艺术赞助人在艺术发展史中的角色分析
艺术赞助人在艺术发展史中的角色分析
摘要：从艺术社会史的角度看，艺术的繁荣与赞助体系有着密切的关系，中世纪以来
艺术赞助人是推动艺术发展的关键因素。而近年来文化艺术与商业领域的跨界合作越来越受推崇，而艺术赞助人理念也在中国也不断深入，对于不少中国文化艺术机构来说，艺术赞助正在取代政府拨款，成为重要的经济来源，为当代艺术市场注入新的活力。本文主要从艺术赞助人与艺术家的关系、艺术赞助人的赞助动机两方面分析艺术赞助人在艺术发展中扮演的角色。
关键词：艺术赞助人，动机，赞助体系，艺术与商业
Analysis Of The Role Of The Art Parton In The Art History
Zhangwanjun
Yiderike Abstract：Art from the perspective of the history of art and social prosperity and sponsorship system is closely related to, the patron of the arts since the Middle Ages is a key factor to promote the development of the arts. Culture and art in recent years, and commercial areas of cross-border cooperation more and more respected, and the concept of patron of the arts in China continued to deepen, for a lot of Chinese culture and art institutions, patron of the arts being replaced by government funding, has become an important source of income, to inject new vitality into the contemporary art market. In this paper, from the relationship between patron of the arts and artists, patron of the arts sponsorship motivation analysis of both the role of patron of the arts in the development of the arts.
Key words: Art patron, Motivation, Sponsorship System, Art and Business
绪论：艺术赞助人于中国来说是一个很新的概念，但它却在整个世界艺术发展历程中起
着举足轻重的作用。本文主要通过对它在艺术发展中的角色分析，探究其在国内的发展之路。目前对于艺术赞助人的研究，国外的研究成果会比较多，而国内的文章少之又少，而其中最具代表性的是由李铸晋先生写的《中国的画家与艺术赞助人》系列论文，这也是本篇论文中主要的参考文献。本论文主要通过文献研究法、描述性研究法、经验总结法三种研究方法，内容主要由五大块儿构成。重点内容是第三和第四部分，主要研究艺术赞助人的动机极其国内艺术赞助人的发展现状。
一、关于艺术赞助人
（一）什么是艺术赞助人
《牛津英语辞典》对赞助人的定义是：“提供具有影响力的支持以促进某人、某项事业、某种艺术等等的利益的人，另外，在商业用语中指某位常客。”[1]《牛津艺术手册》对赞助人的解释中提到，在17世纪以前不存在真正意义上的艺术赞助行为，在17纪之前的所谓“赞助人”购买艺术品或支持艺术家的行为，都是于实际的功用目的，将艺术品作为交换商品或彰显财富的炫耀并以雇用优秀艺术家为其服务而视为荣耀。[2]
（二）西方艺术赞助人历史
西方艺术赞助人的历史，几乎与西方文明同时起源，可以追溯到古罗马帝国时代。那些在战场上叱咤的英雄大多数却也是艺术爱好者，他们花重金发掘、培养艺术人才，为他们的创作提供丰富的物质基础。
中世纪一直被称为文化艺术史上的“黑暗时代”，教皇控制国家政权，所以中世纪的文学艺术都充满宗教气息，中世纪美术也在很长一段时间内被学术界否定。直到19世纪，一些西方学者才开始重新客观的认识和研究中世纪艺术，这个时期教会和宫廷贵族是艺术赞助人的主要力量，受赞助的艺术家必须依照赞助人的意志从事艺术创作。
文艺复兴时期无疑是西方文化艺术史最为辉煌的一页，也是从这个时候我们开始真正的正视艺术赞助人这个角色。而在这个时期涌现出众多的艺术赞助人中我们不得不提
起的是美帝奇家族，有的人甚至说，如果没有美帝奇家族，文艺复兴肯定不是我们现在所看到的局面。美第奇家族是许多艺术大师们的赞助人，波提切利、达芬奇、米开郎基罗、拉斐尔在他们的赞助下完成了名垂青史的雕塑、壁画、绘画，创造了灿烂辉煌的文艺复兴文化。
近现代，赞助人的制度发生了转变，赞助人与被赞助的艺术家之间组成一种持续稳定的、契约化的利益交换模式，从这个时候艺术赞助开始显现出它的商业性特点。
艺术赞助之所以最先出现在西方并繁荣至今，最主要的原因是因为它是建立在商业文明基础上的，它反映的是艺术家与消费者之间关系的一种特殊形式。而从另一方面看，艺术赞助同时还具有开放性和公益性特点，所以它时至今日仍旧是欧美艺术体制的核心组成部分。
（三）中国艺术赞助人的历史
在研究中国艺术发展史的众多著作中，似乎并没有提到一个与赞助人（parton）含义相关的术语，提到更多的是类似于：收藏家、鉴赏家等名词。[3]在此我要强调的是我们一定要清楚，中国的艺术发展史与西方有着完全不同的背景，“赞助人”这个概念本来就是一个舶来词汇，更要区分它在英语语言中的含义，用在中国艺术发展史中似乎有些牵强。在整个中国艺术发展史中赞助艺术也是伴随着中国商业的发展而渐现苗头，而其中最符合“艺术赞助人”这个概念的可能就是18世纪在扬州因为贩卖盐而积累起巨大财富的商人们收藏了以郑板桥为代表的扬州八怪的大量作品。
近现代，随着全球化的不断发展，艺术赞助人的概念开始在中国传播、实践，一些国内企业个人开始收藏艺术作品、建立企业美术馆、资助艺术家的创作和展览。
二、艺术赞助人和艺术家的关系
财富是艺术滋长的基石，赞助人为艺术家的创作提供了物质基础，推动了艺术的发展，艺术家也在为他们服务的同时自身也得到了提高。艺术赞助人不参与艺术创作却时刻影响着艺术家的创作。在很长一段时期内，特别是文艺复兴时期，艺术家的创作都是有局限性的，他们必须按照赞助人的意志来进行艺术创作，正如中国有一句古话中所说的一样：食人俸禄，忠人之事。所以在很长一段时间内艺术家的社会地位并不高，甚至需要依附于赞助人。但随着社会的发展、艺术家的艺术成就影响越来越大，艺术赞助人无法再干预艺术家的创作，艺术家的创作慢慢转向个人风格，他们之间的关系从服务与被服务的关系开始趋向于一种商业合作关系。
三、艺术赞助的动机
（一）为宗教服务
从中世纪开始直到文艺复兴，赞助人赞助艺术家都具有很强的目的性，即为宗教服务，宣扬教义。在这个时期教堂是主要的艺术赞助人，他们资助艺术家进行艺术创作，并不是让他们自由发挥，而是要按着他们的意图来进行。“他们不期望艺术家的创作表现出个性和独创性，而是希望他们以被人理解和接受的视觉符号和语言表达和宣传特定的信息和价值，所以很长一段时期内西方的艺术作品都充满着宗教气息。”[4]
（二）赎罪
宗教绘画并不是只有教会需要，还有一部分艺术家的创作是来源于一些富人的私人定制。他们的目的更为明确，那就是通过此种方式来赎罪。文艺复兴时期，不仅仅是文化艺术的一个繁荣期，也是资本主义的萌芽期。这个时期新型的生产关系—雇佣劳动制开始出现，一些早起的资本家通过这种方式财富不断的积累，成为那个时代西欧经济最
高成就的象征。但是对财富的追求和占有都与宗教中将贫穷作为人生目标的教义背道而驰，让他们的心里产生不安。所以他们通过宗教性的艺术赞助来填补内心的不安，减轻内心的罪恶感，从而得到心理安慰。
（三）以艺术赞助的名义来提升自己政治上的威望
提到这一点，我们就不得不提起文艺复兴时期著名的艺术赞助人—美帝奇家族。美帝奇是当时意大利最有势力的家族，他们依靠银行业发迹，在15世纪早期一统银行业的天下。15世纪30年代，美帝奇家族成为全城最富有的家族，但巨额财富并没有给他们带来政治上的巨大影响力。后来美第奇家族利用对文化艺术的赞助建立了广泛的群众基础，来扩大其政治影响。一方面美第奇家族利用自身巨额财富派遣了大量优秀的画家、建筑师到外地进行艺术创作，修建教堂等等都使美帝奇家族扩大了威望。在文艺复兴鼎盛时期，美第奇家族赞助了像达芬奇、波提切利、米开朗琪罗、拉斐尔等众多艺术大师，让他们名垂青史。还有不计其数文艺复兴时期留下的建筑，雕塑，绘画和壁画，由于他们的赞助，文艺复兴时期的文化艺术更加辉煌璀璨，他的艺术赞助的行为在整个西方艺术发展历程中起着里程碑式的作用。
（四）现代：企业软广告
现阶段的艺术赞助似乎商业性的目的更为明确，企业等赞助团体看中的是艺术的前沿性，通过赞助各种艺术展览来提升企业品牌知名度,这实际上是一种特别有效的企业软广告。在介绍企业市场推广和营销策略的宣传册中，都将赞助艺术等公益活动作为行之有效的推广策略之一。在此我所举的例子是摩根大通，摩根大通在中国最早是做一些艺术教育项目，现在逐渐介入到不同的艺术赞助和慈善项目中，他们和今日美术馆形成战略合作伙伴关系，赞助了其类似于《关系：中国当代艺术群展》、《未来通行证——从亚洲到全球》等影响力颇为广泛的众多重要展览，他们还定期邀请中央美院老师给农民工子女在今日美术馆上课，培养孩子们的兴趣、爱好，普及艺术教育。由于摩根大通在艺术赞助上的重要影响，在由21世纪经济报道主办的“年度艺术赞助人评选”中被授予年度艺术赞助人大奖。在颁奖典礼上摩根大通企业传讯及市场部主任梁利华提到，他们利用每年的艺术赞助给客户、员工进行很多的艺术教育的项目，让他们更多的了解当代艺术，喜欢当代艺术。这样就跟客户之间形成一种良好的互动关系，无形之中提升了企业形象，对公司品牌形象的宣传有益无害。
四、目前国内艺术赞助人发展现状
（一）艺术赞助的分类
1、私人赞助
随着一些人财力的增强，他们看到了艺术品可观的投资前景，纷纷从画廊，拍卖会和展览会上收藏年轻艺术家的作品，所以近几年的艺术品拍卖市场火爆持续增温，拍卖纪录不断刷新。
2、企业赞助
企业看中当代艺术的先锋和前沿性，希望通过赞助当代艺术展览来提高企业的知名度，在介绍企业市场推广和营销策略的宣传册中，都将赞助艺术等公益活动作为行之有效的推广策略之一。[5]一些企业甚至通过建立美术馆和自己的艺术收藏来达到提升企业形象的作用，例如天津泰达集团的泰达美术馆，成都的成都现代艺术馆，但就目前来说企业做美术馆最为成功的是由今典集团创办的今日美术馆，堪称企业创办美术馆、赞助艺术的典范。
3、公共赞助
主要来自国有美术馆的展览和收藏，如中央美术学院美术馆、上海美术馆、广东美术馆等，他们也在举办艺术展的同时收藏艺术品，但是由于经费有限，心有余而力不足。
4、海外赞助
除此之外，还有一支艺术赞助人的力量经常活跃在中国艺术的舞台，那就是来自海外的赞助。一些西方收藏家纷纷购买中国年轻艺术家的作品，赞助他们的艺术事业。其中最为著名的就是瑞士前驻华大使乌利·希克，他收藏了大量中国当代艺术精品，收藏了中国180多名艺术家的近2000件作品，完整的记录了中国当代艺术的发展脉络。他还创办了“中国当代艺术大奖”（CCAA），旨在帮助有才华的中国艺术家走向国际。2012年他将自己所收藏的价值13亿港元的1463件中国当代艺术珍品，捐赠给即将于2017年落成的香港M+美术馆作为永久馆藏。
（二）发展现状
从整体来说，中国当代艺术赞助的体制还远远没有形成，公共美术馆、国有剧院的运行经费主要还是来自政府的行政拨款，而这些行政费用往往只够日常开支和人头费。国家大剧院院长陈平在政协会议上讲到：“运营一个剧场，成本是很高的，以国家大剧院的经营情况为例：每天运营成本是50.3万至50.4万，每年就有1.8亿多的刚性支出，而国家和北京给的财政补贴仅1.2亿元。”[6]
因为单靠政府的补助根本无法正常运营，所以组织艺术研发的费用则需要从各方面筹集资金。但传统的美术馆体制却没有市场推广和融资部门和专业人才，美术馆想推广自己，举办大型展览时寻找赞助一直是个非常棘手的问题。
五、推动艺术赞助人在中国的发展
西方一直有赞助艺术事业的传统，所以许多跨国企业在制定企业预算时都将用于艺术赞助纳入预算。而国内的企业赞助只是刚刚开启，缺乏艺术赞助的意识和热情，也不懂得如何去运作。此外，国内没有很好的鼓励企业赞助艺术活动的税收政策。而本文仅基于此种现状提出两点建议：
（一）完善艺术赞助体系
在美国，艺术赞助体制是由先富起来的人自发的赞助艺术，一直发展到复杂的基金会等民间组织和国家保护艺术的减免赋税制度。1965年美国成立国家艺术基金会(NEA)，
是全美最大的一个专门对艺术进行资助的联邦机构,对提出申请的艺术项目进行公共拨款,通过资助非营利艺术组织,与各州的艺术机构及其他地区组织建立合作基金协议,特别是与其他联邦机构和研究机构确立国家发起项目的合作伙伴关系,支持杰出的艺术作品,推进艺术教育,发展国内艺术。[7]中国和美国虽然从很多方面来说都不一样，但我们却可以从中取其精华，结合自身国情为我所用。
1、国家政策鼓励，在税收上能给予文化艺术赞助更多的支持
近几年来国家一直宣传大力发展文化产业，却迟迟不见切实可行的政策保护。世界上许多国家对艺术的赞助同对慈善的捐助一样是免税的，而我国对艺术的赞助是要纳税的。对于企业来说，他们更愿意给能够给自身带来更多利益的赞助，所以建议相关部门制定政策能够给予艺术赞助在税收上的优惠。
2、发挥艺术基金会的作用
艺术基金会作为一种特殊形式的存在，它们的成立虽然都是借助于名人或者企业的影响力成立，但是这些艺术基金会都是由名人或其家属亲自创立并出资，并没有政府的财务拨款或者补贴。[8]它独立运作自负盈亏，依赖专业委员会和专家对艺术创作、研究、展览、批评或者其他活动实施资助。但中国的艺术基金会普遍规模不大，对于艺术的资助能力有限。但一些艺术基金会完全可以利用自身的影响力同一些企业合作，推广艺术教育，或者通过举办展览等市场化的运作模式发挥其艺术赞助的功能。
（二）企业抓住先机
随着全球化的不断深入国内企业的管理理念逐渐与世界接轨，一些企业已开始意识到赞助支持艺术的重大影响力。艺术纯粹的文化气息有利于淡化直白的商业形象，并且与某些高端品牌的创始理念存在密切联系，企业寻找合适的艺术推广之路是一种有效的途径，而艺术品也可以借助品牌的渠道在商业社会中得到更广泛和有效的传播，这也是一种双赢的模式。[9]
结论：艺术的发展始终离不开资金的支持，中世纪，艺术家为教堂服务，文艺复兴时期，
艺术家为权贵服务。近年来文化艺术与商业领域的跨界合作越来越密切，艺术赞助的商业化更为明显，艺术赞助人理念也在中国也不断深入。虽然他们有着不同的目的，出发点也各不相同，但有一点，他们的艺术赞助行为在很大程度上推动着艺术的发展，为整个艺术市场注入新的活力。现在对于不少中国文化艺术机构来说，艺术赞助正在取代政府拨款，成为重要的经济来源，中国艺术的未来也需要更多的赞助人，使艺术充满活力，让普通大众都能感受到艺术的魅力。
参考文献：
[1] 张鹏.美术史研究中的“赞助人”[(A)].
[2] 宫政.浅析文艺复兴时期的艺术赞助[J].艺术探索，2006（1）.
[3]李铸晋.中国画家与艺术赞助人[C]. 艺术产业窗，2006(5).
[4]刘君.虔诚、权力与艺术：意大利文艺复兴时期艺术赞助的意图[A]. 西南民族大学学报，2009（7）.
[5] 宫政.浅析文艺复兴时期的艺术赞助[J].艺术探索，2006（1）.
[6]陈平:对文化艺术赞助应视同纳税.北京晚报.2013-03-07作者：孙颖.
[7]陈佳桦美国联邦政府与艺术资助模式[D].厦门大学，2008.
[8]吴宁.中国艺术基金会发展报告[R].北京中国美术馆.吴作人国际美术基金会，2010.
[9]尧小峰.企业与艺术，就让他们联姻吧[J].收藏投资导刊，2011（9）31期.
[10]（英）贡布里希.文艺复兴—西方艺术的伟大时代[M].杭州.中国美术学院出版社，2003.
[11]（英）贡布里希.艺术发展史[M].天津.天津人民美术出版社，1991.
林语堂《生活的艺术》读书笔记
林语堂《生活的艺术》读书笔 记 人生之旅，快乐无限在图书馆漫无目的地享受群书的包围时，一个不经意的抬头，我的眼光落在了《生活的艺术》这几个字上。生活艺术，这两个字深深地吸引了我，引起了我的好奇心与欲望。于是，我进一步走进它，静静地翻开了目录，神奇而又安静的心 灵之旅启程了 人生之旅，快乐无限 在图书馆漫无目的地享受群书的包围时，一个不经意的抬头，我的眼光落在了《生活的艺术》这几个字上。“生活”“艺术”，这两个字深深地吸引了我，引起了我的好奇心与欲望。于是，我 进一步走进它，静静地翻开了目录，神奇而又安静的心灵之旅启 程了…… 近来正十分关注怎样享受生活的我，无疑地我对《生命的享受》这几章很感兴趣。我来到了角落边的一张沙发上，微笑地与那些 文字融在了一起…… 文中讲到了快乐问题，有一处文字引起了我的思考——“惠 特曼说：‘我这样地做一个人，已经满意了。’所以我也以为我 现在活着，并且也许还可以再活几十年，人类的生命存在着，那 就已经够了。这样看法，这个问题便变为极简单，而不容有两个
答语，就是人生的目的除了去享受人生外，还有什么呢？”是的，人的一生说长不长，说短不短。活着的人，每个人都有不同的活法。开心是一天，不开心也是一天，为什么不开开心心地过每一 天呢？开心地活着更有价值。日子一天一天地过，我们一天一天 地重复着生活，日起日落，其实生活就这么简单。但是如何从简 单中得到乐趣呢？那就要用心去挖掘，去享受每一个美的片段。“生活中不是缺少美，而是缺少发现”，这句话大家都耳熟能详，也不难理解其中的含义。但是能真正做到的有几个呢？在这个物 质诱惑的时代，很多人都茫然地追求着金钱、地位。是的，追求 自己要的东西固然没错，但是有多少人，等到他真正成为富翁时，才知道那并不是自己想要的……所以，你要明确自己要的到底是 什么。生活其实没必要太多的强求，开心就好。 快乐并不难寻。它隐身地藏在了天空、花草、树木等大自然 的一切中，还隐藏在诗歌、音乐、舞蹈等艺术中，更隐藏在亲情、友情、爱情等情感中……偶尔地发呆，静静地沉思，轻松地阅读，放声地歌唱……这都是享受。只要你用心去享受，快乐无处不在。生活其实很美好。那些看不见的快乐。围绕在你身旁的每一个角落，它们和你只隔着一层薄薄的面纱，它们等待着你去掀开而一 睹快乐的芳容。 我记得朱自清曾《荷塘月色》里写到：“酣眠固不可少，小睡也别有风味。”惊天动地的生活能给我们带来快乐，平凡恬淡的 日子也一样能给我们带来快乐；荣华富贵能使人快乐，粗茶淡饭
2019精选《艺术的起源》读后感.doc
《艺术的起源》读后感 《艺术的起源》读后感书名：艺术的起源作者：格罗塞译者：杨译出版社：京华出版社导读格罗塞生于德国，是杰出的艺术史家，人种学家，社会学家，博物馆学家和实证主义者。格罗塞是十九世纪末原始艺术研究领域独树一帜的人物。他最鲜明的特色和最突出的贡献是把艺术的发展同社会存在的物质基础和精神生活紧密地结合起来加以考察，揭示了艺术发展的内在规律。《艺术的起源》出版于1894 年，全书共十一章，从内容上说可以分为三个大的部分：第一部分包括第一，二章，论述艺术科学研究的目的和方法，是一般性的文字；第二部分包括第三章至第十章，论述原始民族及原始艺术，是对艺术起源的具体考察；第三部分为最后一章，是全书的结论。这三个部分构成一个既有一定独立性又互相关联的严谨整体。关于本书，格罗塞在作者自序中指出，书中所进行的这种研究是一项开辟性的工作，“在一块从未有人探索过的新境地，谁都不可能找到许多无价的事实，只要找到路径，就该知足了。本书的价值，不在于它所给予的答案，而在于它所提出的问题。”格罗塞认为，所谓“艺术科学”是一门历史科学，是艺术史和艺术哲学的结合，它的主要任务是通过对艺术发展史中的事件加以记述，解释和归纳，从而发现艺术的最一般的法则。《艺术的起源》的主要观点是：艺术史就是在艺术家的沿革中考察历史事实，它必须描述艺术发展的面貌，正确地记录和考察不同时代的艺术家们的具体的历史的个性特征。它的任务不是重在解释，而是重在事实的探求和记述。艺术科学的主要任务就是在事实的基础上揭示艺术发展的规律。第一章艺术科学的目的格罗塞说学术的主要原则就在于，不管何时何地它都是没有什么差异的。无论是探讨植物的还是探究艺术作品，它都必须是客观的。在艺术科学中，我们期待的第一件事情，也许就是那种可以遵照我们的愿望来发展艺术的方法——就是使无法自然产生艺术的时代却盛开出人工的艺术之花的法术。他指出：艺术科学的主要目的，也并非为了应用而是为了支配艺术生命和发展法则的知识。只要艺术科学教给我们一条左右着那看似毫无规律的任意的艺术发展过程的法则，艺术科学也就能算是尽了责任了。第二章艺术科学的方法艺术科学的问题就在于描述并解释被包含在艺术这个概念里的诸多现象。这个问题有个人的和社会的两种形式。艺术科学课题的第一个形式是心理学的，第二个形式却是社会学艺术科学的研究应该扩展到所有民族中间去，对于从前最被忽视的民族尤其应该加以重视。因此艺术科学的首要而迫切的任务，就是对于原始民族的原始艺术的研究。为了便于达到这个目的，艺术科学的研究不应该求助于历史或史前时代的研究，而必须从人种学入手，历史是不知道原始民族的。第三章原始民族我们所说的原始民族，就是具有原始生活方式的部落，他们赖以谋生的最原始的方式，是狩猎和采集植物。人种学认为狩猎和采集植物的民族是原始文化和原始艺术的创造者的观点，我们是没有理由加以否认的。我们以后的研究，将严格地局限于狩猎民族的艺术，其他由文化较高群体所产生的艺术，我们仅作为比较之用。第四章艺术不管什么年代，不管什么民族，艺术永远是一种社会的表现。如果我们仅仅拿它当作个人的现象，就必然无法了解它原来的性质和意义。我们曾经说过，在下面的研究中，我们将专门研究艺术创造的社会环境与社会关系。我们要将那些原始民族的艺术作为一种社会现象和社会机能。原始社会的形象艺术：1.用在人体装饰；2.器具之装潢；3.纯粹的绘画与雕刻的原始作舞蹈，我们将其看作活动的雕刻，是从静的艺术过渡到动的艺术之间的一个环节。我们投以极大的热情去研究这种艺术；因为舞蹈对于原始民族具有特殊而深刻的意义，是文化民族中间所不具备的，因此研究舞蹈艺术，较研究其他的艺术更能够深化我们对艺术的社会价值的知识。第五章人体装饰原始民族的画身，其主要目的是为美观；它是一种装饰，并非如有些人所认为的是一种原始的衣着。原始画身的图案是由个人所创造的呢，还是从某种模型摹拟来的呢？显示处于重要地位的理由是非常充分的。其一，在原始艺术中独创的图谱并不多见，不管在装饰上，绘画上或雕刻上都十分流行着某位原始艺术家摹描日常生活事件的图案。关于固定装饰的研究使我们明白原始人常常以克服自己的怯弱来满足
《生活的艺术》读书笔记
《生活的艺术》读书笔记 《生活的艺术》是1937年林语堂在美国专门从事创作后发表 的第一本著作。其后成为美国当时的畅销书，并为翻译成十余种 语言，其中当然包括中文。林语堂在这本书中表达了他个人对生 活方方面面的看法与见解。在中国大陆出版的版本（因为林语堂在书中的某些观点与 《生活的艺术》是1937年林语堂在美国专门从事创作后发表 的第一本著作。其后成为美国当时的畅销书，并为翻译成十余种 语言，其中当然包括中文。林语堂在这本书中表达了他个人对生 活方方面面的看法与见解。在中国大陆出版的版本（因为林语堂在书中的某些观点与马克思主义发生一些冲突，编者在整理出版过 程中对原著进行了一定的删改）分为十四章，每章都会有一个特定的 话题，在前几章（分别是1、the awakening 2、views of humankind 3、our animal heritage 4、on being human）中林语堂讲述了他对于人类的总的看法。接下来的部分都从生活的各个 方面发表林语堂的个人见解。其中触及了大部分人都避开的话题，如有关性方面的问题。在第八章的第三部分on sex appeal 中林 语堂毫不忌讳地说出了自己对性的观点。其中有这么一句话：Confucius reduced the great desire of human beings into two：alimentation and reproduction， or insimpler terms， food
and drink and woman。这其实与我们平时所接触到的典型中国学生读物相比林语堂的这本著作显得很不“正统”。不过对于大学生来说，却是一种思辨的享受，只有接受不同的思想再经过自己的独立思考才能在阅读学习中学到东西。除此之外书中还有一些颠覆传统的思想观点。比如说书中有一部分说到自古以来不吸烟者往往在烟民面前有某种道德上的优势。针对这一观点林语堂根据自己失败的戒烟经历对这种观点进行分析并反驳了这一观点。（我想也许是林语堂自己是个大烟民的缘故吧） 该书的另一大特点就是林语堂在表述自己的观点之时往往是旁征博引，从中西两方面进行比较论述。比如在Americanvices 中林语堂对中国人和美国人对时间不同见解进行了比较。美国是依靠发达的资本主义经济实现繁荣的。与之配套的成熟的市场经济要求系统高效率的社会分工。社会中一旦一道工序出现问题时就会引起社会经济的混乱。因此美国人十分强调效率，时间观念强。与之相比中国在这一方面来说随便得多。在中国人看来，美国人做客都要计划的做法简直就想把朋友亲人之间的亲密搞得跟铁板一样死板而毫无生趣。书中在涉及这一方面方面时往往都是以风趣幽默的语言为主。其中有一段写到了中国人和美国人挖隧道的不同，美国人往往在挖隧道之前要进行一系列勘探，力求两个施工队顺利准确在山体里会合。相比之下中国人说干就干，到最后两个负责一个项目的施工队挖出了两条隧道。 总体来说这是一本极具趣味性又不凡思想深度的读物，如果
艺术发展史
I a艺术发展史 第一部分：名词解释 1.饕餮纹青铜器上常见的花纹之一，盛行于商代至西周早期。饕餮纹这种纹饰最早出现在距今五千年前长江下游地区的良渚文化玉器上。此兽是古人融合了自然界各种猛兽的特征，同时加以自己的想象而形成的，其中兽的面部巨大而夸张，装饰性很强，研究者称为兽面纹，常作为器物的主要纹饰。兽面纹有的有躯干、兽足，有的仅作兽面。纹形多以鼻为中心，左右对称，结构丰满，形象威严。 2.帛画艺术中国古代画种。因画在帛上而得名。帛是一种质地为白色的丝织品，在其上用笔墨和色彩描绘人物、走兽、飞鸟及神灵、异兽等形象的图画，约兴起于战国时期，至西汉发展到高峰。帛画的本质是为死者助丧，一般分为三种：一为非衣，用以祭魂、安魂、招魂、护魂用，二为巫术辟邪类，是死者生前使用，死后随葬的，三为描绘墓主生前生活场景的。 3.马王堆汉墓帛画中国西汉绘画作品。1972～1974年先后出土于湖南省长沙市马王堆1、3号汉墓。帛画共5幅，创作时间为汉文帝时期，是迄今发现的汉代最早的独幅绘画作品。其中侯夫人墓的帛画交友代表性，画为“T”形，又称非衣，画面内容丰富，可分为天界、人界、下界三部分，作品构图细密严谨，用线流畅。 4.昙曜五窟云冈石窟创建于公元450年,北魏文成帝令沙门统昙曜(音坛耀)开凿5个大石窟(第16- 20窟),后人称为昙曜五窟。“昙曜五窟”:开凿于公元460－465年，是云冈石窟的第一期工程。昙曜五窟（16-20窟）是云岗开凿最早，气魄最宏大的窟群。五窟六窟毗连成一组双窟，规模宏伟，雕饰瑰丽，技法熟练，为云冈艺术之精华。 5.大小李将军唐代商场青绿山水画的父子二人，李思训（651-716）唐代杰出画家。字建睍，任过武卫大将军，世称“大李将军”。明代董其昌推其为“北宗”之祖。李思训擅画青绿山水，笔力遒劲。题材上多表现幽居之所。画风精丽严整，以金碧青绿的浓重颜色作山水，细入毫发，独树一帜。李昭道，李思训之子，善画山水，继承家学，并能变父之体，有所创新，造诣精深，后世称之为“小李将军”。 6.北方山水画派中国画流派之一，中国山水画至北宋初，始分北方派系和江南派系。北方画派以荆浩、关仝、李成、范宽为代表。李、关、范的画风，风靡齐、鲁，影响关、陕，实为北方山水画派之宗师。 7.南方山水画派亦称“江南山水画派”。中国画流派之一。至宋初始分北方派系和江南派系。南方山水画派产生于五代北宋间。宗师为董源、巨然。 8.南宋四家南宋四家指中国画史上的南宋院体山水画家李唐、刘松年、马远、夏圭的合称，亦称“南宋四大家”，亦有“李刘马夏”之称。四家画属豪纵简略一路画风。发展出了南宋独具特色的山水画。这种“一角半边”的构图，在画面中留下大片空白，使画面和景物变得更加简洁、主体鲜明突出而意境完整。9.《女史箴图》中国东晋绘画作品。作者顾恺之。原作已佚，现存有唐代摹本，原有12段，因年代久远，现存《女史箴图》仅剩9段，为绢本，设色。此图依据西晋张华《女史箴》一文而作，原文十二节，所画亦为十二段，作品注重人物神态的表现，用笔细劲联绵，色彩典丽、秀润。 10.明四家明四家指中国画史上沈周、文征明、唐寅、仇英四位明代画家。他们都在江苏苏州从事绘画活动。因苏州古为吴地，故又称为“吴门四家”。四人中沈周、文征明都擅长画山水，上承北宋山水画的传统；唐寅山水、人物都很擅长，他以南宋院体为法；仇英以人工笔人物、青绿山水见称。四人各有所长，先后齐名。但除沈周、文征明有师承关系外，唐寅、仇英各有内格。因此“吴门四家”（“明四家”）只是明代四位成就很高、不同风格的大家，而并非一个画派之称。 11.南陈北崔晚明时代的画家陈洪绶（也称陈老莲）与崔子忠在中国绘画史上并称为“南陈北崔”，两人不仅均以画、尤其是人物画名世，为人、处世、遭际、性情乃至画风也各有相通之处，画史经常将两人相提并论。 12.清六家清初山水画家王时敏、王鉴、王翚、王原祁、吴历、恽寿平六人的合称。亦称“四王、吴、恽”。他们继明代董其昌之后享有盛名，领导画坛，左右时风，当时被目为“正统”。 13.清四僧四大名僧：是指明末清初四个出家为僧的画家。原济（石涛）、朱耷（八大山人）、髡残（石溪）和渐江（弘仁）。四人都擅长山水画，各有风格。其特点：石涛之画，奇肆超逸；八大山人之画，简略精练；髡残之画，苍左淳雅；弘仁之画，高简幽疏。都自具风裁。作品多表现不平之气，个性鲜明；既学习古人，也敢于突破古人成法，而取材直接来自自然，贴近生活，故作品中生机勃勃，充满活力。 14.扬州八怪扬州八怪是中国清代中期活动于扬州地区一批风格相近的书画家总称，或称扬州画派。在中国画史上说法不一，较为公认指：金农、郑燮、黄慎、李鳝、李方膺、汪士慎、罗聘、高翔、边寿民等人。因其艺术活动多在扬州、故有“扬州八怪”之称。 15.颜真卿和颜体颜真卿（709年—784年，一说709年—785年），字清臣，唐代中期政治家、杰出的书法家。“颜体”是针对颜真卿的楷书而言的，其楷书结体方正茂密，笔画横轻竖重，笔力雄强圆厚，气势庄严雄浑。 16.《游春图》游春图作者是展子虔，展子虔是北齐至隋之间（约550年~600年）的一位大画家，他擅长画山水人物，这幅经宋徽宗题写为展子虔所作的《游春图》卷，是画家唯一的传世作品，也是迄今为止中国存世最古老的画卷。这幅画的技法特点是以线勾描物象，色彩明丽，人物直接以粉点染。其双勾夹叶法和点花法等对唐李思训一派青绿山水产生很大影响。《游春图》的出现，结束了“人大于山和水不容泛、树木若伸臂布指”的早期幼稚阶段，使山水画进入青绿重彩工整细巧的崭新阶段。
西欧戏剧史之读书笔记
《西欧戏剧史》之读书笔记 《西欧戏剧史》是廖可兑先生的著作，他按时间顺序介绍了戏剧的发展，以下为读书笔记： 西欧戏剧历史悠久，关于它的起源，有原始人类的劳动斗争实践，原始人用于庆祝狩猎成功、战争胜利、播种丰收的宗教仪式崇拜，以及既有一定的功利目的和娱乐性质的原始舞蹈等诸种说法。 欧洲戏剧史从古代希腊戏剧开始，古代的希腊戏剧与罗马戏剧都是从民间宗教仪式而来，它们一同构成了一般古代欧洲戏剧史的起源。古代希腊戏剧对后世影响深远，古代希腊悲剧经过长期演变形成而发展起来，埃斯库罗斯、索福克罗斯、欧里庇得斯三大悲剧家，通过神话题材，表现当时奴隶制度的政治、宗教、伦理道德及心理等问题。亚里斯多德的《诗学》说明艺术本质的模仿论，对于欧洲文艺理论和美学发展的影响极其深远。而罗马不仅产生了喜剧和悲剧，也出现了自己的文艺理论，最有代表性的一部文艺理论作品是赫拉修斯的《诗艺》。 中世纪，欧洲走向封建社会，城市兴起，产生了职业演员，戏剧在同封建教会残酷统治的斗争中向前发展。宗教戏剧、奇迹剧、神秘剧、道德剧、笑剧与与愚人剧形成与发展起来，其中的笑剧很是著名。但总的来说，这一时期的戏剧发展速度较慢，不过对接下来文艺复兴时期的戏剧有不可磨灭的影响。 文艺复兴时期，人文主义者反对封建统治的斗争，反对教会对人民的思想压迫，要求解放精神枷锁。意大利出现了前所未有的艺术繁荣，而取得戏剧艺术高度繁荣的国家是英国与西班牙。在文艺复兴影响下，意大利的戏剧有一定程度的发展，但缺乏生命力和深刻的社会意义。在此期间，意大利产生了田园剧和即兴喜剧，即兴喜剧在十六世纪中叶还达到了高度的发展，并提高了女演员的地位。相较于意大利的贵族戏剧，西班牙是以大众戏剧占主导地位的，西班牙的人文主义剧作家勇敢地反对野蛮的封建统治、陈腐的宗教道德和贵族阶级的阶级偏见。许多剧作家发展世俗戏剧，利用宗教的外壳，表现尘世生活的欢乐。鲁达、塞万提斯、维迦、科尔德隆在西班牙的戏剧发展上都有重要贡献。此外，西班牙的还有一种独特戏剧“奥托”，它以宣传天主教教义为目的，一直占有相当重要的地位。英国的文艺复兴时期，戏剧发展到一个高度，它在英国戏剧史上留下了最光辉的篇章。这些戏剧内容丰富：马娄利用英雄悲剧表现人文主义思想，莎士比亚用哈姆莱特精心塑造理想国王形象，本·琼生开创英国风俗喜剧。 十七世纪中期，法国的等级君主制发展到登峰造极的地步，法国的古典主义戏剧逐渐形成和发展起来，并取得统治地位，给欧洲各国产生重大影响。这时期便被称为“古典主义时期”。古典主义主张艺术反映真实生活，这就不可避免地使得剧中人物成为没有血肉的抽象
生活的艺术读后感
《生活的艺术》读后感 作者：唐思恺 生容易，活容易，生活不容易。生活对于现代得人似乎非常难，生活让我们很累。人们不停地奔波，因为我们不断的追求。 《生活的艺术》是1937年林语堂在美国专门从事创作后发表的第一本著作。其后成为美国当时的畅销书，并为翻译成十余种语言，其中当然包括中文。林语堂在这本书中表达了他个人对生活方方面面的看法与见解。在中国大陆出版的版本（因为林语堂在书中的某些观点与马克思主义发生一些冲突，编者在整理出版过程中对原著进行了一定的删改）分为十四章，每章都会有一个特定的话题。 文中讲到了快乐问题，有一处文字引起了我的思考——“惠特曼说：‘我这样地做一个人，已经满意了。’所以我也以为我现在活着，并且也许还可以再活几十年，人类的生命存在着，那就已经够了。这样看法，这个问题便变为极简单，而不容有两个答语，就是人生的目的除了去享受人生外，还有什么呢？”是的，人的一生说长不长，说短不短。活着的人，每个人都有不同的活法。开心是一天，不开心也是一天，为什么不开开心心地过每一天呢？开心地活着更有价值。日子一天一天地过，我们一天一天地重复着生活，日起日落，其实生活就这么简单。但是如何从简单中得到乐趣呢？那就要
用心去挖掘，去享受每一个美的片段。“生活中不是缺少美，而是缺少发现”，这句话大家都耳熟能详，也不难理解其中的含义。但是能真正做到的有几个呢？在这个物质诱惑的时代，很多人都茫然地追求着金钱、地位。是的，追求自己要的东西固然没错，但是有多少人，等到他真正成为富翁时，才知道那并不是自己想要的……所以，你要明确自己要的到底是什么。生活其实没必要太多的强求，开心就好。 我们不去追求完美的理想，不去追寻那势不可得的事物，不去穷究那些不可得知的东西……最重要的问题是怎样去调整我们的人生，使我们得以和平地工作，旷达的忍耐，幸福的生活。 我们要学会享受生活，热爱生活，积极的过好每一天。第一遍读《生活的艺术》或许我涉世未深，感悟谈不上，感触有一点。或许30 年后，40 年后还可以再读读它，那时候，是否会有更深的体会……
中国绘画艺术发展简史
中国绘画艺术发展简史 1.上古绘画（先秦、秦汉时期） 魏晋以前，绘画主要是“设色之工”所从事的职业，多是在岩壁和器物上作画，服务于礼教。 2.中国画样式的确立与发展（魏晋南北朝时期） 魏晋南北朝时期是中国绘画最重要的发展是时期。在这一时期，中国绘画渐渐摆脱了各种羁绊，走上了独立发展的道路。 顾恺之：东晋画家。提出“以形写神”、“迁想妙得”等主张，至今仍成为中国画的基础理论与指导纲要。顾恺之第一次提出“凡画，人最难”的观点，将绘画引导到人的精神 表达之高度。他是中国历史上第一位被正式列入传记的画家，也是有画迹，画论著 述流传至今的最早的著名画家。与其弟子陆探微，南朝齐梁之际的张僧繇，盛唐时 期的吴道子一道被尊为“画家四祖”。 谢赫：南朝齐梁时期著名画家和理论家。首次在其著作《画品》中总结“六法”，标志着中国绘画理论体系的确立。“六法”是绘画创作要求和评定标准的六个范畴，即“气韵生动、骨法用笔、应物象形、随类赋彩、位置经营、传移摹写”的准则。《画品》亦成为世界上第一部系统的评论画家及其创作风格的著作。 中国画中主要门类之一的山水画，在此时期开始渐次独立形成。隋代画家展子虔所做的《游春图》，标志着山水画已成为一种独立的品类进入中国画的殿堂。 3.中国画特殊语汇体系的完成（唐宋元时期） 1）从初唐到宋代是中国画全面发展完善的时代。“唐工宋巧”。 （1）唐代 阎立本：是初唐著名的人物画家，有“丹青神画”、“冠绝古今”之誉。传世之作有《历代帝王图》、《步辇图》等。 吴道子：是唐代最具代表性的画家。善于处理各种题材，绘制过大量的壁画，亦兼工雕塑，对唐代画风影响极大。有后世人摹本《天王送子图》。 张萱：玄宗时代的著名画家。著名作品《捣练图》和《虢国夫人游春图》。 周昉：晚唐画家，善画贵族妇女，严装华饰，雍容丰满，且注重仪态表达。传世作品《簪花仕女图》可被视为唐代仕女经典绘画的精品。 （2）唐末五代至宋代是绘画重大变革时期，产生了山水画的几位大师，也形成了花鸟画的重要派别与风格，人物画亦有相应的发展。 山水画：五代至宋初时期，荆浩、关仝、董源、巨然四位画家为山水画做出了里程碑式的贡献。基本完善了山水画中最重要的笔法——皴法的探索和总结，在擦、染方面， 也有不用程度的创造与突破。 北宋的山水画充分发挥了各种皴染的技巧，将中国山水画那种宏大的把握能力发展 到极致，在北宋画家李成与范宽的作品中表现得最为充分。范宽作品《溪山行旅图》。 “南宋四大家”：刘松年、李唐、马远、夏圭。 花鸟画：五代时期是花鸟画发展并形成流派的重要时期。宫廷画院对花鸟画的发展起到重要作用。中国花鸟画开山鼻祖黄筌，传世作品《写生珍禽图》，有着高妙的写实技巧。 五代南唐金陵布衣徐熙。独创“落墨法”，为后世“没骨法”开创先河。“黄家富贵， 徐熙野逸”。 宋徽宗《芙蓉锦鸡图》是院体花鸟的代表作品。“院体画”精美豪华，雅致细腻。人物画：五代南唐人物画家顾闳中、周文矩，为人物画描写现实生活做出开拓性贡献。顾闳中《韩熙载夜宴图》为古代历史人物画中不可多得的杰作。 《清明上河图》——北宋画家张择端。该图以手卷的形式展示出北宋晚期的都市生活与民
浅谈电影艺术与电视艺术的关系
浅谈电影艺术与电视艺术的关系 【摘要】关于电影艺术与电视艺术之间关系的讨论从未间断过，笔者在本文中的观点是：电影艺术与电视艺术是同一艺术形式的不同发展阶段。本文中，笔者将在分析电影艺术与电视艺术的区别、联系与融合的基础上，剖析电影艺术和电视艺术之间的关系，论证电影艺术与电视艺术是同一艺术形式的不同发展阶段这一观点。 关键词：电影；电视；影视艺术；区别；联系 一、电影艺术与电视艺术的重要性 电影和电视在当代传媒乃至整个社会中都充当着重要的角色，有其不可忽视的价值。不仅是作为传播媒介的工具，还是大众文化的形式，电影和电视的功能和角色在社会生产和生活中都举足轻重。走进影院看电影，也日益成为一种时尚的生活休闲方式；坐在家里看电视，更是每日家常便饭一样的必修课。 在成为人们生产生活的工具同时，电影和电视也都在一定程度上被认为是“艺术”。从工具到艺术的变化，只是从不同的角度来看待两者的性质，而作为艺术形式的影视，则对文化的发展有更深的影响。在人类迄为止创造的所有艺术史中，影视艺术最具特殊性。它的诞生是艺术形态学在现当代艺术中的最新发展，是艺术史上极具影响力的一个艺术事件。 所谓电影艺术,是以现代科技为手段,从纯粹的视觉艺
术演变为视听艺术,以声音和视觉形象为媒介来表现现实生活的人们情感以及视觉奇观等各种内容的一种艺术。而电视艺术,则是以电子技术为传播手段,以声画造型为传播方式,运用艺术的审美思维把握和表现客观世界,通过塑造鲜明的屏幕形象,达到以情感人为目的的屏幕艺术形态。 影视艺术是科学技术与艺术创造的结晶。关于电影艺术与电视艺术之间关系的讨论从未间断过，在本文中笔者认为，电影艺术与电视艺术是同一艺术形式的不同发展阶段。 二、电影艺术与电视艺术的区别 从表达路径来看，电视是一种由电视台或是影视公司制做，通过电视机接收节目的一种面向大众的技术和文化的集合体，而电影是由独立的电影公司制作，然后在各院线上映，只面对一小部分观众的独立作品。从传播媒介来看，电影要在电影院的相对独立封闭的空间观看，而电视是坐在家里随时、随心的观看，电视机更是一种普遍的家用电器。 电影艺术与电视艺术在不同维度上的确表现出各自不同的特征。笔者将从电影艺术与电视艺术的发展历史、技术手段、表现内容、视听感受、蒙太奇手法的运用五个维度来阐述电影艺术和电视艺术的区别。 1、发展历史维度上的区别 从时间上来看，电影早于电视而出现； 电影诞生于1895年。1895年12月28日，法国卢米埃
《艺术的故事》读书笔记
《艺术的故事》读书笔记 摘要:《艺术的故事》这本书是上《中外设计史专论》这门课程的时候老师给我们推荐的,其实刚一开始翻看这本书的时候觉得很枯燥乏味,但是细读下来却对这本书有了些许敬意。《艺术的故事》是贡布里希爵士编著的,书中概括地叙述了从最早的洞窟绘画到20世纪前半叶的实验艺术发展历程。里面的内容很多,绘画、雕塑、建筑均有所涉及。倘若是其它艺术史类的著作,六七百页厚的书籍细看下来多少是需要些勇气的。还好本书通俗易懂,简明晓畅的语言就能表达严肃的题目。 关键词:艺术;基督教;文艺复兴;东方艺术 前言 “艺术”是个遥远而崇高的词。每当我在一瞥中恍惚所见“艺术”两字,便畏惧般地匆匆避开,深怕自己如赤子的无知引来对其的亵渎。在中国,艺术的发展自商周的青铜器墓室中的壁画至高山流水的音乐翩翩优雅的舞蹈及唐煮宋点明沏泡的茶道,而如今我们更多的是在追求对古时的悠远的怀想而非致力于创造新鲜的血液。所以怀揣着一个中国梦的我总是梦想,在我的中国我们的中国里,会涌现出一批又一批的伟大艺术家,创造出一代又一代的巅峰之作。 只因我在少时总是摒弃了对于艺术的亲近的念头,无论是童年时期的习画或是书法,总抱着一种敬而远之的态度,因此此类不成爱好便也只能草草了事。而如今当我真诚地怀着强烈的膜拜之心看那古今集大成者的书画杰作或是身边同龄人引以为傲的大笔一挥的作品,便又为以前的年幼无知后悔不已。身处中国,目光所及之处是遍地开花的书法国画古玩。面对市场上充斥的良莠不齐的作品,如何炼出一双火眼金睛至关重要。 但是敲开艺术领域的大门是件极其艰难的事儿,因为你永远也猜想不到这个圈子里的都是些什么物种。他们或孤僻或癫狂或神经质或敏感得要命(此皆艺术家们的独有特色)。书房里曾有摞成一刀的书画册,其中的仕女图我到如今也没看出有什
林语堂《生活的艺术》读后感
追逐梦想乐享生活 ——读林语堂《生活的艺术》有感“秋风萧瑟，人生已到枫叶初红的时期。余下的季节只有冬。但人生只有一个四季的轮回。冬天过了，人生也就结束了。贮藏再多，也没有用武之地。每个人年轻的时候，是应该拼搏的，但无论结果怎样。人到老了，都有休息的权利。有儿女绕膝得享天伦之乐的时刻。人生秋天的美丽，不该带着伤感去缅怀，不该带着不甘继续奋斗，到了这个季节，就美丽的享受一次。” 生活是什么？如何才能更高质量的生活？我们每天都在生活，我们有没有对生活有深层次的感悟？在林语堂先生的《生活的艺术》一书中，作者以自身几十年的经历告诉我们，工作之余、责任之外如何提高生活的质量、过上有品位的生活，即享受生活。对一般人而言，为了追逐梦想去努力工作，往往会以牺牲生活质量为代价，即追逐梦想会与享受生活存在冲突，但本书更多地是告诉我们，对理想的追求必须以现实生活为基础，要以快乐为原则，即“快乐工作，快乐生活”。 感悟一：快乐生活是一种心境 荣华富贵使人快乐，粗茶淡饭也能使人快乐。快乐生活不分富贵贫贱；快乐与否，取决于我们的心境。工作之余，放飞心情，去与大自然亲密接触，感受世界的神奇与魅力，这是一种快乐！空闲之余，多陪陪亲人、朋友，用心去倾听、交流，感受人生社会的千姿百态，
这也是一种快乐！对工作充满激情与热血，专注工作、一丝不苟，每天充实地工作，实现自我人生价值，这还是一种快乐！当我们遭遇挫折，事业、感情不顺时，我们跌倒了爬起来，从挫折中汲取经验从而成长，这也是一种快乐！其实，生活中充满了正能量，只不过需要我们用敏锐的眼睛去捕捉，并用心去感悟。每个人在不同的心境下，思考的事情的角度、处理事情的方法，以及产生的结果都会有巨大的差异。正所谓佛语“相由心生，境随心转”，意思是一个人所处的环境及境遇会随着心境的转变而转变。我们相信，以乐观积极的心境对待生活，生活也会给你带来幸福与快乐。 感悟二：在生活的同时享受生活 社会在发展进步，同时人们的生活节奏在加快。人们行走匆匆，穿梭于街头巷尾，为了生活而疲劳奔命。对很多打工一族来说，也许已经习惯了熬夜加班、外卖盒饭；自己辛辛苦苦工作大半辈子，可能只够在一线城市买套房子。在很多人眼里，生活，逐渐变成了一个结果，一个目标，很多人为了生活而生活，生活也失去了其本质的意义与价值。生活应当是快乐的，人们应当在生活中享受生活，及时行乐。享受生活不代表放纵自己，要有一个度。 感悟三：珍惜你最宝贵的财富，时间 在林语堂的文字里，生活不仅包含着喜悦和光明，还包含着一丝淡淡哀愁的阴影，生活快乐的阳光与忧愁的暗影相随，人生就是这样调和五味杂陈，待我们细细品味。林先生更多地将生命的悲剧性视为
《生活的艺术》读书笔记
2011年3月12日《生活的艺术—生活的享受》林语堂 江苏文艺出版社 林语堂先生学贯中西，著有许多不朽的篇章，这篇文章1937年出版于美国，后被翻译为多种语言。林先生在本书中谈了庄子的淡泊，陶渊明的闲适，以及中国人如何品茶，如何行酒令，如何观山玩水，如何养花、蓄鸟、听雨、吟风等，并探讨生命、心灵的价值，抒发其对日常生活中人、事、物的观查感受，并提出自己的哲学理解。 林先生认为人的生活最终不过包括吃饭、睡觉、朋友间的离合、接风、饯行、植树、浇花等平凡的事情，所以哲学家们用深奥的字句来描写这类简单的生活状态，是一种掩概念的极端缺乏和模糊的技巧而已。本书以一种散文的哲学方式，简单而形象的解释了一些东西。因为本书分为十四个章节，内容比较繁杂，所以我选择我比较感兴趣的第九章生活的享受做一次读书笔记。 关于安卧眠床的意义，林先生认为在身体上是和外界隔绝而独隐，一个人睡在床上时，他的筋肉静息，血液的流动比较平顺，呼吸较为均匀，视觉、听觉和脉息神经也基本静息，造成一种身体上的静态，所以能使心思集中，不论对于概念或对于感觉都更加的纯粹。能真正的静下心来，考虑一些事情。还能静听自然和社会的声音。我认为在一个人独处时，我们可以掏出自己内心的一些东西，拿出来进行品位琢磨。远离尘世的喧嚣，也许可以寻找真实的自我，可以享受自然或社会演奏的天籁之音。万物在一动一静中成长，一动一静相互协调，生生不息，做到动静有致，享受人生！ 关于谈话，林先生认为，夜间是最宜于谈天的时候，白天总是缺乏夜间那种魔力。谈天的地点却可以随意，但要做一次真正的谈天，其必要条件是一间关上门的屋子，几个知己朋友，旁边没有我们所不愿意看见的人，那样我们才能悠闲地发表我们的意见。这种亲密的毫无顾忌的谈天，可以谈到出神的忘却身处何处，也不再想到身上穿什么衣服，谈言吐语，一举一动都是任性为主。许多的文学作品也是在谈话的过程中酝酿而生的，文化本身的进步，有赖于空闲的合理利用，谈话是其中的一种方式。也可以说好的艺术作品来源于交流。据我推想，现代社会的聊天虽然更为广阔，大家谈东谈西，但质量可能没有古时高，科技的高速发展，使人们获取信息的能力大大增加，我们每天都能听说各种各样的新的信息，
《艺术发展史》读后感
《艺术发展史》读后感 《艺术发展史》的作者贡布里希是英国美学家，艺术史家。他1909年生于奥地利的维也纳；后移居英国并入英国籍。1936年起伦敦大学瓦尔堡学院历任助理研究员高级研究生、讲师、副教授、教授、院长。并在牛津大学、剑桥大学等任客座教授，曾荣获史密斯文学奖、奥地利科学与艺术十字勋章，黑格尔大奖、法兰西学院勋章等；并获牛津、剑桥、哈佛、伦敦等大学的名誉博士学位。主要著作有：《艺术的故事》(中译本为《艺术发展史》)、《艺术与错觉》、《理想与偶像》、《秩序感》、《艺术与科学》等。 翻译者是范景中教授，1951年生，现任中国美术学院《新美术》和《美术译丛》的主编，曾有《艺术与错觉》（与林夕、李本正合译浙摄影出版社）和《贡布里希论文选》（上海人民美术出版社）等译、编著作发表。 这本书已经被译成30种文字销售达500万册，但是至今仍然有学者单纯地将贡氏与图像学划等号(贡氏的确对图像学作出了重要贡献，并且“图像学”的中译名也是范景中等先生在译介贡氏理论时确定的汉译)，或者武断地将贡氏视作其本人最不愿意的结构主义美学。然而，贡氏的学术野心是试图对整个艺术发展――以再现为中心及象征与装饰为两翼――作出概括性的解释。面对如此宏大的学术目标，凭借单一的、令人捉襟见肘的现成方法，对古典学者贡布里希来讲，这简直毫无学术感可言。所以还是埃里邦问得实在：“我们能否说你没有方法?”贡氏的回答更令人击节：“我不想要一种方法，我只需要常识(common sense)!这是我的唯一方法。” 贡布里希在编写这书时，无法印刷在插图里的作品就不选用。这对作者有多挑战我是不知道，但对读者而言，所有拗口的名字，神秘的术语，瞬间几乎都变得平易近人起来。 于是当书中出现类似”雷诺兹的肖像画和委拉斯凯兹的直接布局相比就不那么自然，精心设计的味道要浓的多“这种话时，我们这类初学艺术的人就再不用向以往一样翻白眼了，而是只要按照指示翻两张书页，对比下两张插图，然后就可以心满意足的咂咂嘴，表示，恩，你说的很有道理，我们英雄所见略同。 而就实用方面，我觉得在评判艺术作品时，一方面固然要直面我们的内心，询问这件作品是否真实的打动了自己，（而不是某种附庸风雅的潜意识）。另一方面，对历史上的大师们曾经做到过的，想要做到的，没有做到的，也得有一个粗浅的了解。 因为毕竟有一个很讽刺的现象就是，当年越是伟大的创举就越是容易被后世无限的模仿，也就越是容易被我们习惯和以至于认为平淡无奇以至于熟视无睹。这真是对大师们最大的侮辱了。 经史论课的老师推荐，下到了《艺术发展史》的电子版。刚停下，看完了这本书。是一本能静下来欣赏的艺术。
读书心得体会《生活的艺术》读书笔记
三一文库（https://www.wendangku.net/doc/ba5620567.html,）/心得体会范文/读书心得体会《生活的艺术》读书笔记 许久便听闻林先生的盛名，只是多看的是他的零散*，并未细读过。只是看到网上一段书评，开篇是这样的:“林先生学贯中西，著述颇丰。他的文字舒缓而有灵心，幽默而不乏睿智，平和而充满深情，浅显而深藏着哲思。他怀着一颗仁慈之心引领着我们从迷茫中走出来，以旷达的态度去面对现实，以淡漠之心去对待名利，以火热般的情感去拥抱生活。他是文学家，是哲学家，是思想家，也是一个会生活的人;他从哲学和艺术的高度俯视生活，以平常之心体悟生活。” 细想来这话不错。林先生总是将中国人旷怀达观，陶情遣兴的生活方式，和浪漫高雅的东方情调皆诉诸笔下，在这本书中向西方人娓娓道出了一个可供仿效的“生活最高典型”的模式。他谦虚言，写——不想发表客观意见，也不想创立不朽真理。这样一个清冽干脆的人，瞧不起自许的客观哲学，只想表现自己的观点。他惶恐，怕目标定得太高，难以满足读者期望。字里行间却透着他自己的独到哲学论，不免引人赞叹。他见解独特，只是能
读懂他的人，才会对这一点表示默契，然后与他在精神上成为永久的朋友。 “我们之间的精神上的相通，即我所认为是惟一真实的相通方式――两个时代不同的人有着同样的思想，具有着同样的感觉，彼此之间完全了解。”这是多宝贵多真挚的快乐，只得一人赏的快乐。在他眼中，人类心性是相同的。在这个国家里能感动人的东西，自然也会感动他国的人。我看到这里时无比赞同。这里的共通一定有，但不是所有人都找得到。能溯源至此，探到此境界也同为所动的林先生，心性又是如何的可爱呢? 在林先生笔下，理想主义者与现实主义者，是造成人类进步的两种动力。“人性好似泥土，由理想主义浇灌后即变成了柔软可塑的东西，但是使泥土凝结的还是泥土本身，不然我们早就蒸发而化气了。理想主义和现实主义这两种力，在一切人类活动里，个人的、社会的，或民族的，都互相牵制着，而真正的进步便是由这二种成分的适当混合而促成;所谓适当的混合就是将泥土保持着适宜的柔软可塑的状态，半湿半燥，恰到好处。” 的确，世事无极端，凡事无绝对。凡极端定会有失，凡绝对必会有漏。我这个半现实的理想主义者想明白这些，如图找到了理想与梦想糅合之后的方向。林先生虽然整本书中尽言哲学，却如题一样讲的是生活的艺术。生活之中到处都是哲学，不是吗。“我们是属于这尘世的，而且和这尘世是一日不可离的……即使这
影视艺术概论 历史篇第七章世界电影发展简史
历史篇第七章世界电影发展简史 第一节美国电影发展简史 世.界电影历史自1895年开端，在不同国度和民族文化背景下形成了多种多样的样貌。本章‘包括了中国电影之外的主要外国电影状况的历史分析。 一、早期电影状况 美国不仅是重要的电影产地，也是世界电影的主要发源地。1889年，美国发明家爱迪生的实验室发明了活动电影摄影机，其后又发明了电影放映机，并于1893年建立了世界上第一个电影摄影棚。1894年4月，爱迪生用他的电影放映设备—“电影视镜”开始了商业性放映活动，这是美国电影史的开端。默片时代，电影在美国得到了迅速的发展。1906年，全美已有1 000家“镍币影院”(因人场券为5美分镍币而得名)。1909年，镍币影院已达到1万家。.电影成为适 应城市平民需要的一种大众娱乐。 为美国早期电影奠定艺术基础的导演主要有:鲍特、格里菲斯和卓别林。1903年鲍特的《一个美国消防员的生活》和《火车大劫案》，使电影从一种新奇的玩意儿发展为一门艺术。影片中使用了剪辑技巧，鲍特成为用交叉剪辑手法 造成戏剧效果的第一位导演。格里菲斯的巨大功绩在于他吸取了各派或各个导 演点滴分散的发明，加以融会贯通组成一个系统。他的作品《一个国家的诞生》、《党同伐异》等都成为电影史上的经典。卓.别林于1914年拍摄了第一部影片((谋生》，立即吸引了全世界观众。1919年，卓别林、D.范朋克、壁克馥三位著名演员和格里菲斯一道创办了联美公司，以发行他们独立制作的影片。 在早期美国电影的发展中，由爱迪生控制的“电影专利公司”以纽约为基地一度垄断了电影业的经营。到191乒年左右，这一垄断终于被打破，美国电影的生产基地移向今天已经闻名世界的好莱坞。美国电影史上闻名遐迩的八大公司 在好莱坞逐渐发展起来。第一次世界大战结束以后的十年间，对于美国电影而 225 言，乃是一个征服全世界的兴盛时期。外国影片在美国两万家电影院的上映节 目中已经完全消失。每年约有两亿美元被用来生产800多部影片。美国电影行 销到世界各地。好莱坞此时已成为美国电影的代名词。由于在明星制度鼎盛时 期有些明星的行为不检点招致公众的抨击，美国电影业成立了美国制片人与发 行人协会，在W. H.海斯的主持下，这一组织制订了“伦理法典”，以便在审查影片时剔除其中不合乎美国公众道德观念和生活方式的情节、对话和场面。这就 是著名的海斯法典，它对美国电影的约束一直延续到1966年。 20世纪20年代，美国影片生产的结构从以导演为中心逐步转化为以制片
艺术发展史读书笔记
读书笔记 贡布里希是英国艺术史家，美学家，艺术史、艺术心理学和艺术哲学领域的大师级人物，他是当代最会洞察的美术史家，也是最具独创性的思想家之一。在这本书的译者后记里边就讲到，贡布里希是当代西方艺术学领域的泰斗，是百科全书式的古典学者，被誉为二十世纪的苏格拉底，艺术中的艾拉斯莫斯。在贡布里希的眼里，艺术的发展过程，乃是一个精彩的故事，是人类寻求“美”的真谛的伟大历险故事。当然，他自己也就成了一个说故事的人。 与一般美术史不同，《艺术发展史》既不是简单地罗列史实，也不是用一些抽象难懂的“主义”来概括美术史，而是描述了一系列的“问题情境”。他认为艺术的发展是在艺术家不断解决由社会和艺术传统自身所提出的问题过程中形成的。在导论中，他就骇人听闻地说:“现实中根本没有艺术这种东西，只有艺术家而已。” 当然，当我们大致读过他所讲述的历史，再看到他说艺术的故事是“各种传统不断迂回，不断改变的故事”时，大概就会真正明白他说这些话的意思了。 这本书一共二十八章。其中在奇特的起源一章中讲到的是前期和原始民族和古代美洲。有毛利人、非洲人、墨西哥人、秘鲁人、以
及阿拉斯加等地远古时候的手工制品等等。这些东西现在大都存放在英国、美国、奥地利等博物馆里。这一章主要讲述以下几点：1、对于这个时期的艺术创作，首先，原始人类对艺术的思考是模糊的，他们的思维和创作初衷是：实用。这个是首要的标准，对于绘画和雕塑往往也是这种态度，它们不是被当做纯粹的艺术品，而是会给出非常明确的用途。2、“原始人”不是因为他们比我们单纯（实际上他们的思考过程比我们还复杂），是因为他们比较接近人了当年起源的状态，他们吧那些超自然的力量看成是和大自然一样实有其物，换句话说：绘画和雕塑是用来施行武术的。3、那时候的艺术家，创造出来的东西按照我们的标准看起来美不美，而是他们能不能发挥作用，也就是说，是为了满足他们施行巫术的需要。（艺术家来自本部落，加上世代传承，他们清楚的知道每一个形状和每一个颜色代表什么意思，所以只是去完成工作，而不是去改变什么。）4、那时候的艺术家与我们不一样的并不是他们艺术水平，而是他们的思想观念，整个艺术发展史并不是技术熟练程度的发展史，而是观念和要求的变史。 5、很多的艺术品在当时的艺术家看来，并不需要正真细致的去刻画出常规的图案，只需要在他们看来足以表示特征和用途就已经足够了，有可能是一个符号，有可能是一个色彩，但是只要足够的用来表示他们概念中的事物。 6、书画同源自有益处。时代、生活、习惯等
《生活的艺术》读书笔记摘抄
《生活的艺术》读书笔记摘抄 1、世界上的强盗，再没有比劫夺我们思想自由的罪恶更大的了。 2、凡是谈到真理的人，都反而损害了它;凡是企图证明它的人，都反而伤残歪曲了它;凡是替它加上一个标识和定出一个思想派别的人，都反而杀害了它：而凡是自称为信仰它 的人，都埋葬了它。所以一个真理，等到被竖立成为一个系统时，它已死了三次，并被埋 葬了三次了。 3、世上无人人必读的书，只有在某时某地，某种环境，和生命中的某个时期必读的书。我认为读书和婚姻一样，是命运注定的或阴阳注定的。 4、中国最崇高的理想，就是一个人不必逃避人类社会和人生，而本性仍能保持原有 的快乐。 对于劳动的认识，书中这样写道：“一个人精神是否充实，或者说活得有无意义，主 要取决于他对劳动的态度。”这绝对是一条精辟的理论，在任何时候都不会过时的理论。“只有劳动才可能使人在生活中强大。无论什么人，最终还是要那些能用双手创造生活的 劳动者。对于这些人来说，孙少平给他们上了生平最重要的一课——如何对待劳动，这是 人生最基本的课题。”这里体现出的是两种人，勤劳的和懒散的。人生来是没有差别的， 然而经过了不同的境遇和发展之后，人与人之间便产生了巨大的差别。而在这期间，对于 劳动的认识不同，对产生这样的差别起着决定性的作用。 读到这儿我非常感动。这位母亲为了家人的幸福，到别的地方当保姆;为了多拿报酬 生了重病也不说一声，直到晕过去。而我母亲呢?也为了工作而担忧，所以不爱别人打扰 她的工作。可我却一直烦她，因此刚想出的办法被我一搅和就忘了，因此工作、稿子常常 比别人晚那么两拍才交，也常常被老板批评。我真是太对不起妈妈了。 5、享受悠闲生活当然比享受奢侈生活便宜得多。要享受悠闲的生活只要一种艺术家 的性情，在一种全然悠闲的情绪中，去消遣一个闲暇无事的下午。── 读了《三国演义》一书，使我受益匪浅。中国四大名著之一的《三国演义》是我国古 代历史上一部重要的文学名著。《三国演义》刻划了近200个人物形象。它讲述了从东汉 末年时期到晋朝统一之间发生的一系列故事。 6、尘世是惟一的天堂。我们都相信人总是要死的，我认为这种感觉是好的。它使我 们清醒，使我们悲哀，也使某些人感到一种诗意。它使我们能够坚定意志，去想办法过一 种合理的真实的生活，它使我们心中感到平静。一个人心中有了那种接受最坏遭遇的准备，才能获得真正的平静。 7、大自然本身永远是一个疗养院。它即使不能治愈别的疾病，但至少能治愈人类的 自大狂症。人类应被安置于适当的尺寸中，并须永远被安置在大自然做背景的地位上，这 就是中国山水画中人物总被画得极渺小的理由。