血衣作品赏析
王式廊《血衣》作品赏析
王式廓创作素描《血衣》是呕心沥血，绞尽了脑汁。素描《血衣》从1950年酝酿到1 959年完成，整整花费了10年时间。而达芬奇的《蒙娜丽莎》也不过用了8年。利用10年时间创作一件作品，在中国绘画史上是首例。由此，我们不得不折服王式廓强烈的精品意识和严肃的创作态度。1953年完成第一稿时，并没有血衣情节，1954年他受连环画启发，画面上才有了血衣这个中心结构。
1973年王式廓为把《血衣》画成油画．带病到河南巩县再度深入生活，积累素材。为收集色彩的形象素材，王式廓深入农村、水利工地进行写生，工作起来总是废寝忘食，在短短的29天里，他画了74幅画。为了崇高的艺术事业，他是拼上命了。因为他知道失去的时间太多了，所以要争分夺秒，把失去的时间夺回来。据人们回忆，在1973年5月22日这一天的下午6时，王式廓正在画农民双头象的时候，“他脸上冒汗，手也发抖，突然昏迷过去。从此再也未醒过来。”王式廓带着遗憾走了，留给后人的是一笔精神财富。画家用了毕生的精力，以凝重的笔触表达了亿万农民在为自己的生存权而抗争的宏伟场面。就这样，他为着崇高的艺术事业，献上了62岁的宝贵人生。
画家以生命为代价对艺术的完整性作出了不懈的追求，他深入到生活中，为《血衣》的创作收集了大量的素材、他画了大量的农村老汉形象，可以说，他是在大量的农民肖像写生中，经过不断的加工，提练、酝酿了《血衣》的人物。
主题：《血衣》这件着名作品是画家王式廓于1959年起倾毕生精力却未曾最后完成的杰作.《血衣》再现的是新中国成立初期土地改革时农民斗争地主时的场面。
《血衣》构图宏大，全画以举血衣的妇女为中心，把庞大的人群组织在瞬间情节的绘画高潮中，多层次却主次分明，显示了画家把握大场面构图的能力。那手持亲人血衣的妇女，手在颤抖，脚已发软，身体扭曲，几乎昏倒，一腔深仇大恨，尽在悲痛欲绝之中；
那手拿字据的老农，劳动了一辈子的双手粗大有力，创造了无数财富，但又一贫如洗，反而欠下一身债；那双目失明的老妈妈，眼眶深陷，满腔凄楚，欲哭无泪，她太想见到翻天覆地的外部世界了……。作品人物形象典型，刻画细腻，生动感人，活生生地刻画出了封建制度下中国农民的命运。
《血衣》艺术风格质朴、浑厚，画家通过自己对艺术形象强烈鲜明的感受，对人物造型的准确的把握，以精湛的艺术技巧，把自己的感受用自己的语言表现出来，达到认识和表现的统一，主观和客观的统一，形似与神似的统一，表现与再现的统一。《血衣》中，无论是双目失明的母亲，持血衣控诉的妇女，持字据的老汉，残废者或是青年民兵等等，每一形象，画家都进行了真实的描绘，都鲜明地洋溢着作者对主人翁的深厚同情和热爱，对于这些受侮辱，受损害的善良农民的悲惨遭遇的不平。作品中，人们看到的是一个在生活中遭受过巨
大不幸的妇女，她的痛苦，哀伤和愤怒，都在形象的动态中表现出来。人物再现的真实，更揭示出人物内心世界。更加表现出她久经磨难的经历和刚毅的性格。画家从现实主义出发，用黑白对比的手法，奔放粗犷的线条，对人物细节的虚实处理达到了画面真实与现实真实的统一，使人物的外在形象与内心世界浑然一体。
《血衣》是时代的产物，它深刻地反映了中国历史上一个大变革的重要瞬间，废除封建、半封建剥削的土地制度，实现耕者有其田，土地改革彻底改变了中国亿万农民几千年来的命运，成为中国人民革命胜利的根本保证。作品所着力把捉的是土地改革运动中，受剥削、压迫最深的雇农、贫下中农刚刚发动起来，与地主展开斗争的关键时刻，这一特定的历史时空中，作品取材于我国土地革命斗地主的场景，画面抓住一位悲痛欲绝的妇女，正举起血衣的瞬间。描绘了激愤的人海与起伏的山峦。在沉郁浑厚的黑白色调中汇成了震撼人心的控诉。
叶芝诗歌特色
叶芝的诗歌创作生命大致可分为三个阶段： （一）前期诗歌创作包括从1883年起在《都柏林大学评论》上发表的诗歌直到1899 年出版的第三部诗集《芦苇中的风》。这一时期影响他诗歌创作的因素如下：（1）雪莱的诗作特别是《阿拉斯特》和父亲约翰叶芝的影响，促使他对诗歌产生了兴趣，并从雪莱和斯宾塞等人的诗歌中吸收表现手法。 （2）19世纪浪漫主义的影响，但融进个人对爱尔兰乡间生活和民族神话的探索和思考，从中获取题材。 （3）唯美派诗人，特别是他同乡王尔德的影响，从他们那里学到的主要是音韵、字句的雕琢技巧，但他对这些技巧的局限性也作出了透彻的认识。 （4）布莱克的神秘主义，叶芝用四年时间编辑创作布莱克的作品，这四年的研究丰富了叶芝的思想，培养他诗歌创作中运用想象的能力，逐步建立起一套神秘的象征主义。 （5）爱尔兰民主主义情节的影响，他试图通过写作创建出一种民族思想，从而取得国家民族的独立；爱情诗中融入民族主义是他诗歌较鲜明的特征之一。 前期叶芝有代表性的爱情诗有《度人致所爱》、《叶落》、《蜉蝣》、《致时间十字架上的玫瑰》、《尘世的玫瑰》、《爱的叹惋》、《当你老了》、《白鸟》、《两棵树》、《恋人述说他心中的玫瑰》、《鱼》、《恋人伤悼》、《他记起遗忘了的美》、《他赠给爱人一些诗句》、《他记起遗忘了的美》、《他赠给爱人一些诗句》、《他愿所爱已死》、《他翼求天国的锦缎》。 （二）叶芝诗歌创作的第二个阶段从20世纪初至第一次世界大战结束。这一时期他的诗歌因受到爱尔兰民族自治运动以及艾兹拉庞德的影响，诗风有了变化，他摆脱了唯美主义的倾向，用象征手法表达现实内容，现实主义因素大大增强。在诗集《在七座森林里》（1903）和《绿盔》（1910）中，叶芝逐渐摆脱了凯尔特和神秘主义的一些影响。在1914年问世的诗集《责任》中，他早期抒情诗中超俗、迷幻的气氛消失了、表现出的是日趋成熟的精炼和坦诚，这以后叶芝的象征主义体系才日趋完善。1917年发表的诗集《库尔德野天鹅》使叶芝登上创造的顶峰。 这一时期叶芝有代表性的爱情诗有《箭》、《听人安慰的愚蠢》、《切勿把心全交出》、《亚当所爱的诅咒》、《呵，别爱得太久》、《没有第二个特洛伊》、《和解》、《面具》等。 （三）1919年到30年代末是叶芝生活和创作的后期。他的神秘主义象征体系在这一时期最终形成，同时他创造性的把象征主义与写实手法自然地结合起来，把生活的哲理与个人的情感融为一体。多以死亡和爱情为题，以表达某种明确的情感和对现实的思考。他完成诗歌创造的嬗变，体现出个人风格。他诗歌的成熟“既是个人风格的发展，也是技巧的提高” 这一时期他著名的爱情诗有：《活生生的美》、《残破的梦》、《深沉的誓言》、《狂放的老坏蛋》、《失去的东西》、《她在树林中的幻视》、《一个女人的青年和老年》。. 以上三个阶段叶芝诗歌创造所出现的不同转变，在其爱情诗中也有很明显的反应。他的诗在技巧上虽不断变化，但有一种情感自1889年以后矢志不渝地贯穿在他的整个诗歌生命中即毛德冈情结。1889年1月30日，23岁的叶芝第一次遇见她时，她年仅22岁。“她伫立窗畔，身穿盛开着一大团苹果花；她光彩夺目，仿佛自身就是洒满了阳光的花瓣。”叶芝这样描写他第一次见到毛德冈时的情形。她可谓是真正意义上的乱世佳人，不仅拥有美丽的外表，同时拥有一颗勇敢且对生活充满热爱的心。她对叶芝一直若即若离，但叶芝对她的爱慕终身不渝，这段无望的爱情带给叶芝的是不尽得痛苦和不幸，它也不断激发叶芝的创造灵感，有时是激情爱恋，有时是绝望的怨恨，更多的时候是爱与恨之间复杂的纠葛，所以他的爱情诗是更人文、更深层和更宁静的心灵体验，因而具有十足的张力。总之毛德冈是叶芝一生的烦恼。不得回报的爱升华成一篇篇感情复杂、思想深邃、风格高尚的诗，它们贯穿叶芝的第二本到最后一本诗集中。正向毛德冈对叶芝所说的：“世人会因她没有嫁给他而感激她的”。最初叶芝对她的爱可能是出于肉体美的愛悦，但青年时的叶芝在他的爱情诗创造中有意识地
佛教艺术赏析论文
佛教艺术赏析论文墨予 禅宗六祖慧能曾言：“菩提本无树，明镜亦非台。本来无一物，何处惹尘埃。”佛教自东汉传入中国，转眼已两千多年了。经过与中华本土文化无数次的碰撞，终于有了“南朝四百八十寺”的兴盛。 佛理的精深，无法言喻。读一本佛经，如同与一位智者对话，每一句箴言，心就像木鱼，一下一下地被敲着，由混沌变为洞彻。喜爱林清玄的文章，不仅是因为他清雅的文字，更是因为那字里行间的禅意。在我看来，探究佛理的人，思想定不会浅薄。 在这个物欲横流、人心浮躁的社会，品一杯清茗，读一本佛经，似乎已经成了一种奢侈。每个人都上紧了发条，狂奔向下一个目的地，步伐虽快，心却早已疲惫。仓央嘉措曾经说过：“在这佛光闪闪的高原，三步两步便是天堂，却仍有那么多人因心事过重而走不动。”是啊，汲汲于名利，奔走在尘世，任由那颗心渐渐停止跳动，那么多人泯灭良知，亲手铸就一个个炼狱，最终纵身一跃，自己尝了苦果。 求佛，无数善男信女踏进金光闪闪的大雄宝殿，诚心祈求，他们求的不是佛，有的求的是尘世的安稳，对于这，我想，佛大约是慈悲的。偏偏有那么多人求的是心安，倘若如此，他们大概是走错了地方，佛应该更希望他们能弥补自己的罪过。我信仰佛，但我很少踏入富丽堂皇的寺庙，那里的佛，或许只有一个金色的躯壳。心在哪儿，佛就在哪儿。 有人砸了佛像，毁了香炉，说：“念了半辈子佛，一个子儿没发。”此等粗鄙之语，只怕他是念了半辈子的财。有人说，佛家讲究万念皆空，若无欲望，生亦何欢呢！在我看来，空是得道者的境界，生于尘世，注定“出淤泥而不染，濯清涟而不妖”是不能，佛亦是尘世中人所化，有的如文殊普贤，让人顶礼膜拜。而弥勒佛袒胸露乳，却无人说他不是佛，人人都说他那一抹笑意味深长，我却认为那是他的一抹人性，身处西方极乐，自然普度众生，但他更为人所亲近。只需将佛的思想注入凡人的躯壳，纵使不能六欲尽除，但以一双眼看人间悲喜，若是与人为善，便兼贪嗔痴恨，也是对众生的怜悯，在我看来，亦是佛。 人生天地之间，若白驹过隙，忽然而已。何必争名逐利，拥一份禅意，一路前行，如木槿花般，优雅盛开，从容老去，有何不可？
从历史的角度如何赏析美术作品
从历史的角度如何赏析美术作品首先，把握时代特征 欧洲中世纪绘画的基本特征是呆板、僵直、生硬、缺乏真实性，没有立体感，非常程式化。造成这种基本特征的原因在于受基督教观念的支配，画家创作所遵循的美学原则不是描绘“所见”的东西，而是描绘”所想“的东西。 中世纪的雕刻，给人一种呆板、僵直、生硬、颓废、精神不振的压抑感。这正是中世纪神学主张禁欲苦行、忍耐顺从，不能表达情感的真 实写照。 欧洲文艺复兴运动的指导思想是人文主义。 新兴的资产阶级为了追求财富和现实的幸福，它要 求在文学、艺术、科学各领域都以人为中心，表现 人的思想和感情，要求发展科学，造福人类；要求 发展教育，让人的个性从宗教神学的牢笼中解决放 出来。它提倡人性，反对神性；提倡人权，反对神 权；肯定人间现实，反对宗教天堂。 画面上的蒙娜丽莎没有华丽的服饰，连深褐色的 头纱也不带什么装饰，身上的衣纹褶皱自然，刻画 逼真，那袒露的胸部，充分显示出人物的健美和青 春。特别是那双柔嫩的手，被描绘得精确而丰满，完全符合解剖结构，显示出人物的温柔和身份。人物背后的风景是迷茫的，这又给画面增添了一种略带神秘的浪漫主义气息。现实主义的精髓是“真”，浪漫主义的精髓的“美”，在《蒙娜丽莎》这幅肖像中，画家把现实主义与浪漫主义结合得天衣无缝。她那神秘的微笑，既是对生命的欢喜与人生的肯定，也是一种对未来的迷茫和感伤。我们可以说，这幅肖像是达·芬奇乃至当时所有人文主义者心灵的写照。 《绿野圣母》 圣母的世俗性不仅从服饰，还从形象的人情味上得到了充分的体现。画中形象是健康美丽的农村妇女和他的孩子的写照。圣母侧身而
坐，照看着两个正在嬉戏的孩子，远景优美，近景是鲜花遍地；天空有几朵轻盈的白云，映着柔和的微光。圣母的内心显得那样恬静与欢乐，给人以平易近人的美感一览无余。加上背后草地和城堡，色彩与线条的和谐也富有音乐感。 现代派产生在20世纪初以来的欧洲资本 主义社会里，两次世界大战的创伤，工业社 会的快节奏感加剧了人们心理紧张感。现代科 技发展拓宽了艺术家的视野。物质的丰裕以及 精神伦理的落差引发了人们的思索。在他们作 品中，我们感受到时代的快节奏以及现代人的 精神困惑；感觉到大师们强烈的个人主义和虚 无主义以及现代美学观。 现代派对色彩和视觉进行深入研究，采用夸张、变形与抽象的表现方法，大胆运用各种新材料。 《戴帽的女人》 《记忆的永恒》 《格尔尼卡》反映的是1937年，西班牙的格尔记卡小镇被的国法西斯空军夷为平地。毕加索用画笔愤怒声讨，他采用写实的、立体的、寓意与象征的手法，尽管是一些几何性人物和动物，广用夸张线条，但观众理解了画
儿童文学作家作品简介
儿童文学 儿童文学的概念：（广义）18岁以下少年儿童为读者对象，专门为他们创造而且适应他们发展需要，具有丰富审美内涵的学科（包括幼儿文学3,4—6，7童年文学6，7—11,12少年文学11,12—17，18）。 儿童观与儿童文学：儿童文学核心问题是儿童观的问题。 关于儿童观和儿童文学的审美创造？ 1，人生派：文学研究会 2，本位派：注重的是儿童心理，儿童情趣与儿童需要。 3，教育派：上海鲁冰，教育文学就是教育儿童的文学，不要过分强调教育而放弃儿童本我，茅盾“政治挂了帅，艺术脱了班，故事公式化，人物概念化，语言干巴巴。” 4，多元派：曹文轩 儿童读物包括儿童文学 儿童读物包括哪些内容： （一）儿童启蒙图书《中国儿童启蒙名著通览》；道德伦理；科学知识，科学普及读物；儿童卡通图 画读物；百科知识读物《中国通史，少年彩绘 版》；少年儿童文学读物。
童话起源 （一）周作人“舶来体”，日本小说家《骨董集》山东京传。 （二）本土产生，洪讯涛 朱自强（儿童评论家）1909年由孙毓修编译，商务《童话丛书》为标志，这是中国刊物出现童话一词 ．．．．．．．．．．．．。 《搜神记》--《叶限姑娘》 周作人《童话略论》《童话研究》《古童话释义》。 童话定义：以幻想精神作为主要审美手段，夸张，拟人，非写实的，用来表达和满足人类愿望（儿童愿望）的作品。 1988年当代作家，《草房子》，《山羊不吃天堂草》，《青铜鸟》，迟子建《清水洗尘》《清新土豆》《额尔古纳河右岸》。 1，童话的本质特征：幻想 人物：常人化，拟人化，超人化 情节：荒诞环境：虚拟童话语言：幽默2，隐喻，游戏精神，纸质 （一）儿童审美心理 怀特（美）《夏洛的网》《屋顶上的小飞人》《玛丽-波平斯阿姨》与《音乐之声》。 （二）成人理性隐喻
美术人教四年级下册(2014年新编)对油画《呐喊》的赏析
对油画《呐喊》的赏析 一、蒙克的个人经历和时代背景 挪威画家爱德华?蒙克 (1863—1944)是二十世纪表现主义艺术先驱。童年父母双亡心理阴郁，使他早年作品多疾病与死亡主题。1892年起定居德国16年。他在忧郁、惊恐的精神控制下，以扭曲的线型图式表现他眼中的悲惨人生，对德国表现主义艺术产生了决定性的影响，成为“桥派”画家领袖。 蒙克多以生命、死亡、恋爱、恐怖和寂寞等为题材，用对比强烈的线条、色块、简洁概括夸张的造型，抒发自己的感受和情绪；他的画风是德国和中欧的表现主义形成的前奏。蒙克一直想表现人物的内心的心理状态，出现在他画中的人物呈现了最能表现这种状态的姿势，这种安排让蒙克的画带来一种好像人物、空气、记忆、动作和时间在一霎刹那间凝固的感觉，那也许正是人物内心活动达到顶峰的一瞬间。 1890年，他开始创作他一生中最重要的系列油画作品“生命组画”。基本主题为讴歌“生命、爱情和死亡”，采用象征和隐喻的手法，揭示了人类“世纪末”的忧虑与恐惧。 蒙克的母亲在1868年死于肺结核，母亲过世后年幼的蒙克由父亲单独抚养。其父患有精神疾病，他向孩子们灌输了对地狱根深蒂固的恐惧观念，他一再告诉孩子，如果他们在任何情况下以任何方式犯罪，就会注定被投入地狱，没有任何宽恕的机会。父亲在蒙克青年期去世（1889年），另一个兄弟和蒙克最喜欢的姐姐苏菲在1877年也死了。蒙克的一个妹妹在小时候就被诊断出患有精神病，蒙克自己也是体弱多病。在五个兄弟姐妹中，只有兄弟安德烈结过婚，但婚后不过数月也过世了。眼见双亲和手足接二连三地死去，严重打击了蒙克的精神与情绪，接踵而至的悲伤对其是深度的精神折磨。因此，死亡烙印在他年轻而敏感的心灵深处，这大概就是为什么蒙克的作品呈现压抑且悲观的原因。蒙克在晚年说到：“病魔、疯狂和死亡是围绕我摇篮的天使，且持续的伴随我一生。” 二、对《呐喊》的解读 蒙克1893年所作的油画《呐喊》，是这套组画中最为强烈和最富刺激性的一幅，也是他重要代表作品之一。在这幅画上，蒙克以极度夸张的笔法，描绘了一个变了形的尖叫的人物形象，把人类极端的孤独和苦闷，以及那种在无垠宇宙面前的恐惧之情，表现得淋漓尽致。蒙克自己曾叙述了这幅画的由来： “一天晚上我沿着小路漫步——路的一边是城市，另一边在我的下方是峡湾。我又累又病，停步朝峡湾那一边眺望——太阳正落山——云被染得红红的，象血一样。
最浪漫的回声——叶芝!叶芝!
最浪漫的回声——叶芝！叶芝！ 最浪漫的回声——叶芝！叶芝！ 2017-02-22 33位顶级艺术家为叶芝献上最浪漫的艺术回声以版画、雕塑与诗歌读懂叶芝，成就史上最美叶芝诗集——如果说，2016年有一本诗集成为现象恐怕就是它——《寂然的狂喜：叶芝的诗与回声》了…… 当你老了李健- 我是歌手第三季第8期《寂然的狂喜：叶芝的诗与回声》 人气歌手李健翻唱的《当你老了》，使得叶芝和他充满灵感的诗歌再一次拨动每个人的心弦，一部独一无二、充满诗情画意的叶芝诗集在手，是充满祝福的爱之礼物。《寂然的狂喜：叶芝的诗与回声》从内容到设计，都将市场上关于叶芝诗歌的公版书远远抛于身后。中国读者熟知的托宾、班维尔、马尔登等33位文学和艺术大师被叶芝的诗歌点燃，创作出充满想象力的版画等艺术作品，引领读者从丰富的艺术角度解读叶芝和他的诗歌。本书将大师们精选的叶芝诗篇以插页的形式与绘画作品融合在一起，独特优美的设计带来更丰富的阅读体验。值得每一位热爱诗歌、热爱叶芝、热爱艺术、热爱生活与想象力的读者捧在手心。永恒的叶芝威廉·巴特勒·叶芝William Butler Yeats（1865年6月13日
~1939年1月28日）1923年诺贝尔文学奖得主。爱尔兰国宝级诗人、剧作家、散文家。一生创作不辍，其诗吸收浪漫主义、唯美主义、神秘主义、象征主义和玄学诗的精华，几经变革，最终熔炼出独特的风格。他的剧作多以爱尔兰民间传说为题材，吸收日本古典能乐剧的表演方式，开创了现代西方戏剧中东方主义和原始主义风气。迷人的书籍设计 设计师孙晓曦老师，是《新知》杂志的美术总监，曾获"2015中国最美的书"奖，2016年亚洲最具影响力铜奖等，也是电影《路边野餐》的片头设计师。书籍交给他来设计，我们的思路在于，既然这是一部以艺术回应叶芝的诗歌集，那么设计的艺术化也是一种非常好的回应。这本书整体上以活页夹的形式设计外封，将书装裱在里面，突出"版画集"的感觉。书的内容是画作和中英文对照的诗歌，因此书籍结构的设计是本书的亮点。将诗歌做成小插页，镶嵌在每幅画作中间，使得版面的阅读立体化，阅读自由化，读者可自行选择先读诗或者先欣赏画作，诗歌的文字与画作既各自独立又相互联系，诗歌部分采用了较薄的纸张，隐约透出下面的画作，画作部分选择带有涂层的一种比较贵的特种纸，达到了诗中有画、画中有诗的效果，并提升了版面的空间与层次感。 封套特别选用日本特种纸，粗糙而自然的肌理很好地表达了诗与画的质朴和艺术之美。为保持这种质朴之美，封面没有任何印刷，书名信息采用不同色彩的烫印，在不同光线下会
艺术鉴赏论文
中国古代艺术鉴赏 学校：重庆科技学院 作者： 院系：法政与经贸学院国贸4班 日期：2012、05、08
摘要： 中国古代艺术具有丰富的内容和多样化的特点。它有绘画、雕刻、工艺、建筑等多种艺术类型。例如，新石器时代的彩陶和玉雕，商周时期的青铜器，秦汉的墓葬俑群，魏晋南北朝的佛教雕塑以及唐宋以来的墓室壁画等等。 这些古代艺术作品，在艺术表现方面，有涉及到文与气、文与理、文与质、文与性、情与景、情与理、情与性、形与神、形与意，风骨与辞采，法度与自然等一系列的概念和范畴。在此，我选取各个时代的典型作品进行赏析。 关键词： 中国古代艺术彩陶青铜器佛教雕塑壁画 清明上河图美与形 正文： 中国是世界四大文明古国之一，有着五千年的悠久历史。在这悠悠长河中，我们华夏祖先们创造了璀璨的中华文化。在学习美术鉴赏中国部分的时候，很是自豪，自豪于我们的艺术文明，钦佩着我们祖先的智慧，游弋在艺术的海洋，感觉是一种熏陶。下面根据我在艺术鉴赏课上学到的相关知识，来分别鉴赏一下古代各个阶段的那些我们自豪的艺术。 彩陶 我们都知道在旧石器时期，就已经有制作较为精细的石器了，还有那些用动物骨头制作的项链等装饰品。这个时期的文明向前提升一
大截的是彩陶文化。 我翻阅相关的资料，《美源》里一段对彩陶的描述“史前彩陶中最具代表性的作品，还是仰韶文化的彩陶。它们主要是日常使用的实用器皿，包括盛放物品的盆、罐、壶和饮食用的钵、碗等，制工精致，使用的泥土经过淘洗，故此胎质细腻，入窑焙烧后成品一般呈橙红色。”由此可见，彩陶这种艺术品是很实用的。 对于彩陶，最具代表性的是人面鱼纹彩陶，对于这个由细泥红陶制成，敞口卷唇，盆内壁用黑彩绘出两组对称的人面鱼纹彩陶，我们能够看到当时的文化和一些风俗习惯。仔细研究这个彩陶，眼睛细而平直，鼻梁挺直，神态安详，嘴旁分置两个变形鱼纹，鱼头与人嘴外廓重合，加上两耳旁相对的两条小鱼，构成形象奇特的人鱼合体，表现出丰富的想像力，人头顶的尖状角形物，可能是发髻，加上鱼鳍形的装饰，显得威武华丽。 青铜器 经过了石器时代，摆脱了奴隶时代，我们正式进入封建社会，开端是夏商周时期。 在这个时期，最为体现当时的文化文明的是青铜器。当时的青铜器主要是用于战争，祭祀，所以都是国家管理生产。夏商周的君王设置了相关的部门来生产青铜器。 我们都知道，当时的主要以司母戊鼎和四羊方尊。1939年3月19日在河南省安阳市武官村一家的农地中出土的司母戊鼎，因其腹部著有“司母戊”三字而得名。司母戊鼎器型高大厚重，又称司母戊
欣赏叶芝的诗《当你老了》
深情的恋歌 _____评叶芝的诗《当你老了》 威廉．勃特勒．叶芝（William Butler Yeats,1865-1939），现代著名诗人和剧作家，1923年诺贝尔文学奖得主。 叶芝的这首《当你老了》是1893年为毛特．岗而作。毛特．岗是爱尔兰自治运动中的主要人物之一，曾是叶芝长期追求的对象。 这首小诗文字优美，如形云流水，构思奇妙，产生了一种震摄魂魄的艺术效果。“当你老了，头白了，睡思昏沉，／炉火旁打盹，请取下这部诗歌，／慢慢读，回想你过去眼神的柔和，／回想它们昔日浓重的阴影：”诗篇一开头，作者就设想了这样一幅图画：自己爱慕的人头发白了，在炉火边打盹。这样就把时间推向的末来某时，并以此为基点展开诗歌的想象。 小诗的结构十分独特。它不同于一般的求爱诗。诗人不是一上来就让自己的感情尽情倾泻，而是采用的一种独特的手法，从末来的角度审视当今的情感。诚然，对于一位老年人，有什么比回忆往事，特别是那些令人遗憾的往事更令人痛苦的呢？在寂寞的时光里，也许她应该庆幸，幸有一部诗歌为伴。这部诗歌也正是诗人要献给恋人的心灵。这诗将使她回忆起“过去眼神的柔和，”；回想起它们那“浓重的阴影”，叶芝只选取了“眼神”和“阴影”就让一位神采奕奕，楚楚动人的形象跃然纸上。 这“眼神”和“阴影”给人留下的美感不止是外在的，更重要的是它反映了女郎丰富深邃的内心世界。伟大的艺术家们的笔尖都是能够超脱血肉，穿透灵魂的。法国作家小仲马笔下的茶花女有一张“难以描绘其风韵的脸，嵌着两只乌黑的大眼睛，上面两道弯弯的细长的眉毛，纯净得犹如人工画就的一般，眼睛上盖着浓密的睫毛，当眼帘下垂时，给玫瑰色的脸颊投了一抹淡淡的阴影。”“纯净的眉毛”和“一抹淡淡的阴影”与其看成是对茶花女外在美的刻化，不如看成是对她内在美的称赞，因为茶花女已经出卖了这种外在美，但在她的内心中却还保留着一块净土。那象征忧愁的阴影；象征纯洁的眉毛，正是茶花女光彩照人的地方。叶芝在写到她的心上人的时候，也只描写了“眼神”和“阴影”，这种巧合不仅仅是一个偶然。叶芝看到的也是心上人的内心世界，所以他才会在一张绝美的脸上只寻出“眼睛”和“阴影”这两个着笔处。这正是叶芝的爱与别人的爱不一样的地方。 下一段可以说就是诗人的一篇爱情的宣言，它阐发了诗人的爱情观：“多少人爱你青春欢畅的时辰，／爱慕你的美丽，假意或真心，／只有一个人爱你那朝圣者的灵魂，／爱你衰老脸上的痛苦皱纹。／”爱慕青春，爱慕美丽，本是人之常情，但青春美貌必竟不能常驻人间，如果爱情以此为基础，红颜衰退时，此不就是爱情终止时吗？因此，不管那群追求者是真心还是假意，他们的爱都太浮浅了，都是诗人所不屑的。诗人也同样欣赏女郎的美丽容貌，但他更珍爱的是“她那朝圣者的灵魂”。 前面已经说过，这首诗是叶芝写给自己终生追求的女友毛特．岗的。叶芝在他的自传中追忆毛特．岗给他的第一印象时写到：“她似乎是春天之古典的化身；罗马诗人维吉尔的名句‘步履姗姗，宛若女神’就像是专为她写的。她仃立窗前，身旁盛开着一大团苹果花；她光彩夺目，仿佛自身就是洒满阳光的花瓣。”毛特．岗不仅有美丽的外表，她还热爱自己的祖国，并为争取爱尔兰的民族自治而英勇斗争。叶芝爱的正是毛特．岗崇高的精神境界，也就是诗中所说的“朝圣者的灵魂”。叶芝一直对爱尔兰的民族自治斗争抱同情的态度。他的“Easter 1916 ”就是为纪念爱尔兰为谋求独立的起义运动的。所以叶芝对毛特．岗的爱上升到灵魂的高度是很自然的事情。
英国文学作家及作品简介
英国文学作家及作品简介 1. Geoffrey Chaucer 杰弗雷. 乔叟 The Canterbury Tales 坎特伯雷故事集 2. Thomas More 托马斯. 莫尔 Utopia 乌托邦 3.Edmund Spenser 斯宾塞 The Fairy Queen 仙后 4.Christopher Marlowe 克里斯托夫. 马洛 Tamburlaine 铁木尔 / The Jew of Malta 马耳他的犹太人 / Doctor Faustus 浮士德博士 5. Shakespeare 莎士比亚四大喜剧 The Merchant of Venice 《威尼斯商人》、Much Ado About Nothing 《无事生非》、 As you like it 《皆大欢喜》、 Twelfth Night 《第十二夜》；四大悲剧 Hamlet 《哈姆雷特》、Othello 《奥赛罗》、Kin g Lear《李尔王》 Macbeth 《麦克白》； Romeo and Juliet 《罗密欧与朱丽叶》。 6. Francis Bacon 弗兰西斯. 培根 Of Study 谈读书 7. John Milton 约翰弥尔顿 Paradise Lost 失乐园 8.John Bunyan 约翰班扬The Pilgrim’s Progress 天路历程 9. John Dryden An Essay of Dramatic Poesy 10.Alexander Pope亚历山大. 蒲波 11.Jonathan Swift 江纳森.斯威夫特Gulliver’s Travels 格列夫游记 12. Daniel Defoe 丹尼尔. 笛福 Robinson Crusoe 鲁宾逊漂流记 13.Samuel Richardon 塞缪尔.理查德逊 Pamela 帕美拉 14.Henry Fielding 亨利.费尔丁 The history of Tom Hones, a Foundling 汤姆琼斯 15. Richard B. Sheridan 理查德. 谢立丹 The School for Scandal 造谣学校 16.Samuel Johnson 塞缪尔. 约翰生 A Dictionary of the English Language 17.William Blake 威廉. 布莱克 Songs of Innocence 天真之歌; Songs of Experience 经验之歌
鲁本斯的艺术风格
史的一些感受吧。说句实话，当初选这门课时， 并不是对美术作品本身有着浓厚的兴趣，而是 更关注这一个“史”字，能带我走近达芬奇， 梵高这些大师传奇的人生道路，领略他们的精 神世界。慢慢地，我渐渐地开始关注这些画家 的生平经历与他们作品的艺术风格之间的联系， 更加坚信成长与生活的道路是灵感与创作的本 源。这次作业有关鲁本斯的艺术风格，我也更 倾向于从这个角度进行讨论。 学期伊始便知道本学期的这门课程是通 过期末论文的形式考核的。本以为最后会给出 一个比较宽泛的范围，然而老师您最后给了有 关鲁本斯这样一个课题。在这里，我得承认我 对美术鉴赏没有什么底蕴和基础，所有的认识 也都是基于课堂上的讲述以及互联网上众说纷 纭的资料。在艺术造诣方面，我恐怕是说不出更多比前人更有价值的东西来的。然而既然已经看了这么多资料，终归想说出点自己 的东西和想法出来，论文断然是算不上的，就算是一些心得和想法吧。可能比较稚嫩，可能会有理解偏差，如果老师您能认同我里面的一些地方，那已然算是荣幸啦。 鲁本斯的艺术风格—— 鲁本斯——人生轨迹与艺术风格的并行道路 作家的作品反映的是他一生的经历与内心的感受，我毫不怀疑鲁本斯的伟大源自 他选择的不凡的道路。另外，他一生的创作风格也是有所变化的，当然，这种变化与 他人生的道路密不可分。二者并行前进，给我们展示了一个完整的鲁本斯。 （1）绚丽的篇章——“完美无憾”的一生 记得这门课上曾经说过，作为一名美术家，鲁本斯的一生算是幸运的。无论是达 芬奇，拉斐尔，梵高，他们的一生或多或少的都存在着缺憾。有的经历过社会的变迁，有的晚年饱受疾病的折磨，有的穷困潦倒，乃至一生郁郁不得志……反观鲁本斯，在 仕途上扶摇直上，在艺术上备受称赞，在作品上广泛流传，甚至连个人修为和兴趣爱 好方面都无可挑剔，是可谓此生无憾矣。 “至若春和景明，波澜不惊，上下天光，一碧万倾；沙鸥翔集，锦鳞游泳；岸芷 丁兰，郁郁青青。而或长烟一空，浩月千里，静影沉壁；渔歌互答，此乐何极！登斯 楼也，则有心旷神怡，龙辱皆忘，把酒临风，其喜洋洋者也。”
叶芝《当你老了》诗歌赏析(英文版)
The appreciation of “When You Are Old” This poem chooses from the poetry "rose" of Yeats, which is written in 1893, it is one of the representative early works of Yeats, addresses to his heart goddess, who is also the most important woman in his life. “Whe n you are old and gray and full of sleep, a nd nodding by the fire”, the poet starts with a pencil like painting a picture which interlaces the shadow with light , no vivid color, atmospheric background and lingering characters’ move, only a quiet life fabric of old age. Although at this time, Yeats was only 29, his lover was only 27 years old, but the "white head", "Sleep giddy" , "snoozing by the fire", a simple image, but let time rapidly move forth to the future of her. At that time, she lost the charming appearance, lost fresh youth; maybe the readers can't help asking: what kind of emotion is the poet for her at that time. “Take down this book, and slowly read, and dream of the soft look; your eyes had once, and of their shadows deep”, very
关于诗人叶芝的生平故事
关于诗人叶芝的生平故事 叶芝是爱尔兰著名的诗人、神秘主义者、剧作家和社会活动家。那么关于叶芝的故事有哪些?下面是为你收集整理的关于叶芝的故事，希望对你有帮助! 提起叶芝，就不得不说他的爱情，他的一首经典诗歌《当你老了》，让人们为他的深情而感动着。这首诗歌是叶芝最广泛流传的情诗，这深情的背后是让作者感到痛苦的单恋经历。对于叶芝爱情，我们从诗歌中能够读出他对爱情的向往和憧憬，即使他心爱的人一次次拒绝了他，但是他仍然对爱情抱有美好的幻想。 1889年，叶芝与茅德;冈相识，他对这位女士一见钟情，同时这位女士也是叶芝创作爱情诗作的源泉。两个人经过密切交往之后，叶芝向冈求婚，但是却受到了拒绝。叶芝前前后后一共向冈进行过三次求婚，但每次都是以失败告终。叶芝热烈而又忠诚地深爱着这位革命女战士茅德;冈，虽然没有得到回应，但是她的存在对叶芝产生了很大的影响，不论是在生活上还是在创作中。 早期的叶芝对爱情充满向往，对美好事物不懈的追求。然而这种追求没有给他带来爱情的幸福，总是充满着迷茫和痛苦。有人只读到了这首诗歌的感人，但是却不知道这诗歌背后是那么痛苦的爱情悲剧。当初，叶芝爱上这位女子的时候是多么自然，仿佛世间的事物都美好了起来。但是，对于他而言，这个女子却又是那么可望而不可及，
痛苦和喜悦交织，失望又与希望互相跟随。这种爱情让他在感情上痛苦了一辈子，但是又使得他在灵魂上得到了升华，他的创作才显得那么动人。 叶芝生平简介威廉;巴特勒;叶芝是爱尔兰的诗人、剧作家和散文家，是“爱尔兰文艺复兴运动”的领袖之一，同时也是艾比剧院的创建人之一。叶芝因为受到神秘主义、唯美主义、浪漫主义的影响，演变出了自己独特的文学风格。 叶芝出生在一个名叫山迪蒙的城市，他的父亲是一位肖像画家。叶芝的童年分别在爱尔兰都柏林和英国伦敦度过。早年叶芝进行绘画学习，当时是伦敦艺术家和作家中的一员。1886年，叶芝创作了一部名叫《摩沙达》的诗歌戏剧。之后，又创作了另外四部作品。 为了父亲的绘画事业，叶芝一家迁到了伦敦居住。最开始，叶芝和他的兄弟姐妹接受者家庭思想的教育。叶芝的母亲因为非常思念故乡，于是常常给他们讲关于家乡的故事。1877年，叶芝到了上小学的年级，在葛多芬小学学习了四年。叶芝在那里的学习并不突出，表现平平。之后，因为家庭经济上的原因，他们一家又迁回了柏林。开始是住在市中心，后来又搬到了郊外皓斯进行居住。 叶芝在皓斯的时光是他创作的重要阶段。皓斯周围全都是森林和山丘，叶芝家雇的女仆是一个渔人的妻子，因此经常给叶芝讲一些传奇的故事，这些神秘的冒险之后也被收录在了叶芝作品《凯尔特黄昏》中。之后，叶芝在柏林的一所中学中继续完成他的学业。由于父亲的画室在学校的附近，叶芝经常去父亲画室消磨时光，在那里，他结识
艺术欣赏
青花瓷艺术欣赏 瓷器通过物象、谐音、巧妙的组合，表达人们良好的意愿、吉祥的祝福、美好的追求、心灵的期待。清代蒋士铨有诗云：“世人爱吉祥，画师工颂祷；谐声而取譬，隐语戛戛造。”说明青花瓷上的吉祥图案纹饰同样体现着中华民族的博大智慧和传统的文明。 在古代青花瓷绘中，以植物花卉蔬果最为丰富。不仅各种花卉直接作为画面主题入画，而且常以花卉作为人物画、山水画的背景或配景。由于所绘花卉佳果多有美好寓意，故使青花瓷格外生辉，成为上至官宦、下至百姓所喜闻乐见的纹饰。 元代随着国内外贸易的发展需要，中国瓷业较宋代又有更大的进步，景德镇窑成功的烧制出青花瓷器。青花瓷的普遍出现和趋于成熟，产销兴旺，元人蒋祁著《陶计略》中记述：“窑火既歇，商争取售，而上者择焉，谓之捡窑。交易之际，牙侩主之……，运器入河，肩夫执券，次第件具，以凭商筹，谓之非子。” 元青花瓷以景德镇为代表，其制作精美而传世极少，故而异常珍贵，根据时间大致分为延祐期、至正期和元末期三个阶段，其中又以“至正型”为最佳。 元青花瓷开辟了由素瓷向彩瓷过渡的新时代，其富丽雄浑、画风豪放，绘画层次繁多，与中华民族传统的审美情趣大相径庭，实在是中国陶瓷史上的一朵奇葩，同时也使景德镇一跃成为中世纪世界制瓷业的中心。元代青花不仅在景德镇出现，而且烧制技术迅速成熟，进入青花瓷的成熟期。元朝庭在景德镇设了“浮梁瓷局”，专门掌烧瓷器。《元史》卷八十八记载：“浮梁瓷局，秩至九品，至元十五年成立，掌烧造瓷器”。可见，元代对青花的重视及数量控制。当时，青花不仅为达贵用品，还外销到中东地区。目前，国内所知的元青花完整器只有100多件，80%为出土品，而国外却有200多件完整器和大量残片出土，其中土耳其伊斯坦布尔的博物馆里就有80件完整器。 元代景德镇陶工在继承唐宋制瓷成就的基础上进一步创新，弥补了形体上工艺粗糙的不足，使元青花更精美。元青花的装饰技法与刻花、印花、瓷塑、浅浮雕等多种技法相结合，绘画充分发挥蓝白的艺术效果，有白地青花、蓝地白花或青花线描为地几种风格。在装饰时，工匠结合不同器型采用不同技法，有的用两种、三种方法配合或几种方法集中于一体，刻花线条粗犷有力，印花线条圆润耐看，浅浮雕效果立体感强。此外应该注意的是，元青花纹饰绘画方法以平涂为主，结合勾、皴、点、染技法，线条苍劲有力，显示出元代工匠高超的绘画才能。 元青花的纹饰最大特点是构图丰满，层次多而不乱。笔法以一笔点划多见，流畅有力；勾勒渲染则粗壮沉着。主题纹饰的题材有人物、动物、植物、诗文等。人物有高士图（四爱图）、历史人物等；动物有龙凤、麒麟、鸳鸯、游鱼等；植物常见的有牡丹、莲花、兰花、松竹梅、灵芝、花叶、瓜果等；诗文极少见。所画牡丹的花瓣多留白边；龙纹为小头、细颈、长身、三爪或四爪、背部出脊、鳞纹多为网格状，矫健而凶猛。辅助纹饰多为卷草、莲瓣、古钱、海水、回纹、朵云、蕉叶等。莲瓣纹形状似“大括号”，莲瓣中常绘道家杂宝；如意云纹中常绘海八怪或折枝莲花、缠枝花卉，绘三阶云；蕉叶中梗为实心（填满青料）；海水纹为粗线与细线描绘相结合。 元青花的主体纹饰中，植物类有：牡丹花纹、莲花纹、菊花纹、松竹梅纹、月梅纹等。除以上主花外，在组合图案中还出现牵牛花、山茶花、海棠花、月季花、枣花及萱草、灵芝、芭蕉或竹石葡萄、瓜果、草虫等作画面衬托。动物类有：龙纹、凤纹、麒麟纹、鱼藻纹、鸳鸯卧莲纹、孔雀纹、鹿纹、海马纹等。其中元代龙纹极具特色，身躯细长如蛇，龙头呈扁长形，双角，张口露齿，细长颈，四腿细瘦，筋腱凹凸，爪生三指、四指或五指，分张有力，肘毛、
巴洛克艺术作品
巴洛克艺术作品 彼得·保罗·鲁本斯,Peter Paul Rubens(1577.6.28——1640.5.30)出生于德国的茨根小城一个律师家庭。9岁时随父母移居佛兰德斯，定居安特卫普。父亲去世后，母亲送他进一所拉丁文学校学习，他能阅读古希腊罗马书籍原著。1608年，与名律师兼人文主义者布兰特结婚，画家为妻子画过不少著名的肖像，所作一批以宗教和神话为题材的油画《复活》、《爱之园》、《末日审判》等，笔法洒脱自如，整体感强。特点是将文艺复兴美术的高超技巧及人文主义思想和佛兰德斯古老的民族美术传统结合起来，形成了一种热情洋溢地赞美人生欢乐的气势宏伟，色彩丰富，运动感强的独特风格，成为巴洛克美术的代表人物。鲁本斯的成就在于融合法兰德斯和意大利的传统艺术，复兴法兰德斯画派，对欧洲绘画的发展有重大影响。其作品丰富，被尊称为法兰德斯第二个黄金世纪中最突出的艺术家。 鲁本斯是法兰德斯大画家,他是欧洲第一个巴洛克式的画家,他的绘画具有巴洛克艺术的壮丽风格.鲁本斯的创作以对生活的富于诗意的表现来歌颂生活,首先是歌颂作为宇宙最完美的造物的人类.他在二十年代所画肖像,绝大部分是盛装的、外表上十分华贵的贵族肖像,还有比较朴素的便装肖像的为数甚少.他画的肖像之所以引人入胜,不仅由于绘画技巧的完美,同时还由于他在肖像里表现了脉搏在热烈地跳动、目光中充满了生命力、富有弹性的皮肤的栩栩如生的人物.鲁本斯在三十年代,也即是他的生命最后十年,尤其喜欢画肖像、风景与神话画.
这些作品几乎全出之于亲笔,比早期的作品更加朴素,更能予人以亲切之感,这些作品以其画法的潇洒与极度精确及洋溢着内在热情的感染力而引人入胜。
中国古代瓷器艺术鉴赏
中国古代瓷器艺术鉴赏 中国瓷器艺术鉴赏 中国是世界上最早生产瓷器的国家。一万年以前已有陶器生产，早在三千多年前的商代，就开始烧制原始青瓷，到公元二世纪的东汉，特别是到了三国、两晋、南北朝时期，青瓷的烧造已经达到很高水平。 唐代，制瓷业有了飞速发展，形成了以南方越窑和北方邢窑为代表的两大瓷窑系统。宋代是中国瓷器艺术发展的高峰，窑场林立、种类繁多、工艺精湛、技法丰富，有著名的汝、官、哥、定、钧五大名窑；还有北方的磁州窑、耀州窑，南方的龙泉窑、景德镇窑等庞大窑系，地域特色鲜明、工艺水平极高，取得了空前的艺术成就。 元、明、清时期，制瓷业更加繁荣昌盛。元代最突出的成就是釉下青花和釉里红等品种的烧制成功。明清时期景德镇御窑厂的建立，为烧造出种类繁多、造型丰富、釉彩缤纷、纹饰精美的瓷器创造了条件，彩绘瓷艺术有了突飞猛进的发展，品种多达数十种。明代除著名的永宣青花外，还创烧了青花五彩及斗彩等名品；清代不仅创烧了珐琅彩、粉彩等品种，还是颜色釉发展的繁荣和鼎盛时期，代表了中国瓷器生产新水平，开创了中国瓷器发展史上的新纪元。 中国古代瓷器按釉色与装饰主要分为两大类，一类为颜色釉
瓷，另一类为彩绘瓷，彩绘瓷又可大致分为釉下彩瓷和釉上彩瓷。 五彩花鸟纹八方花盆 清康熙 高32.2厘米，口径50.5厘米，足径31.1厘米 盆通体呈八方形，折沿，深腹。通体五彩装饰，盆身绘花鸟图，老树新枝，梅花、玉兰绽放，喜鹊栖于枝上，折角处绘翠竹纹。折沿上绘折枝花卉和飞鹤纹，近足处外壁凸起如意头八个，内绘折枝花卉纹。折沿下自右向左青花书“大清康熙年制”六字楷书款。底有一圆孔。 康熙官窑五彩多为碗、盘等小件器物，大件器物有花盆、瓶类。此器形制较大，古朴浑厚，气魄雄伟，画工苍劲有力，静动相生，显示出康熙时期制瓷的高超技艺。 青花釉里红圣主得贤臣颂文笔筒 清康熙 高16厘米，口径19.4厘米，足径19.4厘米 器呈筒形，直口，直壁，玉璧形底。外壁青花书馆阁体小楷《圣主得贤臣颂》文，字体工整，笔法精细，下钤釉里红“熙朝传古”篆书方款。底心施白釉，上青花书“大清康熙年制”六字三行楷书款。
浅析画家蒙克的艺术作品
人生悲剧映射在艺术作品中 -----------绘画天才蒙克的艺术人生 蒙克曾说过：“我要描写的是那种触动我心灵的眼睛的线条和色彩。我不是画我所见到的东西，而是画我所经历的东西。”又说：“我决不描绘男人们看书、女人们结毛线之类的室内画。我一定要描绘有呼吸、有感觉，并在痛苦和爱情中生活的人们。”“通过人的神经、内心、头脑和眼睛所表现出来的绘画形象就是艺术”。 爱德华?蒙克是现代表现主义绘画的先驱、挪威的表现主义画家。他的绘画总是带有强烈的主观性和悲伤压抑的情调，绘画内容重在于刻画内心世界而非外在现实，借夸张与扭曲的色彩、线条，丰富画面的表现力，来表达内心深处的情感。蒙克的人生悲剧体现在不同的时期，绘画的风格以及心理上的变化，以及蒙克的悲剧性的人生经历对他创作的影响。 蒙克的艺术表现，反映了当时欧洲整一代人的精神风貌他对心理苦闷的强烈的，呼唤式的处理手法对20世纪初德国表现主义的成长起了主要的影响。蒙克一生的绘画作品的主题总是离不开死亡、恐怖、不安、生命，是一个用心灵绘画的天才。 蒙克出生在一个幸福的家庭，他的父亲是一位陆军上尉军衔的军医。因为母亲在之前就患有当时世界流行的疾病肺结核，在不久就离开了人世。母亲的离开给5岁的蒙克留下了很大的阴影。那时候的蒙克是一个神经很敏感的孩子。在此之后，他开始用笔画画。蒙克少年时代遗留下来的作品，从对绘画形体的把握上来看，都具有表现鲜明和刻画准确的特点。然而，在爱德华·蒙克14岁的时候，他的人生体验中，又遭遇了一次痛苦的经历，这就是他姐姐索菲亚因为遗传的肺结核病 而死亡，姐姐的死亡是他的心理蒙上一层痛苦的阴影。蒙克的一个妹妹在小时候就被诊断为患有精神病。而他自己也体弱多病。蒙克的五个兄弟姐妹中只有安德烈结过婚，但在婚礼後不过数月也死了。眼看着身边的双亲和骨肉兄弟接二连三地不断死去，这对蒙克的精神打击是很厉害的，一个悲痛尚未过去，另一个悲痛接踵而至。这已经超过了精神打击，而是到了深度精神折磨的程度。死亡的残酷烙印永远地刻在了蒙克年轻而敏感的心灵深处，当年蒙克的心态不是一般人所能想象的。这大概就是为什么蒙克的作品压抑又悲观的原因了。蒙克後年说：“病魔、疯狂和死亡是围绕我摇篮的天使并且他们伴随我一生。”这些痛苦的经历让他以更大的热情投入到自己热爱的艺术中，不久显示出他的独到之处。1879年的秋天，蒙克通过技术学校的考试。但是由于蒙克患有疾病的缘故，他在时断时续的完成学业。到了1880年蒙克作出了一个决定，他在日记中这样写道：“现在我又从技术大学中退出来了，实际上我已决定成为一名画家。”蒙克在这个时期，绘画技艺得到了完善。蒙克画了第一张肖像画，他的父亲坐在沙发上看报，就可以感受到画家当时的艺术水平。从主题的开掘和构图的安排来看，他无疑受到了挪威近代著名的自然主义画家克里斯蒂安·克鲁斯的影响。 爱德华·蒙克在雕刻家朱利亚·门德森的指导下学习，他画了第一张自画像，这幅作品可以被看做是他艺术进步的一个标志。画中形象的表现也体现了蒙克作为一个艺术家的自信气质，也体现了他勇于探索精神。蒙克在这一时期运用着“自然主义”。《病孩》这幅画，就是这种观念的一个典型代表。“我一贯认为，这些自然主义花家里没有一个画家在体验他们作品主题的时候，达到我所画的《病孩》这类痛苦主题的程度，这不仅仅是我自己坐在那里，而且有我最亲爱的人。”1蒙克的这幅画意在超载超出流行的自然意义的表达形式，他要努力体现出一种强烈的十分自我的感情。而蒙克绘画所切入的角度，是要表现他对病和死的主观感受。为了真切的表现这一切，蒙克跟随父亲一起出诊去探视病人，从旁仔细观察病人的神态。蒙克在这一时间画成的作品，足见他这次创作过程的认真程度。他认为这幅作品创作经历，为他以后一系列的重要作品的创作，打下了重要的基础。
《呐喊》画作赏析
南京理工大学泰州科技学院09届西方绘画艺术赏析之《呐喊》 班级：09电信（2） 学号：0902040242 姓名：吴晓勇
爱德华．蒙克(Edvard Munc，1863-1944)是伟大的挪威画家，现代表现主义绘画的先驱。他的绘画带有强烈的主观性和悲伤压抑的情调。毕加索、马蒂斯就曾吸收他的艺术养料，德国和法国的一些艺术家也从他的作品中得到启发。 人们发现,在绘画艺术中，精神分裂症能唤起没有艺术素养的人的艺术活力，有时还能增加已成名的艺术家的创造力。也许像心理学家们所表明的那样，艺术家确实存在潜在的精神病的倾向，而艺术创作则有助于防止潜在的精神错乱表面化。有位作家曾说过:“有时我奇怪，所有那些不写作、谱曲或画画的人是怎样做到得以逃避发疯、忧郁、惊恐这些人类境遇中总是存在的东西。”这种绘画的治疗作用在表现主义绘画之父爱德华.蒙克身上表现得犹为明显。 蒙克于1863年出生在挪威的一个知识分子家庭。父亲是位知识渊博、阅历丰富的军医,母亲也受过良好的艺术教育。在他5岁那年,母亲因患肺结核而去世,姐弟五人由姨母代养,母亲去世后,父亲难过得好几天没有走出家门,他抑郁的神经强烈地感染了失去母亲的蒙克,这是他一生中首次感受到死亡的恐怖。蒙克13 岁那年,年长两岁的姐姐也因肺病去世。 蒙克与姐姐关系十分相好，感情极深，她的死再次刺激了蒙克的神经。接下来他的妹妹也患了精神分裂症。这一系列的打击所引发的伤痛，深深地印在了蒙克的内心里，决定了蒙克的性格和他前半生创作的基调。从他的《病孩》、《母亲之死》和《在灵床旁》等作品中我们能很清楚地看到这一点。特别在1889年父亲去世后,他的精神更是无法寄托,性格变得忧郁而孤僻、孤独、绝望、死亡等感觉深深地困扰着年轻的蒙克，到了非表达不可的程度。他要呐喊，他要画出活生生的人们，以及他们的呼吸、感觉和受苦受难.在这一时期,他画出了他最重要的作品《呐喊》。画面表现的是一个形似成形婴儿的小人张着口从桥上跑来,远景是海湾和落日景象。天空像滚动着的血红色波浪,令人感到震颤和恐怖,仿佛整个自然都在流血。蒙克后来在谈及此画时说:“我和两个朋友一起走着,夕阳西沉，天空变得像血一样红，我忽然无精打采，极度疲倦地止住脚步，黝黑色的海峡和道路显示着血与火一样的光舌。朋友走着，我却一个人停在那里因不安而颤抖着，我感到了自然强烈的呐喊。”1890年，爱德华.蒙克开始着手创作他一生中最重要的系列作品“生命组画”。这套组画题材范围广泛，以讴歌“生命、爱情和死亡”为基本主题，采用象征和隐喻的手法，揭示了人类“世纪末”的忧虑与恐惧。蒙克1893年所作的油画《呐喊》，是这套组画中最为强烈和最富刺激性的一幅，也是他重要代表作品之一。在这幅画上，蒙克以极度夸张的笔法，描绘了一个变了形的尖叫的人物形象，把人类极端的孤独和苦闷，以及那种在无垠宇宙面前的恐惧之情，表现得淋漓尽致。 在这幅画上，没有任何具体物象暗示出引发这一尖叫的恐怖。画面中央的形象使人毛骨悚然。他似乎正从我们身边走过，将要转向那伸向远处的栏杆。他捂着耳朵，几乎听不见那两个远去的行人的脚步声，也看不见远方的两只小船和教堂的尖塔；否则，那紧紧缠绕他的整个孤独，或许能稍稍地得以削减。这一完全与现实隔离了的孤独者，似已被他自己内心深处极度的恐惧彻底征服。这一形象被高度地夸张了，那变形和扭曲的尖叫的面孔，完全是漫画式的。那圆睁的双眼和凹陷的脸颊，使人想到了与死亡相联系的骷髅。这简直就是一个尖叫的鬼魂。“只能是疯子画的”，蒙克在该画的草图上曾这样写道。