浅谈日本平面设计的独特魅力
浅谈日本平面设计的独特魅力
潘洁卿
（广东交通职业技术学院，广东 广州 510800）
【摘 要】文章针对日本平面设计的独特性，阐述日本平面设计中审美的民族性，即既重视民族性又不缺乏走世界意识下；探索本土文化内涵，形成个性文化。
【关键词】日本平面设计；民族文化；本土文化；个性文化
【中图分类号】G03 【文献标识码】A 【文章编号】1008-1151(2009)08-0200-01
一直以来，我们都说“民族的就是世界的”，日本设计的成功，也正是在这句话中得到体现。日本设计的成功，是他们对东方理念贯穿于设计作品的成功。华夏文明是东方文明重要的组成部分，深深的熏陶着周围的其他民族和影响着世界文化，但对本土文化内涵的探讨还有待不断的思考。其中，受华夏文明的遗留痕迹的大和民族，在他们的作品中，把东方“归一”性诠释得很透彻。在日本平面设计中，用本土化的文字、图案对设计定位的引导，从中提炼设计的表现元素，并与现代设计精神完美的结合。正如日本设计大师福田繁雄先生曾指出：“设计中不能有多余”。要求我们对本土文化在设计中的表现中不是简单的临摹和转载，认识需要探索本土文化的内涵。
（一）在日本设计中“民族的就是世界的”这句话的现实意义
地域风俗差异使旅行充满惊奇，成长环境缔造人的个性，人确实有他无法介入的某个部分的感觉，民族间的文化差异同样如此。如：北欧人认为设计是他们生活的组成部分，美国人以之为赚钱的工具，日本人则认为设计是民族生存的手段。其实这并不是无道理的。
日本是一个岛国，自然资源相对贫乏，出口成了它重要的经济来源，尤其在电器方面，怎样在目前国际竞争环境下占一席之地，独领风骚，那就要求该产品在设计上的优劣。更形象一点，设计的优劣关系到国家的经济命脉，以至于日本设计受到政府的关注。
日本的设计从上世纪50年代开始起步，以其特有的民族性格使自己的设计变得十分强大。在日本传统中有两个因素影响着日本的设计：一是，少而精的简约风格；一是，在生活中他们形成了以榻榻米为标准的模数体系。日本人还是世界上最好的学生，能对当前世界先进的文化知识进行广泛的学习，（如从德国引入模数概念）并融会贯通，据为己有用。空间的狭小，使日本民族喜爱小型化、标准化、多功能化的产品，而这种恰恰符合了国际市场的需求，并导致日本的电器产品引导世界潮流、横扫市场的态势。
（二）日本平面设计中如何体现审美的民族性
现代设计越来越认同本土化，日本设计师善于和本国的文化结合，在许多的设计表现有很多跳跃的地方，像日本的一种短诗——俳句，语法、字句、节奏凝练而跳跃的含蓄，在没有着笔的空白处，会感到非常的魅力。那是纯日本、纯感性的世界，是对日本文学精神的延续。
只有建立在对传统文化深入研究和批判继承的基础上，经过哲学的思辨达到更深的境界，才能上升到一种思维方法的把握和东方审美情感的创造性表达。
1.平面设计中民族性审美与现代设计的关系
艺术是以情感表达为特征的，民族性审美就是表达这片土地的民族情感。从古到今，政治制度、民俗风俗、文化生活体现出不同地域性的哲学思想和审美情感，由于地域差异，使这种情感衍生不同的艺术表现形式。日本平面设计，作品中表达出来的情感在不同历史阶段以不同的形式存在。比如对爱情和死亡的看法，喻情感于细节的表述习惯，执着认真的态度，这种审美情感特征经历漫长的历史逐渐形成，他的生命力是可想而知的。在目前世界一体化的经济环境下，现代科技局部开始改变我们的生存环境，但它并不能代替我们的命运，每种民族情感在现代设计中的表达是现实生活的必然要求。
2.平面设计中现代精神和民族性审美的结合
民族审美情感不仅是传统图案，现代性审美情感不仅是对西方诸现代派设计的模仿，富有现代感的设计语言背后是一种对生活反思批判的精神和表达这种精神的创造态度，现代审美意味着对当下生活环境的表达，是不断进步的现代技术对人类感知方式不可避免的影响，所以这种新的造型方式最终也受到时代氛围的影响，而不是仅仅出自一个民族的气质和喜好。20世纪日本设计就是来自民族情感、现代科技、自然环境三则不可分割的信念。
（三）日本平面设计中即重视民族性又不缺乏走世界意识
日本平面作品体现出来的民族性和现代性兼具的背后，正是东西方文化群交锋的结果。如果我们只是功利的模仿西方的视觉语言，或简单的拷贝传统装饰手法，那么我们的作品就总是花花绿绿而不知所云。从日本平面设计风格形成的经验中，我们可以看到，没有任何形态和色彩自身能够自成体系，而是所有形态和色彩在同一感觉的功能构造中各业其能，共同发挥作用，所以，在追求一种代表社会环境的新造型就成了每个新时期的任务。
在目前工业化向信息化转型的一个过渡阶段，国际主义风格产品目前大批生产、价格低廉、适合广大民众的需求，但它在设计过程中牺牲了民族性、地方性、个性，一心追求共性。从长远利益来看，产品必须有个性才能在时常竞争之中占有一席之地。日本平面设计，从国家、地区的实际情况出发，把民族审美情绪同现代设计的某些因素结合起来，形成独特的设计体系，并成为东方设计文化的主流。
（四）探索本土文化内涵，形成个性文化
1.现代设计的本土文化。在现代设计中（下转第195页）
【收稿日期】2009-05-24
【作者简介】潘洁卿（1982－），女，广东交通职业技术学院教师，硕士研究生，研究方向为书籍装帧艺术设计。
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WEB页中加入替换图按钮，显示带有控制的文本，建立交互式表格等。 JavaScript可以使WEB页上显示的文本信息动起来或是加入一些动画从而使WEB页看上去活泼诱人，在远程教学中这些动态的元素，不但可以使网页更加生动，还可以极大地强化教学效果，起到事半功倍的作用；还可以控制层的移动和显示，以层作为一个悬浮在静态页面上的一个活跃的“容器”，将所有类型的多媒体形式和插件包括在其中，从而形成丰富交叉的组合动态效果，可以强烈地表现课程主题和重点，从而给学生留下深刻的印象，达到极好的教学效果。利用JavaScript还可在点击一个链接或发生任意一个事件之后打开一个或多个新的网页窗口，保证课件内容和层次的清晰，不至于把太多的内容放在一个文件中而影响程序的可读性和维护性。滚动、下拉菜单有助于划分课程脉络和结构，组织大量课程内容的页面元素也可以轻而易举地利用层和JavaScript来完成。在远程教学设计中对于复习的设计一向是个棘手的问题，如何让学生在没有教师的强制性约束的条件下进行行之有效的复习，借助JavaScript灵活的交互功能，可以设计出令人满意的方案来，即在后续的课程学习中，在学员浏览的网页窗口中随机地弹出问答窗口，其中有上一课或上几节课所讲授的要点、难点，在答对相应的问题后才能继续学习，否则必须将附带的答案中的要点、难点弄清楚以后才能继续，或者干脆回到以前的课程中重新好好地再学一遍，弹出前面哪一课或哪几课的复习题则由教师通过参阅相应的权威的方案或根据自己平时的教学经验来决定。如利用一个简单的Vbscript程序将Windows系统中的精灵对象调入到教学界面中，通过语句可以指定精灵对象的动作行为，如显示、移动、会话等等，而且你还可以利用微软提供的工具设计制作自己的精灵作为虚拟教师供学生下载或在光盘中提供。下面是一个在网页中实现虚拟人物调用的例程序。
范例程序2：
<0bject id=“the Agent"width="0"height=“0"class id="CLS ID：d45fd31B-5C6E-11D1-9ECi" code base= “#VERSION=2,0,0,0”>
具体例子
利用JavasCript脚本语言进行远程教育的多媒体动态页面开发，是比较适合远程教育教学设计的思想运用的，使所有的教学内容更好地表现出来，远程学习者的学习效果才能得到保证，甚至可以达到事半功倍的效果。灵活、合理、有效地运用脚本语言进行远程教育的多媒体动态页面开发并使其更好地完成教学意图，将成为发展远程教育制作技术的一个重要课题。
【参考文献】
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势[M].人民教育出版社,1992.7.
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（上接第200页）对本土文化的认同，并不是简单对符号或图形的认同。探讨本土文化的内涵，找出传统文化与自己个性的碰撞点，形成自己的设计风格，这才是设计本土文化的精髓所在。福田繁雄是日本当代天才的平面设计家他总是弃旧图新，并系统地将各种创意、革新加以融会贯通。每一批作品都反映出他主观想象力的飞跃以及他控制和营造作品的匠心。他在看似荒谬的视觉形象中透射出一种理性的秩序感和连续性。福田繁雄既深谙日本传统，又掌握现代感知心理学。他的作品紧扣主题、富于幻想、令人着迷，同时又极其简洁，具有一种嬉戏般的幽默感，并善于用视幻觉来创造一种怪异的情趣。
2.设计师创作风格。设计师使用的语言、节奏和设计师在作品中所体现的章法节奏，应该是一致的。广告海报设计作为当今最富魅力的平面设计领域之一，以其独特的艺术表现形式和深刻的思想性，吸引了众多设计师投身其中。日本的著名插图家秋山孝先生，创作了大量以生态环境为主题的海报，在众多的海报表现手法中，他选择了插图绘画这一最纯朴和简单的表现形式，极具亲和力的漫画艺术形式,恰如其分的夸张和幽默感,犹如来自内心深处的歌声使人共鸣，强烈的时代节奏感与轻快风格在其作品中得到了巧妙的融合。
3.自我设计风格的形成。形成自我的设计风格，是本土文化、现代精神、民族审美与自我个性相碰撞点。对于设计师，尤其是广告、印刷设计师，要在创造新内容的同时，发掘传统文化的新意。设计作品与社会环境背景的结合，运用独特的表现技法和深刻的思想性，形成具有时代特征的个人设计风格。如，可以在一个题材上创出多个意念。福田繁雄运用五经五纬粗黑线构成的地球，设计出很多令人印象深刻的海报。经纬线可握手、经纬线可变涟漪水纹、地球可以行乞、地球可以说话都轻松幽默地传递着关爱地球和人类的心意。福田繁雄喜爱设计有着巨大反差的简洁的平面，由此建立起他的个人风格。
（五）结语
日本平面设计与本土文化、民族审美、国家发展、现代精神相结合的产物中，我们发现，提高本国的设计，不是盲目的“西化”、“和化”，而是要学习其中的根源，并从中思考和认识我们的方向。我们可以反省，对东方文化具有巨大影响的华夏民族，在设计界方面留给我们同样很大的思考空间和探索太多太多。在设计的道路上，找出华夏文化与现代精神、民族审美、自己个性的碰撞点，找到真正的设计方向，形成自己的设计风格。
【参考文献】
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日本设计文化初探
龙源期刊网 https://www.wendangku.net/doc/d614945309.html, 日本设计文化初探 作者：冯鸣包海默 来源：《艺术与设计·理论》2013年第05期 摘要：文章通过研究日本的宗教信仰——佛教的禅宗思维和神道教的万物有灵论思想和美学，以及通过对地理环境、社会制度等因素的分析来解读日本文化，运用关联性方法剖析俭朴与奢华并存的双轨制日本设计风格的成因，并分析了日本现代设计的成熟理念与宗教思维的关系。 关键词：宗教文化日本设计 设计评价在设计学的理论课程中占有重要的地位，它关系到一个学习者将以怎样的高度去分析一件设计作品。如何抛去作品的表面看到它的内涵，这是设计教育应该解决的关键问题，也是提高设计师基本素养的必经之路[1]。研究设计作品的文化背景，是深入理解该地域艺术 形式的基本方法，文章以日本设计为例，运用关联性方法剖析俭朴与奢华并存的双轨制日本设计风格的主导因素。 一、神道教的信仰 （一）万物有灵 顺其自然、尊重自然的万物有灵论。即多神之道，神无所不在，动物、植物，甚至无生命的石头都受到神灵的操纵与指示，于是衍生万物有灵论[2]。提倡顺应自然，即使不完美，也 被认为是一种历史的痕迹。因此从信仰衍生的自然观，形成了日本人的精神结构，充满纤细、敏锐且与自然融为一体的雅致情趣。 日本知名设计师喜多俊之提出：一般人对设计更关注造型和功能，其实最重要的是灵魂。即使使用坏了，也会用心修复，一种物灵的召唤而产生惜物的价值观。人与物间互动接触下所产生的情感和记忆，是难以抹灭的可贵之处。因此日本的“设计”有时叫“意匠”，“意”可拆为”音“与”心“，用心倾听使用者的声音，还有材料的声音[2]。 （二）日本美学 日本传统美学，即追求缺、拙、涩之美，是“黯然”之美，就是非直接表现出来的文化特性[3]。“涩”是日本非常独特且具有东方内蕴之美的特性。仔细观察日本的器物设计，通常是一种缺与拙的自然材质特性，体现物灵的真性情。这一点与日本自古信仰神道教有很大联系，尊重自然给予人类的原始物质面貌，表现最俭朴的美感。因此，日本人那种十分追求完美的紧张个性在“不完美”的器物中得到放松。
日本现代设计的发展和历史背景深刻分析!
世界现代设计史 -----------------日本的现代设计发展
日本在第二次世界大战之前并没有什么重要的设计活动。日 本从1868年的明治维新运动以后才开始自己的现代化运动，逐渐进步工业化时代，19世纪末期已经把国家的中心放在海外扩张上，甲午战争以后占领台湾，日俄战争以后进入辽东半岛，1910年兼并朝鲜，直到1931年占领中国的东北地区，1941年发动太平洋战争，基本没有进入真正的和平经济发展阶段，全部现代化时间都耗费在军事扩张上，因而，虽然有过一些零碎的设计探索，但始终没能够进入现代设计的运动阶段。日本的真正设计发展，是在第二次世界大战以后，特别是1953年结束的朝鲜战争之后的事 。 日本用了很短的时间，从1953年前后开始发展自己的现代设计，到80年代已经成为世界上最重要的设计大国之一，不但日用品设计、包装设计、耐用消费品设计达到国际一流水准，连汽车设计、电子产品设计这类学要高度技术背景和长期人才培养的复杂设计类别，也达到国际水平，使世界各国对日本设计另眼相看！而日本能够在如此短暂的时间内取得这样显著的成就，也是设计 理论非常重视的课题。 日本是世界发达国家中唯一的非西方国家，唯一的亚洲国家，它的工业革命比各国迟到100年以上，它的民族传统、设计风格、文化根源与西方格格不入。因而，它如何能够发展自己具有世界
竞争水平的设计，就更加令人感兴趣了。 日本国土虽然狭小，但是人口总多，在一个小于美国加利福尼亚州的领土上，居然能够容乃下1.3亿人口，可见居住空间下载是日本人生活的一个特点，这个特殊的背景，在日本的传统设计 与现代设计中都得到鲜明的体现。 日本的文明发展是基于大量地借鉴外国文明的精华基础之上的，公元7世纪到9世纪从中国学习文化，乃至文化的借鉴；明治维新之后从德国学习工程技术，从英国借鉴文官制度和社会管理体系；第二次世界大战之后从美国学习先进的现代的企业管理技术和科学技术，等等，把这些因素结合起来，加上自己的消化，达到融汇贯通的地步，形成自己的独特的文化。日本的设计发展也是基于这种模式。因此，从传统的日本设计中，可以看到中国、韩国的影响；从日本现代设计中；从日本的现代设计中，则可以看到美国的、德国的、意大利的影响。日本是一个学习外国先进经验最好的学生，但是，也是最能够把别人的经验和自己的本国国情结合，发展自己独特体系的国家。因此，不能说日本的经验仅仅是建立在抄袭别人经验之上。日本多年学习的历史，造就了一种超级的消化和选择机制，加上日本本身的文明传统，特殊的地理环境，特殊的社会结构和人际关系网络，使日本的文化、经济、政治都与众不同，而日本的设计也因而具有自己非常特殊
日本设计为什么能后来居上
日本设计为什么能后来居上？ 去过日本的朋友我想都会有一个感觉，那就是日本的拥挤。不管是大城市还是在郊外，你很少发现有开阔的景地。加上资源的匮乏，让日本这个似乎被放逐的民族同时被上帝赋予了积极思考的野性。个人一直偏激一个观点，那就是环境决定了一个民族的特质，人只有在恶劣的环境下才会思考如何改变自己，而一切的改变也均是为了让自己所处的环境相对优越于从前。其自然环境决定的因素往往人为是无法改变，于是人们只好积极的改变自己....... 住在日本的酒店你常常会被一些巧妙的小设计吸引，往往不足2个平方的洗手间也可以被他们设计的很有味道，浅颜色甚至白色被大量的使用，是因为空间的足够狭窄，于是我们不难得到一个结论，正因为日本的资源稀少，所以人们更加懂得珍惜和节约，他们积极的思考如何尽可能的节约资源，满足自我的需求，于是设计便得到了更好的升华... ... 日本的设计，我总结为减法设计，因为他们尽可能的节约自然资源，于是无论是在生活还是设计上，他们的出发点始终以节约为宗旨，在日本有很多的日常用品包装采用了家庭装，目的是为节约包装的成本，而家庭装的包装也仅仅是以功能为主导的设计(无印良品就是一个很好的例子)。在日本很少看到色彩张扬，制作昂贵的广告画面，那是因为整个民族都懂得应该节约，所以他们会将心思用在产品本身的研究上，努力将产品做到完美，这样做的目的是为尽可能用产品来说话，而企业也无须太多的在广告或者推广上做过多的竞争。 我想这也是日本之所以很少看到有诸如中国一样的户外广告的原因,这种相互制约而又相互谦让的特质，又间接的影响了这个民族懂得相互尊重，因为他们没有选择，他们的环境决定了他们之间不可以有恶劣的而残酷的竞争，他们只有大和而存在...... 同样是一卷手纸，日本人会将中间的孔设计成方形，目的是为人们在使用的时候因为方形所形成的阻力有效的阻止了人们的浪费。类似的例子有很多，总之对于日本的设计，我的理解是他们在做减法设计，而影响他们做减法设计的动机是因为他们的生存环境。他们的设计本身其实并无特别之处，只是对比而言，他们更显平静而幽雅，当整个民族因为自然环境而影响到他们的思考以及解决问题的方法有改变时，于是自然会形成符合其民族气质的设计风格...... 日本的设计起步较比中国早,所以在设计思考过程中同样较比中国成熟。中国地大物博，足够优越的自然条件，让整个中国的经济高速发展，企业家门都有大把的钞票用来做竞争，设计需求的旺盛，让整个国家充满了视觉垃圾。不同层次的设计师也不断涌现，成熟的也或是不成熟的。由于没有正确的设计导向和设计目的的明确，让诸多企业和设计师在力求盲目的突出自己，以为视觉冲击力足够强大就可以抢过眼球，赢得市场。于是形成了中国目前的设计视觉气质，张扬而略显肤浅，这些现象的存在不是设计师可以单方面可以改变的，这就导致了设计师所处的环境相对恶劣，他们变的浮躁而没有内涵。当市场形成一股风气，便一发不可收拾。所有的企业都在做设计的投入，导致设计需求的程度也不一样，好的设计与低劣的设计并存，而过多重视设计表现的视觉冲击以及忽略的设计本身价值的呈现其结果都是可怕的，中国的设计师需要更为理性的思考并力求引导我们的客户跟着我们去思考。中国的设计正处在这样一个不太理性的时期。 日本设计具有许多自己独特的特点，这与日本本身的社会行为和社会结构分不开。比如，日本现代设计强调集团式工作方式（team work ) ，虽然包豪斯时期也强调集团工作、集体设计精神，但是，日本式的集体主义与西方的个人主义基础上的集体工作方式有本质的不同。日本设计界基本是团结一体，同心同德，完全不追逐个人出名，以集体的成就为自己的成就而骄傲，这是与西方的模式完全不同的地方。
论日本包装设计的特色
一、日本市场包装设计的“第一印象” 1. “洋”、“和”两式包装各显风采 此行途经东京、富士宫、京都、奈良、大阪、名古屋以及爱知世博会等地，一路走马观花，来去匆匆，走过街头小店、纪念品店、专卖店、超市、百货公司、大型商城。第一印象是日本是一个供大于需的社会，商品琳琅满目。从包装设计的角度来审视，大致可以将其风格归纳为两大类别，一类是现代的“洋”式，另一类是传统的“和”式；尽管还可以分出综合形态，但是“和”、“洋”两类还是主要类型。就像日本街头的少女，有染着五颜六色的头发，身着夸张开放的时尚服饰的形象，也有穿着传统的和服、木屐，踩着细小碎步，典雅矜持的形象。这两类风格交相呼应，引人注目，让人感到传统与现代，质朴与时髦和谐共存。 “洋”式包装彰显日本当今都市生活主流民众的消费心态——追逐时尚、开放和崇洋；而“和”式包装则是反映了日本人对本民族传统文化精神依恋的情结。 日本今天的“和”包装之所以为笔者关注，首先是因为设计师在发扬民族风格特色的同时，还力求使作品具有时代性，从而产生出一种新的时尚风格；其次是因为它的东方精神与我国的传统文化有着千丝万缕的联系。今天的日本已经在来自传统中国文化的基础上加入了日本特有的民族文化精神，并在此基础上寻找到了日本化的气息和现代时尚的语境，走出令人们赞叹的日本包装艺术风格的新道路。 2. 传统出新的材料、精致的工艺和精心的设计 日本的产品包装透出的品质感给人留下很深的印象。从包装的表面看：不仅从图形创造和色彩的运用等方面显示出深度，更可见设计师从选材和工艺上精益求精的那份用心。图形和色彩主要围绕着传统的审美和民族文化，而材料的选择则从自然入手，通过现代的工艺使之变得实用美观，形成有明显日本特色的包装形象，充分显示出素以工作严谨著称的日本人在包装艺术上的才智。 这种才智还表现在如下方面：其一，与包装相关的材料工业、加工工艺及其系统发展得相当完备，诸如和纸、漆艺、木作等传统手工艺的现代时尚化；其二，图形设计和方法的相关研究、传统手工艺的深化研究以及商业情报工作都做得比较扎实。这些都为设计创作提供了很好的基础。因此，在日本商店中很难找到粗制滥造的东西，从最小的牙签，到日常生活用品；从单一的个体产品，到系列化的产品组合；从机器生产到手工制作，件件都精雕细琢，引人入胜。 3. 环保理念在包装设计和制作中处处体现 日本是个岛国，地少人多，内在的资源危机使他们形成了很强的环保意识。这种环保意识是政府及其相关组织、教育和民众意识觉悟的结果。它反映在日本民众日常生活的方方面面。同样，在包装设计中，设计师自觉地考虑到环保因素，成为他们常态的思维方式。在设计实践中对材料的选择和开发上，均以不污染环境，易于回收再利用的材料为首选。 二、解读设计产生的背景和原因
平面设计史期末复习资料
1、起源 （1）法国南部拉斯考克地区的山洞中发现的原始壁画可以上溯至公元前15000~10000年，形象生动没有刻意的设计布局，只是在空白的洞壁上涂鸦。绘画的主题与当时的生产、生活有关，描绘生动，形象简练，具有强烈的符号特征。 （2）在公元前2500年左右，苏美尔人发明了表词音节文字——楔形文字。 （3）在古埃及的纸草文字中，《死亡书》最引人注目，是世界上最古老的书籍。 （4）公元前3世纪左右，古代腓尼基（今黎巴嫩、叙利亚一带）人创造了世界上第一套拼音字母。渐渐发明出一套22个字母的字母群。 （5）罗马人约在公元2世纪，23个罗马字母已相当完美，中世纪拉丁字母又加入3个字母，现代英语的26个字母至此完成。 （6）罗马字母的一个重要特点是出现了装饰线。（7）罗马字体设计的另一个重要特点是采用了方形的大写字母“方体”。 2、中世纪 （1）中世纪古典风格是从古典希腊、古典罗马、和古典埃及的各种字体风格中综合发展起来的文字风格，同时也包含了古典时期的版面编排的特点。（2）利用羊皮纸作手抄本是中世纪书籍最显著特点。 （3）凯尔特人的手抄书籍色彩绚丽，往往把首字母装饰的非常大和华贵，书籍的插图都是图案式的。（4）标准化出版的开端（特点、影响） 公元789年，查理曼发行皇家标准文书，派送欧洲各地，命令全欧洲遵照标准出版，以提高整个欧洲的文字和书籍手抄出版水平。公元8世纪即法国卡罗林王朝时期，为了适应流畅快速的书写需求卡罗林小写字体产生了。 （5）公元711年，手抄本色彩绚丽，具有浓厚的异国装饰情调，书籍抄本四边都有华贵的阿拉伯风格图案花边装饰。 （6）中世纪晚期，公元1000年到1150年在历史上称为“罗马化时期”。 （7）印刷术是由拓石和盖印两种方法逐步发展而成的。 （8）印刷术最早可追溯至中国古代的封泥与印章。公元2世纪左右，中国便有将经文刻在石头上，通过拓印达到复制的目的，公元6世纪前后，发明了木刻板。 （9）造纸术于公元105年由蔡伦发明。 （10）在公元1400年前后，欧洲出现了最早的木版印刷。 （11）中世纪文字与图形传递的主要特点是什么？·凯尔特人的手抄书色彩绚丽，往往把首字母装饰的非常大和华贵，书籍的插图都是图案式的，与比较讲究写实描绘的古典罗马风格大相径庭；插图都有宽阔的装饰花边环绕，每页书都可以视为一页独立的艺术品。 ·查理曼统一手抄本书籍的版面标准、手书字体标准和装饰标准。 ·西班牙手抄本色彩绚丽，具有浓厚的异国装饰情调，书籍抄本四边都有华贵的阿拉伯风格图案花边装饰。 3、文艺复兴时期 文艺复兴本意是“再生”，指“自由精神”与“人文主义”的再生。是指以意大利为中心所掀起的西欧新文化思想运动，大约自14世纪持续到16世纪。文艺复兴意味着古典艺术与文化的复活。 （1）15世纪前后，德国曼兹地区的约翰·古腾堡从事金属制品制作，印刷出他的第一本完整的书——《三十一行书信集》，是西方最早的活字印刷品。1450~1455年间，古腾堡运用金属活字印刷完整书籍——《圣经》，文字分两栏排版，版面工整，阅读方便，也不像当时手抄本书籍那样插图和文字混合编排， 没有规范。 金属活字印刷的意义： 改变了印刷材料，相比木刻板印刷不不会吸收水性材 料。制成黑色油墨，印刷效果均匀。对欧洲资本主义经 济发展起到重要的促进作用。对拉丁字母形体的发展有 极为重要的影响。 （2）意大利文艺复兴时期的平面设计和印刷设计中心 是威尼斯。 （3）意大利文艺复兴在设计上的一个特色是大量采用 花卉、卷草图案装饰，文字周围用这类图案环绕。 （4）科学技术书籍与宗教书籍同时盛行是意大利文艺 复兴时期出版业的特点。 （5）宗教出版的阿杜斯·马努提斯较少用插图，集中 于文字的编排，讲究工整简洁，首写字母装饰是主要的 装饰图案，往往采用卷草环绕首字母，使整体设计具有 工整中兼有变化的特点。 （6）1501年，驽马提斯首创“口袋本”的袖珍尺寸书 籍。 （7）丢勒为《启示录》一书作了15张极其精彩的木刻 插图，描绘生动，线条丰富，黑白处理得当，构图紧凑。 （8）17世纪报纸出现。 （9）文艺复兴的特点，意义 4、18世纪 （1）洛可可风格（特点）强调浪漫情调，大量采用C 形和S形的曲线作为装饰手段，色彩柔和淡雅，版面华 丽，字体也时常采用花哨的书法，设计上，往往采用非 对称的排列方法。 （2）开创英国印刷设计和平面设计的人物是威廉·卡 斯隆，“卡斯隆体”强调笔画粗细的变化，既清新又典 雅。 （3）“新罗马体”特点、意义： 非常清新典雅，比较古典的罗马体具有更加良好的传达 功能，同时又兼有典雅美观的特点。受到欧洲各个国家 的广泛欢迎和采用，并形成了现代字体的一个大体系， 迄今依然广泛沿用，并形成了简明大方，重传达，兼顾 美观的新的平面设计风格。 5、工业化时代 工业化时代产生的原因： 1760~1840年，是一场以能源革新为中心的技术变革， 蒸汽机、内燃机的使用，极大地促进了生产力的发展， 刺激了西方经济的高速发展。 （1）1797年英国史坦伯爵制造了第一部用铸铁制成的 手摆印刷机。1810年，费城的克莱姆氏发明用臂力操 作的印刷机，以杠杆的巧妙系统替代转轴。 （2）1810年，在英国申请到蒸汽印刷机专利。 （3）印刷机发展的意义：印刷成本大幅下降，印刷品 尺寸显著增大。 （4）美籍德国人奥玛·梅根泰勒在1885年发明了世界 上第一部“风箱式”铸字排版机，使用键盘能像打字一 样使检排作业进入完全的自动化。 （5）木刻技术在19世纪发展，字体的粗细大小和装饰 细节日益精巧，出现了比例精度要求较高的饰线。金属 字模价格偏高，本身沉重使用不便。 （6）美国人达密斯·威尔斯试用木刻板代替金属板， 木刻板价格低，结实轻巧，制作容易，使用方便，不会 出现金属铸造的变形情况，能够准确的表现出字体的细 节。 （7）19世纪早期的海报和商业广告设计纵横排列方式， 成为早期版面设计一个基本原则。 （8）“卡斯隆旧体”比较大、粗壮、坚实，具有非常 强的商业推广价值。是19世纪初，字体设计上的一个 重大发展。 （9）“胖体”设计者罗伯特·桑涅，以粗壮的竖线和 增加字体的宽度来达到强烈的视觉效果，竖线笔画的宽 度与字体的高度比例关系往往为1：2.5，有时甚至成了 1：2。 （10）“古董体”（埃及体）1815年菲金斯设计，字 体具有强烈的现代气息，构造粗短结实，具有浓厚的 机械味道。 （11）19世纪上半叶，字体设计的第三个重大发展 是“无饰线体”，有装饰结构，字体比较朴实，简单， 明了，传达功能强。 （12）摄影术的发明——小孔成像。 （13）摄影在平面设计发展过程中的重要意义在于， 首先它丰富了平面设计的视觉语言，提高了视觉传达 的效果；其次，照相制版扩展了印刷工艺的领域，对 平面设计的发展起到了重要的推动作用。 英国工业革命或工业化对平面设计发展的意义。 6、维多利亚时期 亚历山大丽娜·维多利亚是整个十九世纪英国君主， 是英国历史上长期和平的时期，也是工业技术迅速发 展、都市化集聚扩展、文化艺术繁荣的时期。 特点：设计上的矫揉造作、繁琐装饰、异国风气占了 非常重要的地位。 （1）1840年左右，英国威廉·沙普开始利用石板印 刷技术制作彩色的书籍插图。 （2）1846年，美国发明家里查·霍完善了滚筒式石 印机。 （3）19世纪以来，欧洲主要的广告形式是海报，具 有图画的、彩色的海报成为流行的广告形式。 （4）纳斯特被称之为“美国漫画之父”。 维多利亚时期特点及影响： 特点：要素纷杂；具象写实 影响： （5）“工艺美术”运动中的平面设计的特点：反对 机械，提倡手工。 工艺美术运动是19世纪下半叶的一场设计运动。 （6）1815年世界第一届伦敦世博会场馆运用钢铁与 玻璃建造温室的设计原理被称为“水晶宫”，它选材 特殊，造型奇特，采光良好，建造师共用玻璃板39 万块。 （7）威廉·莫里斯是“工艺美术运动最主要的代表 人物。 （8）工艺美术运动的风格特点： ·强调手工艺，明确反对机械化生产； ·在装饰上，反对矫揉造作的维多利亚风格和其他各 种古典、传统的复兴风格； ·提倡歌德风格和其他中世纪的风格，讲究简单、朴 质无华、功能良好； ·主张设计诚实、诚恳，反对设计上的哗众取宠、华 而不实的趋向。 ·装饰上推崇自然主义、东方装饰和东方艺术。 （9）莫里斯的设计反复强调两个基本原则： ·产品设计和建筑设计是为千千万万人服务的，而不 是为少数人服务的； ·设计工作必须是集体的活动，而不是个体劳动。 （10）英国“工艺美术”运动从1860年左右开始发 展，到1878年成为一个名副其实的运动。 （11）威廉·莫里斯在英国被称为“现代设计之父”。 （12）世纪行会是建筑史阿瑟·马克穆多在伦敦组建 的设计公司。 （13）“新艺术”运动是19世纪末20世纪初在整个 欧美开展的装饰艺术运动。 “工艺美术”运动和“新艺术”运动的特点、人物、 意义（表现） “新”特点是：（与“工”运动的相同点） ·是对矫饰的维多利亚风格和其他过分装饰风格的反 对； ·对工业化风格持强烈反对的态度； ·重新掀起对传统手工艺的重视和热衷； ·放弃对传统风格的参照（模仿和仿造），而采用自 然装饰即植物、动物为装饰主； ·受到日本浮世绘特别是日本江户时期的艺术与装饰 风格和浮世绘木刻印刷风格影响，掀起了日本艺术
世界五大知名平面设计大师
世界五大知名平面设计大师戴帆用天才向极峰探险
绝对自由的创造: 诙诡谲怪，道通为一”戴帆的平面设计研究 编辑 戴帆是当今最有创造性和影响最广泛的设计师和艺术家之一，戴帆的平面设计的价值在于掀起了一场“美学革命”，打破源于西方的当代国际主义风格的常规与教条，也不同于当代日本平面设计的阴柔美学，把平面设计分割成诗歌、观念、宗教的载体，从民族的深层次文化中寻找基石建立自己美学的语言。 戴帆经常用分解、变形、抽象的手法处理物象，分解的极点，或仅具一目一羽；变形的极点，或类于行云流水；抽象的极点，是化为纯粹的曲线。形固有失，神则兼得。将异常的观念展开 于同一个平面之上，边界彼此接续，并勾勒出一条虚线平面远未将多元体的维数缩减，而是对它们重新进行划分，令它们彼此交叉，以便使任意数目的多元体和情节得以并存。融贯的平面是所有具体形式的交叉。平面就是振动，就像海浪一样，就是展现于融贯平面之上的变动不居的边界，每个人都如一股海浪般推进，平面的语言是一股海浪般的振动沿着遍及整个平面的逃逸线而蔓延。 在平面设计的观念中，戴帆认为，平面其实是由许多累积之层（Ayer; F loor; Tier; Storey）所构成，层在于使物质成形，将强度限制于或将特异点固定于系统之中，层与层之间游弋着未成形、未经组织化、未被层化和去层化的意识。昂首、辽阔的造型所构成的冥远、辽阔的空间与深邃、幽昧的平面所构筑的心理空间，地上、地下两个时空都是戴帆关注、谛视、凝想的永恒对象，圆的镜橼，方的扭周，两者之间是广大无垠、旋动不息的宇宙的缩影。
设计师在这里展示的是根本的事实，还有它转化成的想象、悲哀、希望、爱、欲望、美丽。这个时代的中国的平面设计，不紧紧是设计师的，也属于这个国家的缩影,就像一个国家心脏跳动的心电图,是一种彷徨的心电图。在这样的设计前面，你只有睁大眼睛，生怕错过任何细节。美好的东西总是稍瞬即逝，记忆，是建立在经验之上。人生最大的悲哀也许不是看不到美的东西，而是看过之后，再无法忍受不美和平庸的东西。那种气质似曾相识。是的，那是中国当代独有的色彩：曾经拥有深厚和悠长历史的国家在急速发展中所涌现的生命冲动与迷失。或者说，一切能记住的都是抽象的、不可描述的。 “身既死兮神以灵，魂魄毅兮为鬼雄”，应该怎么来保存我们的记忆和最初朴素的感动以及灵魂呢？也许最重要的是一颗敏感、纯净的心灵。纵观戴帆的平面设计，每个项目的概念和表现似乎又各有不同，在这场独属于设计的梦境之中，我们也仿佛也看见自己的影子，被一寸寸深烙于画面中。 戴帆在平面设计领域获得的奖项和展览包括：第23届波兰华沙国际海报双年展、环球设计大奖、日本TDC东京字体指导俱乐部奖、第十一届墨西哥国际海报双年展、香港设计师协会亚洲设计大奖、亚太最佳品牌标志设计年度奖品牌形象类金奖5项提名、国际商标标志双年奖品牌形象类全场金奖、捷克斯洛伐克特尔纳瓦国际海报三年展、2010 大声展、世界设计大会POST__：现代国际海报设计展。
浅谈日本现代设计
1.浅析日本现代设计 By lisco 此时多难之邦：日本正在遭遇有史以来最强烈的地震和浪头最高、影响范围最广的海啸。日本堪称是一个地理环境上多灾多难的国家，灾难也几乎一直是日本文化中重要的一部分，这次灾难又在考验日本人的坚强。我们只能祈祷日本尽快的恢复过来。 从最后一张灾民排队取水的图片可以看出日本人团队精神和个人素养是很高的。在这种天灾人祸的时候依然能表现的这么井然有序。这是一种早已形成的习惯在发挥作用。而日本除了是一个礼仪之邦，同时也是一个设计大国，下面我们就一起来分析日本的设计文化:
日本经济泡沫破灭后，政府确立了“设计兴国”的战略，为日本设计师提供一个个可以大胆挥洒灵感的舞台，经过短短的10多年的努力，日本人取得了辉煌的成绩，不管是普通的日用品，包装，还是汽车、电子产品…日本人都做到了国际水平。这让世界各国刮目相看，日本也因此成为了世界上重要的设计大国之一。 日本人的设计风格可以说是独树一帜的。其简洁、细腻、天马行空而又富有创意的设计作品迅速推广着日本的设计实力，影响力日益深远。日本是一个善于吸收别国成果的国家，但他们能够通过学习别人的优点并整理自己的民族特性，最后形成自己特有的风格，而且只用了短短10多年的时间，就取得这么大的进步和优异成绩，不得不令人侧目。 > 浅谈日本现代设计 先从日本人身上说起： 日本人对于佛教禅宗的信仰–形成日本人简朴、单纯、自然的文化。 日本人传统的神道信仰（对于自然、祖宗的尊敬和崇拜，形成日本人对于自然风格的高度喜爱）–形成了干净、整洁的民族习惯和民族文化特征。
日本设计从禅宗中获益良多。禅宗对日本人的另一种影响就是极简，朴素，低调。这使得日本人在日常生活中懂得谦虚和礼让。以下来看看日本人的一些和生活环境和家居用品: 可以说“简洁”是日本设计的一大特色。 再看日本人的其它方面的设计作品：
浅谈日本传统文化在平面设计中的应用
论文 课题名称：浅谈日本传统文化在平面设计中的应用学生姓名：张婉宁洪敏何琪媛戴安琪 院别：美术学院 专业：美术学 指导教师：刘乃芳
浅谈日本传统文化在平面设计中的应用 目录： 一、摘要 二、第1章日本平面设计的发展 1、1.1 战后日本平面设计的发展 2、1.2 日本平面设计快速发展时期 三、第2章日本传统文化在平面设计中的运用 1、2.1 禅宗 2、2.2 武士、艺妓 3、2.3传统绘画 4、2.4传统名俗 四、结论
摘要 在当今的世界，平面设计的风格越来越注重对于本土文化的运用。通过对本土文化内涵的探索，继承与发展本民族的文化和传统，从而形成自己的设计风格，这对于当代平面设计师来说，显得格外重要。在设计与审美日益同化的今天，日本的现代设计以其独特的民族特色，在世界设计强国中独树一帜，甚至成为代表东方设计体系的代言人。本论文主要运用了文献研究法、定性分析法等研究方法，从日本平面设计的发展、日本传统文化的禅宗观念、武士、艺妓以及传统名俗和绘画等方面对进行简要分析并指出日本民族传统文化在日本现代设计中的应用。 关键字：日本平面设计传统文化
第1章日本平面设计的发展 19世纪中后期，日本一直在致力于对外的领土扩张，使之经济、设计发展一直处于缓和停滞状态，所以日本始终没有能够进入现代设计的运动阶段。其设计得到真正发展是在第二次世界大战之后，尤其是在朝鲜战争之后。 1.1 战后日本平面设计的发展 战后的日本，在经济上得到了美国的大力扶助，使得日本的经济得到了高速的发展。在面向世界方面，日本为了更好的在世界市场上立足，采取了走世界认同的国际形象以及国际主义风格的平面设计形式，争求在其中得到广泛了解。在面向国内方面，日本则采取了符合本民族传统审美观的设计形式，主要依据传统方式，特别是采取汉字作为设计的构思依据。 1.2 日本平面设计快速发展时期 随着20世纪40、50年代日本经济的恢复和发展以及采取走向世界的发展模式。日本人很擅长学习，不管是在经济还是在文化方面，就像他们曾在中国唐代时期全盘吸收汉字而发展出自己的文字那样，在日本现代设计的开端，他们也全盘接受了欧美现代设计的成果，把欧洲设计的式样完全照搬过来。日本设计采取了一种“拿来主义”是的发展方式，但他们很注意扬长避短。 在50年代，他们经常邀请一些欧美著名的设计师来日本传授设计知识，还举办了一些欧美的设计作品展览，派遣学生去欧美学习或是在旅行途中学习他们的设计经验。日本政府以及民间设计者对此的重视，使得日本的平面设计得到迅速的发展。 然而到了20世纪五十年代后半期，随着日本经济的进一步发展和日本设计师对现代设计的深一步了解，发现国际主义风格过于单调和形式主义，不符合不同民族和不同人群的需要，于是开始在设计中寻求自己的风格。日本人深刻知道，一直走模仿的道路，是永远不会有所超越的，只能是成为别人的附庸。在对外交流中，日本敏锐的发现在欧洲现代主义文化强大的设计浪潮冲击下，长期保留传统工艺的瑞典、丹麦、芬兰等国家的设计在世界市场上深受好评，而后现代主义国际主义设计风格在世界上开始受到批评，于是开始意识到要改变现有的方式，将“具有风格”这种方式当成一种对外贸易的手段，试图以传统手工艺在国际市场上赢得关注与影响，也正是在这样一种思想观念的引导下，日本平面设计在20世纪50年代后期形成了传统与现代双规并行的体制。 在20世纪60年代日本的经济水平已经站在了世界的前茅。随着商品经济带出的平面设计，在世界上得到了广泛的传播，也让世界都看到了他们的设计，在国际市场上得到认同，成长为世界设计界中一支强有力的力量。到了20世纪60年代后期日本积极面向世界，为将日本设计更好的展现在世界面前，参与了各种世界设计会议。1960年日本承办世界设计大会，使与会各国开始关注日本的现代设计；1961年“世界工业协会联合会议”开始走向世界；1963年巴黎“世界工业设计协会”。 20世纪70年代的日本，工业化高速发展，使得大批的各具特性的新素材诞
浅析日本现代设计的传统与现代
学号：2009012143 哈尔滨师范大学 学士学位论文 题目浅析日本现代设计的传统与现代 学生刘竹 指导教师刘剑虹教授 年级2009级 专业环境艺术设计 系别环境艺术系 学院美术学院
浅析日本设计中的传统与现代 摘要： 传统与现代是一对看上去相互对立的词语在当今的中国，设计包装中加入的西方元素越来越多，西方的奢侈品什么的在中国也成为身份地位的象征，而博大精深的民族瑰宝却通常只能作为一种久远的文化在展厅和台面上短暂的展示，并没有很好的融合在现代生活中。然而日本的设计却能在短短五十年内奋起跻身于世界设计强国之列，这完全得益于其对传统文化的留存和发扬。 关键词：日本设计传统文化欧洲文化现代设计
浅析日本设计中的传统与现代 传统与现代是一对看上去相互对立的词语，正如林间小榭之于摩天大楼，烛光摇曳之于霓虹闪烁，旗袍汉服之于T恤热裤一样，呈现出的不仅是时间上的鸿沟，也是从古到今人类审美观价值观的变化。在当今的中国，设计包装中加入的西方元素越来越多，西方的奢侈品什么的在中国也成为身份地位的象征，而博大精深的民族瑰宝却通常只能作为一种久远的文化在展厅和台面上短暂的展示，并没有很好的融合在现代生活中。然而日本的设计却能在短短五十年内奋起跻身于世界设计强国之列，这完全得益于其对传统文化的留存和发扬。 在日本传统设计中，江户时代的设计是日本设计的原典。由于日本是个人口密集而资源田地相对来说较缺乏的岛国，传统的日本人都很注重资源的合理利用和回收。据设计大师田中一光的回忆，撇开众多的工艺不谈，光说住这一方面，一旦搬家甚至连家具，榻榻米，建筑工具等都可以一并拿走；和服也是这样，重复的清洗过很多次以后，最后变成了被子，尿布，抹布等，算是最节约资源的衣服了。而也正是江户时期开始，日本就有了相当浓厚的庶民文化。浮世绘与是十八世纪欧洲王侯贵族们创造的文化不同，当时的画的演员像相当于现在的明星照，安腾广重创作的东海道五十三次则类似于明信片，当时是作为一种旅游纪念品发行的。这些浮世绘在十九世纪末的欧洲受到很高的评价，被升格成了艺术品。而它们原本只是存在于百姓生活中随处可见的普通物件。 因此，对于日本人来说，设计似乎要比艺术更加贴近生活。 而日本设计最辉煌的时期无非是九十年代中后期开始发展起来的现代设计，它的发展历程也是值得我们学习借鉴的。我们不妨先从日本设计的几个发展阶段来了解传统并现代着的日本设计。 日本现代设计的发展历史 19世纪末叶的日本基本没有进入过真正的经济和平发展阶段，全部现代化时间都耗费在军事扩张上，所以日本始终没有能够进入现代设计的运动阶段。日本的真正设计发展是在第二次世界大战之后。特别是1953年的朝鲜战争结束后逐渐发展起来。 日本在明治唯心之后逐渐摆脱了东方文化的范畴，把文化和经济大门向西方开放，从而使日本的政治、经济、技术、文化和教育等经历了巨大的变革。西方的技术和文明迅速传入日本，使日本迅速成为一个工业强国。 西方对日本产生影响的同时，欧洲出现的一系列设计探索也给日本传统工艺带来了冲击。在德国工业联盟的影响下，1926年建立了“帝国工艺会”，以“日本工业产品现代化、
平面设计史考试重点资料复习
平面设计史考试重点资料复习 1.所谓“平面设计，指的是在平面空间中的设计活动，其涉及的内容主要是二维空间中各平面设计”平面设计个元素的设计和这些元素组合的布局设计，其中包括字体设计、版面编排、插图、摄影的采用，而所有这些内容的核心是在于传达信息、指导、劝说等等，而它的表现方式则是以现代印刷技术达到的。 2.英文中“平面设计”这个词是美国人威廉·阿迪逊·德威金斯，在1922 年开始使用，它的主要功能应该是调动所有平面的因素，达到视觉传达准确的目的。 3.印刷的四种基本方法：凸版、凹版、平版、孔版（或称为“镂空版”。） 4.人类最早的文字包括了三种基本类型，即苏美尔人的楔形文字，埃及人的象形文字，中国人的象形、会意和仿音结合的文字体系。 5.18 世纪到19 世纪，英国字体设计最重要的奠基人是威廉·卡斯隆。 6.最早从事无装饰线字体设计的是威廉·卡斯隆。 7.维多利亚时期在设计风格上一个最显著的特点是对于中世纪歌特风格中世纪歌特风格中世纪歌特风格的推崇和流行。 8.美国的彩色石版印刷起源波士顿。 9.德国对于美国的石印技术影响最大的是德国石版印刷家路易斯·普朗。1873 年他首先在英国发行了第一张供邮寄的圣诞卡，1874 年，他设计和出版了美国的第一张供邮寄的圣诞卡，他本人也成为美国圣诞卡的最早奠基人，被视为“圣诞卡之父”。 10.托马斯·纳斯特，被称为“美国漫画之父”。他是美国最早利用杂志上的漫画对美国政治的腐败一面进行正面的抨击和批判的艺术家。（他设计了圣诞老人、象征英国的“约翰牛”、象征美国民主党的“毛驴”、象征美国共和党的“大象”，象征美国的“山姆大叔”、象征自由的“哥伦比亚女神”。 11.豪威德·派尔是美国现代插图最重要的奠基人之一，他的时代被称为“美国插图的黄金时代”。这个时代从1890 年代开始，直到20 世纪40 年代为止，这个时期美国的平面设计基本被插图画家垄断。派尔是世界上第一个从事网点黑白插图设计的插图家。1893 年，派尔又在彩色网点插图领域成为世界第一人。 12.简答：维多利亚时期的版面设计风格a.维多利亚时期的上半期，19 世纪上半期，平面设计风格主要在于追求繁琐、华贵、复杂装饰的效果，出现了繁琐的“美术字”风气。版面编排上的繁琐也是这个时期的平面设计特征之一。b.到19 世纪下半期，设计上因为出现了金属活字和新的插图制版技术的刺激，这种繁琐装饰风气有增无减，繁琐装饰达到登峰造极的地步。 13.“工艺美术”运动是起源于英国19 世纪下半叶的一场设计运动，企图通过复兴中世纪的手工艺传统，从自然形态中吸取借鉴，从日本装饰和设计中找到改革的参考，来重新提高设计的品味，恢复英国传统设计的水准，因此称为“工艺美术”运动。（进步性和局限性看一下：局限性：从历史的发展来看，“工艺美术”运动具有局限性和落后性，它否定工业产品、否定工业化，提倡回复中世纪的手工艺传统，企图逃避工业化在设计上的影响，是一个复旧运动。进步性：但是对于设计风格水平的重视，对于摆脱繁琐的维多利亚风格来说，又是进步的。） 14. “工艺美术”运动的理论指导是英国美术评论家和作家约翰·拉斯金，而运动的主要人物是艺术家、诗人威廉·莫里斯。 15.克姆斯各特出版社在英国的“工艺美术”运动发展中起到非常重要的作用，它是这个运动平面设计的最集中体现，影响到欧美国家的印刷行业，它的创立者是威廉·莫里斯。 16.“新艺术”运动是19 世纪末20 世纪初在欧洲和美国产生和发展的一次影响相当大的
日本的现代设计
日本的现代设计 摘要：本文通过研究日本设计的发展阶段来了解日本的现代设计，解析日本现代设计的特点，找到我们借鉴的东西。 关键字：日本设计现代 一背景 日本在第二次世界大战之前并没有什么重要的设计活动。日本从1868年的明治维新运动以后才开始自己的现代化运动，逐渐进步工业化时代，19世纪末期已经把国家的中心放在海外扩张上，甲午战争以后占领台湾，日俄战争以后进入辽东半岛，1910年兼并朝鲜，直到1931年占领中国的东北地区，1941年发动太平洋战争，基本没有进入真正的和平经济发展阶段，全部现代化时间都耗费在军事扩张上，因而，虽然有过一些零碎的设计探索，但始终没能够进入现代设计的运动阶段。日本的真正设计发展，是在第二次世界大战以后，特别是1953年结束的朝鲜战争之后的事。 二日本现代设计的发展阶段 1、日本的工业化与西方艺术思潮在日本的初步传播（明治维新到1945年） 日本明治维新之后，逐渐摆脱了东方文化的范畴。把文化和经济大门向西方开放，从而使日本的政治、经济、文化和教育经历了巨大的变革。西方的技术和文明迅速传入日本，使日本迅速成为一个工业强国。西方对日本产生影响的同时，欧洲出现的一系列设计探索也给日本传统工艺带来了冲击。在德国工业联盟的影响下，1926年建立了“帝国工艺会”，以“日本工业产品现代化、设计与机械生产相结合为宗旨”，在1927年创办《帝国工艺》杂志。1928年成立了“国立工艺指导所”进行图案、木工、金属工艺、漆器工艺的研究工作，寻求日本工艺现代化的最佳途径。1933年德国著名的现代主义设计师陶特来到日本对日本传统工艺现代化现状提出批评，强调新材料和标准化在设计中的重要性，并把包豪斯的一些思想介绍到日本。 2、缓慢恢复发展阶段（20世纪40年代中期到50年代中期） 二战后，日本把精力主要用于发展经济，在这个过程中，日本逐渐意识到工业设计对国民经济和世界贸易的重要意义，政府、产业界、设计界、设计师纷纷携手展开一场全方位的现代工业设计运动。 1947年举办“美国文化生活展”；1948年《工艺新闻》专辑介绍英国工业设计协会和其他活动；1949、1950年分别于横宾、神户举行“日本贸易博览会”，“日本产业博览会”展出大量美国工业设计产品；1949年在美国的帮助下日本工业标准颁布；1951年美国工业设计奠基人洛威访日；1956年包豪斯运动创始人格罗佩斯访日。 3、成长阶段（50年代后期至60年代初）
浅谈简约美在日本平面设计中的影响
题目：浅谈简约美在日本平面设计中的影响
摘要 简约,是“用最少的笔墨去表达”,是“无即是有”的理念的再现.简约美是当今社会人们所追求的一种流行时尚,是时代的产物。简约美体现在素静、自然，这种不张扬的美运用在日本平面设计中的方方面面。在如今这个信息如洪水般凶猛的年代，过度的宣传反倒让大家看到了虚构的感伤。比起那些曲折的传达方式，在宣传中那些具有纯粹的、极端视觉性的作品会给人一种特别干脆的印象。 关键词：简约美平面设计日本 Abstract Simple, is "to express with the least ink", "no that is a" concept of reproduction. Simple beauty in today's society people to pursue a fashion, is the product of the times. Body is now simple, peaceful, natural, unassuming beauty that is not used in Japan in all aspects of graphic design. In today's information age, such as ferocious flood, excessive publicity but let us see the sentimental fiction. Means of communication than those twists and turns in those with pure propaganda, extreme visual works give people the impression of a special altogether. Key words: Simple beauty Graphic Design Japan
平面设计史
1.所谓“平面设计，指的是在平面空间中的设计活动，其涉及的内容主要是二维空间中各个元素的设计和这些元素组合的布局设计，其中包括字体设计、版面编排、插图、摄影的采用，而所有这些内容的核心是在于传达信息、指导、劝说等等，而它的表现方式则是以现代印刷技术达到的。 2.英文中“平面设计”这个词是美国人威廉·阿迪逊·德威金斯，在1922 年开始使用，它的主要功能应该是调动所有平面的因素，达到视觉传达准确的目的。 3.平面设计的三个基本原则： ●具有创造性的程序不仅是靠技术娴熟的手工完成，所有的创作设计都必须依靠脑、心和 手的同心协力合作达到； ●先掌握可靠的技巧，然后启迪自己的灵感； ●人类是高等精神或是“他所被赋予能力去完成和表现的”生命源泉的一个最高体现。 4.印刷的四种基本方法：凸版、凹版、平版、孔版（或称为“镂空版”。） 5.人类最早的文字包括了三种基本类型，即苏美尔人的楔形文字，埃及人的象形文字，中国人的甲骨文。 6.中世纪时期平面设计中最重要的发展有如下几个方面:25--28(答小标题就可以) ●古典风格的存在和有限发展 ●凯尔特人的书籍设计 ●卡罗琳时代平面设计的复兴 ●西班牙的图画表现主义的发展 ●中世纪晚期的宗教读物装饰手抄本
1. 18 世纪到19 世纪，英国字体设计最重要的奠基人是威廉·卡斯隆。 2. 最早从事无装饰线字体设计的是威廉·卡斯隆。 3. 18世纪到19世纪，欧洲，特别是英国在字体的设计上具有几个方面的突破：46 ①是以"卡斯隆旧体"为核心的一系列字体的创造，出现了简明而典雅的新字体系列，对于20世纪的字体在平面设计上的运用带来促进和推动。 ②是从古典的字体中进行提炼和改造，其中以所谓的"埃及体"，或者"古典体"的发展为最典型的代表。 ③是广泛地采用和改革无装饰线字体，使无装饰线体成为当地印刷和平面设计中最重要的字体之一。 4. 木刻活字衰退的主要原因：49 有两个方面，①是彩色石版印刷的发展。彩色石板无论从质量还是从生产的的方便来说，都超过了旧式的活字排版印刷方式，自然取代了木刻活字印刷。 ②与此同时，如同马戏团之类走江湖的娱乐业在这个时候开始急遽衰落，一旦娱乐业的海报需求急遽减少，设计和印刷这类海报的行业也随即衰落，这种情况，也是造成了木版活字印刷海报衰退的另外一个原因。 第三章 1. 维多利亚时期在设计风格上一个最显著的特点是对于中世纪歌特风格的推崇和流行。 2. 美国的彩色石版印刷起源波士顿。 3. 德国对于美国的石印技术影响最大的是德国石版印刷家路易斯·普朗。1873 年他首先在英国发行了第一张供邮寄的圣诞卡，1874 年，他设计和出版了美国的第一张供邮寄的
平面设计史 “工艺美术运动”中的平面设计
讲课稿 第四节“工艺美术运动”中的平面设计 一、课堂组织 1、点名： 2、回顾上节课内容： 二、工艺美术运动 （一）工艺美术运动简介 1、背景：工业革命以后大批量工业化生产和维多利亚时期的繁琐装饰两方面同时造成了设计水准急剧下降。一些设计家希望从传统的设计和远东的设计风格中吸取某些可以借鉴的因素，从根本上改变和扭转设计颓败的趋势。 （1）维多利亚风格：维多利亚女王是英国历史上在位时间最长的君主，长达64年（1837-1901年），这是英国最强盛的所谓“日不落帝国”时期。在英国历史上被称为维多利亚时代，此时正值英国自由资本主义由方兴未艾到鼎盛、进而过渡到垄断资本主义的转变时期，经济、文化空前繁荣，君主立宪制得到充分发展，使维多利亚女王成了英国和平与繁荣的象征。 维多利亚时期是富裕的发展时期，设计上的矫揉造作、繁琐装饰、异国风气占了非常重要的地位，无论是从建筑与室内设计上，还是从产品设计上，乃至平面设计上，都弥漫了这种风格，这种风格的流行，是资本主义发展初期，在长期和平繁荣发展的前途下不可避免的现象。 （2）中国历史上在位时间最长的皇帝是康熙。在位61年，前无古人，后无来者。乾隆60年，是他孙子，不能超过他，在位60年就退位了。 2、性质：针对装饰艺术、家具、室内产品、建筑等，因为工业革命的批量生产所带来的设计水平下降而开始的设计改良运动。也就是说，设计家希望通过艺术和设计来改造社会，并建立起以手工艺为主导的生产模式。 3、主张：提出了“美与技术结合”的原则，主张美术家从事设计，反对“纯艺术”；在设计上强调“师承自然”、忠实于材料和适应使用的目的，从而创作出了一些朴素而实用的作品。 4、代表人物：理论指导是拉斯金，运动主要成员是莫里斯、马金托什、沃尔特·克兰、阿什比等。 5、影响：以英国为中心的“工艺美术运动”波及不少欧美国家，对后世的现代设计运动产生了深远的影响。对于设计改革做出了重要的贡献。但这批设计家提出否定工业产品，否定工业化，提倡恢复中世纪的手工艺传统，企图逃避工业化在设计上的影响，因此，从历史发展角度来说，它具有一定的局限性和落后性。 （二）主要设计师及其设计风格 1、水晶宫博览会：万国工业博览会也就是人们通常所说的“1851年博览会”或“水晶宫博览会”，是全世界第一场世界博览会，在英国首都伦敦的海德公园举行，展期是1851年5月01日至10月11日，本次博览会历时5个多月，吸引了6039195 名参观者，主要内容是世界文化与工业科技，其定名中的“Great”在英文有伟大的、很棒的、壮观的意思，借此博览会英国在当时展现了工业革命后，英国技冠群雄、傲视全球的辉煌成果。因此被视为维多利亚时代最重要的里程碑。 （1）水晶宫”中展出的内容却与其建筑形成了鲜明的对比。各国送展的展品大多数是机制产品，其中不少是为参展而特制的。展品中有各种各样的历史式样，反映出一种普遍的为装饰而装饰的热情，漠视任何基本的设计原则，其滥用装饰的程度甚至超过了为市场生产的商品。