从《万壑松风图》浅析李唐的山水画

从《万壑松风图》浅析李唐的山水画

摘要：《万壑松风图》是南宋四家之首李唐的代表作之一，该画构图饱满，雄浑沉稳。从这幅画中我们可以看出该画风受到了范宽的影响，但又有其自身的创新之处。本文以李唐的《万壑松风图》为例，通过对其用笔、用墨的分析，并结合作者临摹学习的体会来看其绘画风格上的继承与延异议。

关键词：李唐;承继;延异;笔墨

一、万壑松风图的特征

《万壑松风图》为绢本，纵188.7厘米，横139.8厘米，气势宏大，这样大尺幅的山水画给人带来震撼感。这幅画不仅在用笔、用墨、构图上，更在整幅画的气势、韵律上都值得我们去研究去学习。整幅画给人以饱满、厚重的第一映像。细看，画面中间一主峰，左右的山石为配村，主峰巨大浑厚，稳住了整个画面。而左右各有尖瘦的奇峰做烘托，更显得主峰的坚实、雄厚。左右又各有泉水飞流直下，贯穿了画面的上下部分。画面左下角泉水变成浅滩，泉水从石缝中潺潺流出，十分惬意舒心。近景、中景、远景都有成片的松树，显得山林郁郁葱葱。山石、泉水、树木搭配山腰上朦胧的白云，就组成了整幅画宁静的意境。山石之间大小的对比，树与树之间疏密的对比，画家通过各种对比让画面产生了强烈的层次感，赋予画面以生机。

(一)李唐生平

李唐，字晞古，河阳三城人，北宋末南宋初画家。徽宗赵佶朝补入画院。南渡后流亡至临安，经太尉邵渊推荐，授成忠郎画院待诏，时年近八十，与刘松年、马远、夏圭合称“南宋四家”。李唐的画受范宽的影响，范宽画山水初学荆浩及李成，领悟到“前人之法，未尝不近取诸物，吾与其师于人者，未若师诸物也。吾与其师于物者，未若师诸心”。他所画崇山峻岭，往往以顶天立地的章法突出雄伟壮观的气势，又用碎而坚实的笔墨皴出富有质感的山石。李唐的山水画严谨质朴，气象雄伟，犹存北宋风范，但造型章法及笔墨上均明显地趋于简括，开创了南宋山水画的新风。

二、承继与延异

《万壑松风图》在构图和山石的皴法上可见范宽的影响，《画史》说范宽早年的画：“却以常法较之，山顶好作密林，自此趋枯老，水际作突兀大石，自此趋劲硬。信荆之弟子也。”此记和荆浩、范宽的作品相符，也和李唐的《万壑松风图》相符。把李唐的《万壑松风图》和范宽的《溪山行旅图》加以比较，其师承关系一目了然。但李唐的山水有很多创新性，下面就分别从该画的用笔、用墨和构图上来讨论李唐在山水画上延异的地方。

(一)用笔上

1、山石的用笔

试论李唐设色山水画

试论李唐设色山水画 路海英 （西安财经学院文学院，陕西西安710061） [摘要]李唐活跃于北宋末南宋初。在以宋徽宗为画坛领袖的北宋末期，出现了青绿山水画的复兴，并涌现出了一批重要的青绿山水画家，李唐就是其中一位。作为中国山水画史上开辟新图式的代表人物，李唐的作品中蕴含着时代变迁、个人情感变化的烙印。李唐在北宋时期的作品主要是继承传统，而南渡以后的画风变化很大，主要体现在笔墨、图式、题材等方面。李唐山水画风格的变化与他的经历、社会环境的变化紧密相连。 [关键词]李唐；设色山水；笔墨；图式 山水画在两宋时期，随着表现形式与技法的演变，逐渐呈现出全新的面貌。如果说北宋山水画侧重于表现大自然的客观物象，偏重于刻画厚重雄浑的气势，那么南宋山水画则以突出局部的边角式构图，以小见大展现自然景象的简括之美。两宋交替之间青绿山水盛极一时，这与当时的复古思潮关系密切，这种思潮不仅反映在绘画上，在整个宋代文化艺术方面都充斥着“今不如昔”的感叹。北宋著名文学家欧阳修曾说：“余常与蔡君谟论书，以谓书之盛莫盛于唐，书之费莫费于今”，感叹宋初书法没有唐代那么鼎盛。 宋代文学领域大讲“无一字无来处”。—黄山谷《答洪驹父书》。绘画也和文学一样注重学习传统，山水画方面“齐鲁之士，惟摹营丘，关陕之士，惟摹范宽。”甚至举国“皆摹李成”。《宣和画谱》中记载：“李成一出，……数子之法遂亦扫地无余，如范宽、郭熙、王诜之流…不足以窥其奥也”。宋代山水画亦崇尚古法，上追唐二李将军，两宋之交青绿山水受到皇室权贵的喜好与推崇，出现了李唐、王希孟等著名的青绿山水画家。 山水画按设色形式可以分为青绿山水、浅绛山水和金碧山水三大类，其中以青绿山水为主要表现形式。青绿山水着重以色彩语言结合笔墨塑造自然山水或画家胸中丘壑。李唐生活在北宋末、南宋初，其画风可以分为三个时期。他的设色山水除了继承唐代李思训青绿山水设色技法外，更注重笔墨语言的传承与创新，画风迎合了当时的皇室权贵的审美要求。 一、李唐（生平、画风、评价）简介 1、生平。 李唐（约1066—1150年左右），字晞古，河阳（今河南省孟县）人。他是北宋后期至南宋初期的重要画家，其作品上承北宋传统画风，下启南宋山水画崭新风貌。他学过诗、书，尤精于绘画，艺术修养全面。史书记载“政和中，徽宗立画院，招诸画工，必摘唐人诗句试之，尝以竹锁桥边卖酒家为题，众皆在酒家上著功夫，唯李唐但于桥头竹外挂一酒帘，上喜其得锁字意。”——明·唐志契《绘事微言》【M】，北京：北京人民美术出版社，1964年版，第8页。宋徽宗政和年间，48岁的李唐赴图画院考试，由于作品创意新颖、匠心独具，以第一名的成 绩入画院，从此开始在画院中学习和创作。画院是直接服务于皇室权贵的，因此，李唐入北宋画院后，画风也发生了变化。 2、画风。 李唐在山水、人物和花鸟画方面成就都很高，山水画最突出。他开创了斧劈皴法，独创了边角式构图，开创了南宋新画风。最早提出画面“虚、实”论的李澄叟对李唐山水画有精辟的论述，他提及李唐的《江山小景》既是虚实对比的案

中国山水画的意境说课稿教学反思

中国山水画的意境说课稿教学反思一．交流导入 1.请大家静下心来听我们教室中回响的音乐，边听音乐边来看几张风景图片。（桂林山水甲天下的漓江，世外桃源的泸沟湖，美丽神秘的九寨沟） 2.中国的自然山水十分美好，大河山川这些都我国山水画家的主要绘画题材。（看中国山水画——古代和当代） 提问：你了解中国山水画吗？对山水画有什么感受？ 中国的山水画不仅描绘了自然山水，而且寄托了画家个人的情感和理想。同时也表达了画家的主观感受。 大家坐在这样一个现代化的教室里，一定觉得中国山水画离我们好遥远，但现在我们就要借助这些现代化的设备来和我们的传统艺术作一次亲密接触。 3.历代文人墨客留下了大量描写山川的美好诗句，请小组汇报你们搜集的有关诗句。

二．欣赏感受 4.提问：这是谁的作品？采用的是什么构图形式？ 著名山水画大师李可染先生画的《万山红遍》画面采用直构图，以体现山的宏伟气势、山树森茂、重重叠叠，几道瀑布飞泻而下，打破了画面的沉静；那道道弯弯的泉水，不仅穿透画面的直构图，使画面生动多姿，更使人如临一个理想的、充满诗情画意的王国。 5.提问：画面画的是什么内容？你想到了一首诗吗？作者展现了怎样的意境？ （傅抱石轶事：傅抱石作画爱饮酒。他常常一手执笔，一手执壶，不时仰头饮上几口，烧起一腔豪情，于是肆意挥洒勾勒，如有神助。1958至1959年间，傅抱石与著名画家关山月合作，为人民大会堂绘制毛泽东诗意巨幅山水画《江山如此多娇》。傅抱石在作画时买不到酒喝，口内苦淡，灵感枯竭，画兴索然。周总理知情后，立即派人送去好酒。于是他激情勃发，灵感顿生。《江山如此多娇》这幅大气磅礴的巨作，深受中外贵宾的好评，毛主席也表示赞许，认为较好地体现了诗句的意境。 6. 中国山水画的风格和技法

浅谈中国山水画的发展历程

浅谈中国山水画的发展历程 关键词：山水画历程 摘要：山水画的艺术发展历程人们自古以来就有着亲近自然、追逐山水的欲望。“高山流水，小桥人家”是古代人们所追逐的，便出现的山水诗；古人描绘山水，便出现了山水画；古人创造山水，便出现了中国古典园林。中国山水画与中国古典园林的起源和发展有着密切联系，两者的创作一脉相成。在漫长的发展过程中相互作用，逐渐形成了一种独特的风格和审美情趣。 一.起源（石器时代、殷、周、秦汉） 山水画是中国画中的特有的画种之一，说到中国山水画起源得先从中国绘画说起。早在旧石器时代，制陶工艺的出现使得绘画在陶器的装饰上得以表现；在新石器时代，彩陶上的装饰图案代表新石器时代绘画的最高水平；原始岩画是中国绘画最早的遗存，原始岩画包含着人类的智慧和本性，反映了原始先民的朴素理想、信仰和生活；而到了秦汉，实现了全中国的统一，宫殿壁画的大量涌现，促进了绘画的发展。这时虽未出现山水画，但出现了表现山水的图画，如东汉时期的山系平陆早园汉墓壁画《山水图》。 最早见于文字记载的园林形式是“囿”，园林里面的主要建筑物是“台”。中国古典园林的雏型产生于囿与台的结合，在奴隶社会后期的殷末周初。囿台主要是满足上层社会阶级，他们用囿台狩猎、游玩、观察天象和气候以及祭祀。而在秦汉园林则以山水宫苑的形式出现，离宫别馆与山水环境结合，范围大到方圆数百里。其中最为有名的是“阿房宫”，它首先在苑囿中建立朝宫，实现了皇家园林里的游赏、居住、朝政等活动的兼容，促使了具有宫苑式的“园”的形成。中国园林从汉起称“苑”。其中以上林苑最为著名，它是中国历史上最大的一座皇家园林。同时在汉文帝时期还出现了私家园林，《西京杂记》就记述了这个时期茂陵富人袁广汉所筑私园情况：“东西四里，南北五里，激流水注内。构石为山，高十余丈，连绵数里。”以山水为建筑要素亦在私家园林中建设。

浅谈山水画的意境

浅谈山水画的意境 一、山水画中远的意境概述 山水画从它产生开始，就和远有着不解之缘。庄子哲学的至高境界是虚、无、清、淡、，而山水画的顶级精神境界是超逸、清淡，如此，两者就自然相互紧密在一起了。山水画与老庄哲学之间的纽带就是远，山水画是自然而然朝着远的方向发展的，这是它自身发展中的一项天然任务。远是山水画中不可缺少的意境元素，是山水画的要求和灵魂。正是由于山水画在远的意境层面上具有独特的艺术美感，山水画才能够得以发扬光大。在创作山水画的过程中，用远这一特质来表现与追求意境，以求达到忘我、忘物的山水意境和精神境界来追求山水画创作的艺术灵魂。 郭熙提出了山水画三远思想，阐述了创作山水画的过程中艺术意境的诞生以及对于透视和构图原理采用不同方法的视觉感受。这一思想成为了山水画的审美规则与范式。三远思想是山水画作家对河、山等自然景物实行远近游目的换景移步式的总体观察，整体把握了真实山水意境以后，精炼出来的图画绘制原则和经典意境范式。以对自然景物观察的层面上来看，三远和西方画作所看重的透视布局方式有一些类似的地方。这在我国古代山水画论述中也有提到，比如南朝宗炳就说过：去之稍阔，则见其弥小，这句话点出了山水画绘制中的视觉上远小近大的规律。三远是整合了饱游饥看后的各种现象，是对真实山水艺术意境的再整合和再创造，也总结了山水画作空间意境的处理方法。 二、山水画中三远的意境内涵 (一)高远 对于山水画中的高远，最开始在东晋的顾恺之就在《画云台山记》一文中作过论述：作清气带山下，三分据一以上，使耿然成二重。宗炳在文章《画山水序》中也有过这样的论述：竖划三寸，当千初之高。在绘制山水画的艺术意境中，高远能够将树木、房屋以及人物绘制得很小，以这样的方式来衬托出山的高大的形象。以郭熙的作品《早春图》为例，我们能够看出画的前部有重叠而上的岩石，笼罩在半山腰上的雾，从下向山顶上看，可以看到山势崎岖，山色呈现出一片清明，山的高远表现得淋漓尽致。又比如沈周的画作《庐山高图》，山很大，人很小，让阅画者不能看出山到底多大多高，整座山的下半部分还能够虚起来，就像是只画了一座山的头部而让云朵盖住了山的脚一样。就像郭熙所说的那样：山欲高，尽出之则不高，烟霞锁其腰则高矣，这些绘画手法完全是为了体现山的

如何欣赏古代山水画教案

第三阶段 如何欣赏古代山水画教案 红光中学美术教师周剑梅 课型：中国山水画鉴赏课。 教学目的：在中国的山水画里,东方文化的体现优为深刻.有中华武术的阳刚之美,也有高山流水的韵律之美,更充实着华夏人的朴实无华,勤劳勇敢,热爱和平,追求和谐的大度之美. 我们的国画远源流长,博大精深,承载着丰富的文化和思想。 欣赏山水画,只注意笔法,墨法,章法及色彩,还远远不够.当然这是基础,必须从这里入手.山水画描绘的是大自然的山山水水.云树石木,它的形式美,色彩美,甚至充满着节奏美,旋律美.其结构是开放的,自由的,无拘无束的, 这正是其博大,充满生机活力的原因.中国山水画 讲究写意,讲究气韵生动,讲究意境,讲究气势,讲究天人合一.和谐共处.大山圣水赋予人灵气,智慧和博大的胸怀。 教学重点：有针对性的对学生的知识结构，审美缺憾进行梳理和调整。 教学难点：让学生学会比较、学会思考、学会评价，学会将新旧知识串成串，融会贯通； 教学过程： 一、组织教学： 二、引入新课： 1、师提问：经过前两次的中国古代山水画相关常识的学习，谁能说说怎样欣赏中国山水画？ 学生分组讨论，并以组为单位派一代表阐述讨论意见。 本课内容为通过对典型的中国古代山水画名作的评析，了解中国古代山水画的欣赏方法。 ⑴中国古代山水画的性质和它在中国古代绘画中的重要地位： 上两节课我们已经了解到，中国古代绘画习惯按传统分成人物、山水、花鸟三个画科。 中国古代山水画的主要描写对象是自然风景。它不但表现了丰富多彩的自然美，而且体现了中国古代人民的自然观与社会审美意识，甚至从侧面间接地反映了社会生活。 中国山水画作为一个独立的画科比人物画晚，但它在中国绘画史上得到了突出的发展，并且在长期的发展中，形成了多种画法和艺术风格。主要的有：青绿山水、水墨山水、浅绛山水、小青绿山水、没骨山水等。 （2）其次，中国古代山水画在空间的处理上，采用“以大观斜、“小中见大”的手法。 就是把山水画家自己看作是一个巨人，面对自然，就象人观盆景状。这样，千里江山也可尽收眼底，或用长卷的形式表现，如《千里江山图》，长达11米。或以中国画特有的高远、平远、深远的构图方法，画十分繁复的山岭，如《溪山行旅图》、《早春图》、《青卞隐居图》等，其空间处理突出地体现了中国山水画独特的构图方法。中国古代山水画创造的这种独特的处理空间关系的艺术手法，既体现了中国画家独特的观察自然的方法，同时也蕴含着中国民族的审美胸襟，体现了中国人的自然观。 （放映录象） （3）此外，中国山水画在长期的发展中，形成了许多行之有效的表现程式。 如表现各种山石就有各种皴法，什么披麻皴、雨点皴、荷叶皴等。在这些表现程式的应用上，主张灵活运用，不断有所发展。在山水画的笔墨技法上，也更为丰富多变，如笔法中包含上述的山石的多种皴法和点苔法等；墨法中湿者为“染”，干者为“擦”，还有“破墨”、“积墨”等等。可见，中国古代山水画也同样形成了自己独特的艺术传统和体系。 （放映录象）

对李唐《万壑松风图》基于六法论的解析

对唐《万壑松风图》基于六法论的解析 唐，字晞古，河阳三城(今孟县)人，北宋末南宋初画家。徽宗佶朝补入画院。南渡后流亡至临安(今)，经太尉邵渊推荐，授成忠郎画院待诏，时年近八十。擅画山水人物，尤工画牛。与松年、马远、夏圭合称“南宋四家”。其山水画对后世影响甚大，且唐流派的形成，主要表现在他的山水画上。唐的山水画分为两个时期，以“南渡”为界，北宋、南宋各为前后期。其中，南渡后的作品体现了他的独创精神，对南宋以至后世影响深远。在对唐的关注过程中，我注意到几乎所有论及宋朝美术史方面的书籍中，都会提到唐，而且必然会提到他的一幅巨作— —《万壑松风图》（图一）。 从意义上讲，《万壑松风图》是唐南渡前山水画的最具代表性的作品之一，对我们了解唐南渡前山水画的风格和特点有极大的帮助。之所以说它是南渡前的作品，是根据这幅画左面远峰上的一行隶书题款：“皇宋宣和甲辰春，河阳唐笔。”（图二）得出，甲辰是龙年，即宣和六年（公元1124年）。北宋对水画的创作产生重要影响的主要是宋哲宗煦和宋徽宗佶两个时期，而《万壑松风图》正是唐在北宋时期创作水平的一个代表。 一《万壑松风图》—唐早期崇古山水画的体现 唐的“崇古”思想，从其名字中就可以看出来，《国绘宝鉴》中说：“唐，字晞古”，另作“希古”，即对古的怀念和敬仰。唐早期作品是在崇古的气

氛中创作出来的，和唐同时期及其前后的画家有希古、宗古、马宗古、宗古、侯宗古、崇古、王希古、宋复古、遵古，其后还有贾师古等，从他们的名字可见当时有一股崇古的风气。事实正是如此，唐学画时正处于哲宗好“古图”的时代，《画继》卷十有这样的记载：“昔神宗好熙笔，一殿专背熙作，上（指宋哲宗）即位后，易以古图。”可以看出在神宗时代，郭熙的画在画院中地位最高，而哲宗煦替代神宗当上了皇帝以后，绘画对古意的追求更浓烈了，郭熙的画在画院中失去了昔日的地位。宋哲宗好“古图”，对画院的创作影响很大。画院画家就是宫廷御用画家，所以必须按皇帝的旨意去创作。在这样的崇古之风下，唐崇古是必然的。《画继》卷十记载：“图画院，四方召试者源源而来，多有不合而去者，盖一时所尚，专以形似，苟有自得，不免放逸，则谓不合法度，或无师承，故所作止众工之事，不能高也。”因此，哲宗好古、崇古，带动了画院画家的崇古的潮流。凡是准备考试的画家，就必须取法古人，方能求一试。唐在进入画院前临摹古画就有一定成就，据《广川画跋》记载，曾经有一位毕文简公得到一幅唐本的名画《邢和璞悟房次律图》，画中“和璞神宁示悟，房琯沉思如真”，很有历史价值和艺术价值。崇宁二年（公元1103年）毕文简公的后人要把此图复制为别本以藏，就去请当时年仅37岁左右的唐临摹，唐出色的完成了这一难度较大的工作。这也从另外一个侧面说明了当时崇古摹古的风气以及唐临摹古画的功力。 宋徽宗当政后对画院的过问更多了，由于宋徽宗对花鸟画情有独钟，而对于山水画兴趣并不是很大，理所当然干涉花鸟画特别多，对山水画过问不多。这导致哲宗时代崇古的风尚继续延续，古意直追唐初思训的青绿山水，使从五代到宋初几乎无人问津的青绿山水再一次复兴。现存的山水画中，属于哲

中国古代山水画鉴赏论文

中国古代山水画鉴赏 摘要:何谓中国山水画？顾名思义，中国山水画即是从大自然中观察、体会、得到某种印记或感悟后，再经过提炼、概括、吸取自然景观的精髓，利用传统笔墨的技巧，从而创造出某种特定意境的画面。按理说来，中国山水画作为中国国画的重要组成部分，深刻体现了中华民族的艺术形式与本民族的民族精神，理应受到至高的重视与珍视。然而，随着中国中国对外开放的深入，西方文化一涌而入，各种标新立异的西方印象画派以其自由，快速，狂放的技法被中国年轻人喜闻乐道，而传统的中国山水画则渐渐被忽视。在中西文化深度交融碰撞的今天，提高中国青少年对中国传统文化的审美迫在眉睫。 关键词：山水画，审美观，文化 一、中国山水画技法简介 山水画技法为中国山水画文化的重要组成部分，不同的绘画技法表达了画家不同的性格，绘画时的心情及创作背景等。下面将简要地介绍几种山水画的技法。 （一）用墨方面 1、泼墨法，顾名思义，是指落笔大胆、点画淋漓、水墨浑融、气势磅礴的写意画法。而要使用这类技法，毛笔要大一些。用饱含

水的笔头，蘸上浓淡得宜的墨汁，大胆落笔，点拓出所画物体的轮廓。 2、积墨法，即层层加墨。这种墨法一般由淡开始，待第一次墨迹稍干，再画第二次第三次，可以反复皴擦点染许多次，甚至上了颜色后还可再皴、再勾、画足为止，使物象具有苍辣厚重的立体感与质感。 3、破墨法，指作画时，当前一墨迹未干之际，又画上另一墨色，以求得水墨浓淡相互渗透掩映的效果。而中国著名画家齐白石在画虾的头和胸的时候就经常使用该种技法以表现虾的 透明感。 （二）用笔方面 1、要自然有力，切忌呆滞。 2、要变化而有联系，要将粗、细、浓、淡、长、短、横、直、干、湿、轻、重根据物象参差需用，既有变化，还要互相联系。 3、要苍老而滋润，苍老就显出含蓄的笔力，用笔光滑就显得雅嫩，过于苍老亦易枯燥，故须在苍老中滋润，也就是干湿并用。 4、要松灵而凝炼，松灵比自然更进一步，要活泼轻松有生趣，切忌油滑、轻浮，轻松之中要有重厚，凝练是一笔画去到尽端有回锋。 5、要刚柔相济，即在轻柔中有骨力。所谓“线棉裹铁”才能稳厚，

阅读《山水画的意境》 (1)

阅读《山水画的意境》,回答问题。 1.下列关于山水画意境的理解,不正确的一项是() A.意境就是景与情的结合,画家通过对自然景物的描绘表现深厚的思想感情,山水画如果没有了意境,也就没有了灵魂。 B.意境的产生有赖于思想感情,而思想感情的产生源于画家对客观事物身临其境地长期观察和全面、深刻的认识。 C.意境在于有情趣有画意,山水画不是地理、自然环境的说明和图解,那些追求自然的画作说不上有意境,难以打动人。 D.山水画创作中,画家只有对所描绘的景物充满强烈、真挚、朴素的感情,有表达自己亲身感受的强烈愿望,才能创造别具一格的意境。 2.作者要说的是山水画的意境,为什么要在开头大篇幅分析诗歌的意境? 3.作者是如何论述“要深入全面地认识对象,必须身临其境,长期观察”这一观点的?你认为这个观点正确吗?请结合生活实际简要说明。 4.你如何理解“无论写诗、作画,都要求站得高于现实,这样来观察、认识现实,才可能全面深入”一句的深刻含意。 5.在摄影技术如此发达的今天,山水画是否会被取代?请结合文章内容简要分析。 阅读下面的文字,回答问题。 中国山水画的意境美 颜景龙 ①中国山水画可谓是中国人情思中最为厚重的沉淀。历代山水画家在画面中充分表现笔、墨、气、韵的同时,更注重意境美的营造。意境是艺术的灵魂。我们欣赏画作时,时常被其内含的艺术魅力所吸引,被画外之意、弦外之情所打动、所陶冶、所感染,这就是意境美的作用。 ②中国山水画的空灵之美,是山水画艺术的主要审美趣味形式。空灵之空为静、为虚、为无,空灵之灵为灵气、为实、为有。空和灵是对立统一的。宋代马远的《寒江独钓图》中,茫茫寒江,一叶孤舟,渔翁独坐,钓丝漂浮,微波之外,皆是空白,营造出一种空灵、深远、简淡

2015陕西教师资格考试之美术学科—浅谈中国山水画的发展

2015陕西教师资格考试之美术学科—浅谈中国山水画的发 展 中国画自古就分为人物、山水、花鸟三大科，中国山水画是以山川自然景观为主要描写对象的中国画。形成于魏晋南北朝时期，但当时尚未从人物画中完全分离。在隋唐时期开始独立，五代、北宋时趋于成熟，成为中国画的重要画科。接下来中公资深讲师就带领大家一起来梳理一下中国山水画的发展历程。 一、起源——秦汉时期 秦汉时期实现了全中国的统一，宫殿壁画的大量涌现，促进了绘画的发展。这时虽未出现山水画，但出现了表现山水的图画，如东汉时期的山西平陆枣园汉墓壁画《山水图》。 二、起兴——魏晋南北朝 魏晋南北朝时期，由于长期乱战，社会动荡不安，使得社会普遍流行着消极悲观的情绪，名士们纷纷寄情山水以逃避现实，大量的山水诗、田园画的出现促使山水画的生成。从东晋画家顾恺之在《论画》中云：“凡画，人最难，次山水，次狗马，……。”看出此时的山水画已经与人物画相提并论，并且已初步从人物画的陪衬中独立出来，他的人物画《洛神赋图》卷中的部分配景山水中可以看到峰、石、云、水、树的表现，领略到当时山水画的大致形貌。此时的山水画理论也已经基本成熟，而且讨论了空间的表现，奠定了中国山水画的理论基础。第一次将山水搬上了中国美术的表现舞台，他的《画云台山记》可算山水画论的开山之作。 在南北朝后期山水画逐渐发展成独立画科，并出现了戴逵、宗炳、萧绎等以山水画著名的画家。宗炳所著《画山水序》，是最早的山水画理论文章。 三、全盛——隋唐 隋唐结束了战乱状态，进入中国历史上的全盛时期。山水画在南北朝时所显现的独立趋势，入隋以后渐渐明朗。初、盛唐之际，山水画已脱离人物故事而成独立的画科，到盛唐时，出现了画法工致、赋色浓丽和笔迹豪放、水墨减淡等不同流派，山水画由此启立门户，形成中国古代绘画独特的发展体系。 山水画的发展，首先表现在隋唐兴建的大量宫廷和台阁上，他们在设计依山傍水的建筑时，先要绘画大量山水背景，从而促使了山水画的进步。这时期出现了展子虔、李思训、王维、张璪等一大批山水画大师。现存最早的山水画作品，是隋代展子虔的《游春图》，反映

浅谈山水画学习的心得体会 -

【标题】浅谈山水画学习的心得体会 【作者】罗礼洪 【关键词】山水画学习方法写生艺术 【指导老师】陈文安 【专业】美术学 【正文】 引言 中国山水画从古到今流传几千年，有着悠久的历史。中国山水画至今流芳百世，山水画的技法千奇百怪，变化多端。应从实践中去理解、去学习，实践是检验真理的唯一标准。只有写生才能形象地、真实而具体地深入认识客观世界丰富和提高形象思维。写生是对客观事物的认识、认识再认识、不断深化的过程。在写生的过程去学技法和规律，掌握一般规律，这样才能更好的提高自己审美观、价值观、人生观。当然艺术决不是某一种事物的图解和说明，它是艺术家在深入生活中得到了深刻的认识和强烈的感受。艺术也是要求对生活进行高度集中和概括，要求典型化、理想化、从而创造出比现实更美好，更富有诗意，更理想的艺术境界，创造出革命时代新的意境。 美术是创造性的工作，真正搞好是不容易的。路子要走正；还要下很大的苦功夫。“生而知之，不学而能”是没有用的，只有学而知之。对学画的人来说，天份是有高低区别，但也只是学习上有快慢之分，绘画本身应该说是很难的，因为它不仅是门学问，同时还要有很高的技能。因此我认为要了解很多学术知识。首先了解绘画基本功如下： 一、学习山水画的基本功至少有三个方面的要求 1、是一般的造型能力。绘画语言是以可视形象反映客观事物，造型能力不好等于没有绘画语言，造型能力，指对形象、轮廓、明暗、层次、透视等的描绘能力。即对客观事物的刻划要准确，提高一般的造型能力，是艺术发展首要的前提。 怎样对待素描？我认为学中国画，山水画学点素描是可以的，或者说是必要的，素描是研究形象的科学，它概括了绘画语言的基本法则和规律，素描的唯一目的，就是准确的反映客观形象。客观描绘的准确性、体面、明暗、层次。光线的科学道理，对中国画的发展只有好处，没有坏处，我们的一些前辈画家。特别是徐悲鸿把西洋素描的科学方法引进中国，对中国绘画的发展起了很大促进作用，这是近代美术史上的一大功绩，我想这是任何人都不能否认的。有人说：学中国画的学了素描有碍民族风格的发展，我是不同意这样的看法，我学素描时间比较短，我曾有补习素描的打算，假若我的素描修养能再多些，对中国画创作会带来更大的好处，说西洋素描会影响发展民族风格，这是一种浅见。缺乏民族风格关键在于对民族传统的各个方面没有进行深入的研究，没有把自己民族的东西放在主要地位，而不在于学了素描。实践是检验真理的唯一标准，徐悲鸿先生在欧洲学习素描功力最深，造诣也最高，后来他画了大量的中国画，能说他失去民族风格了吗？我看不光没有失去，反而是促进了中国民族绘画艺术的发展，使民族风格发出了新的光彩，中国是一个有高度发达的传统文化的国家，在中国美术史上，一些外来的文化传入，中国都有能力吸收消化，都曾变成为有益有滋养，促

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本文部分内容来自网络整理，本司不为其真实性负责，如有异议或侵权请及时联系，本司将立即删除！ == 本文为word格式，下载后可方便编辑和修改！ == 阅读答案：中国的山水画……（含答案解析） 阅读下面的文字，完成1—3题。 中国的山水画作为文人对自己生存环境——大自然的观照，深深的打上了意识 形态的烙印，蕴含着深厚的文化哲学内涵。山水画虽然以自然景物为描绘对象，但在中国山水画的水墨写意中，两度（平面）空间、多点透视及线的表现特点 又不是客观真实的再现，这充分体现了中国山水画“以形媚道”和“天人合一”的两大特征。西方人一直对中国画家早就能够完整地表现出山水百思不解。山 水画的出现的前提包括非拟人的自然哲学，在古希腊的地中海地区，洛克利歇 斯的《神圣的自然》就是这一哲学的最基本的文字表述。那时的古希腊地中海 地区出现了一种有创见的、有发展前途的西方山水艺术。它远远先于远东地区 的山水画，但后来的基督教改变了这一切。西方山水画艺术被扼杀、中断了， 直到文化复兴运动后，一些思想家和艺术家表现出对自然的热爱，山水画才得 以重新发展。然而在中国，自然哲学一直把人和自然看作是无法分割的整体， 这种“天人合一”的观察自然的方式，为山水画提供了创作前提。中国山水画 在“以形媚道”的创作思想指导下，以似与不似、虚虚实实的创作方法把自然 和人格之美结合起来，通过对自然界的山川、草木、宇宙、大地的赞美来表现 出人的理想心态及人格。 传统的儒家思想作为中华民族文化中占据主导地位的哲学思想，渗透在中国人 生活的方方面面，也同样影响着历代画家的审美世界观。在山水画史上，许多 画家在创作中刻意表现人与自然的依存关系，并对人类心意与自然物性的对应 进行了细致入微的分析。 老庄理论认为，最高的智慧不是站在客体之外去认识把握客观规律，而是需要 尽可能地融入客体之内去体会、理解，使主、客体完全融合。道家的这种哲学 精神，转化成了中国艺术的主要精神。作画时，不局限于同一时空的写实，而 是凭记忆按照心想去表现景物，力求达到“以神遇，而不以目视，官知止而神 欲行”的自由境界，这一过程实际上是对道的感悟、体验、转述、传达与表现。这种以道为本体存在，在空间意识上建构一个永恒的“质有而趣灵”的空间艺 术表现，惟有山水画特殊的散点透视法才可以表达。道家对自然的直观一直是 中国山水画家的神秘的一面，直至后来披上了禅宗的外衣。 禅宗是佛教中惟一推动山水画发展的部分。禅的实质是“释迦其表，老庄其实”；但是禅对人生及宇宙的直觉体验，“顿悟”其中的奥妙玄机，比道家略 高一筹。禅的神秘的哲学精神是将儒、道、佛、印度教的思想有机地融合在一

浅析中国山水画的“意境”之美

浅析中国山水画的“意境”之美 摘要中国山水画的意境是由三个基本构成因素所体现出来的，即：真实、具体的空间境象；意象统一，情景交融的空间境象；高度的艺术手法所强化的使观者继续再创造诱发媒介。山水画不仅历史悠久，而且艺术成就很高，在中华民族传统绘画中占有极为重要的位置。那么，究竟什么是意境呢？意境一词，最早见于诗论，在画论中出现则相对较晚。山水画的意境说，似乎可以视宋人郭熙的《林泉高致》为其发端。其后，意境便被作为衡量中国山水画艺术的品评标准。至明代笪有光的《画筌》中第一次使用了意境一词，而且在前人的基础上，有了进一的发挥，之后明清两代画论中，对意境范畴中的一些问题进一步有所阐述，其中不少精辟见解构成了我国山水画论中的意境理论。那么意境就可以定义为：作者在绘画创作中通过时空景象的描绘，在情与景高度融合后所体现出来的艺术境界。总之，中国山水画的意境，就是情与景的结合，写景即写情，在这种有机结合中，山水画表现出一种十分鲜明的、可以给人以启示和想象的自然景象，同时又包含着深厚、耐人寻味的意蕴。正是这样的意蕴和境象的有机结合，构成了中国山水画独具特色的境界。它不仅能使欣赏者通过联想产生共鸣。 关键词: 山水画构成因素意境传统 一、山水画意境的理论构建 “外师造化，中得心源”，大自然的美好景致与人的想象相结合，是意境形成的根源。春山如笑，夏山积翠，秋山如妆，冬山似睡；泰山雄伟，华岳险峻，峨眉神秀，衡岳苍翠⋯⋯大自然人格化的特征，给予画者深刻的启示。清人黄钺就总结了前人经验，概括出意境的二十四种品位特征：气韵、神妙、高古、苍润、沉雄、超脱、纵横、淋漓、简洁、明净、空灵、韵秀⋯⋯较为全面地阐明了以气韵生动为主的自始至终气脉相连，生生不息的意境特征。 唐代诗人王昌龄在他所著的《诗格》中称“诗有三境：一曰物境；二曰情境；三曰意境”三境说，最早提出了意境的概念。尔后，晚唐诗人、评论家司空图则著以《二十四诗品》，以四言韵语论述诗歌风格，为后世所重。到清末民初，王国维进一步总结了我国古典诗论成就并结合西欧资产阶级美学成果，建立了比较系统的意境说，他在《人间词话》中说：“文学之事，其内足以虑己，而外足以感人者，意与境二者而已。上焉者意与境深，其次或以境胜，或以意胜，苟缺其一，不足以言文学创作。”在山水画高度发展的同时，画论也相应地触及到山水画的特殊艺术境界问题。五代荆浩在《笔法记》中，提出了“真景”说，主张“度物象而取其真”，并阐明“真者气质俱盛”。在此以前，山水画论多沿用人物画论“气韵”、“形神”等概念。唐代王维极早地把这一诗学的审美要求借用到绘画上，并从理论到实践上指导自己的创作，形成早期传统山水画意境的构成格调。唐朝张彦远的《历代名画记》，在其“论山水树石”一节中，虽也有“凝意”、“得意”、“深

部编版九年级语文下册第四单元作业--山水画的意境(附答案)

14 山水画的意境 夯实基础巩固知识 预习自测 1.根据拼音写汉字,给加点的字注音。 惆怅 ．．(chóuchàng)真zhì(挚) 浮光掠．影(lüè) 暮ǎi(霭) 渲．染(xuàn)朝．朝暮暮(zhāo) 2.解释下列加点词在文中的意思。 (1)做到“全马在胸”“胸有成竹 ．．．．”“白纸对青天”“造化在手”的程度,才能把握对象的精神实质,赋予对象以生命。 胸有成竹: 画竹子前心里有一幅竹子的形象。比喻画家作画前,对所画的对象有整体的把握,非常熟悉。 (2)两个礼拜就画了一百多张,这当然只能浮光掠影 ．．．．,不可能深刻认识对象,更不可能创造意境。 浮光掠影: 比喻印象不深刻,好像水面的光和掠过的影子一样,一晃就消逝。 (3)一棵树、一座山,观其精神实质,经过画家思想感情的夸张渲染 ．．,意境会更鲜明。 渲染: 比喻夸大地形容。 (4)我们看颐和园风景,则是富丽堂皇 ．．,给人金碧辉煌的印象。 堂皇: 气势宏大。 3.阅读下面的文字,回答问题。 [甲]中国文学的创作注重表现意境,文学的鉴赏也应该力求进入并感受意境。当我们读着那些意境深远的作品时,可能暂时忽略了周围的一切,视而不见,听而不闻,整个心灵沉浸在想象的世界之中。有时是自己过去的审美经验被唤起,和诗人取得共鸣;有时仿佛心灵打开了一扇窗户,对宇宙和人生得到新的理解;[乙]有时会感到超越了故我,在人格和智力上走向更加光明和智慧。 (1)[甲]处画线句存在语序不当的问题,应把“进入”与“感受”调换位置。

(2)[乙]处画线句存在成分残缺的问题,应在“智慧”后加上“的境地”。 4.下列理解和分析,不符合原文意思的一项是(B) A.李白的《送孟浩然之广陵》描写了送别友人时的自然景象,没有直接抒写情感,情寓于景,读者能够体会诗人的深厚感情。 B.五代画家荆浩画松“凡数万本,始得其真”,而有位画家写生十几天就画了一百多张。可见,画作的数量影响着意境的创造。 C.中国山水画画家并不注重表现“光”,而是注重准确表现景物的精神实质,赋予对象以生命,木然地画画,客观景物就会成为标本。 D.齐白石对虾的精神状态熟悉极了,才让虾在他的笔下活起来。可见,画家只有对客观对象有深刻的认识、感悟,画出的画才能传神。 【解析】“画作的数量影响着意境的创造”有误。 5.根据文章内容填空。 本文探讨山水画的意境,作者先提出“意境就是景与情的结合;写景就是写情”的观点;再以人们熟悉的中国诗词为例,阐明了景中所包含的思想感情;然后,分析获得意境 的方法是深刻认识对象,要有强烈、真挚的思想感情;最后,指出画画要有意境,还要注意运用好的表现方法——意匠,使论述更全面。 基础运用 6.阅读下面的文字,完成(1)~(4)题。 作者对描画的物件,必须要有深入的研究,有严格的选择、充沛．的感情、高度的加工。绝不能把描写物件变成说明性的图解或地理志,使观者看了suǒ然无味、无动于zhōng,这样当然谈不上什么意境。没有意境或意境不鲜明,绝对创作不出引人入胜的山水画。意境的创造不是一件轻松的事情,我在画水墨山水时,感觉到自己就像进入战场,在枪林弹雨中。因为画在宣纸上不能涂改,所以一点疏乎差错都不行。每一笔都要解决形象问题,感情问题,远近虚实、笔墨浓淡等问题。 (1)根据拼音写汉字,给加点的字注音。 充沛．(pèi)suǒ(索)然无味无动于zhōng(衷) (2)选文中有错别字的词语是“疏乎”,正确写法是“疏忽”。 (3)“引人入胜”中“胜”的意思是(C) A.胜利 B.比另一个优越

美术鉴赏论文浅谈中国山水画

浅谈中国山水画 【摘要】中国山水画是中国人情思中最为厚重的沉淀。 游山玩水的大陆文化意识，以山为德、水为性的内在修为意识，咫尺天涯的视错觉意识，一直成为山水画演绎的中轴主线。从山水画中，我们可以集中体味中国画的意境、格调、气韵和色调。再没有那一个画科能像山水画那样给国人以更多的情感。若说与他人谈经辩道，山水画便是民族的底蕴、古典的底气、人的性情。 【关键词】山水画中国底蕴文化古典 一、中国山水画的起源 中国山水画的起源可追溯到三国时代，顾恺之的《画云台山记》中所叙述的《云台山图》证实了我国不但有山水画，而且起源于三国。顾恺之，字长康，江苏无锡人，精于人像、佛像、禽兽、山水等，博学多才，艺术造诣很高，素有才绝、画绝、痴绝之称，他的《论画》极大的促进了隋代以后我国山水画的发展，而后而后宗炳的《画山水序》王微的《叙画》，进一步的证实了我国的山水画的由来，且证实了山水画的素材来源于真山真水的写生，绝非人为臆造。

---《洛神赋图》之一，东晋著名画家顾恺之绘制(宋摹) 二、中国山水画的独立 隋朝的时候，由于政教的关系，因此绘画受到重视。隋朝绘画扔以人物或神仙故事为主，但山水画已发 展成独立的画科。展子 虔与董伯仁齐名，与东 晋顾恺之、南朝陆探微 及南朝梁张僧繇并称 前唐四大画家。展子虔历经北齐、北周与隋朝，曾在隋朝任朝散大夫，后任帐内都督。画过佛教画《法华经变》，风俗画《长安车马人物图》，但均没有传世。其山水画《游春图》，用勾勒刷法，著大青绿。空间透视安排合理，注意远近关系和山树人物的比例，能够于《游春图》-展子虔

咫尺之中，具备千里之趣。这证明了隋朝的山水画已经彻底解决“人大于山，水不容泛”的空间处理问题，成为卷轴山水画兴起的代表作。 二、中国山水画的成熟 唐代是我国历史上最强盛的时期，随着政治、经济、军事、教育、体育、音乐、外交……的发展，山水画教育开始设科，学画的人越来越多，王维、李思训、李明道、吴道子、阎立木、张萱、张燥邓等是最有名望的画家。大诗人王维曾任尚书右承、安史之乱后隐居于陕西蓝田辋川。其材艺双全能诗能画。诗歌以山水见长名扬史册，绘画尤长水墨，他的《雪溪图》、《孟浩然马上吟诗图》、《雪山图》、《辋川图》等。被宋代苏轼赞为：“诗中有画，画中有诗。”成为后世文人追求的最高境界。李思训出身于唐宗，他不仅是当代最有名的大画家，而且是屡建奇功的右武卫大将军。他受展子虔的影响，从形式上推动了山水画的主体，继承了六朝和隋代的山水画的技法。他的艺术实践使唐代的山水画得到了发展，也感染了许多精专山水画家。其子李昭道就是一位举足轻重的人物。他父子的青绿山水画同水

浅谈山水画创作

浅谈山水画创作 摘要： 要画一幅山水画，首先要构思画面的内容，在进行构图布局，然后把要表现的内容合理恰当的安排在画面当中。运用一定的笔法、笔墨，按造作画的规律与步骤进行创作。 关键词： 布局构图皴擦点染树木 山水画在中国绘画史上占有极其重要的地位，它凝聚着这中华民族丰富的智慧和感情，也体现着东方艺术崇高的审美思想。把描绘大自然的画称为“山水画”，而不叫做“风景画”，是具有其他独立含义的。“河山”“江山”“山河”是“祖国”的同义词，因此山水画可以说是爱国主义精神在中国艺术中的具体反映。 山水画借描写自然景物以表达作者情感，借景抒情，从一开始便明确了主客观辩证统一的创作道路。“寄情寓意”“缘物寄情”，意与景汇，景与情通，情景交融而产生“意境”，这便是山水画的灵魂。 写形传神，山水画神形兼备，是中国山水画艺术创造的最高则，也是一条基本规律。写形是传神的手段，传神是写形的目的。 “搜尽奇峰打草稿”“宇宙在乎手”“造物在乎我”，这都要求在长期观察、研究自然规律的基础上，做到“胸有丘壑”“胸有万象”。苏东坡说： “必须得成竹于胸中，执笔熟视，乃见其所欲画者，急起从之，振笔直遂，以追其见。”这样在作画时才能任意挥洒，顷泻而出。 山水画比较重视自然物象的本质和常态，偏重物象的固有色，以简单对复杂，把自然界的色彩做单纯典型化的处理，以大块典型画的色块相互映衬取得物象间的对比和协调，从而获得富于装饰趣味的独特效果。 一、布局、构图

出于对山水画的兴趣与了解，最终确立写意山水为毕业创作题材。写意山水讲究意境，而意境又是根据整幅画的布局构图即山石、树木、房屋、舟桥、人物等，安排笔墨的运用来表现。整幅画由近景、中景、远景三个部分组成。在确立了整幅画的布局之后，开始安排细节的部分。山水画的构图要讲究一定的规律和法则。所要描绘的内容需要经过概括、取舍、适当夸张艺术加工手法、采用适当的构图方式，把所要表现描绘的物象巧妙的安排在整个画面当中。 画面当中的留白部分不是因为留白而留白，它是为了整个画面的布局构成。房舍安排在中景，作为整幅画的描绘场景。房舍之后就是作为远景的高山。远景与中景是利用云雾连接的。 画面构成就要考虑其绘画语言。绘画作品的内容最终要通过一定的绘画语言，才能表现使它成为可视的感性形象。山水画的绘画运用语言也是运用点、线、面、色等视觉造型语言。 笔墨技法对山水画的意境营造起着重要的作用。画面中的山石树木点景均有其完整的程式。 例如山石的皴法就包括披麻皴、斧劈皴等多种皴法。其次，树木的位置安排，要考虑其前后虚实，还有各种不同树木的搭配使画面更和谐整体。画面中的山石、树木、房舍通过用笔用墨来表现塑造的。这就要涉及画面墨色的运用。古人云： “有笔有墨，笔墨二字，人多不晓，画岂无笔墨哉？但有轮廓而无皴法，及谓之无笔；有皴法而无轻重、向背、明暗、即谓之无墨。”“以墨为主”“以墨为彩”是中国山水画的独到之处。因为表现的对象比较复杂，要求画面能有“大”“多”“深”“厚”的感觉，通过勾、皴、擦、点、染，层层递加。 二、笔法、墨色运用 1．勾 山水画不是一遍就可以完成的，需要层层递进，反复多遍才可完成。在第一遍干后，再递加第二遍，否则渗化在一起，易臃肿浮胀。第二遍是第一遍的

中国绘画欣赏论文——浅析李唐《采薇图》

浅析李唐《采薇图》 一、两宋时期的画风 北宋继承前朝旧制，在宫廷中设立了“翰林图画院”，宋代的院画，对绘画发展起了推动作用，同时培养了一大批绘画人才。山水画，至此朝着广度和深度进一步发展，更加注意写生和技法的探索，呈现出巨匠辈出，异彩纷呈的繁荣景象。著名画家有李成，范宽，他们继承了荆浩水墨传统，以北方雄浑的自然景观为描绘对象，他们的创作，具有划时代的意义。之后，有王士元，王端，燕文贵，许道宁，高克明，郭熙，李宗成，丘纳，王诜等。其他还有擅楼台界画的郭忠恕，擅湖山小景的惠崇，赵令穰，擅青绿山水的王希孟等。花鸟方面，发展的成就突出，花鸟画家比较注重师法自然，注重写生，同时也强调了花鸟画的思想内涵。主要画家有以黄筌为代表的富贵一派，有黄筌，黄居采，以徐熙为代表的野逸一派，有徐熙，徐崇嗣，徐崇勋，徐崇矩。其中徐崇嗣创造了“没骨画法”。后来还有时画风发生变化的赵昌，崔白，崔悫，吴元瑜，易元吉等。院画花鸟中，以徽宗为代表，其本人的粗笔水墨花鸟画也是一种创新。人物画，尤其是人物故事和社会风俗画得到了高度发展。主要有武宗元，高元亨，毛文昌，祁序等。文人画开始出现，主要有苏轼，文同，黄庭坚，李公麟，米芾等。他们强调绘画要有诗的意境，追求萧散简淡的水墨表现风格，主张即兴创作，取神舍形。此外还有燕肃，宋道，宋迪，李公年，李时敏，梁师闵，郭元方，李延之，王宗汉等。 南宋绘画的活动中心，仍集中在画院。南宋的画风与北宋有所不同，山水画家一部分仍沿袭北宋，以全景式的构图，雄浑的自然山水为表现题材。而真正能够代表南宋山水风格的是着重意境，以抒情为目的的偏角山水。其构图简洁，意境完整，主体鲜明，笔触大胆泼辣，水墨发挥的更加充分。这方面，李唐是开派大师，后有刘松年，马远，夏圭等。技法方面，马远的“大斧劈皴”，夏圭的“拖泥带水皴”是一个重大发展。文人画在实践中创造了杰出成就，梅，兰，竹，菊四君子画，成为文人画的特殊题材。 二、李唐简介 李唐是宋朝一个有名的画家，他对山水、人物、林木、竹石、禽兽等，几乎无一不工，其中造诣最深的是山水画，其次是人物画，画牛也很出名。李唐山水初学李思训，能作青绿山水，但更多取法荆浩、范宽，所作山水多用斧劈皴，

颜景龙《中国山水画的意境美》阅读练习及答案

中国山水画的意境美 颜景龙 ①中国山水画可谓是中国人情思中最为厚重的沉淀。历代山水画家在画面中充分表现笔、墨、气、韵的同时，更注重意境美的营造。意境是艺术的灵魂。我们欣赏画作时，时常被其内含的艺术魅力所吸引，被画外之意、弦外之情所打动、所陶冶、所感染，这就是意境美的作用。 ②中国山水画的空灵之美，是山水画艺术的主要审美趣味形式。空灵之空为静、为虚、为无，空灵之灵为灵气、为实、为有。空和灵是对立统一的。宋代马远的《寒江独钓图》中，茫茫寒江，一叶孤舟，渔翁独坐，钓丝漂浮，微波之外，皆是空白，营造出一种空灵、深远、简淡的意境。空灵之美一方面使画家在意境构成上获得了充分的主动权，打破了特定时空中客观物象的局限，另一方面也给欣赏者提供了广阔的艺术想象的天地，使作品中的有限的空间和形象蕴含着无限的大千世界和丰富的思想内容。 ③中国山水画的外象之美不仅表现在画作本身，也包括画作以外的无限性，即“画外有画”。正如美学大师宗白华所说：“中国绘画所表现的精神是深沉静默地与这无限的自然、无限的太空浑然融化，体合为一。”山水画是一种哲理的最高境界，它追求的不是繁芜的世界，而是自然与人文的完美统一，是一种摆脱世俗的精神。从元朝的倪瓒，明清时期的石涛、董其昌等人的山水画中，我们所看到的不只是绘画的语言符号，更重要的是画家内在的精神追求。 ④中国山水画的诗意之美，也是中国绘画历来所提倡的。不论《春山烟雨》还是《春浦帆归》，只看画题，就会觉得诗意盎然。诗意之美丰富了中国山水画的美学意境。真正山水画中的诗境，体现在画的构思、章法、形象、色彩的诗化，诗情与画意交融。宋代郭熙在《林泉高致》中说：“诗是无形画，画是有形诗。”诗、画的一致，是中国山水画家追求的最高理想，也是中国山水画的最高境界。唐人王维以诗人的学养彰显画家的气质，在文学和绘画领域揭示了诗与画的关系，从而提出了山水画意境表现中的一个准则——画中有诗。比如他的作品《江山雪霁图卷》，画面上虽然没有像许多画家一样题上或多或少的诗词字句，却富有诗的意境。 ⑤中国山水画中所具有的那种空灵美、外象美、诗意美的意境既是画家创造的终点，又是观者再创造的起点，是画家与观者之间沟通的桥梁。当代中国山水画创作者，只有放开眼界，敞开胸怀，徜徉于大自然之中领受山川、风云、水石、林木际会之妙，铸就独特的艺术灵魂，方能构筑胸中意象，孕育笔墨语言，创作出有意境的作品，真正做到“代山川而言”。（有删改） 14．请简要概述全文的论述层次。 15．第②段画线句使用了什么论证方法？有何作用？