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美术中古典主义

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美术中古典主义

古典主义多次出入于艺术史的脉络展演中:它起始于希腊罗马,复出于十五世纪的文艺复兴,再现于十八世纪的新古典时期,并在二十世纪的后现代情境中,以多方位、狡猾及顽固的手法攀附在视觉艺术中,成为当代所无法忽略的视觉语言。本文将针对文艺复兴时期古典主义的美学观和执行策略,及古典主义的历史脉络和当代艺术的古典具现,作一探究,以期开发古典美学的能量。

文艺复兴时期古典主义的执行策略和美学观

古典主义的特质、美学观及其执行方法在希腊罗马时期便已奠定了稳固的视觉基础,而文艺复兴时期更将此传统,以多元化的方式结构为理智的规范,使其强劲的力量在经历了两千多年之后,还能够持续其统一

的型式、严密的结构及规律的秩序。

1、解剖学

古希腊哲学家亚里斯多德在公元前第四世纪时,便开始解剖动物,以探询感观察觉得真实世界;而公元十三世纪初,波隆纳(Bologne)成立了第一所医学院,艺术家们则学习从解剖中研究人体内部的组织、肌肉与骨胳来认识身体结构;并以深入探索人体结构,来突破外在表现的视觉局限性。阿尔伯迪(Leon Battista Alberti, 1404-1472,意大利建筑师、艺术家、音乐家兼诗人)在一四三五年便曾主张,艺术家必须要从解剖人体来学习基础的绘画:从早期肌肉结构的练习,描绘出矫作的人体,到后来成熟的自然表现,人体解剖学已成为艺术家们在描绘人体时所必需的能力。到了十六世纪早期,人体解剖学则成为佛罗轮斯所有艺术家们最为感兴趣的学科,达文西曾以惊人数量的素描作品来研究并练习人体解剖图(图一),使他的油画作品能够以优雅自然的形象给我们完美无暇的视觉经验。而米开朗基罗的作品则因个人表现主义的伸张而出现了肌肉贲张的男女人体,甚至在描画婴孩时,其肢体也不例外地以夸张健美的肌肉来表现,毫无掩饰地

流露出对于解剖学的热爱。

2、透视学

为了使平面能够成功地呈现出三度空间,文艺复兴的艺术家们研发了各种透视法,有些根据实际观察,一如传统的古典主义者,有些则根据的几何的机械方式来测量。实际观察者来自观者的视觉经验,能够表现主观的观点,如曼帖拿(Andrea Mantegna) 所画的《圣詹姆斯的处决》(图二)便是将视点放在图画下方界线之外,造成了从下望上看去的崇高、大胆且具戏剧化之构图。而根据几何的机械式测量则以一点或两点消失点来辅助透视的表现,以空间上所假设的消失点来使画面产生具有渐进深度的三维效果。

机械式透视依据着理论概念,在视觉上容易造成不自然的效果;然而,若与实际观察相结合,艺术家便能够更有条理且自然地表现空间,使平面出现深度,使人物的比例合乎此空间结构,使人与物的体积与空间关系相互调和,写实的描绘表现因此得以达到更趋完美的地步。如拉菲尔在《亚典学院》(图三)所所描绘的建筑物、地板、楼梯、以及人物比例,均一丝不苟地根据透视法来结构,以表现有深度的空间感。透视原理的应用在文艺复兴的艺术表现上,因能够协助表现三度写实空间,而成为极受重视以及普遍运用的古

典技法。

3、艺术家即科学家

文艺复兴的艺术家如科学家一般,对观察与研究自然现象有着极大的兴趣。而这些观察与研究所得的资料和过程,更帮助他们在作品上追求细节、精致与正确的表现。

个中最著名的例子还回到达文西,他对人体有着极为丰富与深入的研究,对于生殖的过程探讨也有相当的

兴趣,故当他研究男性与女性的生理结构时,曾以植物的生殖方式来对照人类的,除了将内脏毫无遗漏地描绘出来,更以科学分析的研究观察来比较与纪录其中的细节,将所承传的古典传统做更深入和明确的表

现,而这亦是他长久以来在绘画表现上所依据的能力。

结合着多重领域的科学研究,文艺复兴的艺术家将绘画与雕塑的古典认知带领到最高技术表现的境界。

4、追求完美的观念

完美的空间结构不仅来自透视学的辅助,也靠着艺术家所累积的观察经验;完美的人体表现不仅要靠比例上的正确组合,也要靠解剖学上所归纳整理的肌肉与骨胳结构。对于文艺复兴的绘画与雕刻来说,「人」与「空间」之间的关系代表着个人对现世的认同与探索,而追求完美的观念,则需透过理性认知,以能够理

想化现实生活中不够完美的状况。

米开朗基罗将《大卫》(图四)以人体理想化了的结构,以及符合标准美感的肌肉结构,来歌颂这位佛罗伦斯的守护神;拉菲尔在《亚典学院》(图三)中,则将一群先知依照他们的重要性,前后和谐地安置在无误的透视空间;而达文西更于《蒙纳丽莎》(图五)中,将人物以金字塔型的构图安置在画面正中央,以「空气透视」法表现背景的大自然,以无懈可击的黄金比例、光线与颜面来描绘女子安详神秘的神情。

5、追求和谐的信念

文艺复兴的人认为人类不仅在艺术上,在生活上也必须要平衡自己多方面的才能与兴趣,达文西曾说:「可知我们的灵魂是以和谐为原则所构成的?当我们对事物各部分结构的关注有同等之比重时,和谐自然产

生。」

达文西在生活上追求和谐的信念,在《巨匠的年代》这部电影中有着明确的表现:片中一幕是达文西正在工作室绘制《蒙纳丽莎》,音乐家在一旁弹奏音乐,达文西放下画笔去研究他搁于一旁未完成的发明,一会儿去弹奏乐器,一会儿又再回到画布前。这些举动动不论是重叠发生,或是前后发生,皆营造出工作室与

生活中的和谐美感。

文艺复兴的人对于自己才能与兴趣的驾驭,就像是宇宙主宰驾驭着围绕在轨道上的星星,井然有序且持续不间断的,他们相信人能够掌握宇宙间的平衡与和谐(易经:天行健,君子以自强不息)。

古典主义出入于历史脉络

在古典主义的二千多年生命中,十五世纪的文艺复兴扮演着其命运的鼎盛期。而西方艺术史在文艺复兴兴起之前,则曾出现过两波大不相同的艺术发展潮流:希腊罗马的古典传统以及中世纪艺术。纵然西方文明始于希腊罗马的古典文化,并深刻地影响着文艺复兴发展,但介于其间的中世纪宗教文化却杜绝了这项传

统的延续。

希腊古典主义的发展在其黄金时期(公元前480至430年),以理智且理想化的人文认知,在艺术、建筑、哲学、诗歌与戏剧上,成就了非凡的表现。于此多元化的人文主义探索中,亦注入了许多著名的神话故事来阐释人性的本质和生命的意义,其中著名的是将太阳神「阿波罗」视为理性的代表,而酒神「戴奥尼索斯」为感性的代表,如此二元对立的特性持续出现在人类生命的历程中,是生存所必须面对的「原型」,亦是人类所无法回避的悲剧性宿命。尼采(Friedrich Nietzsch)且认为,此二元对立精神乃希腊悲剧中人类的肉体与精神所彼此相依与成长的力量,其平衡共存的状况,则为希腊古典主义之理性与和谐特色得以茁壮

发展的哲学性思考。(图六)

在罗马征服世界,并于希腊领土上建立帝国之后,希腊的古典传统并未受到摧残;相反地,罗马人却以希腊的古典主义为典范,从中以表现着自己好战且着重现世的特色,并将其所征服领域——从英格兰到埃及,从西班牙到南俄——的文化融合在一起,进而成就了罗马式的古典主义。他们在建筑的发展上除了依据着古典主义的规章之外,更创造了拱门以及圆顶,以增加室内的实用空间;而在雕塑以及少数流传下来的绘

画表现上,则因好战的天性而偏向于帝王与将军等写实纪念人物为主,与希腊之崇尚神话人物有别。希腊与罗马在古典主义的表现上,虽有在人文认知的背景有所不同,却承传而完成了平衡、理想化、和谐和理性的建筑、雕刻与绘画特色,为西方文明奠下了传统的基础。(图七)

然而,此深厚的古典主义成就仍旧在第五世纪,因野蛮民族的入侵而行瓦解;且随第一世纪基督教信仰的萌芽,人们开始转化自己对生命的认知,故救赎与生俱来的「原罪」被视作今生主要的期望与工作,以寄望来生的平反——就此,过去希腊罗马的人生观在于信仰人生存于现世,并是世界的主宰,然而中世纪的人却将自己托付在生命终结后的来世,且视宗教为他们所赖以超度到来世的筹码。中世纪固然发展了极为雄伟的教堂建筑,教堂内部也有着繁复的装饰图案,但如此不同的人文认知却使古典的传统无法承接下去。

举例来说,中世纪的人视上帝为唯一的创造者,认为写实人物代表着有形的现世,故写实的描绘会有冒犯宗教的疑虑。在此以宗教为上的时代里,仅有非真实且样版化、概念式的造型才能受到容许,以代表遵从宗教的抽象认知,帮助人类进入到来世。古典主义在如此的宗教观念下受到了扼杀,而沉睡了将近一千年,直到十五世纪的文艺复兴,才又再度复苏。而此中世纪时期,从古典主义的观点来看,亦被称作「黑暗时

期」。

十五世纪的艺术家从中世纪烦琐的哲学与教堂的支配中解放出来,他们开始认知到,原来自己才是寻找真理的独立个体。他们相信自己是宇宙的中心,能够靠自己所创造的方法来认识世界,可因此不需依靠想象中或是抽象的上帝,以及其所传递的教旨来生存。而代表着希腊罗马文明的古典主义便成为他们藉以探讨人本观念的学习对象,亦是追求理性认知的重心,这时的佛罗伦斯则成为文艺复兴艺术家与学者们的「新

亚典」(New Athens)。

在艺术表现上,早期文艺复兴的人物雕刻与绘画开始有人性化的表现,他们的体积、比例、光线与色彩都呈现了自然与真实的效果,并以三度空间的立体表现手法将人物刻画得栩栩如真人。雕刻如唐那太罗(Donatello)的《圣马可》(图八)乃根据传统的古典作风,将圣人的身体重量落在一只腿上,表现出自在且真实的体态;绘画如波蒂且利(Botticelli)在《维纳斯的诞生》(图九)中,则表现了古典神话,以生动手法描绘幽雅的维纳斯、她的女侍和风神,他们身上不论是裸体或覆盖着薄裳,也都有着实质肉体的表现,而画面四周的风景与建筑也都依据着透视的原理来处理。

随着早期文艺复兴艺术家们对古典原则的探讨与表现,著名的文艺复兴三杰,达文西、米开朗基罗和拉菲尔更致力于实践希腊人对完美标准的观念,将古典主义的精神推向高峰。正如第一世纪的建筑师维楚维斯(Vitruvius)所提出的,人的身体代表着比例的标准:当我们的手与腿伸直时,恰好能够构成「完美」的方形和圆形,而视数学为至上真里的达文西则延伸此概念,认为「人类所有的真理研究都要透过数学来分析」,并画了《维楚维斯的人体》(图十):「当你将双腿张开,使身体的高度降低到原身高的十四分之一,然后将双臂举起,让中指与头部同高度,这时,你的四肢将可构成一个正圆形,你的肚脐定是位于圆形正中央,

而你两腿之间的空间必然会构成等边三角形。」

人体的标准比例能够构成圆形、方形与等边三角形这三种几何造型,人类因此从自己身上找到了完美的依据,并再次强调「人类是万物的尺度」(Man is the measure of all things.),对自我能力的探索即成为文艺复兴的基本认知。文艺复兴的艺术家自此更积极于作品中引用「解剖学」与「透视学」等技术,将古典概念发展延续,他们自视为「艺术家兼科学家」,并在观念上「追求完美」以及「和谐」的信仰。

文艺复兴的古典主义在拉菲尔过世之后开始式微,其价值与标准则备受「矫饰主义」的质疑,艺术家们的

表现逐渐朝瓦解其严谨结构的方向发展,并在视觉上让人有「颓废」及「堕落」之感,使古典主义的发展再度受到颠簸的命运。固然巴洛克时期曾试图扳回其视觉精髓,然社会人文上极度变革的认知、生存的环境与当时的人生观哲学,已无法使传统的古典主义再次受到重视。

直到十八世纪开始了一股考古风潮,一七三八年挖掘到被维苏威火山所掩埋了近一千七百年的罗马古城「庞贝城」(Pompei),才再度引起人们对古董收藏的喜好,进而对古典主义产生了浓厚的兴趣,这时的艺术家们开始真实描绘以罗马为背景、以及表现古人高尚的情感及品德。如大卫(Jacques-Louis David)则研究了考古史学家们的纪念章、浮雕、青铜雕像和罗马绘画作品的版画集,在《贺拉斯兄弟宣誓》(图十一)中,以严谨的笔法、稳重的色彩、平衡的构图、罗马建筑背景、以及身着古装的英勇挺拔战士与哀伤软弱的女性,以隐喻的手法来表现十八世纪拿破仑的政治企图心。此「古代热」短暂的四分之一世纪,在法国大革命的推动之下,由浪漫主义的解放思潮所取代,自此松绑了古典主义两千多年来所不断复出的传统教条。而从此松绑之后的深刻反省中,则衍生出了令人感到兴奋的现代主义自由思想——浪漫主义、自然主义、写实主义、印象派、后印象派等,进而塑造了二十世纪前半段的多样化、惊人的艺术表现——野兽派、立体派、表现派、达达主义、超现实主义、欧普艺术、极限艺术、超写实主义、观念艺术……而这些观念最

后都进入到后现代主义的氛围里。(待序)

(批注)

Kenneth Clark, The Nude, p. 193。

Wylie Sypher, Four Stages of Renaissance Style, p. 65, “Do you know that our soul is composed of harmony and that harmony is only produced when proportions of things are seen or heard

simultaneously?”

F. Murray Abraham, Mark Frankel, and John Glover, directed, A Season of Giants, a RAI production in association with Turner Pictures Consolidated Ltd. Telepool CMBH, 1991。此片描述三位文艺复兴的巨匠,米开朗基罗、拉菲尔和达文西,三人在艺术上的挣扎,以及彼此的关系。

Friedrich Nietzsche, The Birth of Tragedy and the Genealogy of Morals, trans. Francis Golffing, New York:

Doubleday Anchor Book, 1956。

Kenneth Clark, The Nude: A Study in Ideal Form, Princeton, New Jersey: Princeton University, 1972, p.

15。

Wylie Sypher, Four Stages of Renaissance Style: Transformation in Art and Literature, 1400-1700, Garden City, New York: Doubleday & Company, 1955, p. 61。

同上,p. 63.

Jacques Marseille 与Nadeije Laneyrie-Dagen 编着,世界艺术史,联经出版社,1998。pp. 214-215。

古典主义的后现代思维

在后现代艺术的表现中,亦有一支流派是以回归古典主义为主,这时的古典主义已不再是纯粹地对古典认知的重视与崇拜。想反地,这些艺术家经历了七零年代的观念艺术洗礼,于八0年代开始对于虚无的抽象观念感到厌倦,因而回归绘画——古典主义的绘画;然而,但在绘画的表现上,却也已无法对形象的认知产生如古典绘画中对于理想与标准的信仰。因此,这些艺术家们也许所回归的是绘画表现,所描绘却的是古典形象,所叙述的是希腊神话内容,但,他们在作品背后所安排的「文脉」却是当代思想中的「错置」与「混沌」。如马利雅尼(Carlo Maria Mariani)在《屈服于知识分子的手》(图十二),便以两位希腊桂冠诗人般的健壮美男子,面对面坐着以绘制对方,所吐露的除了当代在台面上热络谈论的「同性恋」的讯息之外,也以桂冠代表对着诗歌的赞颂。在形式上以古典的布局来让我们产生熟悉与怀旧的情怀,却在讯息内

容的传递上,让人惊愕而措手不及。

雪珑.籗瑕(Sharron Quasius)在《普桑的萨宾族劫掠》一作(图十三)以棉布缝制后浸泡聚酯纤维以定

型的浮雕方式,再现了十七世纪法国艺术家普桑(Poussin)的《萨宾族劫掠》油画作品(图十四)。普桑的原作是以古典技法所描绘,画中人物应是争嚷不休的肢体语言则遵守了古典法则的冷静,并参考希腊古典雕像做为人物描绘标准,作品内容所要叙述的是传说中古罗马人为了繁衍自己的后代,在庆典中攫取萨宾族的妇女,强暴他们族群的妇女,之后娶为妻子以繁衍罗马人,而所有的婚姻仪式让人忆起这种集体强暴,婚姻则是「重建尊严」的一种回馈。籗瑕以普桑的作品为蓝图,在女红一针一线的缝纫中质疑了这个历史传说中物化且蔑视女性的作品,并对于萨宾族的传说故事不断地出现在新娘嫁妆盒上,为数世纪以来的女性洗脑,提出了温柔的抗议。正如西蒙波娃所言:「女性不是天生而就,是被塑造而成的」,若能够回到没有被上过色彩的纯净画布,以令人没有戒心的布娃娃形式呈现,是否得以挽救性别不平等的宿命?此外,普桑原作在平面表现了文艺复兴时期以来所热衷的三度空间表现,在籗瑕的作品则紧抓住浮雕的三度空间特色,将二度空间的三度展现更为实质的三度,但经过了这样的转换之后,作品的视觉深度反倒被平面化了。这好比是古典标准的目的是以完美为目的,但在路的尽头却拐回了中世纪的平面结果。籗瑕对性别意识的平反与古典绘画机制的质疑,皆藉由古典主义的后现代理念侃侃道出。

姆利欧.卡丝塔妮(Muriel Castanis)的《披戴衣巾的站立者》(图十五)出自希腊时期的《三女神》(图十六)大理石雕刻。《三女神》是由一块石头雕刻为布的柔软质感,足以见证了希腊人在艺术表现上的能力,唯时代久远,女神的头和手部分多遗失,然女神优雅的姿态与神情则未曾流失过。三女神是希腊神话里金苹果的故事,三位美神维纳斯、雅典娜和西拉在选美大赛里争夺冠军,各以爱情、权力和财富来贿赂帕西斯,而帕西斯接受更维纳斯的爱情,引发了特洛伊战争,这一段史诗般的记载则让卡丝塔妮塑造了《披戴衣巾的站立者》,她同籗瑕一般,亦使用了棉布浸泡聚酯纤维,以塑造出一个没有脸和手的站立雕像,像是游乐场所脸部空白的白雪公主偶板,可以让人摆上自己的头,干过公主的瘾。卡丝塔妮在此一方面认为「美」是隐形的(所以看不到主角的脸和手),另一方面则建议只要走上一步,人人都有可能是美神。在菲利普.强生(Philip Johnson)和约翰.堡纪(John Burgee)在旧金山中国城旁所共同设计的后现代建筑上(图十七),便是将卡丝塔妮的作品放置在屋顶作装饰,四方形建筑的每一面都放置了三位(三女神),沿承西方古典建筑屋顶的雕像,守护着建筑亦守护着城市。卡丝塔妮的古典装饰性高于对古典认知的质疑,是较为纯粹的

古典表现。

从马利雅尼玩弄过去与现在的手法,籗瑕质疑古典精神与传统性别观,到卡丝塔妮将美的定义回馈到公共空间,当代的古典艺术家们悠游于其表现手法、神话内涵及历史版图。在一片怀旧的记载中,不甘以完全的回归作为一种救赎,反倒是吊诡地玩弄其中的伦理与秩序。就算在形象上有着古典表现的外衣,但在内函文脉上却是分裂及无关的记载;就算在内涵上以古典史实为依据,但在表现手法上却也偷天换日为当代的情节;而当代的社会认知与意识型态,更让人们在熟识却也陌生的视觉情境下相互编织,或以黑色幽默及讽刺的语汇,或以颠覆并批判的历史图像。在玩弄象征着古典的意识或形象中,艺术家们亵渎了古典的「永恒、理想、理智与纯粹」的精神,但也让人们以熟悉且具美感的视觉经验来重新认识艺术。

二十世纪以前的历代古典主义总是因为握得太紧而失去生存的空间,这个训诫让后现代的古典思维选择不要背负历史的包袱,而让历史图像的意义亦操纵在艺术家的多样认知中,并随着每个独立的关怀与认知转动不定。就此,我们不得不承认,古典主义的命运虽随着世代的交替而沉浮不定,但它顽强的生命力确实

让我们由衷佩服。

(批注)

Robert Atkins, Art Speak, New York: Abbeville Press Publisher, 1990, 131-133。”Post-Modernism”第一次出现在二十世纪60年代的建筑研究上,而于70年代后期广泛地用在艺术评论上。

美术作品赏析

美术作品赏析——马拉之死 一、缘由 《马拉之死》是大卫的一幅名画,它因马拉的特殊身份和简洁有力的形式而为人们所熟知。马拉(Marat,1743-1793年)是雅各宾派的核心领导人之一。雅各宾派当政以后,他因为卓越的号召能力而成为该派的主席,但同时也是一位残忍嗜血的活动家,往往不经审判便将政敌送上断头台。他患有严重的皮肤病,每天只有泡在洒过药水的浴缸中才能缓解痛苦,于是,浴室就成了他最经常呆着的办公场所。1793年7月11日,一位反对暴政的女士借口商谈事宜,进入马拉的浴室,并在他毫无防备的情况下行刺,结束了这位暴戾政客的生命。 二、背景 马拉(Jean-Paul Marat, 1743–1793),是1789年法国大革命时期的资产阶级革命时期雅各宾党领导人之一,法国大革命期间,他撰写过很多抨击封建专制的文章,在当时人们心目中享有很高的威望。马拉为躲避反动分子的迫害,长期在地窖里工作,因此,染上了严重的湿病和皮肤病。为了减轻病痛,同时,不影响工作,他每天不得不泡在带有药液的浴缸里坚持工作。 1793年7月13曰,被当时的右翼吉伦特党派遣的保皇分子谋害,终年50岁。马拉被害时正在浴缸里边洗浴、边工作。这里,达维德满怀悲愤,描绘了马拉被刺的情景。凶手逃遁,匕首抛在地上,鲜血从胸口流出,左手紧握着凶手给他的留言便笺,右手无力地垂落下来……一年后,拿破仑发动雾月政变,达维德将此画转移。直到1893年,比利时皇家博物馆将此画正式收藏,成为世界艺术宝库中的无价之宝。 三、作品赏析 画家用写实的手法再现了当时的情形:马拉倒在浴缸里,鲜血正在从伤口中流出;带血的匕首滑落在地,而凶手已经逃离现场。画家将画中的主角设计在一个情节和场景之中,丰富了肖像画的表现内容,增强了它的感染力。画家有意将画面的上半部处理的单纯、深暗以突出下半部的客观写实表现,同时,加强死者身体的下垂感和这一令人震惊愤慨的事件给人们带来的压抑、憋闷即莫大的悲痛之感。

古典主义和浪漫主义

古典主义和浪漫主义 17世纪和18世纪前半期流行于欧洲君主专制时期的一种文艺思潮或文艺流派。它的代表人物在创作实践和文艺理论上,把古希腊罗马时代的文艺视为必须仿效的崇高典范,从中吸取题材、情节、形象和创作经验,并赋予它们新的历史内容。古典主义一词由此而得名。 法国是欧洲古典主义文艺的中心。从17世纪初起,法国诗人马莱伯等为反对一切方言与俚语,确立法国古典主义文学语言的规范做了大量工作。诗人梅莱在悲剧《索福尼斯贝》中,最早实现了意大利学者提出的三一律原则,即一个情节线索、一天时间和一个地点。这是古典主义剧作家创作的基本准则。法国文艺理论家N.布瓦洛的《诗艺》是一部具有古典主义文艺宣言性质的重要论著,概括和总结了几十年法国古典主义创作的实践,要求文艺“模仿自然”(包括人性的自然),“研究宫廷”,“认识城市”;把体裁(史诗、悲剧、喜剧等)分为界限分明的不同的等级,并对每种体裁进行严格规范;依据笛卡尔的理性主义提出理性至上的美学原则。古典主义在法国文学中的代表者有高乃依、拉辛、布瓦洛、莫里哀、拉封丹等;绘画的代表者有普桑、勒布朗、大卫等;建筑中的代表者有芒萨尔、勒诺特尔等。他们在政治上拥护王权,作品具有鲜明的政治倾向性;主张民族统一,反对民族分裂;宣扬个人利益服从国家整体利益;塑造了为崇高社会理想而服务的人物典型;他们的创作基本上为宫廷服务,对民间文学采取轻视态度。古典主义由于过分强调理性主义、普遍性和情节的集中、单一,往往忽视个性,突出类型,不少作品具有公式化、概念化的倾向。 在欧洲18世纪,古典主义思潮几乎遍及全欧。当时的所谓艺术正统是崇尚古典复兴的艺术,以古希腊罗马时期的美术风格为典范,要求进行艺术加工,从而符合一定的规范。直接导致了后来学院派的产生,它的模式化成为一个弊端。 达维特是古典主义的第一个代表。雅克·路易斯·达维特(Jacques Louis David,1748-1825)1748年达维特出身于巴黎一个中产阶级家庭,他最初的绘画老师是他的亲戚,著名的罗可可画家布歇。少年时代的达维特是沉默寡言和喜欢思考的,他不喜欢和同龄的孩子玩,使人感到他少年老成。达维特的文化水平非常有限,他的感受力也很一般。但正是由于这种缘故,他能够对别人开诚相见。同时,达维特坚忍不拔地追求着自我完善,这使他成功地获得了熟练的技艺。可是,尽管他有巨大的毅力以及接近人民,由于缺乏真正的文化,他不论在生活中或是艺术上,都未能走自己独立的道路。他以盲目的热情献身于他所接触到的思想。当达维特从皇家美术院毕业获罗马大奖后,他便赴意大利游学,深受意大利文艺复兴(古典主义)美术影响。 比柯尔夫人 当达维特从意大利游学回到巴黎后,他认真地研究了布歇(Boucher)、格瑞兹(Greuze)、维安(Vien)、孟格斯、卡拉瓦乔(Caravaggio)、普桑(Poussin)等人的绘画风格以及古代雕刻。达维特于1784年画了“比柯尔夫人”的肖像。靠这个妇人的服装和相貌,使这幅肖像画没有一点古典主义的气息。达维特得自对古典形式的研究,仅仅是强有力的结构,这种结构一方面强调了模特儿的生命力,另一方面则强调了她的粗俗;画家用了一种葡萄酒似的红色,把这种粗俗的气味渲染到淋漓尽致的程度。这幅肖像画只是证明了一个工匠而不是一个

新古典主义风格油画解析

劫夺萨宾妇女 【名称】劫夺萨宾妇女 【类别】油画 【年代】1789年至1799年 【作者】达维特 【规格】约有386×520厘米 【属地】现藏巴黎卢浮宫 这幅画暴露了古典主义绘画形式美的程式化,理性的构思冲淡了艺术美的真实激性。达维特在失望与消沉的情绪下,借画这幅画来消磨时光,因而难免有"借酒浇愁"之感。此画于1799年完成,当它被推出沙龙时,人们立即意识到画家的意志的转变。所以到了拿破仑巩固其政权的年代里,他也很快成了宫廷画家。这种局限性在他以后的创作中就更加明显了。 创作背景 1794年7月27日(法国革命新历为热月9日),拿破仑发动政变,推翻了雅各宾党专政,继而又对敌手实行残酷镇压。罗伯斯比尔被送上断头台,参加雅各宾党的画家达维特也被罗织了17条罪状而被捕入狱,险遭杀身之祸。出狱以后,他深居简出,停止了所有政治活动,除了与一些艺术界人士交往外,平时只在画室里教学。这时,达维特的情绪很消沉,遂将更多的精力用于以裸体为基础的绘画作业上。这一幅《劫夺萨宾妇女》的画稿,在他的画室里已闲置了整个大革命时期,此时他拿出来重新加工。改掉了于1789年着手时的构图,至1799年最终把它画完了。

表现目的 《劫夺萨宾妇女》和他后来的另一幅大画《拿破仑一世加冕大典》一样,追求的是对历史事件的逼真感。在这一类题材上他始终保持一种观点: 艺术之道在于模仿"地道的"古代生活,并"立意作考古式地真实再现"。他说: "我的意图是要以一丝不苟的准确性去描绘古代风尚,要让那些希腊人、罗马人看了我的画后,不会感到我的画同他们的风俗习惯有格格不入之处"。可是这一幅画不仅表现了画家的艺术理想,即所谓"历史事实的强烈逼真感",还反映了画家此时内心正在升腾的一种"和解"愿望。重画这幅作品的热情,来源于画家试图以人体描写的古典画法来填补心灵的空虚,更主要的是这个题材正好符合他抒发某种妥协、容忍与和平的哀吟心声。 题材 《劫夺萨宾妇女》的题材源自罗马神话传说:罗马人在邀请邻帮萨宾人参加自己的宴会同时,悄悄地打入萨宾城,抢去了那里许多年轻美貌的妇女。萨宾人是居住在阿比奈斯山脉中央的一支古意大利民族。而罗马帝国的缔造者、一位部落领袖罗穆吕斯早就觊觎萨宾女人。在萨宾城正在欢庆的节日里,他们冲进城去,掠夺萨宾妇女和她们的财产。从此,双方展开了长期的战斗。这种连绵不断的战争引起萨宾妇女的恐惧,为了不使自己的父兄和已经与她们成婚的罗马人继续牺牲,萨宾妇女抱着幼儿奔到战场上来阻止这场厮杀。 画面描述 画上站在中央用双手挡开鏖战激烈的敌对双方的萨宾妇女名叫爱尔茜里。她奋不顾身走到前面,孩子已从她的怀里掉落在地,左右几个妇女抢步上来搂住幼儿;前景上右侧一个正欲投枪的武士即是罗马王罗穆吕斯,他背朝观者,与对方另一持盾拿剑、胸朝观众的萨宾王都斯,构成势均力敌的一对。画上所有人物都以裸体或半裸体展现,这是古典主义绘画的特点。为了显示绘画造型布局,画上不论远景,还是近景,不论人物还是兵器,都要服从黄金分割的视觉法则。如右侧的战马与左侧高举婴儿的妇女形象相对称;爱尔茜里的白色衣服与后面稍右的红色衣服相协调。前景上两个对峙的武士的相对站势……双方的厮杀尽管气氛强烈,但主要人物的构图,包括两个部落王的正反面盾牌,高举着的婴儿的竖形与横向标枪的水平形,都是在这种法则下的稳定构图。刀枪剑戟杀气腾腾,可是人物的表情却都是那样缺乏生气,显得有点做作( 只有中央的妇女与两边两个部落王,稍显紧张一些)。 深层意义 这幅画暴露了古典主义绘画形式美的程式化,理性的构思冲淡了艺术美的真实激性。达维特在失望与消沉的情绪下,借画这幅画来消磨时光,因而难免有"借酒浇愁"之感。此画于1799年完成,当它被推出沙龙时,人们立即意识到画家的意志的转变。所以到了拿破仑巩固其政权的年代里,他也很快成了宫廷画家。这种局限性在他以后的创作中就更加明显了。 作品赏析 这是源于古罗马神话题材的作品。罗马人邀请邻邦萨宾人参加宴会,与此同时,悄悄攻入萨宾城,劫夺了许多年轻貌美的妇女。从此,双方结下仇恨,战争连绵不断。为了不使自己的亲人们在战争中继续牺牲,萨宾妇女抱着幼子走上战场,阻止双方的厮杀。画上所有的人都以裸体和半裸体出现,显示了古典主义绘画的特点。虽然人物众多,动势较大,但都遵循平衡对称原则,使构图稳定;画面中刀枪剑戟、杀气腾腾,人物表情却冷漠缺乏生气,暴露了新古典主义绘画形式美的程式化,理性的构思冲淡了艺术美的真实激情。 画家简介 雅克·路易·大卫(Jacques-Louis David,1748年8月30日-1825年12月9日)是欧洲新古典主义绘画的先驱和代表性画家,在法国大革命和拿破仑时期雄踞法国画 坛。他的作品大多表现历史英雄人物,构图严谨,技法精细,画风简朴庄重。其代表 性历史画有《荷拉斯兄弟之誓》、《马拉之死》、《拿破仑一世及皇后加冕典礼》,肖像

古典主义绘画教案

古典主义绘画教案 【篇一:外国古代绘画教学设计】 人类生活的真实再现—— 外国古代绘画撷英 我说课的内容是人美版高中课程标准实验教科书——美术鉴赏第10 课《人类生活的真实再现—外国古代绘画撷英》。我主要从教材分析、教法运用、学法指导和教学过程四个步骤加以阐述。 一、教材分析 (一)教学目标 ①知识目标:通过本课的教学,使学生对外国古代绘画的主要类别、发展概况、突出成就,以及不同民族绘画的主要特点有基本的了解,并领会各民族绘画形式的差异及其与审美观念的联系。 ②能力目标:通过学习能够比较、分析外国古代绘画重要作品的风格、特点及时代特征,认识到外国古代绘画的丰富多彩是世界文化 多样性的生动体现。 ③美育目标:最终使学生开阔视野、增长见识、陶冶情操、提高艺 术素养和审美感知能力。 (二)重点 通过不同民族,不同时期、不同风格的绘画作品的分析、比较,使 学生加深对外国古代绘画的了解,认识外国古代绘画的丰富性与多 样性。 (三)难点 领会古代不同民族绘画形式上的差异及其与现实生活、宗教,审美 观念的联系。 二、教学方法 教学方法是教育观念的具体体现、是实现教学目标的重要手段。我 根据“教师为主导,学生为主体”的教学原则,采用以下教学方法: 1.讲授、 2.演示、 3.讨论、 4.运用课件辅助教学 三、学法(主要培养其思维能力) 美术欣赏活动是一种个性化的情感活动。在教学生掌握美术作品欣 赏方法的同时,也应使学生的思维能力得到充分的培养和锻炼,比如: 1、描述:引导学生能用直观的语言,将作品的形式特征和自己的感受表达出来,主要目的是训练学生的视觉感知能力。当美术作品呈

现在我们眼前,首先是视觉的冲击和感受,它是在感觉、联想、想 象中形成自己的最初感受,产生对作品初步印象。通常学生在最初 接受作品时,对作品的感知是依靠自己经验与知识的认知度,要引 导学生从不同的角度对作品仔细观察,了解作品的形式语言特征, 能有浓度大胆表达与自己在联想中获得感受,从而为进一步鉴赏奠 定基础。 2、分析:在描述的基础上,通过对作品核心内容中的形式因素、组 织引导学生学会用专业的眼光,去解读作品中各类美术元素、艺术 形式美的运用和美术形象塑造的意义,通过比较来发现和领会美术 形式语言美,促进学生审美经验的提升,使学生的审美能力得到提高。 3、评价:主要评价作品所体现的文化价值以及作品和艺术家对后人 的影响,再者是以自我主观角度对作品作出评判与甄别,作出主观 判断。 四、教学过程: (一)、趣味导入 以中外绘画历史进行对比,此前已经学习过中国古代绘画有七千年 的悠久历史,但是“外国古代绘画距今有多久的历史呢?”以此吸引 学生的注意力,调动其思考的积极性。 (二)、学习新内容 1、人类最早的绘画 [课件]简要介绍人类最早的绘画——欧洲旧石器时代晚期的洞窟壁画,图示阿尔塔米拉洞窟壁画《野牛》,同时图示拉斯科洞窟壁画《野 牛 .人》,请学生讨论后分析、比较,之后教师讲解,使学生对人类 绘画的面貌有所了解。 2.古埃及绘画 多媒体课件展示《三个乐女》,提示学生观察欣赏讨论与发现古代 埃及绘画的古老法则。正面律是古埃及浮雕和绘画保持了3000年不 变的造型规范:a.人物比例大小与其身份地位高低成正比,井然有序,追求平面的排列效果;b.注重画面的叙述性,内容详尽,描绘精微;c.埃及绘画构图多采用水平线分割画面,画面布局较满,很少留有空白。《宴乐图》的构图即反映了埃及绘画构图及造型特点。 和古巴比伦的《朝贡者》对比,说明古代两河流域与尼罗河流域的 不同民族在艺术上曾有过交流。 3.在世界绘画史上占有重要地位的欧洲绘画

新古典主义美术的特征

新古典主义美术的特征 1.选择严峻的重大题材(古代历史和现实的重大题材),在艺术形式上,强调理性而非感性的表现; 2.在构图上强调完整性; 3.在造型上注重素描和轮廓,注重雕塑般的人物形象,而对色彩不够重视。 新古典主义(英语︰Neoclassicism),兴起于18世纪的罗马,并迅速在欧美地 区扩展的艺术运动。新古典主义,一方面起于对巴洛克(Baroque)和洛可可(Rococo)艺术的反动,另一方面则是希望以重振古希腊、古罗马的艺术为信念。新古典主义的艺术家刻意从风格与题材模仿古代艺术,并且知晓所模仿的内容为何 新古典主义 以复兴古希腊罗马艺术为旗号的古典主义艺术,早在17世纪的法国就已出现。在法国大革命及其政治和社会改革之前,有一场纯粹的艺术革命,这就是新古典主义美术运动。这一时期的法国美术既不是古希腊和罗马美术的再现,也非17世纪法国古典主义的重复。它是适应资产阶级革命形势需要在美术上一场借古开今的潮流。所谓新古典主义也就是相对于17世纪的古典主义而言的。同时,因为这场新古典主义美术运动与法国大革命紧密相关,所以也有人称之为"革命的古典主义"。 西方美术名作赏析 一:安格尔的《泉》赏析 这幅画出自让·奥古斯特·多米尼克·安格尔,是在安格尔76岁时画的,安格尔是古典主义绘画的末代风流画家,吸收文艺复兴时期前辈大师的求实的技巧,使自己的素描技巧发挥到炉火纯青的境地。《泉》这幅画则反映了他对“精细的造型手段创造一种抽象的古典美典范的必要性”的认识。 安格尔是代表着保守的学院派,与当时新兴的浪漫主义画派对立,形成尖锐的学派斗争。安格尔并不是生硬地照搬古代大师的样式,他善于把握古典艺术的造型美,把这种古典美融化在自然之中。他从古典美中得到一种简炼而单纯的风格,始终以温克尔曼的“静穆的伟大,崇高的单纯”作为自己的原则。《泉》是安格尔影响力最大,最不朽,也最具代表性的作品 这幅画的主体虽然处于画面的中心,但是由于画面的富于变化使得整幅画有了一种独特的美。在色彩上以背景的深色调和主体得浅色调对比,但是并不强烈,而是有了一种过渡的美。在人物的个性体现上,把姑娘的面容与水罐那空无一物的“脸”放在一起加以比较,就更增加姑娘的面容的吸引力;画中盛水的罐子开着口让内部的水自由地流出,而姑娘的嘴和人体的会阴部却是紧紧闭合的,这是对处女所特有的那种拘谨而又开放的性格特征的强烈暗示。这幅画的主旋律就是表现这一性格特征。那紧紧夹在一起的双膝、与头部紧紧贴在一起的右手手臂以及那紧紧握住的双手都表现了处女的羞怯和拘谨,而这种羞怯又被整个身体的裸露抵消了。画中人体的整个造型以垂直轴为中心对称,但整幅画中却找不到真正的垂直线,全部的垂直线实际上是由身体各部分的局部轴线稍加摆正来完成的,它表现了生者的平衡而非死者的寂灭。画中那个姑娘

对新古典主义美术的再认识

对新古典主义美术的再认识 摘要:在18世纪下半叶法国大革命这个新时代里,艺术观念得以更新改变,人们开始关注过去很少谈论的风格问题,并且有意识的追求不同的风格式样,形成流派纷呈的艺术新局面。而新古典艺术便是其中具有代表性的流派思潮之一。新古典主义产生于18世纪中期,在19世纪上半期发展至顶峰。新古典主义一方面力求复兴古代审美,强烈追求古典式的宁静凝重和考古式的精确,尤其是古希腊罗马时代的庄严、肃穆、优美和典雅的艺术形式;另一方面它又极力反对贵族社会所推崇的巴洛克和罗可可艺术风格。它主要分为抽象的古典主义和具象的或折衷的古典主义两大类,是经过改良的古典主义。具有艳丽与丰富的色彩、古典元素抽象化为符号、粗与细雅与俗的对比等特点,有着很多出色的代表性建筑,具有深厚的文化意义。 关键词:新古典主义;艺术欣赏;绘画;大卫;安格尔 一.新的时代风向与审美倾向——新古典主义的兴起 随着洛可可艺术作为十八世纪的主流艺术随蓬巴杜夫人的死去而盛极渐衰,艺术家们对这种脱离宗题材单纯追求感官乐趣、风格绮丽繁复、脱离现实的艺术产生不满,主张复兴古代艺术。洛可可艺术退出历史舞台,被新古典主义艺术所代替。18纪末至19世纪初,这个时期是古典主义绘画的最后一个高峰,这一阶段 的古典主义与当时的政治、社会背景有着极为紧密的联系。在18世纪下半叶时期是法国封建君主制日趋腐败堕落和资产阶级逐渐强大的时期,资产阶级为取得 革命的胜利,在意识形态领域高举反封建、反宗教神权的旗帜,号召和组织人民大众起来为资产阶级革命而献身。为取得这一革命斗争的彻底胜利,首先要在人们 的心理上注入为革命献身的美德和勇气,那就是为共和国而战斗的英雄主义精神。因此,古代希腊罗马的英雄成了资产阶级所推崇的偶像。在这样的历史环境下,产生了借用古代艺术形式和古代英雄主义题材的新古典主义。 新古典主义绘画以文艺复兴时期的美学作为创作的指导思想,新古典主义美术的特征是:以自然为原型,按照确定的美的理念去再现自然。这一点同传统古典主义相一致;崇尚理性和共性,将艺术纳入规范和有序之中;以希腊罗马英雄事迹及当代生活为题材,艺术创作带有更多的个人风格的追求和时代印迹。在构

高中美术人教版必修 艺术欣赏 现实与理想—西方古典绘画-教学设计

教学设计

古埃及壁画从形象角度来说,正面的眼睛,侧面的头部,正面的上半身与侧面的腿,即“正面律”,看重在一个二维平面中表现出一个身体最完整的样子。从画面整体角度,古埃及艺术是非常规合理的空间结构,是二维平面的,画的完整是最重要的,它表现的是观念中的事物形态。 教师展示古希腊雕塑《米洛斯的阿芙洛狄特》,并阐述相比于古埃及人,古希腊人更仔细地去模仿真人外形,并加以美化,赋予自然“理想化”。同时通过阐述《米洛斯的阿芙洛狄特》身体上下长度比为0.618:1,头身比为1:8的黄金比例,描述出古希腊时期人们是追求理想美。 驱动性问题:古希腊古埃及时期的艺术作品最大特征是什么? 学生活动: 同时思考并回答古埃壁画《三个音乐家》人物的特点、画面整体的特点。教师引导学生从眼睛、头部、上半身、下半身等角度去分析人物,并从空间结构的角度引导学生回答古埃及艺术的特点,之后聆听教师总结。 观察古希腊雕塑《米洛斯的阿芙洛狄特》,同时思考为什么断臂的维纳斯“很美”,并结合教师的阐述理解古希腊的“理想美”。 设计意图: 通过鉴赏古埃及和古希腊的作品,理解在当时的文化下表现的是观念中的事物,并加深学生对不同文化的理解,体会文化的多样性。

向学生提问文艺复兴三杰是谁?有什么代表作?展示达芬奇、拉斐尔与米开朗基罗作品,并简要介绍代表作《蒙娜丽莎》《草地上的圣母》《西斯廷天顶画》。 重点介绍波提切利作品,从材料选择、形象特点、内容选取三个方面介绍《维纳斯的诞生》及它的独特性: 材料选择采用蛋彩画,饱和度低、颜色柔和;形象特点是为了人物的和谐牺牲了准确性;内容选取古希腊古罗马的神,体现了文艺复兴的精神。 让学生体会这种不一样的文艺复兴精神。 教师通过文艺复兴时期代表艺术家的介绍,总结出文艺复兴的核心价值,即人文主义。人类的理性比上帝的神示更重要。文艺复兴运动引发艺术家的自我意识觉醒,在绘画方面进行了突破性的探索,这些变化使得其作品呈现出惊人的真实感。文艺复兴是西方文明发展史的重要转折,开创了西方艺术全新的时代。 驱动性问题:为什么说文艺复兴时期的绘画作品是西方艺术全新时代? 学生活动: 学生回忆文艺复兴的历史知识,并通过教师的介绍能够说出文艺复兴的发源地、“复兴”的意义及其特征。 根据教师的提问说出文艺复兴三杰,并聆听教师介绍三人的代表作。 通过教师介绍《维纳斯的诞生》,学生对于这幅画的材料选择、形象特点、

梳理古典主义美术发展流程(具体例子)

梳理古典主义美术发展流程(具体例子) 古典主义美术主张理性至上,克服个人情感;强调描写“美”的绝对概念;虽主张“模仿自然”,但这种“模仿”不是指物质世界,而是指自然中存在的人性和理性。 1、以普桑为代表的崇尚永恒和自然理性的古典主义。 普桑﹙1594-1665﹚是17世纪古典主义绘画的奠基人,也是法国最伟大的画家之一,作品多以神话、宗教和历史故事为题材,富有深度思想与象征意义,辅以自然景色的描写,画作气氛含蓄而宁静,充满田园诗般的抒情味道。他深受巴洛克艺术及多米尼基诺、提香等人画风的影响。《诗人的灵感》标志着他艺术风格的形成。他似乎为古典的理性所支配,把古典的形式美运用到自己的作品中。可以看出,他在作品中控制着自己的感情,不为感情所动,以尽量求得画面的统一和完整。《诗人的灵感》一画显示了其浪漫的古典气质,他对欢乐的牧歌场面早已失去了兴趣,而代之以对沉静的艺术世界的思考。这幅作品构图平稳,严谨端庄的造型和大块平涂的色彩处理,造成一种少有的伟大庄重的寂静感,具有古典理想主义的特征。 画的中央坐着神话传说的阿波罗,头戴桂冠,这是他追求女神达芙妮失败的纪念物。阿波罗狂恋达芙妮不成,达芙妮变成一棵月桂树。阿波罗摘下了月桂枝叶编成桂冠,以为怀念。他右手还支着一架从众神的使者赫耳墨斯处获得的七弦琴,正在命他的缪斯之一欧忒耳珀记下他心中被灵感激发的诗句。那个记着诗句的缪斯似乎有所悟,正仰起头望着天空。天使与另一缪斯女神围在他的身边,期待着阿波罗的泉涌般的灵感。太阳神阿波罗是医药、畜牧、音乐与诗歌的神。缪斯神也常与他作伴。正是他崇拜古典艺术的思想表现。 2、以达维特为代表的宣扬革命和斗争精神的新古典主义。 法国画家达维特(David,1748 —1825),就是新古典主义风格的创立者。达维特年少时,随同老师维昂到罗马深造,认真研究了古典主义美术,从而变成了一位古典主义理想的坚定信徒。其作品《贺拉斯三兄弟的宣誓》把人们引回到古罗马的崇高世界。在简洁的空间内,站立着贺拉斯家族英勇的男子,画面有力的直线构成了整个画面的纪念碑式的气势,舍家为国、视死如归的英雄主义精神成为大革命时期的象征。

新古典主义美术论文

新古典主义美术 ——浮华浪潮后的返璞归真 钟婉仪文学院1005010138 摘要:新古典主义产生于18世纪中期,在19世纪上半期发展至顶峰。新古典主义一方面力求复兴古代审美,强烈追求古典式的宁静凝重和考古式的精确,尤其是古希腊罗马时代的庄严、肃穆、优美和典雅的艺术形式;另一方面它又极力反对贵族社会所推崇的巴洛克和罗可可艺术风格。19世纪法国绘画艺术取得了压倒一切的地位,受理性主义美学的影响,创造了诗人人耳目一新的风格,这时期的艺术成就在西方美术史上具有重要意义,本文就新古典主义艺术的发展历史和代表人物安格尔与沃特豪斯及相关作品进行论述。 关键词:新古典主义;艺术;安格尔;沃特豪斯; 一、古典主义兴起 随着洛可可艺术作为十八世纪的主流艺术随蓬巴杜夫人的死去而盛极渐衰,艺术家们对这种脱离宗题材单纯追求感官乐趣、风格绮丽繁复、脱离现实的艺术产生不满,主张复兴古代艺术。洛可可艺术退出历史舞台,被新古典主义艺术所代替。 新古典主义,是兴起于18世纪的罗马,并迅速在欧美地区扩展的艺术运动。新古典主义,是对巴洛克和洛可可艺术的反动,以重振古希腊、古罗马艺术为信念。新古典主义的艺术家刻意从风格与题材模仿古代艺术。而新古典主义又不同于17世纪盛行的古典主义,它排挤了抽象的、脱离现实的绝对美的概念和贫乏的、缺乏血肉的艺术形象。它虽以古代美为典范,但从现实生活中吸取营养,它尊重自然追求真实,表现出对古代文明的向往和怀旧感。新古典主义的绘画产生于法国大革命前夕,法国资产阶级推崇古典风格,推行古希腊、罗马的艺术语言、样式、题材、风格,是为其达到喻古讽今的目的。由于与法国大革命的密切关系,赋予了古典主义以新的内容,使得许多艺术家能够突破古典主义的程式束缚,创造出一些具有现实意义的作品,因而新古典主义又常被称为“革命的古典主义”。 新古典主义绘画以文艺复兴时期的美学作为创作的指导思想,新古典主义美术的特征是:选择严峻的重大题材(古代历史和现实的重大事件),在艺术形式上,强调理性而非感性的表现;在构图上强调完整性;在造型上重视素描和轮廓,注重雕塑般的人物形象,而对色彩不够重视。 新古典主义被19世纪的学院派视为典范,长期成为正统。但同时又由于它对远古和异国的热烈憧憬和官能性的倾向,也构成浪漫主义美术的先驱。在斯托拉时代的德国一度也流行”新古典主义艺术”这一概念,但内涵则异样。在埃及美术﹑现代建筑和日本现代美术中,也常借用这一名称指某种追慕古典的美术样式。 维安是法国最早的新古典主义画家,他试图反对情欲的、过分雅致的艺术,力求恢复古希腊艺术的朴素、庄严。由于他的才能和个性的局限,他没能实现艺术上的根本变革。

古典主义和新古典主义美术

古典主义美术 古典一词源出于拉丁文(Classicus),有“典范”的意思。美术上的古典主义主要产生在意大利学院,17世纪时确在法国得到了极大发展。在17世纪,法国的古典主义文学艺术特别发达,用现了一大批代表人物。美术上的代表有普桑、洛兰、乌埃、勒布伦等人。古典主义美术主张理性至上,克服个人情感;强调描写“美”的绝对概念;虽主张“模仿自然”,但这种“模仿”不是指物质世界,而是指自然中存在的人性和理性。 17世纪法国美术的主流是古典主义美术。古典主义十分推崇古代希腊罗马,在形式上要求概括、简练、明确等等。其艺术特征是:一、强调遵循古代和文艺复兴盛期的艺术传统;二、题材大多是神话、圣经、历史故事,特别是王朝的一些史迹,现实生活的题材往往被排除在外;三、作品的规模较大,强调庄严、宏大的气魄。宫廷内的古典主义美术家还十分注重作品的豪华性;四、在技巧上注重精确的素描,多运用简练、明确、清晰的艺术语言。 新古典主义美术 新古典主义是相对于17世纪的古典主义而言的的美术流派。同时,因为这场新古典主义美术运动与法国大革命紧密相关,所以也有人称之为"革命的古典主义"。新古典主义美术的特征是:选择严峻的重大题材(古代历史和现实的重大事件),在艺术形式上,强调理性而非感性的表现;在构图上强调完整性;在造型上重视素描和轮廓,注重雕塑般的人物形象,而对色彩不够重视。法国新古典主义美术从

维安、达维德到安格尔,取得了最优秀的成就,并达到高峰。 新古典主义 以复兴古希腊罗马艺术为旗号的古典主义艺术,早在17世纪的法国就已出现。在法国大革命及其政治和社会改革之前,有一场纯粹的艺术革命,这就是新古典主义美术运动。 这一时期的法国美术既不是古希腊和罗马美术的再现,也非17世纪法国古典主义的重复。它是适应资产阶级革命形势需要在美术上一场借古开今的潮流。法国新古典主义美术从维安、达维德到安格尔,取得了最优秀的成就,并达到高峰。维安是法国最早的新古典主义画家,他试图反对情欲的、过分雅致的艺术,力求恢复古希腊艺术的朴素、庄严。由于他的才能和个性的局限,他没能实现艺术上的根本变革。维安的学生达维德在大革命爆发前夕,从罗马留学归来,他非常成功地展出了他的绘画《乞食者贝里塞赫》。随后他的《荷拉斯兄弟之誓》在1785年的沙龙上展出,这幅画明显表现出庄严、雄伟的希腊和罗马艺术的影响,对公民道德加以颂扬,又同法国革命的步调一致,引起了资产阶级的强烈共鸣。1789年他创作了《布津蒂斯》,这幅画具有明显的向路易十六王朝挑战的意味。正是这些作品奠定了他作为一个艺术家在大革命时期的重要地位。19世纪初期,在达维德无可置疑的领导下,新古典主义在法国取得了胜利。在达维德的周围,他的追随者众多,其学生就有400多人。他们大都成为法国画坛上的活跃人物, 其中最享盛名并就某种程度来讲获得了独特地位的是热拉尔、吉罗代和格罗。

新古典主义绘画欣赏

本文由tppanda贡献 doc文档可能在WAP端浏览体验不佳。建议您优先选择TXT,或下载源文件到本机查看。 新古典主义绘画广义古典主义艺术从广义上讲,是指以古希腊罗马艺术为典范,并加以推崇、摹仿的艺术。古典主义艺术从广义上讲,是指以古希腊罗马艺术为典范,并加以推崇、摹仿的艺术。在欧洲艺术史上曾出现过几次“复兴古代艺术的艺术思潮。第一次是文艺复兴,复兴”古代艺术的艺术思潮欧洲艺术史上曾出现过几次复兴古代艺术的艺术思潮。第一次是文艺复兴,第二次则是世纪的法国,以普桑为代表的学院派美术及其美术思潮,被特指为“古典主义美术。古典主义”美术在 17 世纪的法国,以普桑为代表的学院派美术及其美术思潮,被特指为古典主义美术。世纪初流行于法国的古典主义思潮则被称为新古典主义。而 18 世纪末至 19 世纪初流行于法国的古典主义思潮则被称为新古典主义。生于新古典主义的绘画产生于法国大革命前夕,法国资产阶级推崇古典风格,推行古希腊、生于新古典主义的绘画产生于法国大革命前夕,法国资产阶级推崇古典风格,推行古希腊、罗马的艺术语言、样式、题材、风格,是为其达到喻古讽今的目的。罗马的艺术语言、样式、题材、风格,是为其达到喻古讽今的目的。由于与法国大革命的密切关系,赋予了古典主义以新的内容使得许多艺术家能够突破古典主义的程式束缚,古典主义以新的内容,密切关系,赋予了古典主义以新的内容,使得许多艺术家能够突破古典主义的程式束缚,创造出一些具有现实意义的作品,因而新古典主义又常被称为“革命的古典主义革命的古典主义”。创造出一些具有现实意义的作品,因而新古典主义又常被称为革命的古典主义。思想新古典主义绘画以文艺复兴时期的美学作为创作的指导思想,崇尚古风、理性和自然,思想新古典主义绘画以文艺复兴时期的美学作为创作的指导思想,崇尚古风、理性和自然,其特征是选择严肃的题材;注重塑造性与完整性;强调理性而忽略感性;其特征是选择严肃的题材;注重塑造性与完整性;强调理性而忽略感性;强调素描而忽视色彩。大卫、安格尔、色彩。新古典主义绘画的代表人物是路易大卫、安格尔、日志出自 QQ903863851 更多精彩图片尽在 QQ903863851 下面展示几位该画派代表人物的作品(1)Emile Jean-Horace Vernet 的作品) ( 2 ) 古 典 主 义 大 家 : luigi bechi 的 作 品 下面这组也是该画派的典型代表作

西方古典主义绘画与中国古典绘画的殊途同归(短)

西方古典主义绘画与中国古典绘画的殊途同归 作者:范佳 摘要:中西方古典绘画体系在形式和观念上都迥然不同,但我们不难发现,尽管 他们之间的差异很大,总有许多点能够得到交汇,最终的终极追求是殊途同归的。 关键词;中国古典西方古典差异联系和谐之美殊途同归 中国古典绘画和西方古典主义绘画无论从创作观念、语言形式和审美趣味都无一不体现古代人的文化生存环境与审美理想,构成了东西方世界不同的艺术审美追求和发展脉络。我们把西方古典主义绘画与中国古典绘画进行比较,不难看出两者之间在审美哲学、审美意向、表现形式和表现手法等方面存在很多差别,这是由于诸多因素所造成的。这些看似决然不同的两种绘画形式,在其本质上,仍然有其共同与共通之处。虽然二者的美学倾向和发展道路不同,但二者追求和谐的终极理想是一致的。 首先,我们先从艺术本体的认识上来看看两者的共同之处。 中国古典绘画与西方古典主义绘画在对艺术本体的认知上,都没有能够实现艺术的本体化。西方古典艺术的创作观念注重“美”与“真”之间的共同点,把艺术的审美创作和欣赏看作是追求知识和真理,追求上帝的信仰的活动。中国古典艺术的创作观念注重“美”与“善”之间的共同点,把艺术的审美创作和欣赏看作是传播教化、塑造人格、独善其身的内在修养之道。两者都停留在对艺术本体认知的同一阶段之中,都属于古典绘画形式审美范畴,缺乏艺术对自身表现形式的自律性,缺乏追求艺术本体的绝对“艺术真实”的纯粹性。 其次,我们再从绘画语言特征上来看中西绘画存在着诸多的必然联系。 其一,从中西古代早期的绘画(如欧洲洞窟壁画、埃及墓室画、希腊瓶画、敦煌壁画、汉代画像砖)的画面结构处理手法中,我们不难发现一个共同点:中西古代画家不以再现客观的、具体时空的眼见“真实”为绘画制作的目标,而是以显现内心的、认识中的“真实”为目的,也就是“心象经验”的形象显现。 其二,在画面空间经营处理上,西方由“平面式”逐步过渡到“立体式”的科学的“焦点”透视法;中国同样经历了这样一个过程并形成了“高远、深远、平远”的“三远”透视法,以“散点”透视的“心理空间”来经营画面,这都体现出两者对空间的深度理解。但不同的透视模式并不意味着不可互用、不可交融,相反,恰恰是互补式的、相互影响和促进的。 其三,在形象造型上,西方如《蒙娜丽莎》、米洛的《阿芙洛蒂特》(维纳斯)式的“类型典型”,与东方如“吴带当风”、“曹衣出水”、以及“十八描”式的程式化表现语言是不谋而合。都是利用“提取精华”的典型形象的“物感”来传情达意,以此体现普遍意义上的美感。 其四,在色彩的表现语言上,西方的“质感、象征、光”的“三相结构”与东方的“功

新古典主义艺术风格.

新古典主义风格简析 摘要:新古典主义是指资本主义初期最先出现在文化上的一种思潮,兴起于18世纪的罗马,并迅速在欧美地区扩展的艺术运动。新古典主义在追求古典风格和简洁、典雅、节制的品质以及形体的单纯、独立和完整,细节的朴实,形式的符合结构逻辑,并减少纯装饰性的构件,显示了人们对于理性的向往,尤其是表现在建筑上。它主要分为抽象的古典主义和具象的或折衷的古典主义两大类,是经过改良的古典主义。具有艳丽与丰富的色彩、古典元素抽象化为符号、粗与细雅与俗的对比等特点,有着很多出色的代表性建筑,具有深厚的文化意义。 正文: 新古典是指资本主义初期最先出现在文化上的一种思潮, 兴起于18世纪的罗马,并迅速在欧美地区扩展的艺术运动。新古典主义,一方面起于对巴洛克(Baroque)和洛可可(Rococo)艺术的反动,另一方面则是希望以重振古希腊、古罗马的艺术为信念。在建筑和设计史上指18世纪60年代开始在欧美盛行的古典形式。 18世纪前的欧洲,巴洛克和洛可可风格盛行一时,其繁琐的装饰与贵金属的镶嵌逐渐引起了人们的厌恶。在探求新的设计风格的过程中,希腊、罗马的古典建筑成了当时的创作源泉。1750年,罗马庞贝遗址被发掘,在欧洲引起了研究古典艺术的热潮,人们认识到古典艺术质量远远超过巴洛克与洛可可,促成了新古典的产生与流行。新古典追求古典风格和简洁、典雅、节制

的品质以及“高贵的纯朴和壮穆的宏伟”。在建筑上追求建筑物体形的单纯、独立和完整,细节的朴实,形式的符合结构逻辑,并且减少纯装饰性的构件, 显示了人们对于理性的向往。新古典主义建筑提倡要复兴古希腊和古罗马的建筑艺术装饰。特点是构图规整,追求雄伟、严谨。一般以粗大的石材砌筑底层基础,以古典柱式和各种组合形式为建筑主体,加以细部装饰。新古典在各国的发展虽然有共同之处,但多少也有些差异,大体上在法国是以罗马 式样为主,而在英国、德国则是希腊式样较多。新古典风格也体现于当时的产品上,其特点是放弃了洛可可过分矫饰的曲线和华丽的装饰,追求合理的 结构和简洁的形式,构件和细部装饰喜用古典建筑式的部件。 新古典风格放弃了洛可可过分矫饰的曲线和华丽的装饰, 追求合理的结构和简洁的形式。

《新古典主义绘画》教案

《审美自律——新古典主义绘画》教学设计 教材:刘五华《公共艺术》美术篇 课时:一课时 教材分析:教材内容主要包括审美观念是如何形成的,美术作品基本含义,美术鉴赏的重要意义。本节课帮助学生理解艺术风格的发展变化以及某一特定时期审美观念对作品的影响。 学情分析:高一年级的学生已经有了一定的美术基础,和紧张的高考科目相比,他们学习美术的积极性还是很高的,老师如果能有效的进行正确引导和启发,那么对于高一学生也可以自主探究出这一时期美术风格的特点。 教学目标: 1.了解新古典主义美术历史背景、代表人物及其作品以及该时期的绘画特点。 2.通过侦探的角色扮演让学生学会观察学会分析,从而更好的鉴赏一幅画。 3.树立正确的审美眼光与审美态度,培养审美能力。 教学重点: 了解什么是新古典主义美术以及新古典主义绘画的特点。 教学难点: 让学生理解新古典主义美术,学会自主赏析新古典主义美术的作品。 教学过程: 一、导入

视频导入:以三分钟的回顾视频为切入,视频中图片配以舒缓的音乐,在视听的双重享受中回顾文艺复兴、浪漫主义、巴洛克、洛可可等时期的经典美术作品。 文字引领:今天我们来学习在艺术长河中有一颗璀璨耀眼的星星,那就是新古典主义美术。 二、新课传授 1.简介新古典美术产生的时间、定义、背景。 在法国大革命(1789)及其政治和社会改革之前,有一场纯粹的艺术革命,这就是新古典主义美术运动。绘画注重造型的对称、构图的和谐、素描的精确和明暗色调的微妙,色彩趋向冷调。 强调理性,忽视情感,崇尚简朴、庄重的风格,体现肃穆、庄严的美。 2、破案——《马拉之死》 曾经有个伟人亚里士多德说“力和美是在思想中体现出来的” 我们都能够强烈的感觉到思想的力量,但我更钟情于那思想指引下的艺术,那种力量更加鲜明,更加强大。我曾经试图寻找证据证明艺术的力量,但始终未果,直到我重新认识了《马拉之死》这幅画。引出新古典主义代表性油画《马拉之死》,观察书本和PPT当中的图片,将班级同学分4小组,展开小组讨论。讨论一:画面中展现的是否为案发第一现场?讨论二:自杀or他杀?小组探究三:从画面中找到案件的疑惑点继而针对破案的关键要素:时间、地点、人物、事件等方面分组观察与作答。由表及里,层

浅谈古典主义美术

浅谈古典主义美术 姓名 班级

学号 、古希腊艺术 1?萨莫色雷斯的胜利女神像 2?米洛斯的维纳斯 二、文艺复兴时期美术 1?乔托 (Giotto,1266—1337) 2?达?芬奇(Leonardo da Vinci, 1452 ——15佃)三、古典主义美术

1、以普桑为代表的崇尚永恒和自然理性的古典主义。 2、以达维特为代表的宣扬革命和斗争精神的新古典主义。 3、以安格尔为代表的追求形式完美和典范风格的学院古典主义

前言: 美是一种特殊哲学的产物,这种哲学在本质上具有人性的特点,美使人的全部价值得到升华,并在神的圣体上以鲜明的形式显示出来。古希腊绘画雕塑是完美艺术的典范,在西方称之为古典主义美术。后来,罗马人得以继承,文艺复兴时期又将其发扬光大。 一、古希腊艺术 古希腊艺术成为人类童年的神话期。恩格斯说:“没有希腊罗马奠定的基础,就不可能有现代的欧洲。”文艺复兴重现了古希腊罗马时期的文化复兴,19 世纪运用古希腊的艺术精神,从而使艺术达到一种完美的崇高。 1. 萨莫色雷斯的胜利女神像 公元前4 世纪,亚历山大征服了希腊各个城邦之后,挥戈东征,建立了横跨欧亚的大帝国,在对异族的征服过程中,他把希腊文化带到东方各个国家,使希腊文化向东传播并与当地的文化相融合。《萨 莫色雷斯的胜利女神》是为了纪念打败托来密舰队的海战而建造的。遗憾的是,神像被发掘出来时,头与手已全失。但是,雕像的整个形态

非常生动,技巧也极完善成熟。从写实功夫看,足可与古典时期的神像媲美。女神挺立如飞的英姿,迎面吹来的海风使女神的衣服紧贴身体,显示出内在的人体结构美,且女神向后仰起的动作.加上展翅欲飞的双臂,整体显示出女神面对胜利时的喜悦。 2. 米洛斯的维纳斯 希腊的造型艺术进入公元前3 世纪后,优美的女性裸体雕像越来越趋向世俗化。1820 年,在希腊本土和克里特岛之间的一个称作米洛岛的山洞里,发现了一尊最美的女性雕像——阿芙罗蒂德大理石雕像。 她那被富有表现力的衣褶遮住了若隐若现的腿部,她的下半身因动态的需要而划出一定的弧线,给人以崇高美。女神的面部刻画,显示出内心的宁静,使人感觉纯洁与典雅。 二、文艺复兴时期美术 文艺复兴时期是指14世纪到16 世纪,西欧与中欧国家在文化艺术发展史中的一个重要的历史时期,它是继古希腊、罗马后的欧洲文化史上第二个高峰。本着以人为本的精神,借助理性和科学的知识,美术创作上开拓出了一个又一个新的局面。 1.乔托 ( Giotto,1266—1337),佛罗伦萨画派的创始人。他的作品《逃往埃及》,开始探索写实的技巧,第一次按照自然的法则拉开了人物和背景之间的距离,作品中运用了透视法则,画面中具有三维空间感。 2?达?芬奇(Leonardo da Vinci, 1452 ——15佃),出生在芬奇镇,他涉猎的领域很广,取得的成就最大。《最后的晚餐》从1482年起,就

19世纪法国新古典主义艺术

19世纪法国新古典主义艺术 19世纪法国新古典主义艺术 1. 概述 “新古典主义”是一种艺术风格的名称,它所指的是18世纪末至19世纪前半期在欧洲流行的一种崇尚庄重典雅、带有复古意趣的艺术风格。 它的产生,一方面起于对巴洛克(Baroque)和洛可可(Rococo)艺术的反动,另一方面则是希望以重振古希腊、古罗马的艺术为信念。新古典主义的艺术家刻意从风格与题材模仿古代艺术,并且知晓所模仿的内容为何。 2. 背景 18世纪下半叶,法国资产阶级和封建贵族之间的矛盾日益尖锐,一场巨大的革命运动即将来临,渴求改变现状的法国民众对散发着没落贵族气息和华丽脂粉的“洛可可”艺术越发反感。他们都期待庄重严肃的新艺术风格作为宣传革命号召人民的有力武器希望艺术能够发挥培植人们的斗争勇气。资产阶级从古希腊,罗马的历史中找到适合他们作为行动典范的共和主义英雄题材,来为当时一触即发的法国大革命服务。 18世纪中叶,德国美学家温克尔曼发表了《古代艺术史》一书大力宣传古代社会的纯洁,静穆,提倡古典美的艺术思想。他说:“艺术应追求高贵的单纯和静穆的伟大” 1748年,庞贝古城的发掘,使壮丽辉煌的古代艺术展现在人们面前,激起人们对古代文化的向往和崇拜在思想界,古典精神成了美的最高标准,法国因此掀起了一股学习研究古代艺术。 3. 特征 新古典主义美术以希腊,罗马的艺术为范本,主张以古罗马神话和英雄故事为题材在艺术形式上,强调理性而非感性的表现,讲究艺术形式的严谨完整,体现一种庄严典雅的风格;在构图上强调完整性;在造型上重视素描和轮廓,注重雕塑般的人物形象,而对色彩不够重视。 注重古典式的宁静和考古式的精确,但不是对17世纪古典主义的简单复古。 崇尚古代,以古人的美德为典范,使之为社会服务,专注个人英雄主义与忠实于道德和职责的行为。这是选择题材的宗旨。 在艺术手法上效仿古代艺术刚健有力的轮廓与简洁明快的构图,用以取代洛可可艺术的繁缛性与错觉性。 4. 代表人物

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