浅谈对波普艺术的看法以及它对当代艺术的影响

浅谈对波普艺术的瞧法以及

它对当代艺术的影响

浅谈对波普艺术的瞧法以及它对当代艺术的影响波普艺术就是流行艺术的简称,又称新写实主义,因为波普艺术(Pop Art)的Pop通常被视为"流行的、时髦的"一词的缩写。它代表着一种流行文化。在美国现代文明的影响下而产生的一种国际性艺术运动,多以社会上流的形象或戏剧中的偶然事件作为表现内容。它反映了战后成长起来的青年一代的社会与文化价值观,力求表现自我,追求标新立异的心理。

20世纪50年代初萌发于英国,50年代中期鼎盛于美国。波普艺术一词最早出现于1952～1955年间,由伦敦当代艺术研究所一批青年艺术家举行的独立者社团讨论会上首创,批评家L、阿洛维酌定。她们认为公众创造的都市文化就是现代艺术创作的绝好材料,面对消费社会商业文明的冲击,艺术家不仅要正视它,而且应该成为通俗文化的歌手。在实践中有力地推动这一思潮发展的艺术家就是R、汉密尔顿。1956年,她在首届“这就是明天”的个人展览会上陈列出握有“POP”字母的网球运动员的拼集作品。这幅作品成了波普艺术的一面旗帜。英国波普艺术的代表人物还有:E、保罗齐、J、蒂尔森、D、霍克尼、R、B、基塔依、R、史密斯、A、琼斯。

美国波普艺术的出现略晚于英国,在艺术追求上继承了达达主义精神,作品中大量运用废弃物、商品招贴电影广告、各种报刊图片作

拼帖组合,故又有新达达主义的称号。

美国波普艺术家声称她们所从事的大众化艺术与美洲的原始艺术与印第安人的艺术类似,就是美国文化传统的延续与发展,1965年在密尔沃基艺术中心举办的一次波普艺术展览即以“波普艺术与美国传统”为题。美国波普艺术的开创者就是:J、约翰斯与R、劳申伯格,影响最大的艺术家就是:A、沃霍尔、J、戴恩、R、利希滕斯坦、C、奥尔登伯格、T、韦塞尔曼、J、罗森奎斯特与雕塑家G、西格尔。

集合艺术与偶发艺术一般也认为就是波普艺术的两个支系。

在波普艺术中,最有影响与最具代表性的画家就是安迪·沃霍尔(Andy Warhol,1927—1986)。她就是美国波普艺术运动的发起人与主要倡导者。1962年她因展出汤罐与布利洛肥皂盒“雕塑”而出名。她的绘画图式几乎千篇一律。她把那些取自大众传媒的图像,如坎贝尔汤罐、可口可乐瓶子、美元钞票、蒙娜丽莎像以及玛丽莲·梦露头像等,作为基本元素在画上重复排立。她试图完全取消艺术创作中手工操作因素。她的所有作品都用丝网印刷技术制作,形象可以无数次地重复,给画面带来一种特有的呆板效果。对于她的作品,哈罗德·罗森伯格曾经戏谑地说:“麻木重复着的坎贝尔汤罐组成的柱子,就像一个说了一遍又一遍的毫不幽默的笑话。”她偏爱重复与复制。“我二十年都吃相同的早餐,”她解释说:“我想这也就是反复做同一件事吧。”对于她来说,没有“原作”可言,她的作品全就是复制品,她就就是要用无数的复制品来取代原作的地位。她有意地在画中消除个性与感情的色彩,不动声色地把再平凡不过的形象罗列出来。她有一句著名的格言:“我想成为

一台机器”,恰与杰克逊·波洛克所宣称的她“想成为自然”形成鲜明对比。她的画,几乎不可解释,“因而它能引起无限的好奇心——就是一种略微有点可怕的真空,需要用闲聊与空谈来填满它。”实际上,安迪·沃霍尔画中特有的那种单调、无聊与重复,所传达的就是某种冷漠、空虚、疏离的感觉,表现了当代高度发达的商业文明社会中人们内在的感情。

玛丽莲·梦露的头像,就是沃霍尔作品中一个最令人关注母题。在1967年所作的《玛丽莲·梦露》一画中,画家以那位不幸的好莱坞性感影星的头像,作为画面的基本元素,一排排地重复排立。那色彩简单、整齐单调的一个个梦露头像,反映出现代商业化社会中人们无可奈何的空虚与迷惘。

英国画家理查德·汉戴尔顿曾把波普艺术的特点归纳为:普及的(为大众设计的)、短暂的(短期方案)、易忘的、低廉的、大量生产的、年轻的(对象就是青年),浮滑的、性感的、骗人的玩意儿,有魅力与大企业式的。

波普艺术试图推翻抽象艺术并转向符号,商标等具象的大众文化主题。波普艺术同时也就是一些讽刺,市侩贪婪本性的沿伸。简单来说,波普艺术就是当今较底层艺术市场的前身。波普艺术家大量复制印刷的艺术品造成了相当多评论。早期某些波普艺术家力争博物馆典藏或赞助的机会。并使用很多廉价颜料创作,作品不久之后就无法保存。这也引起一些争议。1960年代,波普艺术的影响力量开始在英国与美国流传,造就了许多当代的艺术家。后期的波普艺术几乎都在探

讨美国的大众文化。

波普艺术特殊的地方在于它对于流行时尚有相当特别而且长久的影响力。不少服装设计,平面设计师都直接或间接的从波普艺术中取得或剽窃灵感。

波普艺术其创作特征就是直接借用产生于商业社会的文化符号,进而从中升华出艺术的主题。它的出现不但破坏了艺术一向遵循的高雅与低俗之分,还使艺术创作的走向发生了质的变化。

美国波普艺术大师劳申伯于1985年11月在北京中国美术馆举办个人展览后,曾深深影响了一些艺术家的创作,这也导致她们开始采用波普的方式进行创作。不过席卷画坛的波普画风却形成于九十年代以后,并以王广义为标志。但与美国波普不同,中国的波普艺术家更强调对各种具有历史与政治含义符号的借用,从而揶揄历史与政治的神话。波普艺术的大气候在中国如今已成为过去,但波普式的文化态度与思惟方式却延伸到了许多艺术家那里。这一点,只要人们瞧瞧许多当代油画家——包括张晓刚、尚扬以及西南片的第五代艺术家的作品,就会明显体会得到。

中国波普艺术代表作品:

1《大批判——可口可乐》王广义: 她把文化大革命时期有着浓厚政治色彩的工农兵大批判图像,直接与现实生活中最具商业流行意味的可口可乐符号相并置,从而向人们直陈出我们这个消费时代的真实存在。在具体的表现上,王广义尽可能剔除了所谓的“绘画性”,也就就是说,通过工业用磁性油漆在画布上大面积的平涂处理,使作品具有了

一种前所未有的视觉冲击力。而用橡皮图章盖上的数字符号则很好强调了时代特征。由于对我们这个时代变化的极端敏感,也由于王广义运用波普艺术的观念成功处理了红色经验,所以使《大批判》系列当之无愧地站在了中国当代艺术的前沿。

2《红墙——家门与顺》魏光庆:千年以来的传统封建伦理道德,对中国人的性格心理产生了意义深远的重要影响,而这种潜移默化的心理结构,在当代商品经济的大潮汹涌袭来时却显示出了它的无所适从性。魏光庆目光敏锐地察觉到了这一变化,因此在《红墙——家门与顺》中,她机智地将取自《朱子治家格言》图像与具有禁锢隔阂意义的红墙并置,结果使作品传达出一种反思传统文化的深刻含义。不同于艺术家王广义所创作的“政治波普”,魏光庆以其独特的文化针对性而被称为“文化波普”。

3《毛主席与韶山农民谈话》余友涵:画面用波普的方式处理了六十年代的经典照片,目的就是要让人们从新的角度、新的方式瞧待那些已经神话了的历史性效果。在具体的表现上,她一边将来自民间的画法与西方的硬边画法相结合,一边在画中安排了不少花朵,这不但使画面通俗易懂,也极有中国意味。批评家沃夫格?波尔曼认为她的艺术就是中国式的波普艺术。

当代艺术,可以分成两个阶段来研究,一个就是战后到1960年代的抽象表现主义,主要就是美国的;第二个就是1960年代的“波普”运动以来的各种探索,美国与整个西方国家,也包括现在好多亚洲、大洋州、非洲、拉丁美洲国家的艺术探索,波普运动之后,西方艺术就有很大的

质的变化。

波普艺术从艺术史发展的角度来瞧,应该可以视为自从立体主义、表现主义以来艺术上又一次重大的质的改变,它完全破坏了所有艺术遵循的艺术具有高、低之分,打破了原来公认的严肃艺术应该就是高级的艺术的界线,而把日常熟视无睹的生活内容、商业内容、新闻媒体引导的支离破碎的社会形象,利用商业符号的拼凑方式,利用完全没有艺术家情绪倾向的中立方式与绝对客观立场来从事创作,因而就是廿世纪艺术另外一个重要的转折点。

从意识型态与社会发展的背景来瞧,波普艺术在1960年代用这种方式来反抗当时的权威文化与架上艺术,不但具有对传统学院派的反抗,也同时具有否定现代主义艺术的成分。虚无主义、无政府主义就是普普艺术的精神核心,加上嬉皮笑脸、放荡不羁的创作态度,就是1960年代西方风行一时的反文化浪潮的有机组成部分之一。1960年代波普艺术的发展,就是在越南战争与西方广泛的反战示威运动、美国黑人为中心的民权运动的背景下形成的,具有反对美国政府与整个资本主义体制的上层建筑的动机,因此,波普艺术在一定程度上来瞧就是1960年代的“反文化”运动在视觉艺术上的体现,具有特殊的反文化特色。

从总体的发展来瞧,目前的西方艺术发展方向在很大程度上依然与1960年代的波普运动有千丝万缕的关联,如果评论家不这样认为,起码大部分西方的大众认为所谓的当代艺术在很大程度上就是波普艺术的当代发展与延伸。因为波普艺术的许多基本特征,依然就是当

代艺术的基本特征,在形式上有非常类似的相似之处。比如表现的对象就是每人所见的、熟视无睹的日常题材,对主题采用没有明显艺术家自我倾向的中立立场,绝对客观主义立场,对于媒体引导与垄断的社会型态造成的支离破碎的心态的刻画等,都与传统的波普非常相似。波普做为一个特定的艺术运动,虽然已经成为史迹,但就是做为一种新的艺术思维方式,一种新的文化气氛与现象,特别就是混淆艺术中的高低之别,混淆职业训练与业余的区别,混淆艺术家与大众的区别这点上,波普却更加生机勃勃,非常活跃,因此,可以说当代西方艺术就是具有延伸的波普精神形式体现。

浅谈中国现代艺术现时下的文化意义(一)

浅谈中国现代艺术现时下的文化意义(一) 摘要]西方现代主义艺术在西方人与生俱来的极端主义思维方式的引导下，经过近一百年的连续不断的推陈出新，终于陷入山穷水尽的绝境，至于人们惊呼：“艺术死了！”然而，置身于中国传统文化和西方现代艺术思潮双重包围的中国当代艺术，其在形式语言和文化意义上的不断突围和实验摸索中，却在不知觉间兼具了中国当代文化艺术的急先锋。 关键词]现代艺术先锋艺术文化突围 西方现代主义艺术在西方人与生俱来的极端主义思维方式的引导下，经过近一百年的连续不断的推陈出新，终于陷入山穷水尽的绝境，至于人们惊呼：“艺术死了！”现代主义艺术不仅在美学上构成了与传统的对立，在内在精神上体现出人的灵魂与肉体、人与自然的分离，而且在艺术的接受上也产生了与大众的隔膜。正如有人指出的，现代艺术将大众分成懂它的和不懂它的两部分人，而懂它的人总是少数。然而，置身中国传统文化和西方现代艺术思潮双重包围的中国当代艺术，其在形式语言和文化意义上的不断突围和实验摸索中，在不知觉间兼具了中国当代文化艺术的急先锋。此时，以实验探索艺术语言和对当下现实做积极批判的中国现代艺术在对现实的表述和批判时表现出了应有的锐度和积极性。艺术家不仅用人性化的艺术语言表达着对大自然的亲近，对社会生活的关心，而且竭力想要消除艺术与大众的距离。他们全心全意地想与社会合作，千方百计地迎合大众审美趣味。 中国当代艺术就此又进入了一个新的文化语境，即中国的这个交织着现时与以往传统、东方和西方交织错位的文化语境。如果单纯从艺术的当下性来说，中国现时代的艺术家几乎无不处于时代的错位之中，但如果从艺术家中国性的生存处境来看，原先的错位则是正常和必然的，因为唯有从这种“错位”才从一个更深的层次提示了中国当代艺术的独特本质和意义，那些错位的艺术家们所进行的艺术创作以及形式的追求，无不是特定的当代中国社会文化语境和民族特质所能成就的最大极限之所在。应该看到，并不是这一批批当代艺术家甘愿精神迷失和徘徊途中，而是我们的文脉传统和时代境况并没有从源流洞开永恒之泉，而每一个艺术家的艺术实验探索也并没有从一开始就能抵达到艺术和社会的实质性问题。所以，现时代的中国当代艺术不是在徘徊或迷失，而是艺术家们在与繁杂交错的文化和商业环境地碰撞中，在不懈地实验和探索着！ 这样一来，中国当代艺术便在另一个背景下获得了新的意义，从80年代的狂飙突进到今日的波普艺术，从写实主义到形式抽象，从表现主义到观念艺术再到行为艺术，从群体活动到个体行为，从初期现代艺术的全盘西化模仿到犯规传统的文化寻根，从反映文化和社会创痛到后来的嬉皮和玩世主义…，可以说，中国现代艺术的每一个足迹都在中国式标识中具有了探索和实验的价值，它们展示了中国现代艺术在一个当下中国这个特定的语境下所能穷尽的一切可能可为。必须指出，中国现代艺术的发展几乎是从空白开始，中国艺术家缺少西方艺术家那种对西方现代艺术传统的那种熟念，因此，对于中国的现代艺术家来说，创造和批判地继承吸收是同等重要的，并且几乎是同时在发生的！基于此，中国当代艺术的每一次实验和探索都显得格外意义珍贵！ 由此来看，中国现代艺术的先锋性恰恰是由于它这种独特的处境使然，他展示出的任何一个汉语世界所缺乏的当代因素都可以被视为革命性的先锋因素，特别是这种因素对中国旧有文化模式和生活法则构成批判性时，这种先锋性地位便更加巩固，不过，随着中国当代文化对诸如此类的先锋艺术汲取融合，他便需要一种更新的观念和形式来不断突破自己，以应对所处文化环境对它先锋性地位地消融。如此，新的艺术先锋便又应运而生，这样一种需求、创生（往往发胎于移植）和融纳的过程，便构成了当代中国的先锋艺术景观。中国近代现代艺术的严重缺位和对新艺术形式及观念的迫切需求，使得中国当代艺术在短短十余年间，便走过了西方现代艺术之路近百年的历程，这样的全方位多维度的文化覆盖不能不说是当代中国现代艺术的最大意义，它在每个方位和维度上都达到了当代中国文化需要与吸收所能达到的

试论波普艺术的特征及其影响

试论波普艺术的特征及其影响 摘要：随着被艺术家在手法上的广泛运用——片断、拼接、挪用等，使作品的内涵与外延混合为一种平面化的统一：抽象与具象的冲突、字面意义和深层含义的冲突、一般和特殊的冲突统统消失。这些元语言系统中的二元对立的消失，是由于能指的物质性实体（声音、物品、图像、影像），逾越了所指系统（构成语义方面的观念），反过来延展而成为内涵的意指系统，在此情况下波普的涵延化标志着后现代主义艺术的有一怪异特征。 关键词：挪用、涵延化、商品性 波普艺术（Pop Art）一词最早流行于20世纪50年代的英美艺术界，是由英国艺评家劳伦斯·艾洛威发表在1958年《建筑设计》的文章《艺术与大众媒体》中提出的。它消除了传统艺术与民间艺术、或者说是艺术与生活的分界的一个新领域，为社会大量生产消费品而设计的人工制品如赛车、流行音乐、广告一类等。它具有明显的生活化符号，利用社会环境中所存在的素材与媒介制造让人通俗易懂的作品，并通过媒介加以普及化与生活化，也有一些波普艺术家表现的是对于商品拜物教恶意的仿制、戏拟或是揶揄模仿。 这种向生活普及化的东西是现代艺术向后现代艺术转向的一个重要特征，拼贴的手法被越来越多的艺术家所采用，再后来，原材料越来越广泛，甚至有些作品相当巨大，而非一幅平面画作，例如1994年克里斯托的《包裹帝国国会大厦》，就是一件巨大的波普艺术作品。而涂鸦艺术更是将波普艺术所倡导的的生活化淋漓尽致地体现出来了。昔日有些微不足道的涂鸦艺术品被堂而皇之的挂到了国家美术馆中，那些涂鸦青年一下子成了众人追捧的对象。 在早期，英国开创了波普艺术的先河，最著名的是1956年由英国的汉密尔顿创作的拼贴画《到底是什么使得今日的家庭如此不同，如此有魅力？》，该作利用现成的海报或杂志上的一些为大众所熟知的一些事物和人物来拼贴在一起，构成了一幅完整的画面。所以最初的波普艺术的就是挪用的合法和涵延化以及符合大众眼光的商品化特征。 挪用一词就是指借用，但是用一种相反的说法就是非法的盗用。这种手法是取已有的素材，如艺术史、广告、媒体的现成物，再结合新图像和媒体材料，接出新的作品的方法。或者又是某位艺术家的名作被挪用人做成自己的表面特征。然而，后现代的挪用者并不是直接将其挪用再粘贴到作品当中，而是将寻得的图像再处理、再描绘与在摄制。在对其评价当中，它的这种占取似乎挑战了现代主义艺术作品所推崇的原创性。艺术家们频频向艺术史上的前辈们示好，譬如，马奈借用了拉裴尔著名的构图形式；而毕加索亦推崇着维拉斯奎兹与鲁本斯。在杜桑的《泉》之后，波普艺术就成为了挪用的先驱，安迪·沃霍尔则是教父，将这种挪用的手法向民众宣传并得到大众所接受，这就是教父的作用。 挪用与拼贴有点相似，它不仅仅是一种技巧，在艺术品生产方式所寄予的意识形态因素的影响下，就成为了表达对当代社会各种赞成或批评的观点的一种工具。其中，最极端的例子就是雪莉·莱雯翻拍、挪用维斯顿的摄影，并且将蒙德里安的水彩画当做精彩的摹本。这位女性主义艺术家选择用男性艺术家的作品来让观者审视艺术脉络中的女性文化身份的位置。 在初期，许多艺术家从过去的作品中模仿绘制一样的风格，让许多人误解后现代主义是一场复古运动，但是其实这种拟古运动只是挪用手段的一部分，并不能代表后现代艺术这个大范围的特征。其实，大多数后期的艺术家们是运用现时

浅谈西方当代艺术

浅谈西方当代艺术 西方当代艺术是一个比较广义的范畴，从现代艺术以来，包括波普艺术，抽象表现主义，后现代艺术，达达艺术，观念艺术等等诸多艺术流派。了解西方当代艺术的历史和发展以及现状，对我们理解美术史，理解今天世界千变万化的当代艺术作品是必要的基础和逻辑训练。 从最初的历史起源来看，相对于古典艺术或传统艺术来说，现代艺术的起源就应该算当代艺术的萌芽阶段。我们所熟悉的现代艺术之父塞尚，表现主义的高更和梵高和毕加索等天才艺术大师是对传统艺术的变革起了转折性的关键作用，他们对艺术的理解和创造开拓了艺术的边缘，启动了艺术革命。艺术所表现的内容和表现的方法风格都和过去大不一样了。对于创造性的追求进入前台，对画面内容，技法和写实功底的追求退潮，独特风格和个性化语言成为了衡量艺术好坏的主要标准。这就是现代主义的主要贡献和价值。当毕加索的艺术风靡世界时，欧洲的艺术发展也达到顶峰而进入瓶颈期。此时美国作为新崛起的年轻国家无论从政治经济还是到文化艺术都充满了活力。商业的高度发展领先于世界。而于经济地位相匹配的事其文化地位，作为排头兵的艺术自然是先锋前卫的代表。以商业为内核的波普艺术应运而生，通过夸张的表现商业消费主义对世界的控制和表现，波普艺术把低俗市井文化，流行商业符号创造性的引入艺术领域，从而诞生了贾思博琼斯，安迪沃霍尔，汉密尔顿，利希滕斯坦等波普艺术明星，为什么说他们是明星而不是传统意义上的艺术大师呢，因为这正是波普艺术和传统艺术的巨大差别，这些艺术明星创作的更像是艺术产品，

而他们也更像是消费明星。安迪沃霍尔更是宣称任何一个人都可以成为15分钟的明星。波普艺术对后来艺术的发展直到今天都起了重要的作用，西方艺术哲学从此围绕着艺术究竟是什么，艺术史终结了吗这样的意义追问而不断辩证探讨。抽象表现主义的波洛克，德库宁，罗斯科，米歇尔让巴奎斯特，基斯哈林在纯绘画的领域开拓了边际，坏画，行动绘画，观念抽象绘画，涂鸦的艺术创作表现方式使这些艺术家不仅仅是在画面上创造了属于自己的独一无二风格，更是在艺术方法论上，在观念上推进了艺术史。这对于今天的当代艺术都是起到了核心价值的作用。可以说，从本质上说，今天的世界当代艺术和他们的艺术是一脉相承的，虽然形式上变化多端，但从哲学和方法论上并没有走远。后现代艺术的概念也一直有争论，就是因为从本质上说后现代艺术和现代艺术并没有区别，只是加入了各种主义和符号元素。比如女性主义，后殖民主义，达达主义等等，因此也有史学家把后现代主义称之为现代主义之后。后现代主义的代表人物是杜尚，他的代表作“泉”（又称小便池）可以说推翻了艺术的传统概念，使得艺术从表面上越来越不像“艺术”。艺术的本质从传统的表现美和风格变成了推翻过去的风格和方法，创造或解构一个以前没有的东西。附加在艺术品之外的意义变成了最重要的东西，也就是说，重要的不是“艺术”，而是意义。但是，这件小便池虽然离经叛道，惊世骇俗，却从本质上和汉密尔顿的“是什么让今天我们的生活如此美好”，贾思博琼斯的“国旗”安迪沃霍尔的“玛丽莲梦露”没有区别，那就是挪用现成品，使用别人的或已有的图像和材料，加入自己的主观观念，

艺术与生活论文

艺术与生活论文 生活空间艺术与城市视觉文化品牌的塑造 摘要：在当代城市面貌甘趋“同质化”的时代，一座城市如何能在千篇一律的城市形象中脱颖而出，彰显自己独特的魅力，提升自身的竟争力已成为影响城市未来发展的因素之一。而通过公共艺术的实施，来塑造富有地域特色和文化意蕴的视觉文化品牌，已成为当代城市增强竞争力的一种手段和策略。 关键词：公共艺术视觉文化城市品牌 随着城市化进程的加速和城市间竞争的日益激烈，塑造城市品牌已成为各国城市实现经济社会可持续发展的关键。一座城市是否拥有鲜明的文化个性与独特的城市品牌，己成为评判一座城市是否具有强大的综合竞争实力和国际竞争能力的象征与标志。因此，改善城市形象、塑造城市文化品牌，从城市的视觉形态和文化形态上展现城市的个性与魅力，以区别于其他竞争者，成为当代城市在激烈的发展竞争中取得胜券的关键因素。 城市的视觉文化品牌建设作为城市发展、建设、规划的一项系统工程，越来越引起城市建设者的关注。公共艺术作为一种新兴的艺术形式在介入都市过程中为提升城市的综合竞争力，争取在新世纪经济发展和市场竞争中保持领先地位发挥着中要的作用。 公共艺术概念的认知

公共艺术作为一种艺术观念或文化现象是当代大众美学以及日常生活美学的延伸和社会民主化进程发展的必然结果。它突破了传统艺术的藩篱将艺术的概念扩大化，正如刘茵茵提出的公共艺术即是“那些在传统的画廊或美术馆系以外发生的当代艺术类型。”公共艺术的范畴已然超越了传统的以满足人的审美体验或精神需求为主的雕塑、壁画等视觉艺术形式而扩展到了建筑、景观、公共设施和装置艺术等具有艺术性的视觉形态或艺术行为领域。 公共艺术概念的广泛性和兼容性特征决定了其价值属性的多元化与多义性。公共艺术融入都市并不仅仅只是充当城市的“化妆品”，置于特定场域之中的公共艺术品在“妆点”和“美化”环境的同时更重要的是能化景物为情思，即升华为城市的“符号”或“标识”，承担起传承地域文脉、体现场所精神、追述城市记忆、形成地域认同、凝练城市特色和塑造城市形象的文化共同体以及促进社会、经济发展之功能。即公共艺术的美学功能、文化功能、社会功能与实用性，这四个方面是构成完整的公共艺术不可或缺的部分，只有四者相合才能称之谓真正的公共艺术。正如《周礼·考工记》所云：“天有时、地有气、材有美、工有巧，合此四者，然后可以为良也。”公共艺术亦是如此，偏执于任何一方面都会导致对公共艺术精神的曲解。 品牌塑造介入城市建设 城市品牌的观念是近几年刚兴起的一种城市经营理念。品牌一词最早缘于企业产品的营销策略，是企业为在产品“同质化”时代的竞争

谈谈对行为艺术的看法

谈谈对行为艺术的看法 所谓行为艺术是一种艺术家用思维和行为过程来进行创作的艺术形式，现代行为艺术兴起于西方，是西方当代社会的一个奇特现象，行为艺术在本质上可以定义为一种自由的生命活动。中国的行为艺术是中国艺术现代化进程中向西方拿来的一种艺术形式，从1985年新潮美术时期（1985—19 89）它就已出现。这一时期宋永平、宋永红兄弟的“一个场景的体验”、丁乙等人的“街头布雕”等具有行为展演倾向的艺术活动，普遍采用包扎或自虐的方式，这与80年代年轻艺术家企图通过反文明、反艺术的手段来求得精神自由的价值取向有关，透露出对“文革”、对精神压抑的反抗，表达了艺术家寻求思想解放的时代愿望。 90年代行为艺术大致可以分为两种：一种是由艺术家参与社会活动的行为过程，一种是艺术家展现自身生存生活状态的行为活动。 第一种往往是规模较大、参与人数较多、涉及面较广的社会性行为，例如有一群艺术家从大都市来到贫困山区，在老乡家的炕头上创作，用来表达艺术家们厌恶商业文化希冀回归自然的心态，这整个过程就是一项行为艺术；有人把成千上万的红伞挂在公园的树上，让游人漫步其中，使观众成为行为艺术的一部分。或许我们在不经意间也搞了一把行为艺术。但是这种行为艺术在进入日常生活的同时，也往往受社会、市场、公共秩序的限制，所以这种行为艺术目前很难举行大规模的活动。 而与之相对应的艺术家展现自己生存生活状态的行为艺术越来越成为行为艺术家热衷的形式和手段之一，结果就有了舒勇在情人节找花草树木谈情说爱；王晋与一头骡子结婚等千奇百怪、层出不穷的行为艺术与行为艺术家。 行为艺术其实也是当代实验艺术中的一种类型，但是，由于近一二年来，有一些在视觉上比较"刺激"的行为艺术作品被冠上"病态"、"血腥"、"暴力"等称谓之后，在社会上也引起了很多争议。在这个过程中，由于"行为艺术"的现场性、直接性的特点，行为艺术的鼻祖是一名叫科拉因的法兰西人。1961年，他张开双臂从高楼自由落体而下，这称作人体作笔。行为艺术采取很夸张的表现手法，用行为来表达人对世界的看法。这些行为有的是美的，有的是丑的，但不是人在正常状态下有的。自行为艺术出现在中国以来，由于和中国人的审美观、道德观以及社会传统反差较大，始终是人们争论的焦点，在“行为艺术”的发展中部分创作者更以自虐、伤害、鲜血等极端行为作为表达的主要方式，直接挑战人性和道德的极限。 在当下这个多元文化的时代，行为艺术作为艺术的一种形式，理所当然地进入了我们的生活，但当他们作为艺术呈现在我们面前时，却是出忽我们意料，甚至远远超越了我们对常态生活的理解。以身体、形象、行为等资源表达作者艺术观念的行为艺术，成为近些年中国文化领域中最引人注目，同时也是争议最大的“风景”之一。 我们需要正确理解行为艺术，人在特定情景中的许多行为确实可以成为艺术，因此，在中国近几年所产生的行为艺术中，有一些令人不敢目睹，比如吃死婴、在自己的身上烙身份证号码等等。而另外像和驴子结婚、上海街头的裸奔等等，都是打着“艺术”的名义，这是“行为艺术”中的极端表现，这种极端的“行为艺术”对社会和艺术都有着巨大的危害。 不是所有的行为都能成为艺术，行为成为艺术的标准是什么？在人们的心目中，艺术是非常崇高和神圣的，如果所有的行为都成为艺术，所有的人都成为艺术家，那艺术就没有意义。因此，“艺术”之名很容易被人所利用。一段时间以来，“艺术”之名成了社会上特殊的通行证，只要以“艺术”的名义，似乎就可以为所欲为，那些极端的行为艺术也是如此。 而最能说明问题的是这两年流行的人体彩绘。前不久，南京的某餐厅先以“10万元招聘‘绝代佳人’”，而后以中选的“绝代佳人”全身彩绘“零距离”为食客服务，再一次触动了社会的神经。联系到全国各地此起彼伏的人体彩绘热潮，这种以“艺术”的名义而进行的商业活

浅谈波普艺术

浅谈波普艺术 学院城市设计学院 专业主题空间设计 报考环境艺术设计 姓名谭小丹 学号131107684 2014年10月20日

浅谈波普艺术 谭小丹 中央美术学院城市设计学院形象设计学部主题空间工作室 摘要：本文首先对当代艺术进行阐述，以20世纪60年代当代艺术影响力最深的派别波普为切入点，综合其影响进行剖析进而深入。希望以小见大由波普运动中不同时代、地域艺术家的生活方式及生活态度进行探索为线索，客观分析在当代艺术的影响下人类生活方式的价值所向。 关键词：当代艺术；波普艺术；艺术家 引言 当代艺术究竟是什么，它是如何而来的，如何影响着世界又是如何影响着我们的生活，当代艺术是由西方艺术界发起的，然而中西方明显的文化差异又是如何影响中国的。作为一名美术学习者，生活爱好者，对于已有的生活状态产生疑问，“究竟艺术史上什么样的传承影响了我的生活方式，这是否也是我所希望的？” 正文 若要谈到波普艺术，当然要数20世纪声名大噪的一系列运动所产生的现代艺术——即，如今我们所说的当代艺术。西方现代艺术始于20世纪前后，它的诞生形成了与以往三千年的西方艺术完全不同的艺术观念、思维和形式，艺术发生了翻天覆地的变化。艺术的写实性、唯美性、叙述性和传统的美学观点被全部推翻，艺术的非写实性、反唯美性、非叙述性已经是有目共睹的当前艺术主流内容①。传统艺术特性的淡出，使新近艺术的表现性、象征性及心理状态呈现的淋漓尽致，而“波普艺术”更是将传统艺术中的高低之别，雅俗之分完全打破，这是从根基上动摇了

传统艺术。艺术也早已不是唯美叙述性的“架上绘画”，而是更加个人化、观念化的活动，时代中人们对于新事物的接受能力，正在经受着考验。 对于波普艺术，自己曾经肤浅的理解为潮流的、艳丽的、毫无掩饰的、奔放的...做什么东西都是很大胆的“乱来”，无根由的去呈现某件事情，旁人一探根由，自己便说“随心创造”。可波普艺术究竟是什么状态呢？科普知识后发现，它的精神核心--虚无主义、无政府主义，加上嬉皮笑脸、放荡不羁的创作态度。然而它本质核心则是一个探讨通俗文化与艺术之间关连的艺术运动，波普艺术试图推翻抽象表现艺术并转向符号、商标等具象的大众文化主题（波普艺术这个字目前已知的是1956年英国的艺术评论家罗伦斯·艾伟（Laurence Alloway）所提出的②）。它的这种强大的“包容心”震撼到我了--有这样一群人，他们不至上，只当下。 当代艺术的确立具体来说是在1960年，美国的“反文化”运动浪潮起了推波助澜的力量，而“波普艺术”所倡导的的反对高雅与低俗的区别，把日常生活的主题、通俗的商业文化带入严肃艺术，把艺术从单一的创造转变为批量生产，这些做法基本动摇了在20世纪上半叶还没有被触及的传统艺术的核心原则，从根本上动摇了西方传统艺术，才将艺术带入到一个新的发展阶段。在波普艺术的带动之下，出现了很多不同的新艺术形式，比如观念艺术、大地艺术、人体艺术等等，艺术变得极为繁杂和多样，到现在为止，几乎已经面目全非了③。波普艺术所开拓的通俗、庸俗、大众化、游戏化、绝对客观主义的创作方式，虽然在现代史上有非常重要意义的，但是它在时代的冲击下所带来的利弊一直在经受着考量。当代艺术的诞生，使西方国家出现了大量的艺术流派，基于美国“反文化”浪潮的涌动，它们日益流动在人们的生活中，亦推动着社会的发展。在60年代左右所发展起来的各派别，如：波普艺术、当代抽象艺术、极限艺术、观念艺术、新表现主义绘画、新写实主义以及后现代主义等，它们相互独立、依存又相互渗透。派别的生成无疑是基于对立派别的思考之上而形成的，或继派别的延伸，或全盘否定从而立新，或相互渗透融合达到至美... 波普艺术是当代艺术的开端，也是引导者，它的存在与发展必然有其社会基础，虽然1960年代混乱的社会状况已经过去，但1960年以来一系列的社会现象，如商业主义泛滥、媒体肆无忌惮地垄断并左右人们的生活和思维，社会生活的支离破碎

浅谈当代艺术的表现形式

龙源期刊网 https://www.wendangku.net/doc/b07249482.html, 浅谈当代艺术的表现形式 作者：赵尊恒 来源：《神州·中旬刊》2019年第07期 摘要：何为“当代艺术”？从字面意思可以理解为今天的艺术，一种体现当下社会环境、时代特征并具有时代精神的艺术。在艺术发展的潮流中，当代艺术从其产生以来一直饱受争议，评价亦是良莠不齐。马塞尔.杜尚作为代表人物也成为了人们关注的焦点，了解杜尚是了解当 代艺术的关键。本文以杜尚的代表作品《泉》为例，结合相关艺术作品，对当代艺术的表现形式展开剖析。 关键词：当代;艺术;思想;时代特征;表现形式 何为“当代艺术”？从字面意思可以理解为今天的艺术，一种体现当下社会环境、时代特征并具有时代精神的艺术。当代艺术又有着比较广义的范畴，例如我们所熟知的现代艺术、波普艺术、抽象表现主义、后现代艺术、达达艺术、观念艺术等等诸多艺术流派。 当代艺术的代表人物是马塞尔.杜尚，他的当代艺术代表作《泉》完全颠覆了人们心目中 对于“艺术”一词的理解。那时的人们在大众审美以及传统观念的影响下似乎已经习惯了现代派艺术，但是当一个小便池以它原本的模样展现在人们面前时，人们会评价？难道还会说这件作品很“像”？或者说这件作品很“好看”？当然都不会。人们只会觉得既尴尬又哭笑不得。1917年，杜尚将一件“现成品”以艺术品的名义呈现在了全世界的人们面前，在人们的震惊和讥笑中展现着与以往不同的艺术特色，谁又能料想到那件看似闹剧般的小便池后来成为了西方现代艺术的里程碑。迄今为止，在现代艺术史中，杜尚的《泉》仍然是不可替代的一部分，也经常性的代表着当代艺术发展的重要突破。的确，杜尚的这一作品有些略显怪异，更多引人发笑，他使得艺术从表面形式上变得不像“艺术”。在大众的眼中，这件小便池已然脱离了艺术的轨迹，但不得不说杜尚使用了这样一件生活中的现成品，融入了自己的主观思想，发挥了自身的主观能动性，使这件看似平常的生活用品成为了一件艺术品，附加在艺术品之外的意义变成了最重要的东西，换句话讲，重要的不是作品本身，而是意義。百年来人们对于这一作品的各种理解、赞扬、批判、评述良莠不齐，欣赏这些观点中的反差也许会比走进美术馆欣赏那件作品有趣的多。 然而杜尚的《泉》的特殊之处不仅在于此，杜尚本人否认那座小便池具有所谓的“价值”，以往那些和古典主义艺术作品相比肩的所谓的“价值”并不是杜尚所追求的，在我看来他似乎在否定以往一切传统的艺术准则，更多的在于发挥自我价值，要在自己的一切艺术行为和传统的艺术之间划清界限。《泉》这一作品的出现绝不是为了与传统艺术比肩取悦观众，而是想彻底推翻以往的一切传统艺术观念，不论是题材、构思、技法甚至表达方式。现如今，杜尚作为当代艺术的代表人物在受到人们赞美的同时似乎也遭受着指责，但无论我们如何去评价杜尚，提起当代艺术，都无法无视《泉》的存在，即便《泉》这一作品在当时的时代背景中显的那样的突兀，但杜尚最独特的地方在于给所有艺术家出了个巨大的难题——既然连小便池都可以是艺

论艺术教育在当代社会生活中的重要意义

论艺术教育在当代社会生活中的重要意义 艺术在生活中无处不在，她会以不同的形式体现出来，给不同的人带来不同的感受，这就是艺术的魅力所在之处。那么什么是艺术呢？我觉得没人可以给她一个定义，因为这世上的一切都是艺术，无论你看得见的、看不见的、存在的、不存在的都可以是艺术的表现体。 既然艺术这么的重要，那么，我们是从什么时候开始接触和学习艺术的呢？美学和艺术又有什么样的联系呢？我们又是怎么样提升自己的艺术修养呢？艺术对我们这个社会又有多大的贡献呢？有人说“生活就是艺术”又是怎样的艺术呢？艺术和大自然又有怎样的联系呢？接下来我们将就这些问题来讨论艺术教育在当代社会生活中的重要意义。 1我们是从什么时候开始接触和学习艺术的？ 人类是大自然的艺术的结晶。人类的开始是由精子和卵细胞结合的，她们的结合是多么的美妙、神奇，从而孕育出可爱的小生命，然而我们本身就是完美的一件艺术品、是大自然完美的杰作。所以我们最开始接触艺术的时候，也就是我们出生的那一刻，也可以说就是在我们形成的那一瞬。 艺术是多么奇妙的东西啊！伴随着美妙的音乐，我们从娘胎的肚子里爬出来了。那哇哇坠地的哭声，不仅仅是向世界宣告你神奇般来临，也是演绎神奇艺术的开始。我们接触的艺术就是

从声音开始的。随后我们知道了颜色、语言、朋友、花草、冰雪、星河、分子、文章等等，这些所有我们知道的，不知道的，都是艺术的表现体。 然而每个人都有不一样的人生，有不一样的艺术修养，所以对艺术的感知都不一样。<哈姆雷特>就是莎士比亚写出的一部很好的艺术品,然而一千个读者就有一个哈姆雷特,就是说不同的人对同一艺术品又不同的领悟和感受；同样地第一千零一个读者就可能与前一千个读者有相同的理解，虽然生活经历不同，但是还是可能对同一事物有相同的想法的。这就是艺术的诡异之处。 2.美学和艺术有什么联系呢？ 美学和艺术在生活中很难分开，觉得二者在我们的表述中是同一类事物。实际上，美学是分支于哲学的发展，参照了心理学的内容，在艺术的伴随下成长起来。所以美学不是艺术、艺术也不是美学。但由于艺术与美的关系最密切，所以美学的主要研究目的应是为艺术服务。 美是人的本质的能动表现和感应与自然和社会的艺术性和谐，美学是从审美感受中来认定事物艺术性发挥的效益性，思想意境的合理性，心理共鸣的可感性。一切都是联系到演绎者和欣赏者的和谐关系问题。如果美学脱离了艺术，就如花儿离开了树枝，不仅脱离了主体，缺少了滋润的源泉，也不能长久的绽放。

美术鉴赏——著名画作赏析资料

美术鉴赏考试资料 一、名词解释 1、哥特式建筑：“哥特式”意思是“野蛮的、乏味的”。起源于十一世纪的法国，在中世纪时被称为“法国式”，其流行于十三、十四世纪的欧洲，文艺复兴以后被称为哥特式。哥特式建筑以尖拱取代罗马式圆拱，改变了罗马建筑的承重墙模式，以垂直向上的动势为特点，更加衬托了空间的高耸峻峭。宽大的窗子上饰以彩色玻璃宗教画，广泛运用簇柱、浮雕等层次丰富的装饰，高耸、轻盈、神秘，是一种宗教建筑审美风格。肋拱的穹隆工程，成肋骨状的穹隆可以建在更复杂的平面上。独立飞券是哥特式建筑的一个关键要素，这种飞券在建筑物的两侧凌空越过侧廊上方，抵住中殿十字拱的四角起点，承受其侧推力。 自公元12世纪到公元15世纪，城市已成为各个封建王国的政治、宗教、经济和文化中心，哥特式教堂是建在由城市保护的城市中，它已经不再具有罗马式建筑那样的城堡功能，而有了更宽阔、更高、更明亮的内部空间。标明在最黑暗的中世纪获得一点有限的自由，人们会发现一丝现实世界的阳光透进了黑暗的中世纪。其风格是教会的弃绝尘寰的宗教思想的体现，也是城市显示其强大向上蓬勃生机的精神反映。 2、印象派:印象派，也叫印象主义，19世纪60—90年代在法国兴起的画派。印象派画家发现了光与色的美妙，光与色成为画面唯一主题，轮廓线消失了，严谨的造型不见了，代之而起的是朦胧的光与色，微

妙的色彩变化。其舍弃了在平面上以透视、阴影造成虚构的立体感，只以明确的轮廓线条和强烈的色彩来表现立体感。印象主义的以粗放的笔法做画，作品缺乏修饰，是一种对笔法较草率的画法。印象主义采取在户外阳光下直接描绘景物，追求以思维来揣摩光与色的变化，并将瞬间的光感依据自己脑海中的处理附之于画布之上，这种对光线和色彩的揣摩也是达到了色彩和光感美的极致。 印象主义画家反对当时占正统地位的古典学院派，反对日益落入俗套、矫揉造作的浪漫主义绘画。作为一种美术思潮，印象主义绘画在世界美术史上具有重要地位，它推动了以后美术技法的革新与观念的转变，对欧美、日本乃至中国的画家产生过或大或小的影响。 3、现实主义：有时又称“写实主义”。是从文艺复兴到十九世纪这一特定历史时期形成的一种文艺思潮和创作方法。继法国浪漫主义之后，出现了以赞美大自然，描写现实普通人们生活的现实主义美术运动。现实主义是指表现生活真实的艺术，用忠实于对象的手法描写自己眼界所及的事物，是透过现象反映事物的本质。现实主义在题材上抛弃了新古典主义的神话传说与古代英雄人物、浪漫主义的中世纪传奇、异国情调和不切实际的幻想，把眼光指向现实生活，拓展了艺术创作的题材范围。在艺术表现上，它重视自然美和真实美，以追求写实手法为特点，如实地描绘大自然和反映现实生活，倡导对社会生活的评价，对普通人生活的关切，对大自然的亲切描绘。写实是现实主义油画的艺术手法，但现实主义油画比写实有更深刻的内涵。现实主义油画从写实主义的“历史深处”走来，但现实主义油画不能等同于

浅析波普艺术与大众文化生活

浅析波普艺术与大众文化生活 摘要：20世纪50年代波普艺术诞生在英国，60年代在美国发展到了高潮，虽然存在时间短暂，但其影响却是从观念上改变了大众对艺术欣赏和承受的能力。 关键词：波普艺术；大众文化；后现代艺术 正文： 第二次世界大战结束以后，西方社会发生了一系列引人注目的变化。科学技术与物质生产的发展促使了西方的物质生活水平大大提高，为现代西方文学艺术的发展提供了新的基础、内容和土壤。特别是第二次世界大战给人们心灵造成的创伤和随科技革命与经济发展后物对人的精神压抑的加剧，以及生态危机、自然资源危机、社会心理危机等社会危机的日益加深，使得西方社会在20世纪上半叶滥殇的非理性主义思潮逐渐让位于加强对人的关注与研究的人本主义思潮。受其影响，于是现代派文学艺术开始出现了在思想主题、表现形式和创作手法等方面的变化，从而形成了文学艺术的新视点，于是出现了“后现代主义”艺术形态。 后现代艺术的形态出现是对第二次世界大战之后晚期现代主义艺术实践的反驳。这无疑是从达达主义开始，波普艺术在创作方法上虽然受到达达主义的影响，但从某种意义来说是一个全新的流派。 在整个英国的波普艺术圈中，英国的艺术家的作品与美国艺术家的作品相比，在体现波普艺术的特征方面显得比较逊色，这也不足为奇，因为英国波普艺术原本就是产生于对美国文化的憧憬中，波普艺

术真正的土壤是在美国。 二十世纪六十年代，随着人口结构的变化，艺术的根基也发生了改变：中产阶级人数的增长，大学教育的日益普及，生活水平大幅度提高，花色齐全、品种繁多的生活用品，从大汽车到厨房用具，成倍地增长，在这高消费的社会中充斥着空调、汽车、广告、电视、可口可乐瓶子等。这琳琅瞒目的物质世界，极大地影响了美国人的思维方式和艺术表现形式。波普艺术，当时对美国的艺术家们来说无非是一种天然的需要。在20世纪50年代后期，许多英国的波普艺术家，采用了许多得来自美国影片中大众崇拜的形象，连环画、或者标志牌的形象。美国的艺术家们在某种程度上观察到了这些东西，尽管美国波普艺术发展晚了一步，但当新一代的美国波普艺术家们一旦了解了他们的日常生活环境和在新主题创作中的巨大可能性，结果他们比起任何做同样事情的欧洲人显得更大胆、更热情，甚至压倒一切。 波普艺术在美国所取得的成功，除了与美国经济的繁荣，大众文化的兴盛以及高消费社会为波普艺术提供了源源不断的视觉资源有关之外，它还与公众和收藏家对这一流派的支持有关。因为在第二次世界大战之后，抽象表现主义虽然一度被美国政府作为宣扬美国自由文化政策的榜样推销到全世界，但是它面对现实生活的时候表现出的态度却是排斥和冷漠的。过分地远离生活实际，形式上极度简单化，纯粹追求画面的效果，在唯美的形式上已经走得很远。它不仅缺少了美国本土化、本民族精神的现实与直率的特征，而且没有表现出现代美国生活方式。虽然它使得美国艺术家摆脱欧洲文化殖民的梦想得以

浅谈当代艺术与设计的关系

浅谈当代艺术与设计的关系 在很长一段时间里，不仅普通人们对于艺术与设计有着模糊不清的概念，就连一些专门从事这一行业的人也不见得能很好的把握，也总是模棱两可，捉摸不定。 通过学院举办的《当代艺术与设计座谈会》，邀请的嘉宾是今日美术馆的馆长——张子康先生（张子康，今日美术馆馆长。1989年7月毕业于河北师范大学美术系。1989年9月在《河北图书商报》任美术编辑。1992年5月在河北教育出版社文化编辑室工作。1998年9月——1999年7月进修于中央美术学院国画系山水画室助教研修班，现为今日美术馆馆长。今日美术馆是以“民营非企业”，2002年由今日集团董事长张宝全先生创建并首任馆长，2004年底由张子康先生接任。张子康先生还兼任《东方艺术》杂志主编。今日美术馆系中国加入WTO后第一个按照国际美术馆规范建设和运营的纯民间美术馆。今日美术馆无梁无柱全开放自由展览空间及恒温恒湿、自动展板、自动灯光、多媒体声光展示系统等，系中国美术馆最高硬件标准，同时也跻身于国际一流美术馆行列。今日美术馆现有和正在筹建的下属企业有：今日美术馆出版社（香港）、今日美术馆杂志、今日美术馆网站、中国当代美术家数字资料库、中国当代书法家数字资料库、今日美术馆拍卖公司、今日美术馆画廊以及今日美术馆画院、今日美术馆研究院、今日美术馆艺术产业联盟等综合艺术产业实体。今日美术馆在关注中国当代艺术和当代艺术流派及领军人物的同时，更注重对艺

术市场的培育和发展，形成和国际知名美术馆、博物馆、画廊等艺术产业机构相适应的艺术运营模式，为当代艺术家及其艺术品提供一个面向世界的全开放式平台。今日美术馆开馆的《彩墨江山展》、《流行书风展》，其鲜明的学术性以及在美术史、书法史上的重大意义不仅受到国内外媒体及艺术机构的关注，也给中国美术界、书法界带来强烈震撼，促进了中国艺术流派的形成和发展。今日美术馆展览面积1800余平方米，展线长约1000余延米，其全开放自由空间和活动展板、活动灯光不仅能适应所有二维平面作品展览，同时更能适应雕塑、装置等三维空间作品展览。）听了他的讲解以及他和设计系的老师的讨论，我对于当代艺术与设计的关系有点心得体会： 对于当代艺术与设计的关系的理解事实上它们是即有区别又有着千丝万缕割不断的联系的。在人类发展历史上，随着社会生产力的不断提升，艺术和设计在各自取得长足发展的同时，它们之间的关系相当微妙。当代艺术与设计的关系是辩证的，当代艺术的发展对于设计会有影响，反过来设计的发展也影响着艺术。 一、当代艺术与设计的区别 1、当代艺术与设计的概念 纯艺术和设计有很大的区别，一个是以形态思维为中心的，一个是以逻辑思维引导形态思维的，如果和在一起，在各种具体问题上的冲突将是没完没了的。包豪斯在魏玛时期曾经有过这方面的问题。格罗佩斯在1919年建立学院时，根据魏玛共和国政府要求，把早就在

浅谈当代艺术

浅谈当代艺术 对于学习艺术的人来说，关于当代艺术的问题一定是一个我们不可回避的话题。我们身在一个艺术思维空前解放、并且人人都自称是艺术家的时代里，当代艺术比任何一个时代更接近大众，博物馆、画廊、双年展、大街上……艺术随处可见，但它同样也比任何时代更容易受到非议和疑惑。那么、我想就这篇文章粗略地谈谈当代艺术所面临的一些问题，关于“什么是艺术”“如何成为一名当代艺术家？”而我的初哀非常简单，我希望我们都能够更加自主地判断艺术、认识艺术、认识我们所处的当代环境，并且享受艺术、追求自由的艺术。这是无比重要的一件事。 标签：杜尚、新颖性、原创性、记忆、当代环境、自由 对于从事艺术行业的人来说，我们不难发现，当代艺术己然成了现在的主流。所以对于当代艺术的思考和理解，似乎是一件不可回避的事情。而当我们谈及当代艺术的时候，无疑要正面的回答一个棘手的问题，那就是“什么是艺术？”首先，我们要清楚的是，艺术这个名称用于不同时期和不同地方，所包含的事物会大不相同。希腊时期的人们并没有我们所理解的“美术”（绘画和雕塑）的概念。罗马人也非常势力地欣赏高尚的（自由主义的）艺术，比如修辞或音乐。而在18世纪，fine art的定义出现了，由此将绘画、雕塑、建筑等囊括在了艺术的范畴。而时至今日、“艺术”的定义仍然在不断的被拓宽和刷新。这也是当代艺术家们正在努力做的一件事，我们正在不断的刷新着我们这个时代对艺术的新的理解。正如藝术史学家贡布里希说过：“实际上没有艺术这种东西，只有艺术家而已。”所以，艺术并不是一个非常确定的什么东西。而艺术家就是制作这些东西的男男女女。 艺术史学家汉斯·贝尔廷认为，我们所理解的艺术概念始于1400年左右。该艺术理念被延续并被改善着，我们认为这理所当然——哦，是的，这就是艺术，那就是艺术——直到19世纪中后期出现了现代主义。人们开始质疑什么是艺术、我们做的又是什么。经过这样漫长的过渡，在这个自我意识觉醒的过程中，人们、艺术家们开始询问艺术的本质是什么。直到20世纪10年代杜尚出现了，他标新立异地主张：任何事物都可以成为艺术。而杜尚提出了这个想法后，人们理智上接受了它，但让人真正把它作为一个观点来看待却要花很长时间。20世纪上半叶，所有的学说——立体主义、未来主义、超现实主义、抽象表现主义——整体而言，似乎都专注于外传统有形媒体中进行形式和内容的创新。立体主义者可能激发了表面空间的概念，但他们主要用油画来表现。50年后，抽象表现主义者依旧用画笔在画布上对艺术史进行勾勒。作为艺术家的艺术家当然进行了疯狂试验，但直到20世纪60年代，杜尚的想法才因波普艺术家而真正成形，那时，确实任何东西都被宣称为艺术品。 而任何东西都可以成为艺术这一想法，也正是如今的21世纪的核心想法。我们的思考、感觉和生活方式意味着，如今的艺术无所不包，艺术的类型也在不断的被刷新。因为就像名声会随着时间变化一样，艺术的定义也是如此。那么“如

对现代艺术的认识和理解

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对现代艺术的认识和理解 【内容摘要】 现代艺术是相对传统的美术而起的一个新名词，它企图摆脱传统绘画的束缚，追求艺术的新观念、新价值，采用新奇的表现形式，十分注重艺术的创新和艺术领域的开拓。 【关键词】 现代艺术 【正文】 一、现代艺术的出现 认识现代艺术，要从它如何出现谈起。从古希腊阿波罗神殿镌刻的“认识你自己”1的箴言开始，艺术始终凝结着时代的文明和人类的文化智慧。人类社会的历史，每一个文化类型都有着表达自己时代的方法与技巧，如古埃及文化、中国文化、文艺复兴文化等等。现代艺术也同样表达着我们所处时代的意志，只是

时代不同，表达的方法也不同。现代艺术出现在19世纪末，壮大于20世纪初，正是现代社会形成的重要阶段，工业革命的发展催生了新的科学理论和技术发明，人们的知识体系发生着激烈的变化。大规模的工业化生产不仅使物质生活的内容和质量都有大飞跃，而且更新着人们的价值观和审美观念。两次世界大战不仅给世界带来深重的灾难，也以一种无可回避的现实摧毁了一切传统，接着是巨大的空白。 现代艺术首先是从西方的印象派的出现开始的。从而艺术家们开始反对传统的绘画观念，走向主观的自我表现为中心的现代工绘画艺术开始了。 正如海德格尔认为的那样“艺术是价值空虚的填补者，赋予世界新的意义，并把信念，救恩和爱赋予这个世界，艺术作为抗拒贫乏时代的本真力量，召唤人进入自由的空地”①。现代艺术在这样的土壤中萌芽，在寻找自己的表达方式，艺术家们发现过往的手法变得难以实现，因为在现代社会中，传统的现实主义已丧失了真实感，所以现代艺术需要以抽象的，变形的方法重新获得激情，需要“荒谬与不和谐”来刺激人心，以达到“召唤人进入自由的空地”的目的。可以说，现代艺术不是源于艺术而是源于生活，它的形式以及难以理解的内容，都是在一定历史时期内的社会文化的反映，现代艺术也是总文化的一部分。从这个意义上说，现代艺术的抽象与扭曲就变得容易理解了。 二、现代艺术的发展与成长 现代艺术是相对传统的美术而起的一个新名词，它企图摆脱传统绘画的束缚，追求艺术的新观念、新价值，采用新奇的表现形式，十分注重艺术的创新和艺术领域的开拓。这些变革自然地受到[社会的政治、经济、文化哲学等方面的影响，所以，现代艺术的发展注定不是一帆风顺，而是曲曲折折的不平之路。 现代艺术是为反对传统艺术而生，而它却又在遭受传统艺术家们的嘲讽、讥笑中成长。然而它却在当今的艺术之林中占有越来越大的份量，这可以说明现代艺术具有相当顽强的生命力。当然这和为它付出的汗水的艺术家们是分不开的。 现代艺术具有自己独特的创造精神，尤其是她那顽强的生命，同时也能够表现艺术家的生命。若是处处都是崇拜模仿那就要受其支配，则艺术家表现的绝对不是自己的生命。最高尚的艺术家必不受人的制约，对外界的批评毁誉也能视之漠然。因为我的艺术是我自己生命的表现！著名画家凡·高就是典型的代表。 别人怎么见得知道我绘画时的情感呢？别人又怎么知道我当时的内心变化呢？所以说肤浅的批评，是没有价值的！ 何以艺术能够表现艺术家的生命呢？因为艺术是通过艺术家的感觉而表现的。因感觉而生情，才能产生艺术。换而言之，就是我对现实世界的感受而产生艺术。譬如：个性刚强的人喜欢热烈的色调，性格内向、沉默寡言的人就喜欢冷静的色调。两个性格不同的人去画同一对象，他们所表现的色彩感觉，也是不相同的,如果强使他们一样的话，那就不是现代艺术所追求的东西了。所以现代艺术家作画都是从内心有感而发。如若不把内心感受表现出来，就必然不会快活，便象是有什么事情还没有做似的，心里不会舒服，一定要把它表现出来。倘若艺术家在没有感受时而作画，那么就成为一种虚伪的技巧化了，纯粹是一种技术，而不是一种艺术。那作画之人也顶多算是个比较好画匠，而不能算是个艺术家。所以我要说艺术家表现在画面上的线条、韵律、色调都是艺术家本人的情感。因为艺术家作画时带有情感，自然画面也就有情感。因此是精神在统治整个画面，生命自然也就存在与画面中。赏画者也必然能够感受到画中有生命的存在。

波普艺术及其在中国的发展状况

均是精品，欢迎下载学习！！！ 波普艺术及其在中国的发展状况 王大志 【摘要】：波普艺术是一种典型的西方现象。它是资本主义发展到二十世纪的五、六十年代，其政治制度和工业技术发展的必然产物。这些社会现实如“冷战”、“大众传媒”等都引发了关于艺术和生活的新的讨论，而体现在艺术中的明显的结果就是波普艺术的出现。波普艺术揭示了西方六十年代一种必然的社会特征和文化氛围。达达艺术最早开始注意到广告给艺术带来的潜力，他们采用一种诙谐的拼贴手法来表达其虚无主义和无政府主义观点，达达的美学思想及其对于现成品的利用都给波普艺术以极大的影响。波普艺术的主题内容扎根于日常生活，大众传媒和其它的时代特征，如明星、设计、可口可乐等社会现象都对波普艺术产生了决定性的影响，它们改变了艺术所产生的环境及艺术定义，而原来那些传统的美学，在改变自己的同时也在影响着艺术。波普艺术通过把日常琐物和现成品引进艺术领域而丰富了艺术史。早期波普艺术的主旨是用一种客观化的艺术去反对日益空泛和矫揉造作的抽象表现主义，那种深思熟虑的抽象被对于物质本身的兴趣所取代。波普艺术用现成品来反对抽象表现主义，用情感来反对理智，用现成品来反对观念艺术。波普艺术几乎在英美同时出现。英国波普艺术因为稍早出现而被视为“波普之父”。伦敦的“独立派”最早开始从事此项艺术。以汉密尔顿为首的“独立派”给波普艺术下了这样定义：它是一种流行的、短暂的、可消费的、低投入的、批量生产的、针对于年轻人的、诙谐的、性感的、噱头的和能产生最大商业利益的艺术形式。英国波普产生于对新时代的理解，且由于英国的人文主义传统，英国的波普艺术具有较强的艺术性和抒情性。英国主要的波普艺术家 有汉密尔顿、霍克尼、基塔齐、布莱克、菲利浦等。美国波普是时代的理所当然的产物。同时它也是作为抽象表现主波普艺术及其在中国的发展状况2 义和欧洲艺术的对立面而 出现的，它是美国时代脉搏的体现。美国波普艺术的发展经历了三个主要阶段：一是以劳叫B格和贾斯琅为代表的新达达主义；二是具有纯正商业味和广告风格的波普艺术，如沃霍尔和韦塞尔曼、罗森奎斯特等的艺术；第三个阶段是自70 年代后，美国波普艺术对社会问题如：政治、种族、性和Al＞S等的关注日益强烈，而且这一阶段的波普艺术风格较为丰富，加入了如哈林的涂鸦艺术和昆斯的艳俗艺术等。1985年劳中伯格在中国美术馆展出了他的波普艺术，就在同年“85新潮美术”运动拉开了序幕，这个运动持续了“五·四” 运动的反叛精神，它更是一场精神上的乌托邦，它的前卫性主要体现在它对于各种唯美、伤感的学院主义的英勇反抗以及对中国美术的终极关怀上。中国的波普艺术开始于“ 85新潮美术”，但为当时亡也仅仅是吸收借鉴西方的一个手段，因为没有充分发展的大众文化为基础，所以称之为“前波普阶段”。1989年的“现代艺术展”是中国现代艺术的一个分水岭，从那时起，“政治波普”走上了前台并引发了一股波普热，它之所以成为热点的原因有二：一是一些批评家极力鼓吹波普艺术是和国际艺坛接轨的捷径；二是部分西方政治势力的需要。自1995年开始，中国的波普艺术中也出现了“艳俗艺术”，它对大众的物质利欲和精神信念进行幽默调侃，同前一阶段的波普艺术相比，“艳俗艺术”更加关注的是个人艺术语言和技巧，而不再仅仅是内容如何。这也是中国波普艺术发展较为成熟的阶段。