无意义的自然主义曲线，采用了简单的几何形态，以少数曲线点缀达到装饰效果（图3-16）。

建于1899年的马若里卡公寓大楼虽堪称瓦格纳的代表作之一（图3-17），整个大楼外表装饰十分豪华，马若里卡彩砖和简洁的纵横方格形成鲜明对比。但是，只有到了他晚期的作品，才真正体现出维也纳新艺术的独特风貌，摈弃了一切多余的装饰。如建于1897——1898年的维也纳分离派总部（the Vienna Secession Building），充分采用简单的几何形体，特别是方形，加上少数表面的植物纹样装饰，使设计具有功能和装饰高度吻合的特点，与外型奇特、功能不好的高蒂设计的建筑形成鲜明对照。

约瑟夫·奥尔布里希和约瑟夫·霍夫曼是瓦格纳的学生，他们继承了瓦格纳的建筑新观念。奥尔布里希为维也纳分离派举行年展设计的分离派之屋，以其几何形的结构和极少数的装饰概括了分离派的基本特征。交替的立方体和球体构成了建筑物的主旋律，如同纪念碑一般简洁。

与奥尔布里希相比，霍夫曼在新艺术运动中取得的成就更大，甚至超过了他的老师瓦格纳。他于1903年发起成立了维也纳生产同盟（Wiener Werksttate），这是一个近似于英国工艺美术运动时期莫里斯设计事务所的手工艺工厂，在生产家具、金属制品和装饰品的同时，还出版了杂志《神圣》，宣传自己的设计和艺术思想。霍夫曼一生在建筑设计、平面设计、家具设计、室内设计、金属器皿设计方面作出了巨大的成就。在他的建筑设计中，装饰的简洁性十分突出。由于他偏爱方形和立体形，所以在他的许多室内设计如墙壁、隔板、窗子、地毯和家具中，家具本身被处理成岩石般的立体（图3-18）。在他的平面设计中，图形设计的形体如螺旋体和黑白方形的重复十分醒目，其装饰手法的基本要素是并置的几何形状、直线条和黑白对比色调。这种黑白方格图形的装饰手法为霍夫曼所始创，被学术界戏称为“方格霍夫曼”（图3-19）。

画家出身的克里木特是“维也纳分离派”中最重要的艺术家，在绘画风格上同样采用大量简单的几何图形为基本构图，采用非常绚丽的金属色，如金色、银色、古铜色，加上其他明快的颜色，创造出非常具有装饰性的绘画作品，在当时画坛引起很大的震动。他为建筑设计的壁画，采用陶瓷镶嵌技术，利用其娴熟的绘画技巧，为设计增添了许多魅力（图3-20）。

维也纳分离派另一代表人物莫塞，虽以绘画久长，但与分离派设计家们的合作十分密切。他们装饰绘画风格简单明快，与克里木特的绘画风格形成鲜明对照，趋向于用单色或黑白颜色进行设计。如1898年他为维也纳分离派设计的展览海报，就是新艺术运动的典型作品（图3-21）。

正当克里木特和莫塞在1915年前后处于创作和设计的黄金时期时，欧洲大陆又出现了新的设计运动——装饰艺术运动，他们很快将装饰艺术运动的思想理念带到了奥地利维也纳的设计中，成为两者联系的关键人物，为艺术设计的发展起到了承前启后的作用。

维也纳“分离派”及其发起成立的“维也纳工业联盟”，虽然追求把艺术、优秀设计与生活密切结合的目标，但是，从实际的效果来看，目标与现实之间是存在很大差距的。具体表现在以下三个方面：首先，在19世纪末20世纪初欧洲工业生产迅猛发展的经济环境下，无论是统治阶级，还是资本家，还没有认识到工业生产中的艺术问题，以及艺术与机器生产的关系问题，因此，他们许多理论、观念，甚至设计得不到支持和采纳。

其次，由于维也纳分离派设计家们在进行设计时，对材料的选择没有考虑到经济成本，也没有思考工艺加工的效能，所以，他们的设计不仅材料昂贵，而且加工工艺复杂，所以既不能实现机械化生产的要求，也无法满足大众的消费。

再次，由于他们对简洁和抽象设计形式的追求本质上仍没有脱离“新艺术运动”风格，并没有真正把设计的形式与其应有的功能结合起来，所以没有得到民众的广泛认同。

正是因为上述三方面的原因，所以，奥地利维也纳的新艺术运动，尽管出现了不少的设计师，设计出了不少颇具特色的作品，但是，其影响是有限的。

6、英国

严格地说，作为一种设计运动，英国的新艺术设计活动主要限于苏格兰。因此，它在英国的影响远远不及“工艺美术运动”。在这场影响有限的设计运动中，取得了比较大的成就的是格拉斯哥四人团（Glasgon Four）：查尔斯·雷尼·麦金托希（Charles Rennie Mackimtosh，1868—1928）、赫伯特·麦克内尔（Herbert

Mcnair1868—1953）、马格蕾特·麦克唐纳（Margaret Mcdonald,1865—1933）、法朗西丝·麦克唐纳（Frances Mcdonald,1874—1921）。在19世纪90年代至20世纪初，他们在建筑、室内、家具、玻璃和金属器皿等的设计方面形成了独一无二的苏格兰新艺术表现，即柔软的曲线和坚硬高雅的竖线交替运动的新表现，亦即设计史界所习称的“直线风格”。

麦金托希不仅是“格拉斯哥四人团”的领袖人物，而且其设计集中地体现了“直线风格”。他于1868年6月7日出生于格拉斯哥，家庭有11个孩子，儿童时代十分幸福，很早就决心要从事建筑。虽然父母反对，但他在16岁时就离开家庭外出学习绘画、建筑并参与设计。他的设计领域非常广泛，涉及到建筑、家具、室内、灯具、玻璃器皿、地毯、壁挂等，同时，他在绘画艺术方面也造诣甚高。他的设计风格的形成，在很大程度上受到日本浮世绘的影响。从他很小的时候起，他就对日本浮世绘线条的使用非常感兴趣，特别是日本传统艺术中简单的直线，利用不同的编排和布局，取得非常富有装饰性的效果。当然，他的设计风格也源于英国的工艺美术运动的成果，特别是以威廉·莫里斯、约翰·拉斯金等人为首的各种试验的发展，另外还有欧洲其它国家“新艺术”运动，特别是被视为现代主义前奏的一些人物，如维也纳分离派运动等的影响。

麦金托希作为一个全面的杰出的设计家，在建筑设计方面成就尤大。他早期的建筑设计一方面受到英国传统建筑的影响，而另一方面则倾向于采用简单的纵横直线。他最成功的建筑设计是格拉斯哥艺术学院的一些建筑，设计上采用简单的立体几何形式，内部稍加装饰，非常富有立体主义精神。室内大量采用木料结构，简单的几何形式，内外协调，形成一种统一的风格。为了达到高度统一的设计风格，他还统一设计建筑内部的家具和用品，家具采用原色，注重纵向线条的运用，利用直线搭配进行装饰，尽管避免过多的装饰。如格拉斯哥艺术学院图书馆的设计，没有流畅的装饰线条，而是抽象而富有力量的几何造型，给人的印象如同抽象形式合奏的复调音乐（图3-22）。又如1902年他为希尔大楼所设计的室内，其简洁的立体图形与地板的同类图形相呼应，并且将这种基调延伸到长方形门框、天花板、墙板和几何形灯具，简洁的格子形主宰室内，汇成简洁而空旷的整体效果。再如在家具设计方面，像椅子、柜子、床等都别具特色，特别是他设计的靠背椅，完全采用黑色的造型，非常夸张，完全摆脱了一切传统形式的束缚，也超越了对任何自然形态的模仿（图3-23）。

从大量的作品来看，以麦金托希为代表的格拉斯哥设计风格，集中地反映在装饰内容和手法的运用上。具体而言，表面装饰遵循严格的线条图案——主要是常常以卵形告终的微曲竖线——以及格子和风格化的玫瑰形；配色柔和，主要限于淡橄榄色、淡紫色、乳白色、灰色和银白色构成的清淡优美的色彩；拉长的女子沉思形姿在他们的设计中也十分突出；装饰线条虽超起于稳定，但其视觉效果也不会变化，大多数表面图案抽象复杂，象征形态点缀其间，这些象征形态与大部分新艺术设计一样，沟通自然；曲弯的竖线与卵形和细胞形图案相同，风格化的叶子和玫瑰花苞赋予作品一种持续增长的活力情调。

第三节新艺术运动在美国

当19世纪后半叶欧洲各国的设计师还在喋喋不休地争论机械化生产是否适宜艺术设计的时候，立国不久以后走资本主义道路的美国却是以最实干和实际的态度积极接纳了机械化大生产方式，默默地从事与机械化生产相适应的企业产品设计，因此，这一时期美国的机械化发展速度很快。

高度发展的机械化生产，为设计师提供了更多设计任务，再加上这一时期的大量创造发明，也带动了美国工业设计的发展。19世纪后半叶，堪称人类发明史上前所未有的黄金时期，如1876年贝尔发明了电话，1879年爱迪生发明了电灯，以后又发明了电报、电唱机、电影放映机等，1851年胜家缝纫机公司推出了第一台缝纫机，1874年雷明顿公司发明了第一台打字机，如此等等，这些发明促进了美国工业的迅猛发展，也给设计提供了越来越多的活动空间。正因为如此，所以在19世纪后半叶，美国的设计艺术发展迅速。

由于自身的文化艺术底蕴不深，传统艺术对于现代的影响不大等原因，使美国社会所出现的机械化生产与艺术设计之间的矛盾不如西欧的法国、德国、英国等明显和激烈，但毕竟在机械化生产迅速发展的19世纪后半叶，它与艺术设计之间存在矛盾也是客观存在的，特别是随着资本主义各国政治、经济、文化、

军事等联系的日益密切，作为与英国等西欧国家有着千丝万缕联系的美国，也不可避免地受到了这些国家的影响。先是英国的工艺美术运动，接着是新艺术运动。如果说工艺美术运动对美国设计的影响还小的话，那么，新艺术运动则在美国产生了广泛而深远的影响。其影响涉及到当时应用美术领域的各个方面以及建筑领域，并取得了巨大的成就。

在应用美术领域中，受新艺术运动影响的著名设计师是威尔·布拉德利（Will H.Bradley,1868～1962），他堪称新艺术图形设计代表。布拉德利最初是以比尔兹利的线条风格从事设计，可以说比尔兹利的作品对布拉德利的图形设计风格构成了决定性的影响。关于这种影响，我们从他的1895年设计的招贴《CHAPBOOK》（图3-24），以及被评论家视为“美国的第一张新艺术招贴”的《孪生姐妹》，可以明显地看出拥有比尔兹利图形风格中的那种曲发装饰图案和平面图案背景。

布拉德利1894年的作品反映了英国工艺美术运动设计师的纯装饰化和高度“道德化”的手法，如为《故事书》设计的封面。但是，在随后的设计生涯中，他也总结出了一些新的技法，像以重复线条图案而非仅仅靠黑白对比来建立纹理色调区，黑白被用来衬托彩色和装饰线条。他所总结出来的这些新技法及其他的个人设计风格，集中地反映在他为R·D·布莱克默的美国版《叙事诗》所绘的插图中，以及1895、1896、1905年先后为《国内印刷》设计的封面（图3-25）、为爱德蒙·斯潘瑟的《喜欢》所作的插图（图3-26）和《维克多·比西克里》海报设计中（图3-27）。

如果说布拉德利是美国受新艺术运动影响和成就最大的平面设计师的话，那么，路易斯·康夫特·蒂夫尼（Louis Comfort Tiffany,1848—1933）是工艺美术设计领域中的代表人物。

蒂夫尼主要从事日用器皿的设计，尤其擅长于玻璃设计。在新艺术运动没有影响到美国之前，蒂夫尼进行玻璃设计的原型主要来源于欧洲，但在19世纪最后十年里，他的作品成为欧洲玻璃设计的模式。

蒂夫尼在玻璃设计领域所取得的成就是独一无二的，他不仅设计了19世纪90年代后期美国社会最具流行时尚的台灯——彩绘玻璃台灯，而且在19世纪末20世纪初推出了著名的“法夫赖尔”花瓶系列。其中前者的设计中，色彩丰富的玻璃造型灯具使白炽灯泡刺眼的灯光变得极其柔和。青铜的底座是树根和树杆，不规则的造型上面悬挂装饰着百合花、荷花或紫藤花的彩绘玻璃灯罩，具有一种自然而浪漫的情调（图3-28），而后者的设计，引进了新的色彩效果，大部分是彩虹色，模仿古代风化玻璃器具，有时叠盖风格化的花朵、孔雀羽毛和梳子波纹图案以增强色彩效果（图3-29）。

在建筑设计领域，本来在新艺术运动传入美国以前，美国已形成了著名的“芝加哥学派”，这个学派主张建筑功能第一，“形式永远服从功能的需要，这是不变的法则”，“功能不变，形式也不变”。其代表人物有建筑师伯纳姆（Beruhem）、詹尼（Jenney）、艾德勒（Adler）霍拉伯特（Holabird）和路易斯·沙利文（Louis Sullivan,1856&1924）等。通过这些建筑师的工作，从芝加哥开始，美国兴起了建造摩天大楼的热潮。

路易斯·沙利文是芝加哥学派最重要的代表人物，他对美国新艺术建筑作出了前无古人的巨大贡献。他在14年中设计了一百多幢摩天大楼，分布在纽约、密苏里、芝加哥等地。他早期的建筑作品表达了将罗马风格建筑语言加于现代形式的愿望。他所设计的礼堂大厦在粗琢的下部楼层上方建有的连拱廊围住窗子。而在建筑的内部，沙利文已开始运用花卉装饰。在今天看来，沙利文最杰出的建筑设计作品是卡森皮里斯科公司商场设计，商场的简洁处理，使该设计成为20世纪无数办工与商业建筑的基本原形。主入口上方及周围布满奢华的新艺术风格的铸铁装饰，这也许是沙利文最杰出的建筑装饰（图3-30）。商场最下面两层是商店，上面十层为办公楼，在钢铁架上挂满白色的陶砖，并有成排的大窗户，充分体现了他“形式服从功能”的现代建筑思想。特别值得一提的还有沙利文和艾德勒合作设计的“芝加哥大剧院”，沙利文通过使用可折叠的天花板护墙和垂直的屏障，用许多悬吊的圆形弧圈把声音从舞台传向剧院后面的观众，使能容纳3000人的剧院达到了完美的音响效果。而在建筑的外部，沙利文改变了剧院的立面材料，在下面三层使用质朴的花岗岩石块，在四层以上使用沙岩，从而强调了建筑墙的垂直感（图3-31）。

继沙利文之后，曾经在沙利文建筑事务所工作过的费兰克·赖特（Frank Lloyd Wright,1869—1959），进一步发展了沙利文的新艺术建筑思想，其中主要表现在对新材料的选用及考虑建筑与环境协调方面，他提出了著名的“有机建筑”概念。赖特被视为现代最伟大的建筑师之一。他的建筑设计在19世纪90年代

表现出强烈的表面装饰倾向，如1894年他为麦克艾菲住宅所作的设计就是一个典型例子。从1895年开始，赖特在建筑铁饰设计中融入了高雅的垂直和曲线形。至1904年，这些装饰作品对垂线和表面图案的运用已具赖特个人风格。

“新艺术”运动在19世纪90年代开始，席卷欧洲的大部分国家与美国，成为当时影响最大的一次设计运动。到1900年，在巴黎国际博览会（the Paris Exposition Universelle）期间达到潮。如前所述，尽管这场运动的风格在各国之间有很大差别，但是，从追求装饰，探索新风格这一点上，都是相同的。这场运动虽然在一些方面是对新时代设计艺术的一种大胆探索，但是，从设计师们的具体设计来看，其手法，即装饰性的、手工艺的方法在很大程度上仍是陈旧的。特别是由于它与“工艺美术”运动一样，企图在艺术、手工艺之间找一个平衡点，所采用的方式，如装饰、自然主义的风格等，使得这场声势浩大的设计运动的实质是探索产品设计的装饰风格，因而依然是为豪华、奢侈的设计服务的，是为少数权贵服务的，这就决定了这场运动的延存时间和生存空间是有限的。正因为如此，所以一方面，在当时，存在有自成体现的北欧设计，另一方面，这场运动在20世纪初迅速被一个新的设计时代——现代主义时代所取代。

然而，我们也应该认识到：在设计发展史上，“新艺术”运动比“工艺美术”运动前进了一大步。这主要表现在两者的根本区别上。威廉·莫里斯所主张的是艺术、设计回归到中世纪那种工匠们集技术和艺术于一体的自然状态，以排除生产条件下产品功能和形式之间的隔阂。而“新艺术”运动则把从自然中获得的动植物纹样装饰于实用产品之上，因而，在处理设计的形式与功能、技术与艺术之间的关系上，与工艺美术运动的范畴相比，大大地拓宽了，并且将艺术载体延伸到了实用的产品上。

第四节自成体系的北欧设计

在西欧和美国如火如荼地开展“新艺术”运动的年代里，地处斯堪的纳维亚半岛的北欧的芬兰、丹麦、瑞典、娜威和冰岛王国，因独特的自然条件、地理环境和地域文化，而形成了自成体系的设计风格。

斯堪的纳维亚半岛由于纬度较高，部分地区处在北极地区，因此不仅冬季寒冷而漫长，气候反差大，人口密度小，森林覆盖率高，矿产资源较为贫乏，而且与西欧等欧洲其它国家关系相对松散，具有相对独立的文化传承和设计传统。当欧洲其它国家工业革命迅速发展时，北欧五国还处于传统的手工业时代。直到19世纪70年代，工业革命之风才徐徐吹来。但是，这里与英国等国家的设计领域表现出了明显的不同，即北欧五国的设计在工业革命的过程中，并未出现工业化与手工艺的强烈冲突和对抗，而是处于一种和谐共处的平衡关系。在这种状况下的设计，具有崇尚朴实自然，忠实于自然材料的平民化风格，这正好与工业革命下机械化生产所要求的产品设计简洁、经济和高效的要求相吻合。因此，就总体而言，北欧的设计所体现出的风格特征是：既包含严谨精细的手工艺传统精神，又体现大工业功能主义和理性主义，既有时代特征，又极富人情味。

19世纪末20世纪初，自成体系的北欧设计主要体现在陶瓷设计和家具设计两个方面。在陶瓷设计方面，丹麦这一时期出现了著名的设计家托瓦尔德·宾德斯波尔（Thor Vald Bindes bold）。他出身于画家，后来从事陶瓷设计与制作，他在1893—1904年间设计的陶瓷造型硕大，简洁有力，常利用一些弯曲的线条把不同色彩分成几个独立的区域。这些曲线大多是任意的线条，像天上云彩的边线或海浪的轮廓线一样，富有极强的装饰性。这一时期，瑞典出现了两位著名的陶瓷设计家——古纳·温伯格（Gunner Weinberg）沃尔夫·华兰德（Alf ballander）。温伯格受聘于瑞典著名的陶瓷厂古斯塔夫斯伯格厂，并于1896年成为该厂的艺术指导和总设计师，负责该厂的陶瓷产品设计。他的设计采用了极为简洁、自然的图案和造型，给人十分大方、实用的视觉感受。特别值得一提的是他通过造型大小的序列变化设计，一方面改变了设计简洁给人的单调感，另一方面形成了企业产品系列的整体性。他的这种设计思想和风格，开创了北欧设计中艺术与工业结合的典范。华兰德受聘于瑞典另一家大型陶瓷生产厂罗斯特朗厂，并主持产品的设计工作，他所设计的陶瓷装饰典雅，工精良，具有强烈的新艺术运动风格。1900年，他设计并亲自烧制的茶具和咖啡具组合就使用了动物造型的自然主义装饰手法，风格优雅而富于情趣（图3-32）。这一时期，芬兰出现的著名陶瓷设计师有A·芬奇（Alfred Finch），他在1897到1902年间，为爱里斯工厂设计并制作了一批风格十分简洁而精美的陶瓷器，表现出精致细腻的地方形式特点。1900年的巴黎世界博览会上，芬兰的陶瓷产品以其简洁而具有地方特点的造型与装饰，质优价廉而倍受观众瞩目。

在家具设计方面，因北欧国家森林覆盖率高，盛产木材，所以木制家具有着悠久的历史和传统。在19世纪末20世纪初，其家具的设计在传统家具设计风格特征的基础上，进一步强调了功能性和人情味，人性化设计被提到了一个较高的程度，设计师们始终坚持和充分认识到了家具设计的大众使用目的以及人的因素。

第三章现代设计演进中的装饰艺术运动

一、本章主要内容

装饰艺术运动的历史渊源与风格特征；装饰艺术与现代主义运动的联系与区别；装饰艺术在法国、美国和其它国家的表现

二、重点

装饰艺术运动的历史渊源与风格特征；装饰艺术与现代主义运动的联系与区别；装饰艺术在法国的表现

三、难点

装饰艺术与现代主义运动的联系与区别

四、教学内容

所谓装饰艺术运动是在现代主义运动兴起的同时，在法国、美国和英国等国家展开的一场风格非常特殊的设计运动。这场运动虽然与欧洲的现代主义运动同时发生，受到了现代主义运动的很大影响，但是，它在设计艺术形式、审美追求，以及对待机械化和批量化问题上有其独特之处，并且对20世纪40年代以后的设计艺术产生了深远影响，因此，尽管它不是20、30年代设计的主流形式与风格，我们还是有必要专门进行分析、阐述。

第一节装饰艺术运动的历史渊源与风格特征

一、装饰艺术的历史渊源

20世纪初，欧美国家的一批艺术家和设计师敏感地了解到新时代的必然性，他们在工业革命的浪潮下，不再漠视、回避和反对机械化生产，也不再拒绝使用钢铁、玻璃等新材料。他们认为，源于英国的“工艺美术”运动和产生于法国，几乎影响到西方各国的“新艺术”运动有一个致命的缺陷，就是对于现代化和工业化形式的断言否定态度。随着时代的变化，他们认为与其回避，还不如适应它。因此，这些设计师在主观上存在一种强烈要求寻找一种新的设计艺术形式的要求。他们的这种主观要求是建立在工业化和机械化并不是产品丑陋的根本原因的基础上。而恰巧在这时，考古学上的重大发现，传统艺术的创新启示、舞台艺术影响和工业生产中汽车样式的确立，给了设计师以众多的灵感，这一切，成为装饰艺术运动的源流。

1、对埃及古代装饰风格的借鉴

就像源于英国的“工艺美术”运动和产生于法国的“新艺术”运动都从中世纪风格，特别是哥特风格，以及日本装饰和自然风格当中寻找形式借鉴的营养一样，装饰艺术运动的设计家也企图从历史的变迁中去吸收对他们有益的成份，正当他们苦苦追寻时，1922年，英国的考古学家豪瓦特·卡特（Howard Carter）在埃及发现了一个保存完好的古代帝王陵墓——图坦哈姆墓（Tutankhamun）。墓主图坦哈姆是埃及第十八王朝第十一代法老，他9岁登基，18岁去世，基本未真正掌权，由大臣阿伊和武官霍伦希布摄政。他死后的陵墓是埃及历代王陵中较小一个，但该墓大量的出土文物展示出了一个绚丽的古典艺术世界，在3500多件出土物中，有一半是黄金制品。那些3300年以前的古物，特别是墓主的金面具，形象极富表情，伤感而有怨意，似乎留恋人生而不愿走向永恒（图5—1）。其所使用的艺术手法是通过简单的几何图形，使用金属色系列和黑白色彩系列，达到一种高度装饰的效果。这个金面具在给不少设计师震惊之余，也给予了他们强而有力的启示，使他们向埃及的古老文明中寻找启迪。这样，古代埃及的建筑装饰纹样，如盛开的纸草形式的柱头、纸草和莲花交织组成的柱头等，就成了他们撷取和借鉴的对象。正是借鉴了埃及古代

装饰艺术，所以装饰艺术运动的设计师往往把简单明快的从自然抽象出来的几何图案加以变形处理，运用到自己的设计中，很快使自然装饰题材和绚丽的装饰色彩成为一种流行时尚。

2、从传统艺术的创新中获得创作灵感

正如我们在前面所说的，纯绘画艺术从19世纪中叶开始发生变化，逐渐向现代派艺术转变。到这一时期，产生了以毕加索、蒙克等为代表的一批著名画家。因为他们成功的一个重要因素是对非洲和南美洲的原始部落艺术给予了高度的关注。如毕加索对非洲的木雕艺术非常感兴趣，其代表作，《亚威农少女》就是受到非洲原始艺术影响而作，画中狞恶的面孔来自非洲土人面具和纹身的形象，三角状的分割形式甚至是对非洲原始艺术的仿效。又如挪威画家蒙克则在很大程度上受到南美洲的原始部落文化的影响，其代表作《站在藤椅子旁的裸妇》（图5—2），运用起伏、波动、流畅的曲线，画出一位可能是在追求不健康情欲的女性，暗示着一种悲悯的欲望和直白的性情，画面中令人恐惧的气氛和灵魂的振荡是南美原始部落文化艺术所经常能见到的。

装饰艺术家从他们身上受到启发，对非洲部落舞蹈面具的象征性和夸张性，木雕的明快简练，以及南美洲原始部落文化的粗犷、强劲风格特征表现出了极大的兴趣，以至这些原始艺术成为设计师进行构思和创作的形式素材，如常常用阳光放射型、阿兹克特放射型、金字塔型、曲折型等简单的几何图案进行装饰。

3、舞台艺术的影响

20世纪初期，在舞蹈艺术中，特别是芭蕾舞开始出现了与传统决裂的重大改革。作为当时芭蕾舞的中心，不仅在表演造型、舞蹈编排，而且在服装设计和舞台设计等方面，都与传统的舞台艺术有着巨大的区别（图5—3）。俄国最著名的芭蕾舞剧团——“俄罗斯芭蕾舞团”，频繁在西欧等地演出，也就把这种改革的影响带到了西欧等地，这使西欧以法国为代表的设计艺术家受到了诸多启示，对他们正在探索的艺术风格产生了极大影响。从1902年到1909年间，俄罗斯芭蕾舞团在其领袖迪亚基列夫（Diaghilev）的领导下，先后演出了一系列非常前卫的芭蕾舞剧，包括斯特拉文斯基《火鸟》、《春之祭》、《彼德罗什卡》和《蛇舞》（La Danse du serpent）等，在这些芭蕾舞剧中，其舞台设计和服装设计都非常前卫，大量采用金属色彩和强烈的色彩。这种色彩效果后来在装饰艺术运动的设计作品中得到了充分的反映。芭蕾舞的舞台艺术不仅影响了装饰艺术运动，而且还导致了时装设计的产生与发展，法国第一位时装设计师保尔·布瓦雷（Paul Poi ret）的时装与家具（图5—4）设计，就是从俄罗斯芭蕾舞台设计和服装设计中找到灵感的，布瓦雷成为法国1915到1925年时装设计最重要的人物。

与此同时，美国的爵士文化和爵士音乐，也影响了装饰艺术运动的风格，20世纪20年和30年代，是美国黑人爵士音乐高峰期，这种强烈的、节奏鲜明而特殊的美国民间音乐和它的表演方式，对于生活在当时社会的设计家来说是极为新鲜和富于感染力的。因此，它的节奏与特殊的韵律感，它的强烈的色彩，都通过设计得到一定的体现。

4、汽车设计样式的影响

从1885年德国人本茨（Carl Benz）发明内燃机车，到1898年前后汽车被发明以后，汽车很快成为人类的代步工具，成为20世纪人类文明的象征之一。汽车的造型、技术性能、速度感、时代感被不少人视为未来的象征。这种前卫感受自然也就成了设计师进行设计的推动力，并直接影响到其它产品的设计。20世纪30年代从美国开始流行的流线型设计就是汽车外观造型设计样式在其它设计中模仿和应用的结果。汽车设计样式不只是影响到这一时期的产品设计中，而且还影响到了平面设计中，飞机、轮船和火车等作为时代主题形象频频出现在20年代至30年代的招贴和广告设计中，便是明证。

当然，“装饰艺术运动”除了上述四个方面的渊源以外，“新艺术运动”中的“维也纳分离派”和以麦金托希为代表的“格拉斯哥学派”在设计形式上追求的几何化，立体主义几何化绘画语言、现代主义的设计艺术理念、野兽派绘画独特的艺术手法和鲜艳的色彩等（图5-5），也都在一定程度上影响了装饰艺术运动的产生和发展。

二、装饰艺术的风格特征

装饰艺术运动虽然发源于法国，但它在美国和英国也颇有影响，尤其是在美国商业环境下，在设计式样追随市场销售的设计和商业原则驱动下，得到了巨大的发展。综观这场设计运动，从众多的设计作品的

风格特征来看，尽管其渊源于众多的艺术类别和形态，但在吸收众多设计艺术风格和其他相关艺术观念的过程中，由于这场运动中的设计师并不是简单的因袭、照搬，而是从这些设计艺术风格和相观艺术观念中借鉴某些文化思想和艺术语言，因此，这场运动形成了自己特有的造型语言和独特的色彩系列。

首先，从造型语言来说，它趋于几何但又不过分地强调对称，趋于直线但又不囿于直线。几何扇形、放射状线条、闪电型、曲折型、重叠箭头型、星星闪烁型、连锁的几何构图、之字形或金字塔形的造型是其设计造型的主要形态。不仅如此，而且这些新奇样式又往往以贵重金属、宝石或象牙等高档材料表现出来，因而给人以新奇和时髦的造型感受，弥漫着贵族高雅的情调。

其次，从色彩的运用而言，“装饰艺术”具有鲜明强烈的色彩持征，与讲究典雅的以往各种设计风格的色彩运用大相径庭。在其独特的色彩系列中，鲜红、鲜蓝、鲜黄、鲜橙以及金属色受到了特别的重视。通过这些色彩的运用，使其设计达到了绚丽夺目甚至金碧辉煌的效果。

三、装饰艺术与现代主义运动的联系与区别

由于装饰艺术运动与欧洲的现代主义运动几乎同时发生与发展，因此，它不可避免地受到现代主义运动的影响，两者之间有着内在的联系。从总体上讲，它们犹如一对孪生兄弟，是工业设计同一根源上的两条分枝，各自沿着自己侧重的方向发展；二者是机器取代手工的工业时代在设计中的两个反映面；他们都是新艺术运动发展的结果和必然，同时也是对新艺术运动的反逆。

装饰艺术运动与现代主义运动虽然都主张采用新的材料，如钢铁、玻璃等，主张机械美，主张采用大量的新的装饰手法使机械形式及现代特征变得更加自然和华贵，但是，“装饰艺术运动”所强调的装饰正是现代主义反对的主要内容之一，因此，两者之间存在着区别，属于不同的设计艺术风格。具体表现在两个方面：一是两者共同信奉的机械美学在寻找艺术和工业生产的结合点上表现出各自的个性，装饰艺术在装饰样式和色彩上发现了结合点，现代主义则在功能和实效那里找到了归宿。二是两者的服务对象有所不同，“装饰”艺术禀承了以法国为中心的欧美国家长期以来的设计传统立场，即为富裕的上层阶级服务，因此它仍然是为权贵的设计，其对象是当时正处在上升时期的资产阶级；而现代主义则强调设计为大众服务，特别是为低收入的无产阶级服务，因此，它带有一定的左倾性，具有小知识分子理想主义的、乌托邦式的成分。

第二节装饰艺术在法国的表现

装饰艺术运动是一场席卷欧美的国际性设计运动，其中法国是装饰艺术的发源地，巴黎是这场运动的中心，这场运动在法国称为“现代艺术”（Modern Art）。1925年的“巴黎装饰艺术与现代工业展览会”是对法国装饰艺术运动成果的集中展示。这场运动于20年代和30年代在法国达到登峰造极的地步，第二次世界大战前，这场运动开始衰落，然后逐渐消亡。

法国的装饰艺术运动涉及面非常广泛，包括家具与室内设计、陶瓷、漆器、玻璃器皿、金属制品、首饰与时装配件、绘画、海报和时装插图等设计艺术领域，涌现出了众多著名的设计大师，这里我们分别对其在进行简单介绍：

一、家具与室内设计

家具与室内设计是法国装饰艺术设计风格最集中的体现之一。家具造型采用简单、夸张的几何造型，使简单明快的几何形与复杂的表面装饰形成对比，利用纺织品创造豪华和绚丽多彩的装饰品位；室内设计上创造出了一种所谓的“小客厅”风格，侧重于富丽的材料、豪华的家具和亲密的环境，在使用材料上，像亚洲的蔷薇木、苋木、崖柏、巴西红木、黑檀木和南非柠檬木，并喜欢用象牙和鲨革作为点缀，甚至把东方情调的艺术引入到室内设计之中。家具与室内设计方面著名的设计师有艾林·格雷（Eileen Gray，1879—1976）、让·杜南（Jean Dunand）、毛里斯·杰洛特（Maurice Gallott）、爱米勒—雅克·鲁赫尔曼（Emile-Jacques Ruhlmann,1879—1933）等，成绩最为突出的是鲁赫尔曼和格雷。

在鲁赫尔曼的家具设计中，包括餐桌、椅子、书桌和躺椅，华丽的光面和丰富的细饰所强化的传统造型贯彻始终。他常用象牙作镶嵌和实用配件，像手柄、腿和锁眼盖，有时加上铜银饰板以增强这些装饰图案的效果。在造型上，简单明快的几何外型与复杂的表面装饰形成强烈的对比，从而取得了一种特殊的视觉效果（图5—6）。

以室内设计见长的格雷，作为一位女性设计师，她的设计注重豪华的装饰效果，同时也注重现代主义的表现手法，特别是现代主义的材料运用和形式特征（图5—7）。在30年代，她是把法国装饰艺术运动与国际现代主义运动联系起来的最重要人物。1932年，她在巴黎为苏珊·塔波特（Suzanne Talbot）进行室内设计时，选择了包括斑马、美洲豹等豪华皮革材料，加上体现现代主义特点的钢管结构家具，色彩稳健细腻，效果极其精巧，被设计界视为“装饰艺术运动”时期的经典设计。

二、陶瓷设计

法国“装饰艺术运动”中的陶瓷设计，其器皿造型较多地受到古代埃及器物造型的影响，其釉彩的改进则是从中国瓷器中获得启迪。整个艺术风格主要体现在装饰纹样上，以人物与强烈的几何图案为其装饰特点，这种装饰特点在20世纪30年达到最高峰。著名的设计师有艾米尔·德科尔（Emile Decoeur,1976—1953）、艾米尔·雷诺帕（Emile Lenoble,1876—1940）、雷尼·巴赫德（Rene Buthaud）等。

德科尔在20世纪30年代受到东方古代文明陶瓷传统，尤其是中国古典造型和上釉技术的启发，设计出了整套的餐具和中国风格的大碗，其造型非常简洁，多用单色釉，像黄色、蓝色、粉红色、绿色和白色等，表面处理则使用了中国陶瓷的冰裂开片、挂彩等手法。

雷诺帕利用陶瓷设计出了不少被称为石器（Stoneware）类的餐具。这类餐具的造型基本上以中国传统陶瓷造型为蓝本，表面的装饰手法也以中国传统的手绘法为主，其装饰题材和纹样则大多运用植物纹样为装饰母题，因而产生出与中国古代陶瓷那样典雅的视觉效果。

至于巴赫德，他比较重视采用当时现代艺术运动的一些手法来装饰自己的陶瓷，他所设计的餐具和它陶瓷产品上往往采用手工绘制的方法来装饰，其装饰中带有明显的“色彩至上”的特征。在他的作品中，近乎原色的鲜艳的绿、黄、蓝、红交织的画面随处可见，在视觉上给人一种绚烂而又幽美的感觉。显然，这是受野兽派绘画艺术家的影响所致。

三、玻璃设计

正如前述“新艺术”运动一样，法国“装饰艺术运动”时期的设计师也热衷于玻璃器皿的设计，试图利用玻璃创造复杂多样的艺术表现效果。20世纪20至30年代，他们设计制作出了一批实用豪华的玻璃器具。产生了像雷尼·拉里克（Rene Lalique,1860—1945）、弗朗西斯·艾米尔·德科切蒙（Francois-Emile Decorchenont,1880—1971）、阿米里克·沃尔特（Almeric walter,1859—1942）、迪姆兄弟（Daum Brothers）、毛里斯·玛里诺（Maurice Marinot,1882—1960）等一批著名的设计师。

拉里克对玻璃产生兴趣始于1891年，但一直到1906年他受委托制造玻璃香水瓶以后，玻璃设计才成为他的主要设计对象。他早期的作品反映出新艺术风格的影响，但从20年代起，装饰艺术风格成为他设计的主旋律。他的设计被称为“没有时间限制的风格”，富于想象，设计动机来源于东方艺术、古典风格和现代艺术的某些因素。他设计了一系列玻璃器皿，包括香水瓶、玻璃瓶、灯具、钟盒、台头饰件和其它装饰品（图5—8）。他的产品大部分可以批量化生产，色彩都非常鲜艳，他在设计中特别喜欢采用翡翠绿色、孔雀蓝色等。玻璃表面处理或者是光滑的、或者有霜冻肌理的，大多数采用动物、鱼、女人体的凸浮设计和花、植物的纹样。他的设计极具装饰性，有些玻璃器皿原来只是为功能目的设计的，如瓶塞，但通过他的设计，在功能之外，还可以成为单独欣赏的装饰品。

德科切蒙和沃尔特的玻璃设计有着相似之处，由于走的是雕塑化的道路，因此被人称为the pate-de-verre 玻璃器皿。他们设计的器皿大都沉重，并且大部分是采用不透明的玻璃制作的，往往利用模具铸造成雕塑，常见的是以动物、鱼类和女性裸体为造型和装饰，因此，极具装饰性。

迪姆兄弟是装饰艺术运动中采用腐蚀玻璃的技法来达到装饰效果的主要代表人物。他们利用这种手法所设计的灯具和玻璃瓶，表面具有腐蚀出的几何图案。但因腐蚀很浅，玻璃器皿的表面依然光滑，显得非常细腻。

至于另一个玻璃设计师玛里诺，在设计时，他非常注重玻璃器皿的表面处理，巧妙地利用玻璃器皿制作过程中产生的气泡作为主要装饰手段，故往往形成别具特色的艺术风格。

四、漆器设计

从“新艺术运动”开始，东方的漆器装饰艺术就受到了设计家们的高度重视。到“装饰艺术运动”以

后，巴黎的一些设计家更是尝试用漆器作为装饰和设计的手段，特别是利用漆器来设计屏风、门、室内壁版、家具和其它装饰构件。磨漆具有的细腻和光滑的表面特征，与“装饰艺术运动”所追求的理念十分吻合，这一时期，擅长漆器设计的艺术家有让·杜南（Jean Dunand,1877—1942）和前揭格雷。

让·杜南作为“装饰艺术运动”时期著名的设计师，他不仅长于室内设计，在室内设计中大量运用漆器，而且为不少设计师进行漆器制作，对促进漆器在法国和欧洲的普及与发展起了巨大的推动作用。由他为邮轮“诺曼底号”和“大西洋号”设计的家具与室内，使用了大量的漆器。其中的漆器屏风和室内壁板采用非常华贵的色彩，装饰图案非常精细，采用了埃及、日本和古典的艺术手法进行处理，具有浓郁优雅的女性化特征和东方风韵。

格雷作为著名的室内设计师，经常采用漆器制作家具。由于她是通过向伦敦的日本著名漆器工艺人Sugawara学习漆器工艺的，所以，在她的设计中，具有东方漆器风格。1922年，格雷开设自己的设计店，在那里展出和出售自己设计的漆器和家具，从而建立起一个非常特殊的顾客网络。

五、首饰与人物装饰品

因为巴黎有“时装之都”，所以围绕时装及其配套产品的设计是设计行业的重要内容。装饰艺术运动时期，法国不仅出了一些专门生产昂贵首饰和人物装饰品的厂家，如卡蒂尔（Cartier）公司、凡·克里夫与阿佩尔（Van Cleefet Arpels）公司、富奎（Fouquet）公司和包舍隆（Boucheron）公司等等，其设计和生产的首饰全部采用贵金属和珍贵宝石，如金银、翡翠、玉石、红宝石、珍珠、钻石等，而且出现了包括杰拉德·桑多斯（Gerard Sandoz）、可可·夏奈尔（coco shanel）等著名设计师。

法国在1905年前后出现了具有现代意识的时装设计，保罗·布瓦列成为现代意义上的第一个时装设计师，也是世界上最早的时装设计师。布瓦列的设计，不仅改变了几乎是一成不变的女装设计面貌，为女性服装开创了一个多姿多彩的新纪元，而且因女性出于社交的需要，与时装配套的用品，如发卡、手镯、项链、耳环、胸针、戒指、扣子等也要求多样的设计风格和要求（图5—9）。于是，一些设计艺术家把“装饰艺术运动”对埃及、中国、日本、波斯等东方艺术的借鉴引入到首饰设计师。这种设计在20世纪20、30年代达到了高潮、形成了首饰与人体装饰设计方面造型简单几何化、色彩绚丽的设计艺术风格。如桑多斯所设计的镶饰宝石的胸针和坠饰仿效机械式的几何图案，加上丰富而昂贵的材料，成为简洁的造型和丰富的材料构成的艺术装饰服饰和首饰的典型作品。而夏奈尔的设计，则采用夸张、尺寸较大的首饰，一方面显现首饰的装饰美，另一方面衬托当时流行的短发型和突出的低开领与腰围。

六、金属制品设计

极具装饰性的金属制品设计，特别是各种人物雕塑的金属装饰品设计是法国“装饰艺术运动”十分重要的设计类别。这些金属制品主要包括灯具、壁版、刀叉餐具、茶具等。从视觉效果来看，这些金属制品大都注重表面的加工处理，同时也注重表面不同材料、不同肌理的对比效果，特别是通过在金属表面上镶嵌包括陶瓷、珐琅、木材、象牙、玻璃、宝石等的各种材料，因而显得豪华、绚丽，这正是“装饰艺术运动”风格的共同特征。在这方面著名的设计家艾德加·布兰特（Edgar Brandt,1888—1960）、阿尔柏·西蒙涅特（Albert Simonet）、让·普弗卡特（Jean Puiforcat,1897—1945）等。

布兰特是20世纪20年代法国金属制品设计方面最重要的设计师，他采用青铜、铸铁设计灯具，造型大多模仿动物，这种设计风格明显受到埃及古代艺术的影响。与他同时的设计师，西蒙涅特的灯具设计，则比较多地从中国古代器物的装饰题材和手法中吸取营养，因而所体现出来的艺术风格是东方色彩。

20年代中后期，法国装饰艺术运动的金属设计开始转向比较简单，明快的风格，这突出表现在造型方面，多采用几何形体。著名的设计师普弗卡特所设计的刀叉餐具、蜡烛台、台灯、茶具等，就是如此。这些金属物虽然讲究选材和装饰，但造型多为简单得不能再简单的几何体。然而，由于使用了名贵材料和多种镶嵌技术，给人的感受却是豪华的。

七、平面设计

法国装饰艺术运动的风格在室内设计和产品设计等方面大量表现的同时，也被不少的法国画家、插图画家和从事海报、招贴设计的平面设计师采纳使用。由于这些人创作的题材比较集中于法国上层社会的奢华生活，特别是夜总会、舞厅、歌女、赌场、衣着入时的俊男少女，都市生活等，所以在法国巴黎等城市

受到欢迎，发展迅速，很快形式了巴黎、波尔多等两个中心，涌现出了塔玛拉·德·兰比卡（Tamarade Lempicka,1902—1980）、让·杜巴斯（Jean Dupas,1882—1964）、雷涅·布涛（Rene Buthaud）、拉斐尔·德罗美（Ruphael Delorme,1885—1962）、基斯·凡·东根（Kess Van Dongen 1877—1968）等带有浓郁装饰艺术运动风格的画家，以及查尔斯·格什玛（charles Gesmar，1900—1928）、卡桑德尔（Cassandre,1901—1968）等平面设计师。

兰比卡是出生于波兰的肖像画家，她们作品，特别是1924—1939年间的作品，风格独特，在现代环境的背景下，她通过大量采用棱角鲜明的色彩面，组成非常具有装饰效果的结构，对同代的设计家和艺术家，尤其是波尔多的一批画家影响很大，他们喜欢兰比卡的风格，以至发展出类似的画风，最后形成波尔多画派。杜巴斯作为这个画派的杰出成员，创作了大量具有“装饰艺术”运动风格的绘画作品。其作品与兰比卡的作品相比，具有更高的装饰性特征，人物造型夸张到接近做作的地步，相当时髦。波尔多画派的另一个代表人物布涛，不仅从事装饰艺术运动风格的绘画创作，而且也设计制作陶瓷工艺品，他的陶瓷雕塑同样具有装饰艺术风格，所雕塑的人体具有明显的成棱角的块面，人物的头都是由曲折起伏的小块面组成的波浪型，因而装饰感非常强烈。这一派的著名成员还有德罗美，他们绘画题材大都是传说、神话和虚幻的内容，非常浪漫而典雅。

凡·东根是出生于荷兰鹿行丹市郊德尔夫沙旺的著名画家，1897年他初次赴法，回到荷兰以后，他爱上奥古丝塔·贝丁格尔。1899年底，他追随先期到法国工作的恋人来到巴黎，1901年两人结为夫妻。从此，凡·东根就长期居留巴黎，并于1929年加入法国国籍。他在20世纪20、30年代的绘画风格，吸收了装饰艺术运动高雅、华美的特点，作品热情地描绘年轻妇女的形象，如舞女、歌女、裸女、有闲阶层的妇女，各种鲜明的纯色组成美妙的合奏，使他笔下这些有着雪白肌肤、浓密睫毛、明亮眼睛、鲜红嘴唇的女子，显得十分艳丽，富有感官的魅力（图5—10）。

格什玛最初从事舞台设计，后来转而从事平面设计工作。他为女演员斯平涅里和米斯庭贵特设计的海报和服装，影响巨大，在他的海报设计中，具有鲜明的装饰艺术运动的风格特征（图5—11）。

移居巴黎前苏联人卡桑德尔代表了法国装饰艺术的成就。他1901年出生于乌克兰，20岁开始，就探索和从事招贴设计。他先后接受了一连串重要的法国国家施行招贴设计委托，创作出了一系列强烈装饰艺术风格的招贴。其代表作有《北方之星》和《诺尔曼帝号》，前者是1927为巴黎至阿姆斯特丹列车所设计（图5-12），后者是1931年为海轮航班所设计（图5-13），两幅招贴都从简洁形状和粗轮廓为特征的直接手法表达了时代对旅游速度和豪华的狂热，同时也描绘了时代对新技术的向往和对其功能的信赖心理。在今天看来，卡桑德尔最具平面创意设计作品当推《杜波内》（Dubonnet），在这幅为杜波内酒所设计的招贴中，他以电影镜头的手法展现了一个人从观感到品尝再到最终迷恋上这种开胃酒的三个阶段（图5—14）。

第三节装饰艺术运动在美国的表现

如同英国的工艺美术运动、法国的新艺术运动在不同程度上影响到美国的现代设计艺术的发展一样，装饰艺术运动在法国掀起以后，很快传到了美国，并得到广泛的响应，最终形成具有美国特色的装饰艺术风格。

装饰艺术运动在美国的表现与法国有所不同，其突出地反映在设计的重点方面。如前所述，法国的设计多集中于豪华奢侈的消费品，服务对象为上层的富贵人物，而美国则较多集中在与建筑相关的室内设计、家具设计等方面，这些方面与大众生活的密切相关，这种服务对象的不同是与第一次世界大战以后，法国经济凋敝、美国经济迅速发展，出现了大量富裕的中产阶层消费群体，他们急需各种消费品（包括建筑）满足自己的物质需求和奢侈的心理需要相适应的。此外，在影响这场运动的因素方面，古代埃及、中国、波斯的传统造型艺术与装饰艺术，以及美洲本土的玛雅文化和美国的汽车文化、爵士文化的渗透与影响较法国更为明显，究其原因，一方面是因为美国这块文化处女地传统文化尚未积淀，外来文化和新兴的文化能得到充分的发展与空间展示；另一方面，现代主义设计艺术风格，还没有影响到美国设计艺术领域，由美国本土发展起来的设计艺术风格，如建筑领域以路易斯·沙利文为代表的芝加哥学派，也急需一种新设计艺术理念来支撑和补充。

美国的装饰艺术运动开始于纽约及东海岸，逐渐向中西部和西海岸扩展。虽然主要表现在建筑室内设

设计概论教学大纲

《设计概论》 教学大纲 课程代码：xxxxxxxxxx 编写日期：2010年9月 一、开设系（部）： 信息技术系 二、教学对象： 艺术设计学专业学生 三、教学目的： 本课程是艺术设计专业基础课程。通过该课程的学习，使学生充分认识设计的地位及本质、设计的基本原则、设计演变的基本规律以及设计与社会生活各层面的关系，并在此基础 上，为以后的设计实践打下必要的理论基础，及早树立正确的设计观。 四、教学要求： 1、通过学习《设计概论》，使学生比较广泛和深入了解有关设计的理论，认识理解设计的基本原则及方法论。 2、在了解各设计流派发展脉络的基础上，理解设计与设计美学、科学工艺、地域文化、生态环境、上层建筑等社会生活各层面的关系。 3、从历史、社会、文化、经济、生活方式、科学技术、材料等各个角度，了解工业设计的本质意义和发展趋势。 4、教学中应坚持整体的原则，并针对当代设计的现状进行分析讲解，注重理论联系实际，增强理论知识的实用性，引发学生的学习兴趣，引导学生认真思考，加深学生对讲课内容的理解。五、教学课时及其分配： 总学时：64学时 六、考核： 考核形式——期末考试； 试卷结构——试题分为四大类型：填空、名词解释、简答、论述； 分值分配：平时（30%）+期末（70%）=总评成绩（100%）；

题量——90分钟 七、教材： 《设计概论》赵平勇主编，设计概论，高等教育出版社， 八、主要参考书目： 1、（美）梅格斯，《20世纪视觉传达设计史》，湖北美术出版社，1989年 2、（日）大治浩，佐扣七郎合编，《设计概论》，浙江人民美术出版社，1991年 3、李砚祖，《工艺美术概论》，吉林美术出版社，1991年 4、王受之，《世界工业设计史略》，上海人民美术出版社，1987年 5、柳冠中，《工业设计概论》，中国科学技术出版社 6、朱淳泽，《世界工艺史》，浙江美术学院出版社 7、尹定邦，《设计目标论》，暨南大学出版社 8、约翰. 沙克拉，卢杰、朱国勤译，《设计—现代主义之后》，上海人民美术出版社 9、李砚祖，《设计概论》，湖北美术出版 10、李妲莉、何人可、刘景华，《美国工业设计》，上海科技出版社 九、讲授提纲 设计概论 第一章艺术设计的基本概念（2学时） 【学习目的和要求】 1、初步了解艺术设计的基本概念 2、了解艺术设计的特征 3、掌握艺术设计的方法 4、了解艺术、科学与技术相互之间的关系 【本章主要内容】 第一节艺术设计的定义 一、设计在世界上的定义 二、艺术设计的基本概念 第二节艺术设计的原理 一、艺术设计的艺术性原理 二、艺术设计的科学性原理 三、艺术设计的技术性原理 第三节艺术设计的特征 一、设计的创意性特征 二、设计的图形性特征 三、设计的产品型特征 四、设计的科学性特征 五、设计的工艺性特征 六、设计的市场性特征 第四节艺术设计的方法 一、对比设计的方法

中外设计史考试重点

中外设计史考试重点 Document serial number【LGGKGB-LGG98YT-LGGT8CB-LGUT-

中外设计史考试重点 中国史 1.制陶是新石器时代的重要特征 2.彩陶以绚烂的色彩和精美的装饰取胜，称之为“彩陶文化”；黑陶以简洁优美的造型见长，称之为“黑陶文化” 3.原始彩陶种类：半坡型、庙底沟型、马家窑型、半山型、马厂型这五大类。 4.黑陶“昙花一现”原因主要： 一、陶器的过度薄制违反了陶土的性能。 二、结构的不合理。 三、器物过分追求表面光泽，往往妨碍附件的牢实 四、器物壁体过薄、器鋬过细，难以负荷溶液的重量 五、划纹方法不易掌握得当，等等。 5.《周礼*考工记》是我国最早论述器物设计与工艺的专门着作，记载了各种手工艺的分工情况，提出了朴素的设计观 6.司母戊大方鼎，是我国古代设计史上最大的一件青铜器，是商代后期作品。 7.商代青铜器是重酒器的组合，是以祭祀用器为主，具有宗教性质的意义；周代是重食器的组合，是以礼器为主，具有人事的意义。 8.金银错：由于铁器的普遍使用，产生了坚硬而锐利的工具，从而可以对青铜器进行更加细致的加工。它可在青铜器上划纹，使线条

细如发丝，也可以刻出阴文后，镶嵌红铜或金银细丝，再用错石（细岩石）磨错平滑。这种镶嵌工艺，称为“金银错”，是春秋战国时期青铜器装饰技术的一种新创造。 9.玉璜形状：半圆形和窄弧型 10.秦陵铜马车是目前发现的时代最早、形体巨大、保存完整的铜铸马车。 11.东汉时期的“马踏飞燕”铜塑。（阅读P31第三段“除此之外”） 12.六朝时期，我国已进入了瓷器时代。 13.六朝青瓷，最具时代特色的是“莲花纹”和“忍冬纹（通称卷草）”。（详见P40） 14.莲花纹和忍冬纹在六朝的出现并非偶然。它预示着装饰设计视野的拓宽，这是古代设计在装饰题材上的一个重要变化。 15.六朝漆器“夹纻像”的制法，就是以麻布粘贴在其他木、石、土的胎骨上，用胶漆做外壳的造像法。 16.越窑青瓷“似玉”“类冰”；唐代邢瓷“类银类雪”。 17.唐三彩艺术特点（详见P44 - P45）。 18.唐代漆器在设计和制作方面，既有发展也有创新。漆器新品种——雕漆。 19.缂丝（详见P58 - P59）“通经断纬” 20.戗金是宋代新创的一种装饰技法。

浅析中国古代设计的实用性

浅析中国古代设计的实用性 从明式家具看中国古代设计的实用性 墨子“故所为功，利于人谓之巧，不利于人 谓之拙。” 我国工艺美术史源远流长，博大精深，制作精巧，在世界工艺文化中独树一帜，那优美的彩陶、庄重的青铜、华丽的唐锦、典雅的宋瓷、明式的家具，无一不反映卓越的创造智慧，闪烁着灿烂的艺术光彩，为世人所欣赏①。 其中，按照用途可以分为日用工艺和陈设工艺，从材料上可分为陶瓷、玉石、金属、漆木、牙角、丝毛棉织物等。它具有实用和审美双重属性。是生活和美学相结合的产物，是科学和艺术的结晶。通过衣食住行等各个方面服务于人民，工艺美术直接体现人们的生活方式。 人类历史上最出的设计是从先民的生产生活之中产生的，最初的设计没有审美可言，其实用性是其的主要表现。包括原始的审美标准也是以实用性为基础的。物之所以为物，就是物可以为之用，能够满足人的某种需求，实用性是设计的基础。 商人信鬼神，重祭祀。商代的青铜器庄重，威严。商代祭祀用的鼎，尊，都是以先民的实用生活用具为原型。鼎相当于煮饭用的锅。尊是也是容器。它们都满足生活实用性的基本特征。春秋有孔子主张的“文质兼备”，认为“质胜文则野，文胜质则史”，即要求内容和形式的统一。墨子则是主张“先质后文”，所谓“衣必常暖，然后求丽；居必常安，然后求乐”，这就是实用第一性。老庄的“埏埴以为器当其无，有器之用也。凿户牖以为屋当其无，有室只用也。故有之以为利，无之以为用。”有与无的辩证关系。战国时的工艺专注《考工记》，则提出“天有时，地有气，材有美，工有巧，合此四者然后可以为良”②。汉代的工艺美术设计上，取得实用和美的统一，并向一物多用化发展。例如，青铜多安置把手，以利取得。铜灯既便于使用，又可以作为装饰品。漆器中多子套盒，充分考虑节省空间容积的组合……在中国古代工艺美术设计中明式家具是在实用性工艺美中做的最出色的真正做到了天有时，地有气，材有美，工有巧。 明式家具可以说是工艺美术史的一个巅峰的时代。由传统的漆木家具经过两千多年的到了明代，无论在功能、造型、装饰和制作工艺上都达到了很高的水平。明式家具设计，不仅是明代艺术设计的一个重要组成部分，而且在中国艺术设计史上也占有极其重要的地位③。 明式家具的形成和发展主要是在明代，明代是一个重理学、讲实用的时代，作为物质产品的家具，其设计功能首先突出其实用性。作为融合物质文化和精神文化为一体的明式家具，它体现了贵族化的消费、文化的审美，市民化的实用、民间匠人的技艺。这四者结合在一起，就构成了明式家具。选材优良、造型简练、结构严谨、装饰高雅、工艺精细、实用性强的设计风格④。明式家具的独到之处是多方面的，工艺美术家田自秉教授用四个字来概括它的艺术特色，即“简、厚、精、雅”。简，是指它的造型简炼，不繁琐，不堆砌，比例尺度相宜，简洁利落，落落大方。厚，指它形象浑厚，具有庄重、质朴的效果。精，是指它做工精巧，一线一面，曲直转折，严谨准确，一丝不苟，常注意结构美，在尽可能的情况下不用钉和胶，因为不用胶可以防潮，不用钉可以防锈，而主要运用卯榫结构，榫有多种，适应多方面结构，既符合功能要求和力学结构，又使之牢固，美观耐用。雅，是指它风格典雅，令人耐看，不落俗套，具有很高的艺术品位和格调，材料、工艺、造型、装饰所形成的总体风格具有典雅质朴、大方端庄的审美趣味，如注

外国文学教学

外国文学教学方法 外国文学是汉语言文学专业的一门专业课，学生在系统地学习掌握中国语言文学的同时，可从宏观上了解世界文学的渊源、发展及现状，有益于学生开阔视野，拓展思维。教学内容的整合、教学方法的改进能够使学生更好地参与到教学活动当中，学生不仅仅是被动地接受知识，也能够在老师的引导下对外国文学产生兴趣，积极地思考问题。由于外国文学涉及不同种姓、不同国度的文学，它的文化背景、审美价值取向都有明显差异。长期以来，我国外国文学史的编写和外国文学作品的译介都受到意识形态和特定时代的阅读期待的制约，外国文学的教材以及教学中往往千篇一律地运用社会历史评判的方法分析作品，忽略了文学的美学意蕴的阐释。近年来，国内学界对重构外国文学史提出倡议，但在多数的教材的体例上还是延续写作背景、作家生平以及作品介绍的形式，在一定程度上束缚任课教师的发挥。作为从事外国文学史授课的老师，应试图在教学方法中进行探索，以期达到较好的教学效果。 一、明确教学目标，提升学生分析鉴赏能力 外国文学的教学内容应该打破传统的框架，努力把握外国文学研究的最新进展和成果，吸收新观念，运用新方法来评价文学传统、经典作家，在外国文学教学改革中转变观念，从教学内容、教学方法上跳出传统模式，从单纯的讲授型教学转变为研究探索型教学，引导学生主动参与教学，培养学生独立思考和发现的能力，提高学生的分析鉴赏能力。在实际教学中，合理地采用双语教学、课堂讨论的方式调动学生学习的积极性。双语教学是高校教学中的一种新方式，外国文学史课程采用的双语教学方式区别于外国语学院开设的文学史课程，侧重以汉语进行授课，在汉语授课的同时有侧重的讲解原文作品，同时参考最新的外国文学研究成果。因为不同语言的文化背景、表达方式存在较大的差异，某些意思甚至存在不可译的情况，通过阅读英语或其他语言的经典著作，在一定程度上可以帮助学生更好的体会作品的特色及语言美。如《荒原》是西方现代诗中的经典之作，在教学中可取采双语阅读的方法，帮助学生体会艾略特诗歌中的复杂意象。在课堂教学中，设计专题论题，广泛搜集资料，组织学生进行讨论，并做好评述和讲评。讨论法能够让学生参与到教学活动当中，学生不仅仅是被动的接受知识，在老师的引导中学生能够产生对外国文学的兴趣，通过具体的作品积极地思考一些问题，如科技进步与生存紧张的关系、如何保持人的尊严，通过讨论提升学生的鉴赏分析能力。 二、培养学生的学习能力，注重比较学习 培养学生的学习能力是教学中的一个难题。任课教师讲授外国文学史课程，要密切关注和了解与自己学术相关的信息，包括与该课程相关的学科，鼓励学生探索和研究。在布置

外国文学教学大纲(欧美部分)

教学大纲 说明： 【课程性质】外国文学是汉语言文学专业的必修专业基础课，是使该专业学生达到培养其对外国文学史的整体把握之目标的重要课程。 【教学目标和要求】通过教学和训练，学生对外国文学要有“史”的把握，把握重要的文学现象、文学思潮、文学流派及重要的作家作品。 【教学内容】本课程内容主要分为两部分：一是外国文学史知识；二是外国文学中重要的文学现象、文学思潮、文学流派及重要的作家作品。在对外国文学发展的脉络和框架进行简洁、明晰的勾勒与描绘的同时，突出四个高峰：古代文学、文艺复兴文学、19世纪文学、20世纪文学，尤其加大了20世纪文学的比重。 【本课程与其他课程的相互衔接关系】本课程于大三第一个学期开设，是大三第二学期“外国文学（亚非部分）”课程的姐妹课程，该课程也为学生学习中国文学提供了一个平行参照的体系。 【教学时间安排】上课共17周，周3学时，共51学时，其中复习一周，考试一周。 【考试安排】按学院规定，本课为闭卷考试课。考试内容主要为两部分：文学史知识和重要的文学现象、文学思潮、文学流派、重要作家作品。考试成绩占学期总成绩的70%，平时作业占30%。 【参考书目】 1、《欧洲文学史》（上、下），杨周翰等主编，人民文学出版社，1979年版。 2、《外国文学简编》（欧美部分），黄晋凯主编，中国人民大学出版社，1999年版； 《外国文学简编》（亚非部分），梁立基、陶德致等主编，中国人民大学出版社，1998年版。 3、《外国文学》，匡兴主编，中央广播电视大学出版社，2000年版。 4、《外国文学史》，金元浦等主编，华东师范大学出版社，2000年版。

目录 说明 (1) 绪论 (5) 一、为什么要学习外国文学 二、学习的主要内容及要求 第一章古代文学 (5) 一、概述 二、荷马史诗 三、古希腊戏剧 第二章中世纪文学 (6) 一、概述 二、但丁 第三章文艺复兴时期文学 (6) 一、概述 二、塞万提斯 三、莎士比亚 第四章17世纪文学和古典主义 (7) 一、概述 二、莫里哀 第五章17世纪文学和启蒙运动 (8) 一、概述 二、卢梭 三、歌德 第六章19世浪漫主义文学 (9) 一、概述 二、拜伦 三、海涅 四、雨果 五、普希金 六、惠特曼 第七章19世纪批判现实主义文学（上） (10) 一、概述 二、斯丹达尔 三、巴尔扎克 四、狄更斯 五、果戈理

中外设计史考试重点

中外设计史考试重点 中国史 1.制是新石器时代的重要特征 2.彩以绚烂的色彩和精美的装饰取胜，称之为“彩文化”；黑以简洁优美的造型见长，称之为“黑文化” 3.原始彩种类：半坡型、庙底沟型、马家窑型、半山型、马厂型这五大类。 4.黑“昙花一现”原因主要： 一、器的过度薄制违反了土的性能。 二、结构的不合理。 三、器物过分追求表面光泽，往往妨碍附件的牢实 四、器物壁体过薄、器鋬过细，难以负荷溶液的重量 五、划纹方法不易掌握得当，等等。 5.《周礼*考工记》是我国最早论述器物设计与工艺的专门著作，记载了各种手工艺的分工情况，提出了朴素的设计观 6.司母戊大方鼎，是我国古代设计史上最大的一件青铜器，是商代后期作品。 7.商代青铜器是重酒器的组合，是以祭祀用器为主，具有性质的意义；周代是重食器的组合，是以礼器为主，具有人事的意义。 8.金银错：由于铁器的普遍使用，产生了坚硬而锐利的工具，从而可以对青铜器进行更加细致的加工。它可在青铜器上划纹，使线条细

如发丝，也可以刻出阴文后，镶嵌红铜或金银细丝，再用错石（细岩石）磨错平滑。这种镶嵌工艺，称为“金银错”，是春秋战国时期青铜器装饰技术的一种新创造。 9.玉璜形状：半圆形和窄弧型 10.陵铜马车是目前发现的时代最早、形体巨大、保存完整的铜铸马车。 11.东汉时期的“马踏飞燕”铜塑。（阅读P31第三段“除此之外”） 12.六朝时期，我国已进入了瓷器时代。 13.六朝青瓷，最具时代特色的是“莲花纹”和“忍冬纹（通称卷草）”。（详见P40） 14.莲花纹和忍冬纹在六朝的出现并非偶然。它预示着装饰设计视野的拓宽，这是古代设计在装饰题材上的一个重要变化。 15.六朝漆器“夹纻像”的制法，就是以麻布粘贴在其他木、石、土的胎骨上，用胶漆做外壳的造像法。 16.越窑青瓷“似玉”“类冰”；唐代邢瓷“类银类雪”。 17.唐三彩艺术特点（详见P44 - P45）。 18.唐代漆器在设计和制作方面，既有发展也有创新。漆器新品种——雕漆。 19.缂丝（详见P58 - P59）“通经断纬” 20.戗金是宋代新创的一种装饰技法。 21.犀皮漆器（宋代独创），表面光滑，花纹由不同颜色的漆层构成。斑纹天然流动，色泽灿然，非常美观。

中国设计史

第一章原始社会的艺术设计 ?一、设计的起源与石器的制作设计 “一切人造物即意味着设计”，人类在制造第一件石器时，也就完成了设计。由此可见，设计的起源与人类的起源几乎是同时产生的。 ?石器的制作设计： 在考古学上，人们将石器时代分为旧石器时代和新石器时代，旧石器时代占人类历史的％，从二三百万年前开始至一万年前为止。 旧石器时代——以打制石器为主。 新石器时代——以磨制石器为主。 二、陶器的制作与器型的设计 ?（一）彩陶 彩陶：是指一种绘有黑色、红色的装饰花纹的陶器，这个时期的文化，称之为“彩陶文化”。因为彩陶最早在河南渑池仰韶村发现，所以也称“仰韶文化”。造型的种类有杯、钵、碗、盆、罐、瓮、盂、瓶、甑、釜、灶、鼎、器盖和器座等，最为突出的是双耳尖底瓶，线条流畅、匀称，极具艺术美感。 彩陶的分布地区很广，以黄河中上游最为发达，以下按着年代的发展先后及艺术特点的不同，介绍彩陶工艺的几种主要类型。 1.半坡型 半坡型彩陶首先发现于西安东部半坡村，主要分布于以陕西的关中平原为中心，向四周发展，西达甘肃的陈东地区，距今约六七千年。 半坡型彩陶的装饰花纹以鱼纹具有代表性，多分布于卷唇圆底盆的内壁，鱼纹可分为单体鱼纹和复体鱼纹，所谓复体鱼纹是由两条或两条以上的鱼构成

一组。鱼纹早期多为写实，以后逐渐演变为鱼体分割或重新组合，并形成几何化抽象化。此外，有代表性的还有人面形花纹。 半坡型彩陶一般运用直线，并多组成直边三角形，很少运用曲线。 ? 2.庙底沟型 ?是在半坡型的基础上发展起来的，主要分布在陕西的关中地区，豫西、晋南一 带，庙底沟类型的彩陶，主要有盆、碗、罐等。早期和中期也有类似半坡的葫芦形瓶。 庙底沟彩陶比半坡成熟得多。点、线、面搭配得当，空间疏朗明快。曲面之间，穿插活泼的点和线，使纹样节奏鲜明，韵律感很强。二方连续的组织结构，是节拍的具象化，更使之有较强的音乐效果。这反映了原始的恬淡、闲静的心态。庙底沟型彩陶的造型以大口、鼓腹、小平底钵为最典型，其装饰花纹以回旋钩连纹最有特色。 ?鸟纹应用较多，有的观望停立，有的展翅欲飞，有的啄食状庙底沟彩陶多 用直线和曲线相结合，构成曲边三角形。 ? 3.马家窑型 ?主要分布在甘肃和青海的部分地区，晚于半坡和庙底沟类型。 ?马家窑彩陶的装饰花纹以螺旋纹最为出色，具有强烈的动感，点的应用也很成 功，使装饰面产生定点和核心的效果。马家窑彩陶的内彩特别发达，所谓内彩，就是在广口的器皿里面饰彩。马家窑彩陶的装饰花纹从器口到器足布满全身，有丰满繁缛之感，还有一代表着作→舞蹈纹彩陶盆，另具匠心。 ? 4.半山型 ?半山类型的彩陶，是在马家窑的基础上发展起来的，比马家窑更丰富；半山型

中外设计史复习重点资料

二．名词解释 1.文艺复兴时期 由于生产力的发展和资本主义的出现，13世纪末首先于13世纪末在意大利兴起，15世纪遍及欧洲各个国家，一直延续到17世纪的一场欧洲新兴资产阶级文化运动，它涉及领域包括文学，艺术，哲学和科学等，这场运动被称为“文艺复兴运动”。它以以人为本的人文主义精神为核心，囊括对古典文献的重新学习，在绘画方面直线透视法的发展，以及逐步而广泛的教育变革，这种知识上的改变让文艺复兴发挥了衔接中世纪和近代的作用，在欧洲历史上占据着非凡寻常的作用。这时期的代表人物是达芬奇，米开朗琪罗和拉斐尔等。 2.唐三彩 是唐代的一种低温铅釉的彩釉陶器，它是在白色陶胎上涂上黄，绿，褐，蓝，紫等色釉，以黄，绿，白三色为主，形成独特的风格特点，故称“唐三彩”。三彩是表现多色，并非一件器物上只有三种色釉，它吸取了中国国画，雕塑等工艺美术的特点，采用堆贴，刻画等形式的装饰图案，线条粗犷有力。一般作为明器之用，也有作为生活器皿。唐三彩主要有器皿，人物，动物等。 3.窑变 钧瓷原属于青瓷系统。由于它的原料中含有铜元素，经过还原煅烧而呈现出绿或紫红斑纹，使青釉打破了单一色釉的单调，形成了对比妍丽的艺术风格，这在瓷器上是一次贡献，史上称为窑变。 4.明式家具 主要是指那种以硬木为材料，制作于明代和清代前期，设计精巧，制作精致，风格简洁的优质家具。明式家具在工艺制作和造型艺术成就上达到了世界的最高水平，是中国设计智慧的杰出代表。 5.巴洛克风格 意为“畸形之美”，“不合常规”。它起源于意大利，艺术中心是法国，是文艺复兴之后意大利发展的一个阶段以及17世纪整个欧洲的艺术风格，具有气势雄伟，生机勃勃，强烈奔放，庄严高贵，豪华壮观的特点，打破了旧艺术风格的常规艺术特征。 6.洛可可 源于法文rocaille（意为岩石或者贝克饰物），它是一种源于法国宫廷以岩石和蚌壳装饰为其特点的艺术风格。具有纤细，精巧，华丽，繁缛的装饰性，多用C型和S型或者漩涡性的曲线作为装饰风格，色彩艳丽浮华，洋溢着东方特别是中国情调（又被称作“中国装饰“）。在法国主要发展于摄政时期和路易十五时期，在英，意，德等国发展在18世纪中期。 7.波普艺术 波普一词来源于popular的简写，产于50年代中期。一群青年艺术家有感于大众文化的兴趣，而已社会生活中最大众化的形象作为设计表现的主题，以夸张，变形，组合等诸多手法从事设计，形成设计产品的喜剧性，浪漫性效果。反映出战后青年一代的标新立异，表现自我的心理与社会文化价值观，究其原因，是因袭了杜桑的达达主义传统，故在美国，波普艺术有“新达达主义“之称。 8.高科技风格 源于20世纪20年代到30年代的机器美学，是以直接反应当时以机械为代表，以工业技术为特征的一种设计风格。 9.微建筑风格 后现代主义产品设计的一种风格，它将建筑风格搬用到小件的日用产品的设计中，大多艳丽多彩，不惜用华贵金银材料与几何图案，实际上是历史上装饰风格极端形式的回潮。10.景泰蓝

中国设计史

中国设计史复习资料 1.马家窑文化的舞蹈纹彩陶盆：彩陶又叫陶瓷绘画，它是“国粹”-陶瓷艺术 中的艺术，早在距今6000年左右的半坡文化时期，彩陶上便出现了最早的彩绘。马家窑文化中的青海大通上孙家寨出土的《舞蹈纹彩陶盆》又呈现出一幅图形优美的装饰画，陶盆内壁上有三组相同的无人集体舞蹈图像。人物的下方是横线的水波纹样，造型简洁，手法高妙，气氛热烈，是彩陶时期原始先民的生活娱乐的生动写照，也为现在舞蹈音乐武术杂技等艺术提供了源头。= 2.四羊方尊的时间、用途、造型特点：商朝晚期偏早期青铜器。属于礼器， 祭祀用品。是中国现存商代青铜器中最大的方尊，瓷器造型简洁，优美雄奇，寓动与静，被称为“臻于极致的青铜典范”要熟记图片啊 3.《考工记》春秋战国时期我国最重要的艺术设计典籍，是中国第一部手工业 专著，不仅记述了长期以来手工业生产所积累的丰富经验，而且加以科学的总结。《考工记》是春秋末年齐国手工业技术的官书，反映了春秋以及以前许多艺术设计中的重要成果，也是先秦文明的灿烂篇章。专门讲述百工的职务工作，这是先秦漫长历史中的艺术设计思想形成的最初结晶。意义：《考工记》中的手工业生产管理制度对后世有很大影响，而艺术设计的思想亦为人们重视。而《考工记》对设计职业的要求，可见。先秦时期设计文化已进入一种艺术的层面。 4.长信宫灯：河北满城汉代中山王刘胜妻墓中出土了一件鎏金的长信宫灯，造 型是宫女跽坐手持灯具，左手托盘底，右臂的衣袖与灯体连体，中间空洞而封闭，利用虹吸的物理原理，将灯油的延期，排放到身体中贮存的水中，使烟气得以净化。在灯具部分，利用灯罩旋钮开合，调节光度，使灯光产生不同的变化效果，人工照明达到了超高的设计水平，整个宫灯是一种构思精妙、意味浓郁的史书设计作品，其设计思想超越了时空，是难得的超凡的佳作。 5.四大石窟艺术特色：莫高窟,此窟始凿于公元四世纪，今存洞窟492个，壁 画45000平方公尺，彩塑雕像2415尊，是中国现存石窟艺术宝库中规模最大、内容最丰富的一座，龙门石窟中的宾阳三洞是开凿时间最长的，整个龙门石窟构图精美，雕刻细致，艺术价值很高，是一幅反映当时帝王生活的图画。云岗石窟建于公元453年的北魏时期，云冈石窟是一座中国石窟艺术宝库，它的艺术主体是东方体系的中华文化，但其身上也同时附着当时世界上最引人注目的以希腊文化为代表的西方体系和以印度为代表的次大陆体系，是举世公认的历史文化瑰宝和人类古代文明的结晶。麦积山石窟因该山状如堆积的麦垛而得名。石窟始建于一千五百多年前，麦积山石窟以泥塑为其特色，塑像的大小于真人相若，被誉为“东方塑像馆”。 6.四大石窟的设计布局：敦煌莫高窟北朝洞窟的结构是中心塔柱式，窟壁均 为绘画，以描绘千佛为主，故有千佛洞之称。这种中心柱窟的形制与印度支提窟有渊源关系、北朝莫高窟汇集了中原木构建的特点、方塔形的意味、利用石质的

《设计史》教学大纲

《设计史》教学大纲 修订单位：韩山师范学院美术系 执笔人：吴文轩 一、课程基本信息 1．课程中文名称：设计史 2．课程英文名称：A History Of Desing 3．课程类别：专业必修课（理论课） 4．适用专业：环境艺术设计(非师范)专业本科 5．总学时：36学时 6．总学分：2学分 二、实践教学目标 《世界现代设计史》是艺术设计专业的一门重要专业理论课程。本课程的教学目标是通过课堂讲授通过系统的学习使学生较全面的掌握世界现代设计史的基础知识，了解现代设计运动的背景，各国优秀的现代设计传统和辉煌的现代设计成就，认识现代设计的发展状况，提高学生的设计方面的鉴赏能力、审美判断能力和综合分析能力，为更好的进行设计提供必要的理论指导。 三、实践内容与要求

四、教学文件与教学形式 教材：《世界现代设计史》王受之著中国青年出版社，2002年9月第一版2004

年1月第三次印刷。 参考书： 1、《世界平面设计史》王受之著中国青年出版社，2000年版 2、《新艺术运动大师图典》周宏遍著―陕西师范大学出版社，2003年版。 3、《贡布里希论设计》范景中选编―湖南科学技术出版社，2003年版。 4、《全彩西方工艺美术史》张夫也著―宁夏人民出版社，2003年版。 5、《现代西方设计概论》钱凤根编著―西南师范大学出版社，1999年版。 6、《工业设计史》何人可编著—北京理工大学出版社，2000年版。 7、《工业设计全书》张道一著—江苏科技出版社1998年版。 教学形式：课堂讲授，作品赏析，作业辅导 五、考核方式及成绩评定 考核方式：平时成绩以每次作业作为考核的主要方式 成绩评定：百分制，以平时成绩和期末考试成绩总平均

武汉大学《外国文学史》课程教学大纲及重点提示

武汉大学《外国文学史》课程教学大纲及重点提示 重点：古希腊罗马、中世纪、文艺复兴时期、十七世纪古典主义、十八世纪启蒙主义、十九世纪浪漫主义和现实主义、二十世纪现代主义，以及亚非部分文学的经典作家作品；中国以外的世界各国文学从古至今的主要脉络和宏观规律；各时期主要文学流派的特征；重要文学现象分析。 教学内容（讲授大纲） 第一讲古希腊罗马文学 第一节、古希腊神话：一、什么是希腊神话；二、希腊神话的创作和保存方式；三、希腊神话的主要类型：1、神的故事2、英雄传说；二、希腊神话的主要特征。 第二节、荷马史诗：一、基本主题；二、人物形象；三、结构特征；四、语言和修辞特征。第三节、希腊戏剧：一、古希腊悲剧：（一）概论（二）三大悲剧家1、埃斯库罗斯2、索福克勒斯3、欧里庇德斯；二、古希腊喜剧：（一）概论；（二）阿里斯托芬。 第四节、古罗马文学：一、罗马文学概论1、罗马神话2、罗马喜剧3、罗马文艺理论4、罗马诗歌；二、维吉尔与《埃涅阿斯纪》；三、奥维德与《变形记》。 第二讲中世纪文学 第一节、中世纪文学概述：一、中世纪概况；二、中世纪文学类型1、教会文学2、英雄史诗3、骑士文学4.城市文学。 第二节、但丁：一、创作历程；二、《神曲》 第三讲文艺复兴时期文学 第一节、文艺复兴时期文学概述：一、文艺复兴和人文主义；二、人文主义文学的发展概况：1、意大利文学2、法国文学3、西班牙文学4、英国文学；三、人文主义文学主要特征。第二节、薄伽丘与《十日谈》。 第三节、拉伯雷与《巨人传》。 第四节、塞万提斯与《堂吉诃德》。 第五节、莎士比亚：一、创作历程历史剧喜剧悲剧传奇剧；二、莎士比亚作品选讲：《哈姆雷特》、《奥赛罗》、《李尔王》、《麦克白》。 第四讲十七世纪文学 第一节、十七世纪文学概述：一、17世纪英国文学：弥尔顿；二、法国古典主义文学：1、产生背景；2、主要特征；3 创作成就（1）高乃依（2）拉辛 第二节、莫里哀：一、创作历程；二、《伪君子》。 第五讲十八世纪启蒙文学 第一节、启蒙文学概述：一、启蒙主义运动与启蒙思想；二、英国启蒙文学： 1、笛福与《鲁滨孙漂流记》； 2、斯威夫特与《格列佛游记》； 3、理查孙； 4、菲尔丁与《汤

设计史课程教学大纲

设计史课程教学大纲 英文名称：modern design history课程编码： 学时：32 学分：2 课程性质：学科基础课课程类别：理论课 先修课程：中外工艺美术史 开课学期：第二学期 适用专业：艺术设计，视觉传达，公共艺术 一、课程的性质与任务 现代设计史是艺术设计专业的基础课程，本课程重点讲述现代设计的发展状况，包括主要思想、风格、流派、典型作品代表设计师等史实的分析，通过学习，使学生了解现代设计与文化、经济和社会和生活的密切关系，从而对视觉传达设计的本质、范围、手段、发展、意义等有更深入的认识，为其更好的进行创造性的视觉传达设计实践奠定坚实的基础。 二、教学目标与要求 1、要求学生了解现代设计的发展状况。 2、了解现代设计中主要思想、风格、流派、典型作品代表设计师等史实的分析。 3、使学生了解现代设计与文化、经济和社会和生活的密切关系，从而对现代设计的本质、范围、 手段、发展、意义等有更深入的认识。 三、课程的基本内容与教学要求 第一章绪论 [教学目的与要求]： 通过本章节的讲授，使学习者了解现代设计的起始时间，理解设计与经济、艺术、科学的关系。[本章主要内容]： 1.1“design”——“设计”的定义 1.2 现代设计的起始时间； 1.3设计与经济、艺术、科学的关系； 1.4现代设计艺术分类标准与方法；设计思维 [本章重点]：设计与经济、艺术、科学的关系；现代设计艺术分类标准与方法 [本章难点]：现代设计产生根源：工业革命、发明创造、现代艺术流派等的影响 第二章现代设计的滥殇时期 [教学目的与要求]： 通过本章节的讲授，使学习者了解现代设计产生的前提和社会历史条件，理解英国工艺美术运动主要成就。 [本章主要内容]：

外国文学史 教学大纲

外国文学史教学大纲 课程名称：外国文学史（H i s t o r y o f t h e F o r e i g n L i t e r a t u r e）课程类别：专业基础课 授课对象：中文系本科生 专业：汉语言文学 年级：三年级 学时：72 编者：张世君教授 1．教学规定 《外国文学史》是中文系汉语言文学专业本科生三年级专业基础课。 本课程总学时72学时。每周4学时，一学期18周。大学三年 级开设。 考试为闭卷考试，分A、B卷。 本课程由比较文学与世界文学学科点·外国文学教研室承担。 关于资源共享课学时的说明： 作为资源共享课，本课程的教学录像和学生自主学习的学时分 配比例是1:1。即36节录像课+36节自主学习=72学时。 在36节录像课之外，第11章还有5讲文本分析录像课。所涉 及的作家有4讲包含在前面的36节录像课中的19世纪文学里。之 所以单独提取出5讲文本分析课，是为了帮助学生更好地学习外国 文学史，学会细读文本，欣赏、分析、评论外国文学作品，掌握分 析外国文学作品的方法和视角，提供一种示范性的案例分析。 相对于72学时之外多出的5学时文本分析方法论教学录像，可以看作是本课程派发的一个“福利”，供有兴趣和需求的学生、听 众学习与分享。 2．教材选用与建设

主教材：张世君著《外国文学史》，华中科技大学出版社2007年。 辅助教材：张世君著《外国文学史多媒体课件》，华中科技大学电子音像出版社2007年。 3．教学方法与教学改革 采用混合式教学方法，传统课堂教学与数字化学习方式有机结合：课堂教学采用电子教案，课后学生自主学习采用网络课程。在课程的讲授上充分发挥教师的主导作用，超越课本内容，开拓学生视野。另一方面，通过开展教学工作坊活动，布置学习任务，让学生以小组协作学习的方式进行自主探索学习。通过本课程的精品课程网站、网络课程、提供的拓展学习资源和学生收集的资料进行深入学习，并以撰写论文、课堂演剧、制作多媒体汇报作品来呈现其学习成果。培养创新思维，提高分析能力和动手能力。 点击鼠标，旋转课堂，让思想展开金色的翅膀：利用信息技术和多媒体技术把抽象的文学知识变为具体的图像，隐含的思想变为直观把握；化繁为简，把复杂变简单；生动活泼，把枯燥呆板的文学史资料变为动感的视觉、听觉艺术。在讲授外国文学史的时候，为勾勒出一个简略的电影改编史、音乐史、歌剧史、建筑史、绘画史的线索，绘声绘影，图文并茂，让思想展开金色的翅膀，在快乐学习中，提高学生学习兴趣，促使学生阅读文学原著，培养学生的创新能力。 4．实践性教学设计思想 建立教学工作坊，加强学生的实践教学。学生通过教学工作坊活动进行自主发现和知识重构的参与式学习。教学工作坊的具体活动如下： 一是强化专业基础的训练，要求学生写作外国文学论文。 二是开展课堂剧演出，把外国文学名著的阅读和实践表演相结合。学生改编世界文学名著，演出世界文学名著。

《中外设计史》考试大纲

《中外设计史》考试大纲 1、考工记：春秋晚期出现总结百工技艺的专著《考工记》，内容包括论述百工的社会地位与分工、工艺思想、城市、宫殿、器物制度、技艺经验等诸多方面。其所记述的当时主要手工业部门分工共有攻木、攻金、攻皮、设色、刮摩、博埴6部分30个工种。春秋战国时期各国的工艺美术表现出不同的地域性特色。 2、玉壶春瓶：玉壶春瓶又叫玉壶春壶，它的造型是由唐代寺院里的净水瓶演变而来。基本形制为撇口、细颈、垂腹、圈足。它是一种以变化柔和的弧线为轮廓线为轮廓线的瓶类。 3、文艺复兴：从14世纪起在意大利开始兴起，15世纪遍及欧洲各地，由于社会劳动分工而促进了生产技术的革新，城市新兴的资产阶级要求在意识形态领域开展反对教会精神的统治斗争。 4、长信宫灯：河北满城中山靖王刘胜墓中出土。通过一个宫女手持灯具的造型，利用虹吸原理，将灯油的烟气，排放到在身体中贮存的水里，使烟气进行自然净化（2分）。同时，在灯具部分，利用灯罩旋钮的开合，调节灯光的亮度，使灯光产生不同的变化（2分）。 5、手工艺：指的是纯手工或借助工具制作的产品。可以使用机械工具，但前提是工艺师直接的手工作业仍然为成品的最主要来源。 6、夔纹：一角、一眼、卷尾上翘，头大，嘴大，属于龙的一种，又称夔龙。 7、手工艺品：手工艺品由自然材料制成，能够无限量制作。此类产品实用、美观，具 有艺术性和创新性，能传达文化内涵，富有装饰性、功能性和传统性，同时具有宗教或社会象征意义和重要性。 8、吉祥纹样：人们通过谐音、寓意等表现手法，把一些素材组合起来，赋予其一定的 祥瑞主题，即“图必有意，意必吉祥”，表现幸福、美好、喜庆、凤祖、平安、长寿、升官、发财、多子等美好愿望。 9、哥特式建筑： （1），哥特式又称高直式，它以其垂直向上的动势为设计特点。 （2），哥特式建筑以尖拱取代了罗马式圆拱，宽大的窗子上饰有彩色玻璃宗教画，广泛地运用簇柱、浮雕等层次丰富的装饰。 （3），这种建筑符合教会的要求，高耸的尖塔把人们的目光引向虚渺的天空，使人忘却现实而幻想于来世。

工业设计史的概述

湖南大学工业设计专业是国内最早成立的工业设计专业之一，1977年成立工业造型研究所，1993年获得国家级优秀教学成果一等奖，同年在国内首先获的工业造型艺术硕士点。1995年以来本专业一直是全国工业设计专业教学指导分委员会主任单位，本课程主持人何人可教授为现任主任委员。《工业设计史》是工业设计专业的一门核心专业基础课程，其教学目的是使学生了解人类历史中，特别是工业革命以来设计发展演变的脉络，包括各种设计学派、设计风格、著名设计师及其作品以及设计发展的历史条件。这对于学生正确理解工业设计内在动力与源泉，把握工业设计的未来发展有非常重要的作用。 1．1982年--1987年为课程阶段的初创阶段。1982年湖南大学工业设计系正式成立，开始着手建设《工业设计史》课程，邀请日本著名工业设计教育家吉冈道隆来校讲学，并提供了一批欧、美、日原版的设计史教材和参考书。在翻译、整理有关资料的基础上，开始编写讲义并拍摄制作了一批教学幻灯片。 2．1988年--1998年为课程建设阶段。1988年，留学欧、美、日的青年教师先后回到工业设计系，带回了大量设计史和设计理论方面的书籍和研究成果，并实地拍摄了大量图象资料，为编写工业设计史教材奠定了坚实基础。何人可从丹麦皇家艺术学院回国后，根据工业设计专业教学指导委员会制定的教学大纲，于1991年出版了国内第一本统编教材《工业设计史》，李妲莉、何人可编写的《美国工业设计史》、揭湘沅编写的《国外当代设计名家名作1》等教学参考书也相继出版，教学用幻灯片制作完成。《工业设计史》教材经湖南大学、北京理工大学、浙江大学、武汉理工大学、武汉科技大学、中南大学、江南大学等百余所大学的使用，取得了良好的效果，获得了普遍的好评。1996年该教材获得了机械工业部第三届高等学校机电类优秀教材青年奖，何人可获得机械工业部优秀青年教师奖。1997年湖南大学工业设计系被列为湖南省重点建设示范性专业。 3．1999年--2003年为课程体系发展和完善阶段。1998-1999年，何人可公派赴美国北卡罗莱纳州立大学访问，考察了美国相关课程的情况，回国后根据工业设计学科的最新发展和设计史研究的最新成果，对教材结构和内容进行调整和增补，着重介绍了绿色设计、信息时代的工业设计等内容，使教材更加完善。本教材图文并茂，还为教师配发了教学用光盘。与此同时，本专业的系列教学参考书《设计艺术丛书》由湖南大学出版社出版，多媒体技术和互动式的教学得到广泛的应用，课程体系趋于完善。其主要特征有：（1）全方位、多角度的动态教学。突破先前静态的文字和图片教学的局限，通过视频、Flash动画等方法，更加全面地展示设计历史发展的文化背景；（2）由平面走向三维。通过虚拟现实再现历史上经典的工业设计作品，使学生可以生动地、立体地进行深入分析；（3）交互性。通过工业设计史资料库的建设，学生可以依据人物、流派、风格、公司类型等主题进行检索、分类，方便学生进行自主的学习和研究。上述三点无论在理论构建还是在实际应用都具有较高的价值。目前国内外还未见类似的《工业设计史》教材，使我国的设计史教学跨上一个新的台阶，并为整个工业设计专业的教学提供一个很好的平台。 2002年《工业设计史》获国家级优秀教材一等奖，并列入"十五"国家级重点规划教材和高等教育百门精品课程教材。

外国文学史教学大纲

《外国文学史》教学大纲 一、本课程在专业教学中的地位 《外国文学》（一）是汉语言文学的必修基础理论课。通过教学，使学生了解外国文学的基础知识和文学成就，以提高其整体文化水平。通过外国文学史和重要作家作品的学习，要求学生了解外国文学发展的基本线索和文学思潮、流派的基本内容和演变情况；掌握外国文学主要作家的生平创作道路、主要作品的思想艺术特点、成就极其意义；具有一定的鉴赏和分析外国文学作品的能力。 二、本课程的教学目标和基本要求 （一）正确认识课程的性质、任务及其研究对象，全面了解课程的体系、结构、对《外国文学史》学科有一个总体的把握。 （二）牢固掌握《外国文学史》的基本概念，深刻理解《外国文学史》的基本理论，掌握《外国文学史》的基本原理和学科方法，了解《外国文学史》学科的发展前沿。 （三）学会理论联系实际，掌握运用所学理论知识和《外国文学史》的原理和方法分析《外国文学史》问题的能力；学习掌握从《外国文学史》的发展实践中探索文学一般规律和理论概括的思维方法。 三、本课程教学的基本内容 外国文学（一）即欧美文学，具体章序如下： 第一章古代文学 第二章中世纪文学 第三章文艺复兴时期文学 第四章十七世纪文学 第五章十八世纪文学 第六章十九世纪初期文学 第七章十九世纪中期文学 第八章十九世纪后期文学 第九章 20世纪现实主义、社会主义现实主义文学 第十章 20世纪现代主义、后现代主义文学及其他重要作家

外国文学的教学，除了应当遵循一般的原则之外，尤其应当遵循“教师为主导，学生为主体，提高阅读、欣赏、分析为主线”的教学原则。 四、课程教学条件 （一）师资 授课教师必须具有本科以上学历；主讲教师必须具有讲师以上职称或者研究生学历，并具有外国文学学习的指导能力。师生比1：45，合班开课：两个班合班为宜。 要求有两名及以上《外国文学史》课程的主讲教师。 （二）教材 《外国文学史》（面向21世纪课程教材），郑克鲁主编，高等教育出版社。 （三）图书资料 《外国文学史》课程相关的作家、作品、评论、思潮、著作等。 五、教学方法和手段 本课程主要采用讲授法、讨论法、赏析法、提问法、作业法等教学方法。手段才用传统与现代多媒体等多种手段。环境要求理论知识课在普通教师上课，讨论课在小教室进行，如在多媒体教室上课需配备：电子计算机、投影仪、扩音机、光碟、桌椅等 六、考核方式 本课程按教学计划的规定为一学期，计划学时64学时，安排在第3学期64学时（16×4），采取课堂讲授的教学方式。阅读作品是学好本课程的重要环节，要求在听课前按教学进度阅读作品，做好课前预习及课后复习。 本课程的考核方法为考试形式，平时成绩占30分（包括：平时作业、课堂讨论、小论文、考勤等），期末卷面成绩占70分。 七、课程教学内容 第一章古代文学 教学目的和要求 通过本章的学习，一般性地了解古代希腊罗马文学的概况，重点掌握荷马史诗，希腊戏剧。 第一节古代希腊罗马文学概述（1课时）

王受之《世界现代设计史》重点分析

针对书目 《世界现代设计史》，王受之，中国青年出版社 2015年版（第二版） 第一章现代设计和现代设计教育 考核要求与知识点： 本章作为课程的导论部分，目的在于呈现当代设计发展的一般状况因此本章的考核要求定位在：非重点。 第二章现代设计的萌芽与“工艺美术”运动 考核要求与知识点： 本章属于考试重点部分。 应重点掌握英国工艺美术运动产生的历史背景、时代特征、设计风格、设计师、代表作品。 考核知识点： 2.1 水晶宫博览会、普金、拉斯金、哥特式风格 2.2 威廉·莫里斯和他的设计作品、红屋、拉斐尔前派 2.3 英国工艺美术运动的主要特征、历史意义。 第三章新艺术运动 考核要求与知识点： 本章属于考试重点部分。应重点掌握新艺术运动产生的时代背景、新艺术运动的特征、新艺术运动在欧洲各国的具体表现以及代表设计师、设计作品以及风格特征。

考核知识点： 3.1新艺术的主要特征和产生背景 3.2 新艺术运动中典型的设计团体和设计师以及代表作品 新艺术之家、赫克托·吉玛德、巴黎地铁站入口设计、亨利·凡·德·威尔德、维克多·霍塔、霍塔旅馆、安东尼·高蒂、圣家族教堂、米拉公寓、察尔斯·马金托什、格拉斯哥四人集团、奥地利分离派、奥托·华格纳、约瑟夫·霍夫曼、古斯塔夫·克里姆特、奥柏利·比亚兹莱、阿尔封索·穆卡、艾米里·盖勒、朱里斯·谢列特、尤金·格拉谢特 3.3 新艺术运动的历史意义 第四章装饰艺术运动 考核要求与知识点： 本章属于考试重点部分。应重点掌握装饰艺术运动产生的时代背景、风格特征，以及代表性的设计师与设计作品。 考核知识点： 4.1装饰艺术运动在形式风格上受到哪些因素的影响。 4.2装饰艺术的主要特征。 4.3 装饰艺术运动中典型的设计师和设计作品 艾林·格雷、艾米尔·贾奎斯·鲁尔曼、塔玛拉·德·兰比卡、让·杜南、拉里克、卡桑德尔、克莱斯勒大厦、 4.4 装饰艺术运动的历史意义。 第五章现代主义设计的萌起 考核要求与知识点： 本章属于考试重点部分。应重点掌握影响现代主义设计产生的时代背景、形式元素、风格特征，以及代表性的设计师与设计作品。 考核知识点：