论德加绘画风格研究

论德加绘画风格研究

摘要爱德加·德加是19世纪末兴起的法国印象主义画派中十分特殊的一位成员，是一位具有开创性的大师级人物。在绘画题材的选择、观察的视角以及在丰富的表现技法上，德加都有自己的独特之处。他的尝试，在当时和后世都产生了很大的影响，是一位具有鲜明艺术特色和强大影响力的伟大画家。

关键词德加印象派现实主义艺术风格

油画既是严谨的又是狭隘的，不同的派别总会让人有着不同的遐想。什么是最佳的审美？什么是最美丽的作品？可以说没有，可什么是让你震撼的风格，那无疑会有不同的答案，其中影响强烈的当属“印象派”。印象派和传统的古典派派别不同，它有着自己的特色，它抓住了瞬间，抓住了整体气氛甚至抓住了大自然。德加是印象派的代表性的人物，他把印象派的作品发挥得淋漓尽致，完美的技巧和特殊的感情让作品生动形象。

一、作为印象派画家的德加

爱德加·德加（EdgarDegas，1834～1917年）是银行家奥古斯特·德加之子。生来便是大资产阶级，他对古典主义的浓厚兴趣和行为的谨慎似乎与他的出身十分合拍。不过，他那异常强烈的个性和独立自主的思想却又把他抛入了革命的阵营。他在意大利的美术学院、安格尔弟子拉莫特的班级里习画，并且，始终对安格尔极为敬仰。不管他的才华如何演变，他从不背弃过去。毫无疑问，这种对于人类创造的崇敬，对于行善的明确意识是其性格的基础，也是人们指责他的根源。不过，这种色彩始终都是在为现实主义服务，假如天才的德加没有立即赋予它以扩大的视野和独特的画面布局，并永远地离开了学院主义，使其作品意义远远超过人们在印象派中给予他的地位，它本身定会是干瘪的、狭隘的。

当然，德加是属于印象派的，因为他喜爱抓住瞬间，并且务求真实。然而他在色彩分离方面，永远不曾达到那样的五彩缤纷。在印象派画家笔下，形有溶解于气氛之中的倾向，而德加的画却始终保留着严格的形，他同其他画家相反，打算在坚实严格的限度内，概括出生动活泼的世界。

德加其画：

爱德加·德加是法国著名的画家、雕塑家，他曾在巴黎艺术学院学习绘画，受到安格尔的很大影响。德加富于创新的构图、细致的描绘和对动作的透彻表达使他成为19世纪晚期现代艺术的大师之一。他最著名的绘画题材包括芭蕾舞演员和其他女性以及赛马。他通常被认为是属于印象派画家，但他的有些作品更具古典、现实主义或者浪漫主义画派风格。

1.《赛马》

从1862年起，德加开始对赛马产生兴趣，这给他提供了一些比较完整的题

国内传统绘画的主要种类

中国传统绘画的主要种类。从美术史的角度讲，民国以前的国画我们都统称为古画。中国画在古代无确定名称，一般称之为丹青，主要指的是画在绢、宣纸、帛上并加以装裱的卷轴画。近现代以来为区别于西方输入的油画（又称西洋画）等外国绘画而称之为中国画，简称“国画”。它是用中国所独有的毛笔、水墨和颜料，依照长期形成的表现形式及艺术法则而创作出的绘画。中国画按其使用材料和表现方法，又可细分为水墨画、重彩、浅绛、工笔、写意、白描等；按其题材又有人物画、山水画、花鸟画等。中国画的画幅形式较为多样，横向展开的有长卷（又称手卷）、横披，纵向展开的有条幅、中堂，盈尺大小的有册页、斗方，画在扇面上面的有折扇、团扇等。中国画在思想内容和艺术创作上，反映了中华民族的社会意识和审美情趣，集中体现了中国人对自然、社会及与之相关联的政治、哲学、宗教、道德、文艺等方面的认识。 国画在世界美术领域中自成体系。按表现对象大致可分为；人物，山水、界画、花卉、瓜果、翎毛、走兽、虫鱼等画科；按表现方法有工笔、写意、钩勒、设色、水墨等技法形式，设色又可分为金碧、大小青绿，没骨、泼彩、淡彩、浅绛等几种 水墨画 中国画的一种。指纯用水墨所作之画。基本要素有三：单纯性、象征性、自然性。相传始于唐代，成于五代，盛于宋元，明清及近代以来续有发展。以笔法为主导，充分发挥墨法的功能。“墨即是色”，指墨的浓淡变化就是色的层次变化，“墨分五彩”，指色彩缤纷可以用多层次的水墨色度代替之。北宋沈括《图画歌》云：“江南董源传巨然，淡墨轻岚为一体。”就是说的水墨画。唐宋人画山水多湿笔，出现“水晕墨章”之效，元人始用干笔，墨色更多变化，有“如兼五彩”的艺术效果。唐代王维对画体提出“水墨为上”，后人宗之。长期以来水墨画在中国绘画史上占着重要地位。 院体画 简称“院体”、“院画”，中国画的一种。一般指宋代翰林图画院及其后宫廷画家比较工致一路的绘画。亦有专指南宋画院作品，或泛指非宫廷画家而效法南宋画院风格之作。这类作品为迎合帝王宫廷需要，多以花鸟、山水，宫廷生活及宗教内容为题材，作画讲究法度，重视形神兼备，风格华丽细腻。因时代好尚和画家擅长有异，故画风不尽相同而各具特点。鲁迅说：“宋的院画，萎靡柔媚之处当舍，周密不苟之处是可取的。”（《且介亭杂文·论“旧形式的采用”》）以张铨、江宏伟、贾广键、赵蓓欣、喻慧等为代表的现代中青年画家为现代院体画的发展作出了一定的贡献。 文人画 亦称“士夫画”。中国画的一种。泛指中国封建社会中文人、士大夫所作之画。以别于民间画工和宫廷画院职业画家的绘画，北宋苏轼提出“士夫画”，明代董其昌称道“文人之画”，以唐代王维为其创始者，并目为南宗之祖（参见“南北宗”）。但旧时也往往借以抬高士大夫阶层的绘画艺术，鄙视民间画工及院体画家。唐代张彦远在《历代名画记》曾说：“自古善画者，莫非衣冠贵胄，逸士高人，非闾阎之所能为也。”此说影响甚久。近代陈衡恪则认为“文人画有四个要素：人品、学问、才情和思想，具此四者，乃能完善。”通常“文人画”多取材于山水、花鸟、梅兰竹菊和木石等，借以发抒“性灵”或个人抱负，间亦寓有对民族压迫或对腐朽政治的愤懑之情。他们标举“士气”、“逸品”，崇尚品藻，讲求笔墨情趣，脱略形似，强

浅谈关于数字绘画艺术发展的思考

龙源期刊网 https://www.wendangku.net/doc/be12624512.html, 浅谈关于数字绘画艺术发展的思考 作者：郭雅璇 来源：《戏剧之家》2018年第20期 【摘要】绘画作为一门几乎可以与人类文明史比肩的悠久门类，在数字绘画艺术时代悄 然出现并迅速发展壮大，成为席卷全球的绘画新学科在发展的过程中面临着许多机遇和挑战。以其涉及领域广，创作平民化，传播途径丰富等特点，现如今各个专业领域中数字绘画拥有话语权。那么，数字绘画艺术是如何在如此短的时间内成为炙手可热的话题的？ 【关键词】数字化；数字绘画艺术；传统绘画艺术 中图分类号：J2 文献标志码：A 文章编号：11007-0125（2018）20-0147-01 一、数字绘画艺术的特征 从创作方式来看，不同于传统绘画的工序繁琐和材料成本昂贵，数字绘画的创作手段更加简单和平民化。一台电脑，一个数位板便可以成为一个创作者的“造梦空间”。这使绘画这门学科走下神坛，为数字绘画艺术行业的繁荣提供肥沃的土壤。加上近几年数字产品的不断创新（如ipad pro具备可使用平板电脑直接绘画的功能等），不管是对艺术有兴趣还是日常娱乐消遣的人们都有机会接触和了解这个领域，更使创作方式平民化走向新的高度。 数字绘画艺术的可延展性是其最重要的特征之一。领域相对于传统绘画艺术的平面线性扩展而言，呈三维发散式扩展。除了我们常见的领域如平面设计、工业设计、室内设计、广告、电影、杂志等，数字绘画艺术仍然在继续发掘新的可能性。近几年有艺术家们开始利用VR技术创作艺术作品，每每都会在社交网络中引来巨大的关注度，足以证明这些新兴科技会给数字绘画带来源源不断的新议题。 平民化和快速占据艺术市场等特征带来的缺陷也日趋严重。特别在我国，大多数人在没有接受过艺术教育和版权意识薄弱的情况下被动地与数字绘画的各个门类接触，抄袭、盗图、侵权等问题屡见不鲜；数字绘画质量参差不齐；数字绘画作品的普遍廉价化；专业数字绘画教育的空白，数字绘画艺术的弊端也在它超高速发展壮大的过程中比以往任何一门新类别更快地显露出来。 二、数字绘画艺术在当前形势的作用 数字绘画艺术以其强大的渗透力和生命力成为商品经济时代下的主流创作方式，在艺术创作方面也不甘落后。虽然数字绘画艺术在发展过程中最大限度地挤压了传统绘画艺术的生存空间，再加上它自身的种种缺陷，但基于总体更符合当今社会的发展趋势需要，传统绘画艺术在数字时代的巨大冲击下“半推半就”地接受了这个新成员。实际上传统绘画与数字绘画并不是站在对立面，而是互相影响的关系。数字绘画艺术的出现为传统绘画艺术提供了更为便捷和性价

浅谈伦勃朗绘画中材料和技法对当代油画教学的影响

浅谈伦勃朗绘画中材料和技法对当代油画教学的影响 以伦勃朗为代表的古典油画透明、细腻而又不失厚重，历来都以它独特的魅力吸引着无数观者的眼球。怎样更好地学习和研究古典油画技法是教学中经常探讨的问题，也是本文探讨的主要内容。 标签：伦勃朗；油画材料；油画技法；油画教学 伦勃朗·范·莱茵1616年出生于莱顿城，是17世纪荷兰乃至艺术史上最重要、最具开创性的艺术家之一。他在17世纪20年代早期曾在莱顿当地的一位画家手下接受初步艺术训练，此后便与阿姆斯特丹历史画家彼得-拉斯曼共同度过了对他影响深远的6个月。伦勃朗是改变艺术史上人物肖像绘画的一位先驱，他的绘画并不是表面地描绘人物的外貌，更重要的是他的画作中有对人物内心和精神世界的探索，他一生画过100多幅自画像，是画自画像最多的一位画家，可以说他在用这样的方式不断地去探寻自己的内心。伦勃朗和利文斯的部分绘画能使我们更好地了解他们早期的风格，他们对于自画像、穿着外国衣饰的人像、光与影的极致使用，让我们领略到了其艺术尝试与开拓的过程。 伦勃朗比自古以来的任何艺术家都注重对人物面部的描绘，因为他能看到更多、更细，而这都出自他的内心。中国人说绘画创作需要三件东西：眼、手、心。我觉得这个洞察十分准确，这三者缺一不可，伦勃朗的每一幅作品都与这句话的精髓相呼应，都是眼、手、心的完美协作。 伦勃朗的作品大多关注肖像与历史题材，伦勃朗的绘画技巧十分高超，包括光与影的强烈对比，丰富的颜色组合，同时伦勃朗也具有将历史题材转化为普通人日常经历的技法。 通过对以下伦勃朗绘画的几个方面的研究，可以更深刻的了解伦勃朗的绘画技法。 一、使用的调色油 伦勃朗使用的调色油是很浓的胶状调色油，很黏稠且干得很快。伦勃朗非常突出他画阴影处的高凸部分，以此来体现画的立体感。伦勃朗的画中阴影处呈透明黑色，光区和阴影区色彩厚度相同但不透明，调色油易干的特性，使整个画面笔触很明显。虽然伦勃朗的每一笔都令人感到他的得心应手，但整幅画却给人一种艰难完成的绘画效果。伦勃朗没有鲁本斯的绘画天才，他总是在画快要干了，且已适于用画笔上色时才开始修改自己的画。所以伦勃朗的画会给人一种先画好后再艰难修改画面的感觉，好像用画刷拉黏液的感觉。这种感觉在画中光区更为明显。 二、伦勃朗的油画底

创新案例分析华为

自主创新案例——华为 在过去的30年时间里，大多数中国民营科技企业总是逃脱不了“各领风骚三五年”的宿命，我们也听到和看到太多关于中国民营企业崛起、衰落、倒闭的悲伤故事。但是华为技术有限公司却成功了！华为从2万元起家，用25年时间，从名不见经传的民营科技企业，发展成为世界500强和全球最大的通信设备制造商，创造了中国乃至世界企业发展史上的奇迹！ 一．综述 华为成功的秘密就是创新。创新无疑是提升企业竞争力的法宝，同时它也是一条充满了风险和挑战的成长之路。尤其在高新技术产业领域，创新被称为一个企业的生存之本和一个品牌的价值核心。 “不创新才是华为最大的风险”，华为总裁任正非的这句话道出了华为骨子里的创新精神。“回顾华为20多年的发展历程，我们体会到，没有创新，要在高科技行业中生存下去几乎是不可能的。在这个领域，没有喘气的机会，哪怕只落后一点点，就意味着逐渐死亡。”正是这种强烈的紧迫感驱使着华为持续创新。 华为虽然和许多民营企业一样从做“贸易”起步，但是华为没有像其他企业那样，继续沿着“贸易”的路线发展，而是踏踏实实地搞起了自主研发。华为把每年销售收入的10%投入研发，数十年如一日，近10年投入的研发费有1000多亿元人民币，在华为15万名员工中有近一半的人在搞技术研发。为了保持技术领先优势，华为在招揽人才时提供的薪资常常比很多外资企业还高。 华为的创新体现在企业的方方面面，在各个细节之中，但是华为不是为创新而创新，它打造的是一种相机而动、有的放矢的创新力，是以客户需求、市场趋势为导向，紧紧沿着技术市场化路线行进的创新，这是一种可以不断自我完善与超越的创新力，这样的创新能力才是企业可持续发展的基石。 二．自主创新发展之路 1.小灵通与3G 在国际化战略中，华为与大多数科技公司只盯着眼前利益的“技术机会主义”态度不同，华为对技术投资是具有长远战略眼光的。如在“小灵通”火热时期，UT斯达康、中兴等企业因为抓住了机会，赚了不少真金白银。相比之下，华为在“小灵通”上反应迟钝，却把巨资投入到当时还看不到“钱景”的3G技术研发，华为也因此被外界扣上“战略失误”的帽子。在任正非看来，“小灵通”是个落后技术，没有前景，而3G才代表未来主流技术发展趋势。事实证明，任正非的判断是正确的。华为从1996年开始海外布局，在国内市场遭遇3G建设瓶颈的时候，华为在海外市场开始有所斩获，一路走来，华为如今已成为全球主流电信运营商的最佳合作伙伴。

一个人的世界——莫兰迪绘画艺术风格探析

Ｖｏｌ．３３Ｎｏ．９ Ｓｅｐ．２０１２ 第33卷第9期2012年9月赤峰学院学报（汉文哲学社会科学版） ＪｏｕｒｎａｌｏｆＣｈｉｆｅｎｇＵｎｉｖｅｒｓｉｔｙ（Ｓｏｃ．Ｓｃｉ）意大利画家莫兰迪身处现代主义激荡的时代，但他没有受到纷繁的潮流影响，长久地居住在自己的家乡，沉醉于自我的艺术世界里。莫兰迪的作品摈弃了艳俗的色彩，画面清静淡雅，伫立于他的画前，观者会不知不觉地走入画家纯净而神秘的心灵深处。在莫兰迪的画面中，各种因素都被协调统一起来，仔细聆听，犹如一首精彩的交响乐。本文将从造型、色彩以及笔触三个方面来研读莫兰迪的绘画艺术。 一、心像与造型 或许莫兰迪的绘画不能简单地归于具象或抽象，用“心像”来概括似乎更为贴切。“心像”是指莫兰迪的作品具有形而上的意义，着重反映画家内心的情感，每幅作品都指向画家自己的心，也指向观众的心。法国著名雕塑家罗丹讲过：“没有一件艺术作品，单靠线条或色调的匀称，仅仅为了视觉的满 足能够打动人。”［１］ 莫兰迪清醒地认识到这一点，他 保持了绘画艺术的一个本质功能：绘画不仅仅是从视觉上，还要从心灵上感动观众。绘画是画家的心灵与观众之间的桥梁，当我们静静欣赏莫兰迪的作品时，会很容易由画面的表现进入画家那淡然随意、恒定安详的心境中去。 作为艺术，有一个贯穿于种种艺术门类的核心本质，那就是对人类精神的感召力。就绘画而言，不应只是满足于对人视觉的刺激，不应只是由色彩、 造型等组合而成的精美图案，还要具有强大的精神力量，不仅要让观赏者“悦目”，更重要的是“赏心”，这样才称得上是一件真正的艺术作品。 “大师的作品是心灵的产物”［２］ ，莫兰迪在这方面给我们以深刻 的启示。 当然，在强调精神层面的要求的同时，也不能丧失现实的基础，无病呻吟。莫兰迪一直用具象的手法来表达他自己，借物象来寄托他的思想、情感。 莫兰迪的这种心像具体来说是什么样的呢？有人评论道：“站在莫兰迪的作品前，总有种莫名的感受，不大的画幅，却如一只只比肩而立的无字之碑，驻足旷野之间，在一个没有对白的世界里，任凭清风吹拂，细雨抚慰。溟蒙中几个相安无语的僧人，聆听着从天际传来的淡淡梵音，在一个没有终极的时 间里，目送一个渐渐远去的背影。”［３］这里更加强调 的是作品中的精神内涵。纷繁复杂的现代社会，需要这样能够安抚现代人浮躁不安、惊恐甚至神经质 一个人的世界 ———莫兰迪绘画艺术风格探析 贾昌娟 （巢湖学院 艺术学院，安徽 巢湖 238000） 摘 要：意大利画家莫兰迪是艺术探索之路上一位真正的思想者，他以教徒般的热忱投身于单一的绘 画主题，以他的方式诠释着他对这个可见世界的感悟。在西方，评论界曾经把他看作一个保守主义画家，一个有着意大利文化品位的地方主义者，一个缺少时代感的典型。20世纪末，莫兰迪的绘画艺术被重新审视，他作为一个 艺术革新者的价值更是受到人们的重视。 关键词：莫兰迪；心像；灰色中图分类号：Ｊ２０５ 文献标识码：Ａ 文章编号：１６７３－２５９６（２０１２）０９－０２３２－０３ 图１《静物》 ２３２－－

数字绘画创作方法刍议

数字绘画创作方法刍议 【摘要】信息技术的发展，为绘画创作提供了更为强大的技术支持，数字绘画也逐渐兴起。本文在分析数字绘画内涵的基础上，比较其相对于传统绘画的优势，以此为基础，探讨了数字绘画创作方法。 【关键词】数字绘画；创作 中图分类号：TP39 文献标识码A：文章编号：1006-0278（2014）04-189-01 一、数字绘画的内涵分析 数字绘画（Computer Graphics）是在计算机广为应用的信息时代，运用数字技术进行绘画创作的形式，体现着传统艺术形式和信息技术的有效融合。从广义上来说，数字绘画指电脑图形图像处理技术与艺术的总称。数字绘画是崭新的事物，其存在发展的历史不过十年，早期的数字绘画是一些电脑设计作品，如平面设计、动画设计作品。后来逐渐扩展内容与形式，兼容漫画创作、电脑游戏的人物和背景设计、纯绘画等广泛的内容。 二、数字绘画对于传统绘画的优势 数字绘画相较传统绘画，更能排除客观环境、工具、材料等因素的制约，为美术工作者提供更加自由的创作平台和

环境。在以往的绘画过程中，美术工作者在完成作品的创意和构想后，需要投入大量时间和精力进行选择材料、调配颜色等准备工作，而在完成准备后，还需要从时间、空间、光线照明等角度考虑布置绘画环境，绘画作品由想法到实施收到多种因素的制约。然而在数字绘画中，这些制约因素大为削减，在电脑所虚拟出来的绘画材料和环境中，美术工作者能够自由运用各种材料和手法，实现绘画构想，较少受到环境等因素的制约。数字绘画中的材料、工具和效果都是虚拟而成，因此比传统绘画方式更加省时高效。 由于互联网的普遍应用，基于计算机虚拟的数字绘画可以更加迅捷地进行传播，大大减少了传统绘画作品展示、交流时所受到的运输、场地、保管、温度、光线等因素的制约。美术工作者可以通过互联网，使自己的作品即时在网上传播和展示，供世界各地的人同时欣赏。这种基于网络的自由的艺术分享、交流方式具有传统艺术交流和传播所难以企及的便利性。在艺术交流领域，数字绘画的出现使艺术作品的传播手段和速度产生翻天覆地的变化。计算机网络的全球普及和广泛应用，突破了时空的限制，使信息资源可以在全球范围内迅捷进行传播。其对艺术作品分享和展示的影响也十分巨大，人们从传统的封闭的小规模交流转变为开放的全球的跨越国际的交流方式。由此可见，计算机网络会作为当代艺术作品传播和交流的主要途径。

插画的应用领域和风格

插画应用范围 1.出版物：书籍的封面，书籍的内页，书籍的外套，书籍的内容辅助等所使用插画。（也包括杂志报刊） 2.商业宣传：广告类――包括报纸广告、杂志广告、招牌、海报、宣传单、电视广告中所使用的插画； 3.商业形象设计：商品标志与企业形象（吉祥物）； 4.商品包装设计；包装设计及说明图解――消费指导、商品说明、使用说明书、图表、目录…… 5.影视多媒体：影视剧、广告片、网络等方面的角色及环境美术设定或介面设计。 6.游戏设计：游戏宣传插画、游戏人物设定、场景设定。 插画设计的应用领域 1.户外广告中的商业插图 2.路牌广告路牌广告 3.霓虹灯广告商业插画 4.产品包装插 5.网络、动画作品插画 6.影视媒体中的影视插画 7.贺卡 8.日历 9.说明书——图解形式 10.网站设计中包含了

插画风格 1.立体主义 体主义(Cubism)是西方现代艺术史上的一个运动和流派，又译为立方主义，1908年始于法国。立体主义的艺术家追求碎裂、解析、重新组合的形式，形成分离的画面－－以许多组合的碎片型态为艺术家们所要展现的目标。艺术家以许多的角度来描写对象物，将其臵于同一个画面之中，以此来表达对象物最为完整的形象。物体的各个角度交错迭放造成了许多的垂直与平行的线条角度，散乱的阴影使立体主义的画面没有传统西方绘画的透视法造成的三维空间错觉。背景与画面的主题交互穿插，让立体主义的画面创造出一个二维空间的绘画特色。 代表人物及作品 巴勃罗〃毕加索 Pablo Picasso，1881－1973，西班牙，《亚维农的少女》；《格尔尼卡》；费尔南〃莱热 Fernand Leger，1881-1955年，法国《地铁叉道口的缩写》，1919，莱热，《三个女子》； 乔治〃布拉克 Georges Braque，1882－1963，法国，《埃斯塔克的房子》； 2.未来主义 未来主义对20世纪其他文艺思潮产生了影响，包括艺术装饰、漩涡主义画派、构成主义和超现实主义。未来主义作为一种艺术思潮从20年代开始衰落，如今已经基本绝迹，很多未来主义艺术家在两

我眼中的莫兰迪静物画 浅谈创作感想

我眼中的莫兰迪静物画 ——浅谈创作感想 何永游 学院：美术学院学号：2006504222 班级：06美本2班 摘要：自文艺复兴以来众多前辈大师将写实的各方面都做到了极致，后人若单纯从技术上超越可说是天方夜谭。另谋出路是必要的。那么中国的具象写实绘画的出路在哪里呢？是否再以逼真再现客观真实为起点呢？或者读莫兰迪的静物画能带给我们一些启发。莫兰迪一辈子都在画那些给自己看的小画，沉醉于自我的世界里，物我相忘，不受外界的干扰，修炼了一门独特的艺术风格：幽雅、宁静、文质彬彬乃至于含蓄，很符合东方人的审美情趣，啸声曾称他“活脱是一位西洋的八大山人”。 关键词：瓶子；山人；逸格；大巧若拙；客观 The Mo orchid Di s till life in the my eyes -Shallow talk creations feeling He yong you College:Art college registration number:2006504222 Class:06 United States originally 2 class Summary:From literature renew several a hundred years inside numerous elder generation masters almost attained realistic everyone's noodles all extreme achievement, the posterity thinks the simplicity to surmount from the technique can be treated as Arabian Nights.Strive for another exit's seem to is necessary.So and Chinesely have the exit of the elephant realistic painting where?Should or should not again with lifelike reappear objective true is point of departure?The still life which perhaps reads a Mo orchid Di can bring us some inspire.The Mo orchid Di all is draw those small paintings which give oneself see during a lifetime, deeply drunk in the worlds of ego, thing I mutually forget, be free from outside interference and fixed Lian a special art style:Tranquil and enjoyable, quite, elegant and refined in manner is as for reserved, match appreciate beauty of oriental interesting aspect very much, the roar voice once called his"lived to take off be eight person in Tashans of a western". 在现代西方绘画里，分成了具象和抽象画派两大阵营。抽象画派表现的歇斯底里、光怪陆离，虽可能有惊人的感染力和表现力，但更多的是缺乏大众所需要的美感，不为大众所喜。具象画派坚守本垒，有诸如走极端的超级写实派，追求对对象的精细描绘，如质感、肌理、空间的真实再现达到变态的程度。虽然让人感到人的主观能动作用的惊人，但除了显示画家高超的技巧之外，毕竟少了点表现力和感染力，而更多的表现出苍白无力缺乏生气。

01-数字绘画概述

第1章　平板设备数字绘画概述 1.1　平板设备数字绘画的出现 绘画艺术经过几千年的发展，除了绘画风格的不断演进，绘画工具也在经历不断的改进和革新。进入计算机时代之后，传统艺术家不断尝试通过计算机进行创作。而开发人员则一直不断改进计算机软、硬件的使用方式，使其尽量接近传统绘画的形态，从而更加符合艺术家的使用习惯。因此，计算机软件、硬件领域的技术一直层出不穷。软件方面，针对不同的数字图形、数字艺术应用领域产生了不同的应用软件（图1-1-1）；硬件方面，从鼠标、手绘板到手绘屏（图1-1-2），不断在形态上接近画布、笔的传统绘画方式。 图1-1-1　PC端绘图软件Photoshop、painter、SAI 图1-1-2　Wacom绘图设备 自2010年的首代iPad（图1-1-3）到近年发布的iPad Pro，其功能除了能够满足上网、看电影、游戏等日常娱乐、生活需求之外，由于其硬件性能和易用性的提高，已经成为艺术家、设计师进行数字艺术创作的重要工具。

图1-1-3　iPad一代 首先，在硬件形态上，iPad配合Apple Pencil（图1-1-4）或其他触控笔，已经非常接近传统艺术家的绘画工具；其次，在软件界面上，由于iPad设备没有键盘、鼠标，完全依赖与用手和笔在触摸屏上操作，所以其界面大都简单易用，更适合艺术家快速学习、掌握。

图1-1-4　Apple Pencil 近年来，各大软件公司陆续推出了包括数字绘画、动画、视频剪辑等类型的数字艺术创作App软件，以满足不同的创作需要。 目前，功能较完善且被广泛使用的数字绘画软件除了Procreate之外，还包括下一节中将要介绍的软件。

艾轩油画艺术解读

艾轩油画艺术解读 本文主要分析了艾轩油画的艺术特点和学术价值。认为，在我国上世纪八、九十年代众多有代表性的写实油画家中，艾轩的油画具有独特的风韵，不论从追求精简的构图、敢于运用色彩的技巧和画面的情绪等的把握上给观众留下了深刻的印象。另外，艾轩油画从经济价值与学术价值上都获得了很大的影响。 标签：艾轩；写实油画；艺术特色；学术价值 一、艾轩油画的艺术特点 在艾轩的诸多作品中刻画最多的是高原女孩和康巴汉子，画面中体现的清冷的世界、忧郁的双眼、简化的构图以及丰富的色彩，吸引众多观众的眼球。评价一幅艺术作品的关键，要看三点，一是构图，二是色彩，三是造型，这三者缺一不可，在绘画创作中具有重要作用。以下将从构图和色彩及造型三方面对艾轩的作品进行解读。 1、构图特点 艾轩油画构图的最大特点是用简洁的主题与背景塑造深沉凄美的情感世界。在他的作品中，我们经常见到一个孤独的小女孩，或独立窗前，或远眺原野、或凝望苍穹。小女孩的背景通常是一堵孤墙，一袭衰草或一面土坡，更远处便是苍茫的大地。如《静静的冻土带》、《荒原的风》、《小英子》等，这些画面的主题与背景都不像其他艺术家的处理方式，追求精简似乎是艺术家终其一生的艺术追求。同样是写实画家王沂东的艺术风格及构图的理念就不同于艾轩。王沂东对背景表达，单从形式感的追求上就比艾轩复杂多样。艾轩表达高原的广漠与空旷，王沂东表达北方农村的山水村庄的灵秀与典雅。艾轩作品的画面背景往往体现一种是深邃旷达，深远灵动的空间给观者留下丰富的想象，如同诗歌里的联想空间，给读者以开阔广袤的驰骋联想。正是因为这种精简的构图模式，才能体现人物深深地孤独，一望无际的雪域高原，显得那么空旷深远。所有这些画面意境在构图中更加鲜明的体现出来，这源于他个人的一种人生体验以及对人类生存状况的深刻理解。 2、色彩特点 冷灰色是艾轩表达天空与皑皑白雪的惯用颜色，画面里充斥的高级灰白将情节渲染成一种深沉的凄凉感与孤寂静默的世界，创作出沧桑浓厚的色彩效果。画家喜欢用冷色调处理画面，这与画家的内心世界有着密切的关系。另外艾轩在刻画人物头像与衣服时的用色比较大胆，色块与色块之间的對比较强烈。如在他的《静静的冻土带》中，色彩的巧妙运用体现出画家的大胆与粗犷的凄凉之美。艾轩喜欢表达西藏民族的生活，主要描绘康巴汉子与西藏小女孩，因为这里的凄美还有某种粗犷豪放的影子，这与作者的内在追求达到某种共鸣，也正是如此，其作品的风格也显示出与众不同、鹤立鸡群的效果。如作品《风声凄美》，一位美

潘天寿中国传统绘画的风格特点

潘天寿：中国传统绘画的风格特点 风格，是相比较而存在的。现在估且将中国绘画与西方绘画所表现的技法形式，作一相对的比较，或许可以稍清楚中国传统绘画风格之所在。东方统系的绘画，最重视的，是概括、明确、全面、变化以及动的神情气势诸点。中国绘画，尤重视以上诸点。中国绘画不以简单的“形似”为满足，而是用高度提炼强化的艺术手法，表现经过画家处理加工的艺术的真实。其表现方法上的特点，主要有下列各项：一、中国绘画以墨线为主，表现画面上的一切形体以墨线为主的表现方法，是中国传统绘画最基本的风格特点。笔在画面上所表现的形式，不外乎点、线、面三者。中国绘画的画面上虽然三者均相互配合应用，然用以表现画面上的基础形象，每以墨线为主体。它的原因：一、为点易于零碎；二、为面易于模糊平板；而用线最能迅速灵活地捉住一切物体的形象，而且用线来划分物体形象的界线，最为明确和概括。又中国绘画的用线，与西洋画是的线不一样，是充分发挥毛笔、水墨及宣纸等工具的灵活多变的特殊性能，经过高度提炼加工而成。同时，又与中国书法艺术的用线有关，以书法中高度艺术性的线应用于绘画上，使中国绘画中的用线具有千变万化的笔墨趣味，形成高度艺术性的线条美，成为东方绘画独特风格的代表。西方油画主要以光线明暗来显示物体的形

象，用面来表现形体，这是西方绘画的一种传统技法风格，从艺术成就来说，也是达到很高的水平而至可宝贵的。线条和明暗是东西绘画各自的风格和优点，故在互相吸收学习时就更需慎重研究。倘若将西方绘画的明暗技法照搬运用到中国绘画上，势必会掩盖中国绘画特有的线条美，就会失去灵活明确概括的传统风格，而变为西方的风格。倘若采取线条与明暗兼而用之的用法，则会变成中西折中的形式，就会减弱民族风格独特性与鲜明性。这是一件可以进一步研究的事。二、尽量利用空白，使全画面的主体主点突出人的眼耳等器官和大脑的机能，是和照相机、录音机不同的。后者可以同时把各种形象声音不分主次、不加取舍地统统记录下来，而人的眼睛、耳朵和大脑却会因为注意力的关系，对视野中的物体和周围的声音加以选择接受。人的眼睛无法同时看清位置不同的几件东西，人的耳朵也难以同时听清周围几个人的讲话，这是因为大脑的注意力有限之故。比如，当人的眼睛注意看某甲时，就不注意在某甲旁边的某乙、某丙，以及某甲周围的环境等等；注意看某甲的脸时，就不会注意看某甲的四肢躯体。人的眼睛在注意观看时，光线较暗的部分也可以看的清清楚楚，不注意观看时，光线明亮的部分也会觉得模模糊糊。故人的眼睛，有时可以明察秋毫，不时可以不见舆薪。这全由人脑的注意力所决定。俗话说：“心不在焉，视而不见”，就是对人类这种生理现象的极好概括。

莫兰迪艺术风格分析与研究

莫兰迪的艺术风格分析与研究 1 莫兰迪其人及艺术环境 乔吉奥。莫兰迪（Giorgio Morandi），20世纪意大利伟大的静物画家，擅长静物画和风景画创作。他1890年出生于意大利波洛尼亚小镇，波洛尼亚位于意大利北部罗曼那地区的东边，在威尼斯与佛罗伦萨之间，这是一座随处可见古老的哥特式建筑、橘红色屋顶，随处可听悠扬钟声的具有细细绵长历史的城市，这儿有欧洲最古老的现代大学波洛尼亚大学，是意大利文艺复兴运动的中心之一，诞出过杰出的艺术家安德烈。曼特尼亚。波洛尼亚几乎每座教堂都布满了精美壁画，沉浸着意大利悠久灿烂的文化传统、古罗马文化雄风、文艺复兴时期带来的科学气质。因此，这里的美更具有理性，人们更习惯于艺术的质朴、严谨，甚至是笨拙。而莫兰迪艺术的最高成就即体现在日常生活的瓶瓶罐罐中。 从1907年莫兰迪在波洛尼亚美术学院学习为起点，他逐渐从一个学习艺术的学生成长为一名成熟的艺术家，之前他还应征入过伍。在这个过程中，莫兰迪接触到了意大利传统绘画，接触到了塞尚和立体主义，接触到了形而上画派，这些在莫兰迪成长过程中都起到了重要作用。 莫兰迪终生定居在波洛尼亚的封达查街，终生未婚，过着近乎修士般的禁欲生活，具有苦行僧的气质。莫兰迪从不为外界琐事所扰，即使是战争年代，依然不为所动的坚持着自己的艺术信仰。 2 莫兰迪艺术风格的影响因素 2.1 塞尚 总结莫兰迪的艺术风格，塞尚无疑在他的艺术思想形成过程中起过决定性的影响。一

个艺术家的早期作品几乎总是五指练习，这种练习会交给他老一代艺术家的风格准则，直到他自己成熟到足以将他自己的风格付诸形式为止。在1912年到1916年的作品里，莫兰迪的作品中弥漫着早期的巴黎立体主义者们，如塞尚、夏尔丹的影子。 塞尚对莫兰迪的根本影响在于他颠覆性的观察方式，以及他关于自然与艺术之间的关系等方面的思想观点，塞尚认为：一个人必须为自己创造一种视觉，即制作一种镜片，他必须观察那些未被人发现的自然……而这个镜片所放置的几点即是自然。同时，塞尚还认为：艺术是个人的知觉，要让这种知觉处于情感之中，然后求助于理智组织成一件作品。这里的情况又指艺术家对于自然的感觉。而莫兰迪在接触到塞尚作品后，他认为：作品的创作中应当重情绪而不是重形式，画面的形式知识情绪的附属品，对客观世界的本源性的观察才是这种情绪的动力。莫兰迪最大程度上接受了塞尚颠覆性的观察特点，通过“符合逻辑”、“不荒谬”的视觉方式来观看客观世界，并以此来揭示“抽象的现实”之本质。这一点在他晚期作品中更加清晰，比如他对外形的消解、对边缘线的淡化，对画面空间平面化的处理。虽然莫兰迪对于客观世界的本质追求同塞尚一样，透过现象找出本质是他艺术思想的一个重要体现，但在实际创作中，他也反对纯形式的表现，通过对形体边缘线的彻底弱化，从而彻底打破了传统观念的束缚，让人以全新的角度去观察客观世界。 2.2早期立体主义者的影响 莫兰迪接触立体主义是通过一本名为《巴黎晚间》的杂志。受立体主义的影响，他常常把绘画的成功归结于在创作中断然地去除所谓的尝试或是实验的想法。 由此，莫兰迪的静物画是尽可能重现物体原有的形，让物体在画面中不着痕迹地自然现出。这体现了莫兰迪在官场物体时，没有添加任何刻意的修饰，他认为：在绘画的实际操作上应当最大限度剔除“尝试”的做法，艺术家是在直接地将自己的理念和对客观世界的观照表现在画布上。

探讨对艾轩油画特色的理解

探讨对艾轩油画特色的理解 绘画艺术的形成和发展的主要流派是写实油画，作为一种绘画艺术的风格，在中国绘画中有重要的地位。艾轩忠于他的真实感情，坚持从“源”和“自然”为基础的绘画，不仅吸收西方绘画语言和本质，也崇尚理性精神和传统文化，融入当地文化。他总是遵循这条路线，并形成了自己独特的艺术风格，成为新形势的现实主义绘画。 艾轩的艺术风格特征 艾轩用他的画笔绘画出一幅幅美丽佳作，他是个勤劳的画家。他选择了一种完美主义的风格绘画，这种完美的画面效果带有苦涩又饱含着深深的情谊，在他的绘画作品中我们可以看到他偏爱单一的简单干净的颜色。他不愿意像其他的画家那样，在西藏绘画的题材上表现绘画意境普遍选用红、黄、蓝这三种颜色，艾轩用黑白灰色调和蓝紫色调来作为他基本画面色调，让画面产生出深厚沧桑又丰富多变的效果。艾轩的一系列的绘画作品中都显露出一种莫名的感伤，那种淡淡的无奈，这就是他对自己内心的描写，也是他对他的人生意义的独白。

借景抒发自己的情怀，是艾轩绘画最大的艺术风格特点。他选择西藏原野的景色和孤独的物象，主要是借这些来表达自己内心的世界，所以我们说艾轩的绘画作品就是他内心的写照而不仅仅是风景人物画。如他的作品《冻土》，内容是在一望无垠的草原和山野之中，他们似乎都想避开我们的视线，远离城市喧嚣，自然而单纯的去生活，即使不可避免的情况之下要面对人群，他们也是用冷静和陌生的眼光，静静观察这与他们并不适应的世界。艾轩用他写实的画面物象，来寄托自己的内心情感和思想，他用借景抒情的手法，创造出了一幅幅有诗情画意而且情景交融的画面效果。 还有一点值提及的，就是艾轩画面效果的沉着与精致，这种绘画语言的表现，既他绘画的技巧有关，又不单单是技术问题。他精心安排画面的意境效果，反复思考外形里面的微妙联系，其质的感觉、色调明暗和深浅的变化等……这都使得我们沉醉其中。他把画面效果处理得很严谨，既留有他来自生活的感受，又赋予画面理性的秩序。在艾轩的每一幅画中都留有他自己的影子。他把自己的思想感情和融入在他刻画的物象之中，用借景抒情的表现手法，创造出一幅幅的意境幽深且感情丰富的画面。

创新案例分析——华为

自主创新案例xx 在过去的30年时间里，大多数中国民营科技企业总是逃脱不了各领风骚三 五年”的宿命，我们也听到和看到太多关于中国民营企业崛起、衰落、倒闭的悲伤故事。但是华为技术有限公司却成功了！华为从2万元起家，用25年时间，从名不见经传的民营科技企业，发展成为世界500强和全球最大的通信设备制造商，创造了中国乃至世界企业发展史上的奇迹！ 华为成功的秘密就是创新。创新无疑是提升企业竞争力的法宝，同时它也是一条充满了风险和挑战的成长之路。尤其在高新技术产业领域，创新被称为一个企业的生存之本和一个品牌的价值核心。 不创新才是华为最大的风险”华为总裁任正非的这句话道出了华为骨子里的创新精神。回顾华为20多年的发展历程，我们体会到，没有创新，要在高科技行业中生存下去几乎是不可能的。在这个领域，没有喘气的机会，哪怕只落后一点点，就意味着逐渐死亡。”正是这种强烈的紧迫感驱使着华为持续创新。 华为虽然和许多民营企业一样从做贸易”起步，但是华为没有像其他企业那样，继续沿着贸易”的路线发展，而是踏踏实实地搞起了自主研发。华为把每年销售收入的10%投入研发，数十年如一日，近10年投入的研发费有1000多亿元人民币，在华为15万名员工中有近一半的人在搞技术研发。为了保持技术领先优势，华为在招揽人才时提供的薪资常常比很多外资企业还高。 华为的创新体现在企业的方方面面，在各个细节之中，但是华为不是为创新而创新，它打造的是一种相机而动、有的放矢的创新力，是以客户需求、市场趋势为导向，紧紧沿着技术市场化路线行进的创新，这是一种可以不断自我完善与超越的创新力，这样的创新能力才是企业可持续发展的基石。 二.自主创新发展之路 1.小灵通与3G 在国际化战略中，华为与大多数科技公司只盯着眼前利益的技术机会主义”态度不同，华为对技术投资是具有长远战略眼光的。如在小灵通”火热时期， UT斯达康、中兴等企业因为抓住了机会，赚了不少真金白银。相比之下，华为在小灵通”上反应迟钝，却把巨资投入到当时还看不到钱景”的3G技术研发，

油画大师伦勃朗的艺术成就

油画大师伦勃朗的艺术成就 潘婷 内容摘要：伦勃朗是17世纪欧洲绘画的三大支柱之一，是荷兰17世纪现实主义绘画的代表，荷兰最伟大的画家,也是欧洲艺术史上开宗立派的大师级人物。在艺术上大胆探索、实践，无论宗教、神话、肖像、风景、动物等各种题材的绘画，都有独到的成就。在伦勃朗的手里，光和影成为他表达主题和情感的有力的艺术语言。他使用的色彩，常带有一种金属和宝石般的高贵感，使粗陋的物象也变得华美悦目。代表作品有《夜巡》《杜尔普教授的解剖学课》等，色彩浓重，构图严谨，很好表现人物精神与性格，他艺术成就还体现在自画像上，伦勃朗最使人好奇的地方，就是他一生高达百幅的自画像，既是是他本人真实写照，也是日后研究他的最佳资料，和梵高一起被认为是自画像双璧。笔者通过西方美术史的学习，得知了作家的生平的际遇、以及画家在艺术上的伟大成就，更是被画家把艺术、名誉和自由看得比金钱更重要，不愿迎合他人平庸的艺术趣味而降低作品的艺术性，不愿放弃自己的美学观点和表现手法，导致自己的晚年的窘迫生活肃然起敬。笔者将从作家生平简述作为一条线索来分析改变作家一生际遇的《夜巡》。 关键词：夜巡、光影 一画家生平简介 伦勃朗是荷兰画家,年轻时在阿姆斯特丹向画家拉斯特曼学习绘画。17世纪初，荷兰新兴资产阶级以加尔文教为国教，废除教堂的装饰画和祭坛画。可是伦勃朗受拉斯特曼影响，加上宗教画在荷兰富裕市民中仍有市场，因而一直对圣经题材感兴趣，一生中没有中断过绘制宗教画，但对这类画作了世俗化的处理。约1625年，他返故乡设画室，从事绘画创作和招收学生。其创作生涯大体上包括四个阶段。 年轻时候的成功使伦勃朗富裕起来。他开始收购艺术品和古董。1639年迁居一座豪华的住宅。妻子萨斯基亚为他许多作品充当模特儿。画家在这阶段中看来过着无忧无虑的生活。评论家们一般认为从他当时的一些自画像中，可以察觉其心情的愉快。但也有人指出，这类自画像和亲友肖像中，有一部分曾被搬用于他的宗教历史画。著名的《怀抱萨斯基亚的自画像》（约1635，德累斯顿画廊），据近年考证，可能是一幅进行道德说教的宗教画。 晚年（1648～1669）1656年，伦勃朗被迫宣布处于变相的破产状态。以后两年,房子和动产均被拍卖。他的油画买主不多,可是宗教题材蚀刻画却销路甚广,其中有一幅俗称《100荷币版画》（约1649）,即是由于买价高而获得这一名称的。1660年，他迁居阿姆斯特丹犹太人区域附近的一座小屋。同年，他充当妻子与儿子开设的一家美术公司的雇员，因为这样才能免于受到债主们进一步的逼债。次年，他受托绘成历史画《西菲利斯的密谋》。西菲利斯于公元69年发动过反抗罗马暴政的起义，是荷兰远古的民族英雄。此画为荷兰历史画中最有纪念碑式气

浅谈中国传统绘画的特点

浅谈中国传统绘画的特点 中国画这一艺术形式之所以能在世界绘画史上占有极其重 要的地位，是因为它代表了东方民族特殊的艺术审美观念。纵观中国绘画史，我们会清醒地发现，创新并不是现在才提出的问题。从隋代的展子虔到清代“四僧”再到近代的黄宾虹、齐白石、徐悲鸿等，哪一个不是在创新中崛起、发展、壮大的呢？ 艺术贵在创新。对于这一点，中国画家似乎没有太大的分岐。但关于中国画传统与创新之间的关系怎样把握、如何去创新等问题倒是众说纷纭，因此，我们很有探讨的必要。对于传统，多数画家仅把画史上几个著名画派的技巧及风格当做传统的本质而加以继承。画派的技巧和风格是形成与发展传统的重要因素，是传统的具体体现，但绝不能代替传统。所谓传统，笔者认为，指的是对具有民族特色的艺术观点、艺术方法、艺术形式、艺术风格等的概括，具有本质性。什么是中国画的传统？根据中国画发展的特点，笔者将其概括为以下五点： 一、以形写神、形神兼备，是中国画创作的一个重要原则。中国画讲究气韵、追求意境。一个画家应具备“画得像”的功

夫。但如果作品有形无神，那么即使画得再像也不是中国画所要达到的目的。有形无神的画是存在的，而有神无形的画是不存在的。写形是为了传神、为了畅神。形可在“似与不似之间”。我们要知道，“以形写神”的最终目的是“达意”。苏轼曾言：“文以达吾心，画以适吾意。”没有“形”的支架，“神”无处依附。相传五代荆浩为松写生的画集达几万册，所以用笔能够“运转变通”、“如飞如动”，用线既不专以浑朴胜，也不专以娟丽胜，而是达到了所谓“神化”的境地。中国画历来要求以“形”这个支架表现“神”。这个“神”指的是客观对象的生命力、生动气韵和本质特征。“形”是次要的，而“神”是主要的。现代大家齐白石、黄宾虹都提出“妙在似与不似之间”的画才算是好画。也就是说，画得太像就太俗了；画得一点儿也不像，更不是中国画。所谓“意象造型”就是这个道理。而从西方绘画史来看，古希腊以及文艺复兴以后的绘画着重于形的逼真再现；发展到现代派，则走上了另一极端。现代派画家主张绘画是“自我表现”的凭借，因此，可以随意摆弄“形”。既然如此，“神”就更谈不上了。 二、中国画以线、墨为主，讲究笔法，追求“笔精墨妙”的艺术效果，讲究骨法用笔。这些都是对笔墨内涵的要求。“骨法”又作“骨力”，指书写点画中蕴蓄的笔力。它是构成点画与形体的支柱，也是表现神情的依凭。画家以挺劲的笔法将自己

数字绘画报告书

现代设计艺术学院项目名称：“幸福一家人”数字插画 学生赖晓青 学号 201005000415 班级视觉10-2 指导老师杨维抒 提交日期 2013年10月20日

目录 一. 项目描述 1.创作类型及市场定位分析----------------------------------------2 2.项目特点及意义------------------------------------------------2 二. 项目设计过程 1.素材搜集整理--------------------------------------------------2 2. 设计构想------------------------------------------------------3 3. 创作细节描述--------------------------------------------------4 2.插画定稿后线稿------------------------------------------------4 4. 工具材料或软件使用描述----------------------------------------6 6. 绘制过程描述--------------------------------------------------8 三.项目总结------------------------------------------------------10 四.插画工作室之创作作品 1.成品展示-------------------------------------------------------11