光线 构图
光线—国家地理杂志摄影师教你摄影
Annie Griffiths Belt
国家地理杂志第一位女性摄影师。有光即可摄影。
——阿尔弗莱德·史迪格里兹（Alfred Stieglitz）
光给了我创意的形状和脚本,也是我成为摄影师的原因。——芭芭拉·摩根(Barbara Morgan)
摄影被称之为光与影的艺术，从某种程度上来说光线决定一切。一个摄影师一张照片，国家地理著名摄影师Annie Griffiths Belt搜集了10位国家地理杂志摄影师的作品，为你点评分析他们拍摄照片时的用光思路，这次她给读者准备的是10条光线小贴士，一起来学习吧。Annie Griffiths Belt，在明尼苏达州长大，毕业于美国明尼苏达大学摄影专业学士学位。上学期间就开始了摄影生涯，当时在明尼苏达日报工作。1976年毕业后，Belt 加入了Worthington环球日报社。曾获得过国家摄影协会、美联社、国际妇女组织和白宫摄影家学会授予的奖项。她的作品还在纽约、莫斯科、东京等国家做过影展，她还定期在一些学校办讲座。她是国家地理杂志的第一位女性摄影师。
圣马丁运河，巴黎by戈登.加恩
光线是摄影中最重要的一个元素。没有光，我们什么都看不见，相机也什么都拍不到。但光线远不仅是物理记录的一个工具。在戈登.加恩拍摄的这张简单的照片里，光线照亮了凡尘俗世间最普通的场景，一条混凝土水渠，并将其美化。
摄影小贴士：当拍摄对象为一条条的光柱时，我们最好将画面里的其他部分欠曝一点。这样的效果会比较戏剧化，并且保留光柱本身的部分细节。
内蒙古，中国 by 詹姆斯.斯坦菲尔德
在这张詹姆斯.斯坦菲尔德拍摄的美丽画面里，光线本身强化了这一刻的温情。这种金黄色的柔和光线让我们的视线从孩子转到母亲身上，再到户外的动物。
摄影小贴士：正对光线进行拍摄（背光拍摄）会为头发、服装及其他细小物件添加晕轮效果。背光拍摄时，我们最好让整个画面欠曝，这样可以让主题更突出。
大峡谷国家公园，美国亚利桑那州 by 迈克尔.尼克斯
恶劣的天气能成就非凡的影像，最好是风雨交加的天气。当太阳和乌云纠缠不休时，总能时不时地露一小脸，照亮景物的某个部分。迈克尔.尼克斯在冬天拍摄了这张大峡谷的照片，出彩的地方就是阳光照亮的那一点。
摄影小贴士：去追寻暴风雨吧。自然景物在天气剧烈变化的时候更容易出彩。没什么东西比万里无云的朗朗乾坤更让人感到厌倦的了。
牛仔，美国内华达州 by 威廉.阿尔伯特.阿拉德
通常拍人物肖像时我们应当选择柔和的光线。在柔和的光线下，被摄者比较放松，表情柔和，眼睛也比较传神。在这张威廉.阿尔伯特.阿拉德拍摄的令人难忘的肖像照里，牛仔的眼睛之所以如此令人瞩
目，光线在其中起到了关键的作用。光源在侧面，且打得较低，照亮了帽子下面的脸部。根据光线，而不是阴影部分，进行曝光，使得主题突出。
摄影小贴士：在室内拍摄时，透过窗户或门照在被摄者身上的光线是很美的。让被摄者靠近光源并有选择地让被摄对象的某些部分欠曝，摄影师能让光线照亮被摄者最重要的部分。
豪华酒店，美国赌城拉斯维加斯 by 玛利亚.斯坦泽尔
摄影师玛利亚.斯坦泽尔让几种不同的光源为本照片进行构图。各个光源的颜色均不相同，而不同光线的怪异质感营造的氛围正好是拉斯维加斯的完美写照。
摄影小贴士：好好把玩人造光，特别是在晚上。找找那些不同颜色不同光源的光，并创造性地利用它们进行拍摄，其可能性是无限的。
中央公园，美国纽约 by 梅丽莎.法罗
冬景总是呈现出冷色调。无论是在日出还是日落时分，积雪因为反射了天空的颜色，拍出来总是偏紫。在这张冬景照里，摄影师梅丽莎.法罗一直等到落日的最后一缕阳光落在树梢上时才按下快门。温暖的日光和场景的冷紫色形成的反差让这张照片脱颖而出。
摄影小贴士：拍日落的时候，不要仅仅拍太阳。那些被落日的余晖照亮的景物往往才是最好的对象。
爱尔兰伦斯特省 by 克利夫顿.亚当斯
克利夫顿.亚当斯的这张美丽的照片是背光拍摄的，在这三名爱尔兰小女孩头部产生了晕轮的效果。在光线的作用下，观众被孩子们快乐的脸部所吸引，而不会那么注意她们污浊的衣服。
摄影小贴士：记住，光线可以强化你希望观众看到的东西。运用得法，光线可以牵着观众的手让他们看画面里最重要的部分。
约瑟米蒂国家公园，美国加利福尼亚州 by 菲尔
这张照片呈现出的是一种恬静的对称美，而光赋予其动感。明亮的山崖正面与其阴暗的倒影一起取得了完美的平衡。摄影师菲尔所做的曝光恰到好处，明暗相得益彰。
摄影小贴士：在高对比度的情况下，设置照片的曝光度时要小心。尝试不同的曝光度，看看哪个能最好地利用现场光。
母狮，博茨瓦纳 by 贝弗利.茹贝尔
暴风雨后的光线是世上最具戏剧性的。以往景物中最明亮的部分，天空，此刻变得暗淡无光。此时如果有阳光透进来，经过空气中残存的小雨滴的折射后，将会带有迷人的色彩。在贝弗利.茹贝尔拍摄的这张令人震撼的照片里，完美的光线成就了完美的景物。
摄影小贴士：在阴沉的天空下，记住要根据光线进行曝光，让天空变得阴森有力。这能使光线照到的部分更出彩
马赛族人，非洲 by 岩合光昭
摄影师岩合光昭使用了低角度摄影，从而使马赛族人的身体在这张照片里显得富有魅力。其时太阳正好穿过乌云，这种低角度的照片增强了这种效果。由于光线太强，只有用人体挡住光线才有可能获得适当的曝光。
摄影小贴士：光线常常并不理想。但如果摄影师肯动脑子，利用光线可以拍出神奇的画面。记住，多尝试几种方法，好好利用光线。
构图---国家地理杂志摄影师教你摄影
记住，只要精心构图，即便最简单的事物也可以拍得很美。
梅子树，中国这幅优雅的图片出自雷蒙德.格曼之手，为三分定律的典范之作。要理解三分定律，你可以想象将画面用井字进行划分。为实现画面的平衡，通常我们将画面里的要素沿井字的笔画分布，将最重要的部分置于笔画的交汇点上。成就这张美丽画面的因素有很多，但将梅子树放置于斑驳的墙壁产生的平衡感无疑是画龙点睛之笔。
摄影小贴士：将照片里最重要的部分放在画面最中央的位置一般都不太好看。牢记三分定律，在构图时为画面里的要素和空白区域找到一个平衡，通常这样拍会更好。
露天集市，印度在这个乱糟糟的世界里，摄影师需要通过构图让主题从那些纷繁嘈杂中脱颖而出。威廉.阿尔伯特.阿拉德拍摄的这张照片构图巧妙，窗子的护栏将一个个故事从复杂的场景中隔离开来。这种照片可以让人反复回味，每次看都有新发现。
摄影小贴士：在拍摄复杂场景时，我们需要寻找可以突出主题的方法。以建筑物或自然景物为框架可以引导观众的视线，使照片不至于显得杂乱无章。
白云鄂博人民公社，蒙古
构图其实就是给画面里的重要元素加框的过程。框内框外之间的取和舍同等重要。在这张优秀的肖像照里，摄影师詹姆斯.L.斯坦菲尔德通过构图在明与暗之间取得了完美的平衡。光线将人物形象分为明暗两部分，而画面的其他部分具有完美的平衡。窗户平衡了侧影，而三角形的天空与其对角上的三角形阴影互相映衬。构图堪称完美无瑕。
摄影小贴士：按下快门前记得最后查看一下，取景框内是否还有会分散注意力的东西。拍肖像照不能操之过急。在构图上花点时间，然后和拍摄对象共同努力，捕捉你希望展现的人物个性。
林荫大道，美国密西西比州
山姆.阿贝尔拍摄的这幅照片，色彩丰富，令人着迷，其实还是几何结构的典范。画面构图左右对称。在呈拱门状交叉的大树正下方，一条大路穿插而过。道路两边的树木和花草形成了一排三角形和引导线，引导着观众的视线。
摄影小贴士：在构图里，对称的造型是否成功完全取决于平衡。有力的线条和色彩，以及地平线、开放空间的布置，这些都可以让那些乍一看像是简单的对称构图的画面更富趣味。
游园会，英国有时构图的模式比被摄主题更为重要。在裘迪.科博拍摄的这张照片里，几乎没人会注意其中的个体。我们都被构图里的伞、帽子以及一两点点缀其间的红色所吸引。
摄影小贴士：如果你觉得某个场景里的图案特别吸引人，你需要考虑的是如何将画面里干扰这种图案的元素从取景框中剔除出去。随便一双倒霉的雨鞋就足以破坏整个画面的美感。
探戈，南美洲拍摄动态场景时，广角镜是一种很好的工具。用广角镜拍摄时，被摄主体的位置通常都非常靠前，直接对着取景框，而此时我们可以利用镜头大角度的特点把有趣的背景也加入进来。在这张精彩的照片里，巴伯罗.科拉尔.唯加完美地展现了这种技巧。作为前景，一对激情的舞者立刻吸引了我们的注意力；而后我们又看到另一幅街景的画面，其中的人们似乎对舞者亲热的表现无动于衷。
摄影小贴士：贴近被摄者进行拍摄时不要害羞。一旦你习惯了这种方式，你就可以利用背景创造性地进行工作。将照片里的故事情节分层，你就可以得到和被摄主题相关联的多种影像。
雪景，德国成功的构图离不开平衡和几何结构。在这张罗伯特.洛心拍摄的优雅而简洁的照片里，我们可以看到一条明显的引导线：一条路，以及其他按照几何结构完美分布的细微元素。有心的话你可以数一数，这个场景中有多少通过光影以及物体的布局形成的三角形。
摄影小贴士：记住，只要精心构图，即便最简单的事物也可以拍得很美。通过全盘考虑画面里的重要元素并进行相应布局，使之平衡画面中的开阔区域，从而实现画面几何结构的平衡。
街景，葡萄牙有时，摄影师在发现理想的景物后，会耐心等待，直到有趣的事件发生。我可以想象当摄影师罗伯特.摩尔通过相机完成本照片的构图后，即在现场等待，直到现实给他带来惊喜。照片的曲线和平衡构图令人称奇，而生活中无意的巧合使得本片更加难以忘怀。
摄影小贴士：耐心是摄影师的一个重要品德。选择一个场景，然后静待神奇时刻的到来。这要求摄影师具有信念和决心。但是，回报是无价的。
乔治亚.奥基夫，美国新墨西哥州
乔治.F.莫布里拍摄的这幅非凡的作品堪称完美构图的典范。墙上的画和人物的摆放构成一种平衡，但是摄影师安排奥基夫女士的坐姿更加精彩。帽子、手、手杖、侧影，所有物体的角度都增强了画面的结构，由此更显摄影师的深厚造诣。
摄影小贴士：拍摄肖像照时，一定要注意背景和被摄者的姿势，目的就是要不受干扰地表现被摄者的个性。
平面设计的构图原理与规律
平面设计的构图原理与规律 平面设计构图最初是由绘画构图发展来的,,遵循绘画的构图法则,关心绘画的美学价值,不重视构图的视觉传达效果,这适应当时经济不发达,信息量小的特点.在市场经济发达的今天,各种媒体信息充斥人们视野的今天,平面设计必须把视觉传达效果放在第一位,从视觉信息传达的立场出发,研究构图与视觉\心理的关系,处理好美与传达效果的关系, 在摄影中,构图被人们理解为经营位置,是解决形象与空间的关系,他的任务和目的是为了创造美德形式.显然这不符和现代平面设计的第一原则的,这也是我们必须从摄影构图的思维中走出来的原因和必要性. 美与信息传达之间存在辩证关系,即有利于传达的形式必须是美的,然而美的形式不一定是有利于信息传达的.如调和是一种美,但调和的形与色在调和的环境里就必然丧失视觉冲击力.因此,只有构成视觉冲击力,又有为受众所接受的形式,才是平面设计的内涵. 2.平面设计构图与视觉 构图要诉诸视觉,必须遵循视觉认识的规律.视觉注意在没有心理需求的情况下是不易引起人们的注意的.视觉注意一般有两种形式:主动注意和被动注意 被动注意是人们尚无主观意识,没有内在的生理和心理需求,在外界刺激下产生的..平面设计大多情况下属于被动注意.所以在这样的刺激中,需要注意以下即各方面 (1) 足够的面积同一构图中,主要信息的面积要大于次要信息的面积 (2) 适度的对比把握对比的度,,也要避免过激 (3) 简练简练的形式易被感知,切忌画蛇添足. (4) 新颖适应与视觉特点,新颖的构图易引起人们的注意,切忌墨守成规.
3.构图与心理 不同的受众有不同的心理需求,如青少年喜欢生动活泼的形式,女性喜欢优雅 的形式,而老年人喜欢稳重平和的形式,因此平面设计要对不同的特定受众和信息内容,寻求最佳的表达方式,易引起受众的感情共鸣. 4.构图与创造 设计是一门创造的艺术.独特的个性是视觉传达设计的生命.克服思维惰式,开发创造思维的能力是现代设计师的基本素质. 二.平面设计构图的构成要素 平面设计是将各种信息通过适当的形式转化为视觉语言进行传播,从这一意义上将讲,其构成要素是由信息内容和表现形式两类构成 1.内容要素 (1)内容包括文字、插图、标志 文字文字一般可分为标题、内容、落款三部分,构图时处理好主次,引导视觉 有序阅读 插图形象生动,通俗易懂,不受文化背景限制,有利于提高兴趣和注意力. 标志商标,如企业的形象标志\注册码\会议标志\防伪标志等 (2).内容要素的形态转化 内容要素必须转化为点线面等形态要素,才能按照平面构成的原理构成画面..在形态化的过程中,以准确传达信息为第一要素,切忌不能一味的追求形式的美感.
23谈构图对意境的影响
23谈构图对意境的影响 刘钊 【摘要】意境是艺术家情感、理想的主观体现，是在主客观两方面的有机统一，是生活的真实转化为艺术的真实，是艺术家情感与形式美感的有机结合。而构图是画面产生意境的基础, 没有构图的作品谈不上意境，有构图没有意境的作品不能表达主题思想，构图也就没有意义了。 【关键词】构图意境表现 构图一词是英语Composition的意译，是指美术创作时依据题材和主题思想的要求，将所要表现的形象(各部分)加以组织和适当配置，构成一个完整协调的画面。中国画称之为“章法”、“布局”。 一、从形式语言上说，构图与意境的统一，就是构图的形式语言与意境的相合. （一）水平式构图 在心理上给人一种平稳、平静、安宁、单调、遥远、空灵的感觉。如日本画家东山魁夷作品《白夜光》中的几条水平线加强了北欧白夜景色的沉寂、静志、平稳、平静、的感觉，取得了很美的意境。而列维坦的油画《弗拉基米尔路》则略有不同，为了表达出流放路上单调、遥远和压抑的感觉。强调了单一的地平线以及大面积天空对地面的压迫感，取得了凝重、苍茫的艺术效果。 （二）竖形线构图 在心理上给人一种高大、严肃、肃穆、宁静、挺拔、高耸的感觉。如吴冠中的中国画《玉龙山下丽江城》中的树干形成竖直线有力地表现了松树的高耸和挺拔感觉。造就了此画奇绝明朗的意境。 （三）斜形线构图 在心理上给人一种方向、不稳定、激情、动势等感觉，如梵高的油画《星空》中的线条布满整个夜空，黄色的星星在蓝色的夜空中那么不甘寂寞，隐含梵高对艺术的狂热追求，以及对生活困境的不屈服。而王文彬的油画《夯歌》则利用画面倾斜线的不稳定感来加强打夯的动势，表现了在劳动中人们飞扬饱满的激情。（四）“之”字形，又称“s”形构图 在心理上给人一种曲折、回转、含蓄的视觉美感。如弯曲的河流给人的感觉是富有节奏变化的美，“曲径通幽”能给人一种时隐时现的充满迷幻的遐想。“s”形构图在中国画山水画中大都着意于“起、承、转、合”的形式规律运用，“之”字形的伸展性可以很好地表现画面中由近及远的意境。
浅析中国画构图
大 众 文 艺 47 摘要：中国画构图是通过在画面上恰当地安排物象形态，从而 展现绘画主题，并创造具有形式美感的意境。中国画构图在实践中日 趋完美，更有其自己的特殊规律。了解和把握好中国画构图的内涵，对于中国画创作有着至关重要的作用。 关键词：中国画；构图；虚实相生；开合呼应 Abstract : The composition of Chinese painting is meant to present the theme and create the emotional feeling of formative sense of beauty through arranging proper objects on the picture. The composition of Chinese painting turns to be perfect in practice as time goes by， also has its special regulars. It plays an important role in creating Chinese paintings to know and master the connotation of the composition of Chinese painting. Key words: Chinese painting；composition；emptiness together with occupation；being open echoing to being closed 中国画将构图称为布置和章法，它是构成画面的主要元素，也是画中的骨骼。艺术家就是要在有限的纸素范围内，运用审美的观念安排和处理形象、线条的位置关系，将不同的形象、符号按构图的法则组成完整的艺术空间。艺术家为了更鲜明地表达事物的本质，通过对客观事物的提炼加工并加入自己的文化修养和情绪心态，构图就是这一过程的具体体现。 在中国传统绘画中，为了达到某种艺术效果，画家会选择与自己心性相对应构图方式，因为阅历、气质、修养、环境不同， 所以都有各自表达性灵的构图形式。如朱耷以圆形构图为主，画 面结构严谨、奇险与独特，对抽象结构有敏锐的感受能力，画面萧疏荒凉，而且物象以单个为主，无依无靠，这些形式正是他孤愤、冷寂、悲痛、沉郁的精神气质的表现。潘天寿构图喜作方形结构，每一笔都是匠心经营，充满力量和秩序，他在吸收文人画构图的基础上结合现代社会的发展，建立起自己独特的画面结构，在静态的画面中表现出强烈的生命律动感，表现出沉重、雄阔、质朴的绘画风格。 中国画构图在空间营造方式，画面透视法的处理以及安排与构建画面中都有它的独到之处。 一、中国画构图的重要性 中国画家对构图的研究由来已久，早在东晋时代，顾恺之 就提出了“置陈布势”的构图原理，其后历代画家不断丰富和发展，建立了具有民族特色和完整体系的中国画构图法则。中国构图画有两大特点：一是形式服从于内容的创作原则；二是矛盾统一的辨证规律。从形式上看，是笔墨技法下的构图。画面只有在构图的支撑下才能表达画者的意向和更好的突出主题，可见内容决定形式、形式服从内容，是中国画构图的优良传统。 在构图上，中国画讲究经营，绘画遇到的第一关即是构图。“取得好的题材，还不算大功告成，紧跟着要研究主次如何搭 配得宜，甚至空白处、气势、色彩等细节都要反复推敲，考虑 周全，做到成竹在胸，这种推敲布置的过程即是一种经营。”[1] “经营位置”六法中极为重要。张彦远认为这是“画之总要”，邹一桂也说“以六法言，以经营为第一”谢赫六法之一的“经营位置”，专指画面的布置。它不是立足于某个固定的空间或时间，而是以灵活的方式，打破时空的限制，把处于不同时空中的物象，依照画家的主观感受和艺术创作的法则，重新布置，构造出一种画家心目中的时空境界。所以说，在我国古代对构图就有了很深的理解和重视构图的重要性。 二、中国画构图的特点 1.散点透视 散点透视是我国画家独有的创造，在画幅形式的变化上，西方绘画一般都符合黄金比例，很少有狭长的画幅。而中国画画幅 则不受西方黄金比例的约束，可以是任何形状，根据构图的需要随意安排及经营物象的位置，具有超时空的散点透视在中国传统绘画中得到了充分的运用，如《清明上河图》《韩熙载夜宴图》《万里江山图》等。如此复杂的场景，唯有用长卷的形式才能把握得住，而在这种形式中，空间处理更微妙，画家灵感表现也更自由，焦点透视已经不能完美表现这种形式，散点透视的运用使画家在创作中游刃有余，随意而为。自古至 今，散点透视在中国绘画的表现中得到不断发展，体现出中 国绘画独特的审美心理背景。 2.主次分明，大胆取舍绘画创作要从画面整体构思需要出发，恰到好处地定下各部分形象的宾主位置，才能更好地表现自然美，使主题立意明确， 构图完美。“舍取不由人，舍取可由人，懂得此理，方可染翰挥毫。”[2] 就明确道出了绘画的取舍之法，画家既受真实的自然物象的制约，又有自由创造画面的权利。要做到主次分明，首先要大胆取舍，这样才能突出画面的精彩部分，充分地发挥和表现．而对有碍画面效果的部分，要毫不犹豫地舍去。古谚云：画由心裁。心在取之，心不在则舍之。强调和渲染能够与创作者达成心里共鸣，在观者眼中投射出审美需要的物象就已足够。画家 匠心取舍，观者心领神会。3.穿插错落穿插错落之法在中国画的构图中非常重要，既要在画面中表现出主题姿态。又要错落有致，繁而不乱。古人有无“女”不成 梅之说，一个“女”字就定出了梅花枝干的大的走向。又有“三笔交凤眼”画兰说和“个”“介”字型画竹的穿插之法，其目的是把纷繁错乱的真实自然条理化，以便把画面分割成有一定秩序，有对比和统一又疏密不均的面和线，使画面构图既有一定的规律可循又天趣自然。在一幅作品中，为了让画面灵活，有生命，主 观地将所描写的物象安排得参差错落，齐而不乱，穿插有致，复杂而又有条理，错落而又有秩序，使画面自然灵活，巧妙天成。 4.疏密相间、虚实相生疏密关系是绘画结构的要着，古人很早就提出画面当“疏可走马，密不透风。”画面如果被景物挤满，没有一点空白，就会有一种很压抑的感觉，如果画面上空白留的恰当．能让人体会到画面的延伸，思路也会发生变化。方薰《山静居论画》说：“石翁风雨归舟图，笔法荒率，作迎风堤柳数条，远沙一抹，孤舟蓑笠，宛在中流，或指曰：‘雨在何处？’仆曰‘雨在画处，又在无画处。’风中柳飞，远沙迷茫，孤舟蓑笠等物象已构成雨景的 特色，故不画雨而自有雨意，而在形象之外的空白，则是若隐若现的雨中远景，是无所见的空濛雨意。”空白处常常隐藏着画者 的感情，观众的思绪。空白留取得当，会使画面有生气，空灵俊秀，作品的境界也能得到升华。中国画讲求“虚实相生”。隐藏、松动、含蓄为虚，显露、实在、明确为实。实处是画，虚处也是画。古人追求无画处皆成妙境，要虚中有实，实中有虚，两者相互衬托，相互对比和依存。中国画的以纹代水、以月代夜、以白代云、以势代风、计白当黑等都是“虚”的表现技法。画中常规的虚实关系为厚重者实，色淡者虚；近者实，远者虚；主为实，次为虚；外为实，内 为虚；有笔墨处实，无笔墨处虚。当然，这也不是绝对的定法，要根据画面的需要灵活运用。 5.开合呼应开合呼应是中国画构图的总构成方式，开合呼应贵在得势，势是一幅画的整体趋向和层次变化所形成的视觉感受。中国画的开就是要使画面有有蓄势的感觉，有张力，能将画面的物象展开。“合是合拢，是与开的照应，开则逐物有致，合则通体联络，中有转承曲折的变化。”[3] 是将画面协调统一起来。开要豁达、痛快，合要严实，做到“神合气闭”。要把握好开与合之间的节奏、韵律、幅度、疏密、聚散等变化，增强画面的感染力。呼应，在作品中，表现人、景、物之间相互联系、顾盼传情的呼 应关系，不仅要表现人物、动物的神态及情趣的呼应，也要有景物闻的姿态、韵致、趣味、节奏等关系的呼应，还应有笔、墨、线、色及形式和内容的呼应，从而使画面的人、景、物之间产生互动、交流和传情的效应。 6．诗、书、画、印诗书画印的结合，是中国画构图又一个特点。“中国画艺术是融诗文、书法、篆刻、绘画于一体的综合性艺术。”[4] 对于一幅中国画来说，唯有把诗、书、画、印结合起来，才能表现的完 浅析中国画构图 马天栋 (商丘师范学院美术学院 河南商丘 476000)理论研究?美术
常用的7个简单构图法则
常用的7个简单构图法则 构图的方式五花八门，良好的构图会使照片能清楚地表达意境和现场环境氛围。然而构图的好坏其实是很主观的一件事，想学习如何构图，一定要多看、多学其他人的摄影作品，并将之转换成属于自己的构图方式来运用。这可以透过摄影眼的训练，强化你的思考创作；这些学习都会潜移默化成为你的内在影像资料库，以后面对各种摄影题材时，都可以自动融入你的拍摄技巧内。 其实说穿了，观景窗里的画面能让自己觉得很棒，那就是好的构图；若观景窗的画面只让你觉得一般，就可以再试试其他的焦段、角度或位置来拍摄。以下列出几个常用的简易构图方式，帮助读者了解不同的构图法所呈现的影像。 避免将拍摄主题放在中心位置 小孩是这张照片中的主体，构图时我把他放在右边，让观看者在这张照片中心位置旁发现更吸引人的主体，便会透过主体延伸到其他更有趣的画面，也就是背景那一群正在吃草的羊儿，正也可说明这小孩是个牧羊童。
拍摄现场有正在放羊的放羊人、成群的羊群与两只牧羊犬，为了平衡画面，我把人与狗放置在左右两边，羊群放在中间，以凸显照片的叙述力。 在拍摄照片时，尽量不要把被摄主体放置在正中央位置，因为这样的照片看上去会有些僵硬、突兀，缺乏动感。 框架式构图法
这张照片中以正在打扫的僧侣为拍摄主体，刚好成排长方形的窗户除了有框架效果外，还可以将观看者的眼光引导到主体上。 换句话说，就是利用环境里的景物当成前景，框出主题。 利用人物点缀景致
用低角度把沿路的火山碎石与云雾带入，再把远处的登山客用点景方式呈现，增加画面的故事性。 造访纽西兰东加里罗国家公园中时，天气有些诡异，云雾不时飘来，阳光则在云层中忙着找缝隙，就像在玩游戏般和大地互相呼应着。 三分法 顾名思义，就是将画面均分为三等分的构图法，可轻松拍出构图平稳而比例恰当的影像，是简单却非常实用的构图方式。 将画面分割成三个区块后，如右图所示，上方为蓝天白云的天空、中间为高山村落、下方为秋收的田地。
设计与构图的基本规律
设计与构图的基本规律 （一）统一与变化 设计构图的统一变化，常具体表现在对比与调和、韵律、主从与重点、联系与分隔等方面。 1、对比与调和 对比、调和是艺术构图的一个重要手法，它是运用布局中的某一因素（如体量、色彩等）中，两种程度不同的差异，取得不同艺术效果的表现形式，或者说是利用人的错觉来互相衬托的表现手法，差异程度显著的表现称对比，能彼此对照，互相衬托，更加鲜明地突出各自的特点；差异程度较小的表现称为调和，使彼此和谐，互相联系，产生完整的效果。园林景色要在对比中求调和，在调和中求对比，使景观既丰富多彩、生动活泼，又突出主题，风格协调。对比的手法：形象的对比、体量的对比、方向的对比、开闭的对比、明暗的对比、虚实的对比、色彩的对比、质感的对比。 2、韵律节奏 韵律节奏就是艺术表现中某一因素作有规律的重复，有组织的变化。重复是获得韵律的必要条件，只有简单的重复而缺乏有规律的变化，就令人感到单调、枯燥，所以韵律节奏是园林艺术构图多样统一的重要手法之一。 园林绿地构图的韵律节奏方法很多，常见的有：简单韵律、交替的韵律、渐变的韵律、起伏曲折韵律、拟态韵律、交错韵律。 3、主从与重点 （1）主与从 园林布局中的主要部分或主体与从属体，一般都是由功能使用要求决定的，从平面布局上看，主要部分常成为全园的主要布局中心，次要部分成次要的布局中心，次要布局中心既有相对独立性，又 邮糁饕 季种行模 芑ハ嗔 担 ハ嗪粲Α? 主从关系的处理方法： A、组织轴线：主体位于主要轴线上；安排位置：主体位于中心位置或最突出的位置；从而分清主次。 B、运用对比手法，互相衬托，突出主体。 （2）重点与一般 重点处理常用于园林景物的主体和主要部分，以使其更加突出。重点处理不能过多，以免流
中国画的构图与布局
中国画的构图与布局 中国画是中国传统民族绘画的统称，也称国画或水墨画。它是以墨为主要的颜料，以水为调和剂，以毛笔为主要工具，以宣纸和绢帛为背景的具有中华名族特色的独特画种。它的历史已传承几千年，是中国艺术的神圣代表，它是兼具精神和哲学的内涵与气质。中国画是建立在艺术想象的基础上的艺术创造，极具表现力，以它严整的形式构图，巧妙地布局和美学精神，通过虚实相生，气韵的完美结合，进行意象的创造，意境的升华，从而展现中华民族的精神和底蕴。构图在国画称为布局或章法，它是画面景物位置的配合，也是画中骨格的表现。构图的好与坏，不但影响整幅图的质素，更影响到它的价值和地位。 国画于构图中最大的特点并非西洋画的大小对比，斜线构图等的理论，而是首推它的画面景物视点问题，国画的透视点是无固定的，画面中可以有多层次的表现，视力不逮之处也可将它呈现于画面之上，从而做出天外有天，山外有山的画面。除此之外，还有大小对比，斜线构图，甚至是虚实的搭配，宾主之分，前后远近的描绘，皆遵从美学原理与法则，这些都是国画构图优越的表现。你必须在画面所用的物品之间建立某种联系，这种和联系可能成为画面的主题——具有田园生活的特征。 作者在作画的时候总要表达自己现在的心情和当时的那种激动，在一触即发的时刻捕捉到事物的特点，对它有了某种理解和某种感情，要用具体的形象将它表现出来，即将事物在头脑中进行反复的思考，将其吸收并融化，在头脑中进行多次的修改成熟后，再安排画面如何的组成，如何的定位。 中国画的布局即我们通常所说的“构图”，古人谓之为“章法”。东晋大画家顾恺之称为“置陈布势”；南齐美术理论家谢赫在著名的“六法”中曰“经营位置”；唐代张彦远则将“六法”中的“经营位置”称为“画之总要”。这表明布局对中国画创作典型化过程的重要性，它无疑是中国画艺术表现技巧最基本的方面，每位有成就的中国画家在创作作品中进行布局时都是“惨淡经营”。中国画较之西洋绘画艺术在布局上有其特殊性。中国画布局具有主观性和灵活性。中国画与西洋画是二种迥然不同的艺术形式，一般说来中国画讲求以线造型，西洋画讲求明暗造型；中国画写意，西洋画写真；西洋画讲求焦点透视，而中国画讲求散点透视（或移动透视）。这些方面决定了中国画布局形式比西洋画更富有主观、随意和灵活性。现代中国山水画大师张大千先生的《长江万里图》一纸长卷将浩浩万里长江尽收眼底；五代画家顾闳中的《韩熙载夜宴图》则突破时空限制，将不同时间的各个情节巧妙安排在同一画幅空间，把繁杂的“夜宴”理出一条清晰的线索。上叙二幅作品都是以移动透视的形式表现的。 当我们在画画的时候，在画面上如何的将要画的布置陈设的合理和妥当，应该和一杆老秤一样，要求作画的时候在变化中求平衡，在平衡中求变化，这就要求在墨色的色的深浅，物体的大小和距离的远近上求得平衡的变化，在变化的同时又显得那么的协调，但是在一幅画中不能出现平行或者是对称的，那样的话就会显得那么的僵硬和死板。清代，恽寿平提出了“疏密论”：文徵仲述古云，看吴
设计中的构图法则
设计中的构图法则 在设计中需要考虑的。不是电脑该如何应用的问题，而是要考虑画面中元素之间该如何进行整体和局部的搭配，这也是设计中构图的问题。 画面中的元素如何布局，如何搭配，构图的任务在于选择清洁、挖掘主题、锤炼意境，完成视觉形象……这种问题在平面设计中显得尤为重要，好的构图一定能更好的突出主题。 当然，构图的方法有很多，比如：对称构图、并置构图……但最终我们需要注意的大致有以下几点： 1、设计语言的问题： 我们把画面中的所有构图元素统称为设计语言，设计语言一定要精炼、简单、大方。虽然我们使用的电脑制图软件能够做出很多精彩的效果，但不管怎样我们毕竟在设计“人像”模板，主体是人，是摄影师手中的照片，我们无论这怎么做，都是为了更好的突出人物性格及摄影师的摄影风格与意图，如果这些“效果”影响了“人”的主体性，那么就不能说是一件成功的作品。 既然我们称之为语言，那么语言是非常忌讳罗嗦的，我们需要用最少的“语言”表达出我们需要表达的主题。 2、构图元素之间的关联性： 我们经常要把很多设计要素汇集到一个画面中。那么，在这个画面中，它们无疑将成为一个整体，共同来烘托主题。鉴于此，这里所
有的元素之间一定要具备某种程度上的联系，而不是豪无联系，一个个孤立存在的。 如果我们在做写真设计，通常会把同一组服装，同一类妆面或同一种情绪的照片设计在同一个模板上，在做古装模板时有时候我们需要；“附庸风雅”加上一首古诗词来烘托气氛，那么这首诗最好能够表达出目前画面中的气氛，使照片达到一种境界，如果有伤大雅，那就没什么意思了；再者，我们在做晚礼服的设计时，一般不要将婚纱与之放在一起，也是这个原因； 3、对比关系在构图中的应用： 对比可以产生明朗、肯定、强烈、清晰的视觉效果，使图像更具层次感，更能突出主体，其实对比的作用也在于此——“突出主题、强调层次”，对比是存在于个别形象与整体形象之间的关系，以及形象编排的方式和形象与空间的关系。 我们在模板设计中常见的对比关系有：大小对比、明暗对比、黑白对比、虚实对比、钢柔对比、动静对比、冷暖（色彩）对比、疏密对比。从细节分会更多，以虚实对比为例就包括简单与复杂、清晰与模糊、抽象与具体的对比方式。我们在设计中应用这些对比关系是非常有必要的。 4、均衡原则： 指画面给人们的视觉感受符合人们在生活中均衡美感的要求。 一般认为均衡关系是左右或上下的物体基本保持自身的平衡。形状、面积、色彩等不使一方面有超过另一方的质和量。其实人们的均
第三讲 构图的基本规律及一般法则
第三讲构图的基本规律及一般法则（2学时） 【教学内容】美术创作的绘画与构图制作 【教学目标与要求】掌握美术创作的绘画与构图的基本知识，懂得如何提炼生活 素材，独立制作完成一幅美术创作草稿。 【教学重点】理解美术创作的根本原理与艺术特点。 【教学难点】提炼生活素材，将炼生活素材，形成一幅美术创作草稿。 【教学素材】教材《美术创作》、教学课件 【教学方法】讲授法、欣赏法、示范与练习相结合 【课型】新授 【教学过程】 一、检查学生收集生活创作的素材 将优秀的素材（照片、速写等）展示欣赏，指出可以用的素材，并指出为什么，或者可以修改使用的地方。 二、绘画构图 1、形式构成要素 点、线、面 2、构图的外部形态 （1）、构建骨架 骨架是画面结构的基本形式。构建作品时，把预想在画面将要出现的实体形象布局出来，组成一个全景或局部的画面，形成三角形构图、倒三角形构图或S形构图，从而进一步逐一深入。 （2）、形式位置 位置是指在画面中对物象的安排。即某形布置于何处，某色抹在何处，为了画面的平衡，在哪又需要添加某个形。是整体经营布局的关键。
（3）、神奇边框 边框是画面边缘的界定处，不同的边框，会产生不同的美感效果，在视觉心理、展示效应上都会带来极大的不同。 3、画面的空间 （1）、从二维空间开始 （2）、三维空间的效应 （3）、四维空间及其他 四、形式美感的样式初探 1、对比：形、色、质感 2、节奏：起伏的韵味 3、重复：强化某种视觉效果 4、渐次：同方向的递增或递箭 5、对称：对应、等同造成的一种美感 6、均衡：画面两边的形状相异而量感等同 7、调和：画面各部分内容都有一定的联系 8、单纯：是简洁、空灵，而不是简单 9、统凋：画面某种形或色占主要部分 六、指导学生美术创作构思、提炼生活素材 教师巡回辅导学生
常见构图形式形状
常见构图形式形状 对于设计来讲，纠正视差的活动在不断进行着，中文字体的宋体和英文字体的罗马字，不约而同的采取了横细竖粗的方式，这并非巧合。这道横线在人类心灵上刻下的印记是那么的明 显和具有影响力：它能给你带来平静、舒适和安祥的感觉。 对于风景来讲，低地平线多半是为了表现天空；而对于其他方面，低地平线是为了突出前景或中景中某个高大的对象。 光是一条直线，显然是很无趣的，若是在线上有些点缀，产生节奏或呼应，便显得生动多了。上图是Visa卡的广告，取了美国西部的一个景来说明在荒野之地亦可应用方便。 天空占了很大篇幅，云彩也有厚度，但是这些在构图上都不是主导的，所有的力量都被地平线所吸引着：天空≈空 横陈的云朵，有韵律感的树丛，令人惬意的田园交响。
好像是toyota的广告，车类的广告以风光衬托比较常见，目的是把人和自然的接触联系起 来。看起来悠闲自得，宛如棋盘上一步大飞。 微倾的地平线能带来动感，这在现代感的构图中被广泛应用，让简单的横线添加了不是那么 强烈的纵深感，对于表现情节有益。画面上3个女人由孤岛奔向救生的直升机。 这个你绝想不到是windowsXP的广告画面，将视平线抬高给你看看干裂的土地，多么沧桑，多么XP（经验）啊。远处那道亮白线虽然很细小，但仍旧很能吸引你的视线：那是XP的工作台向你奔来，如飞车一般。 由于使用了广角镜头的关系，你可以看到地面有弧度：这种手法是在暗示你生存在球上，也用来表现宽广的地域。
这张也是来自一个车的广告，不过不是轿车，是皮卡——在这种时候，你需要它。 接近1/2的地平线是较常见的位置，给人更多的真实感和亲切感，只是注意要将上下二部分元素调整一下，不要如镜像般完全一致才可获生动。 子曰：“仁者乐山，智者乐水”，中国传统审美很早就说明了这个问题。在长期的审美积淀后 把这二种不同的自然形态对应起来：文天祥正气歌：“天地有正气杂然赋流形下则为河岳上则为日星” 若是从形态意义上来讲，山型，在孙子兵法中有：“不动如山”，并且在后期的“十二纹章”（见注一）中，也将山型作为“稳重”的象征。 学设计艺术，却是基于西方理念，故归纳到几何形态，曰：▲构图。其实天下大同，理意相通。 好吧好吧，换个西化的脑袋来一起看看下面的几幅图：
摄影构图六大原则
摄影构图原则：简洁简洁是最基本也是最重要的原则：想办法让你照片主题具有最强的视觉吸引力。一个方法就是选择简单的背景，这样不会分散观众对主题的注意力。 右侧文字：电话?桥?还是仙人掌? 在上面两张照片中我们当然离主题够近的了，可左边的照片背景杂乱，遮盖住了海鸥的身体，只要将相机的视角移动一点点，立竿见影，海鸥就在蓝天的背景上凸显出来。
构图时要清楚地表明你的拍摄意图，合理地安排主题外的其他物体，使其成为主题的补充。大多数人会喜欢右边这张照片，因为左面照片下的停车场与主题古老建筑的陈旧感产生 矛盾。 这张有什么问题呀? 请记住：我们正在讨论构图的简洁，有时你可能不得不做出选择：在照片中你要给主题分配多大的分量，是否应该采用上图这样的水平构图或者，也许你更喜欢我们用框线标出 的垂直构图，选择权在你。
综上所述，你可以通过以下方式简化画面和强调主题：选择简单的背景，避免画面中出现与主题无关的物体，以及将相机抵近拍摄。 摄影构图原则：三分法如果你想令主题产生一些动感，可以将其稍微偏离画面中心，如 下图中的这位小艺术家。 总而言之，主题居于画面中心的构图会产生静止的感觉，而主题偏离画面中心的构图会 更有趣些。
个人觉得非常重要的摄影构图三分法：在将主体置于画面中心以外时，可用三分法作为 构图指导，如下图所示。 在拍照之前，先想象一下将整个画面纵横均分为三等份，得出四个交叉点，这便是良好构图中主体应处的位置。而具体将主体置于哪个点上则取决于主体本身和你想如何表现它。
我们将主体置于右上点，这样可以表现出阴影和那行将视觉引向海鸥的脚印。 灯塔位于右上点，因为其余部分的走势与画面布局相吻合。
园林绿地构图有哪些基本规律
园林绿地构图有哪些基本规律？ （一）统一与变化 园林构图的统一变化，常具体表现在对比与调和、韵律、主从与重点、联系与分隔等方面。 1、对比与调和 对比、调和是艺术构图的一个重要手法，它是运用布局中的某一因素（如体量、色彩等）中，两种程度不同的差异，取得不同艺术效果的表现形式，或者说是利用人的错觉来互相衬托的表现手法，差异程度显著的表现称对比，能彼此对照，互相衬托，更加鲜明地突出各自的特点；差异程度较小的表现称为调和，使彼此和谐，互相联系，产生完整的效果。园林景色要在对比中求调和，在调和中求对比，使景观既丰富多彩、生动活泼，又突出主题，风格协调。对比的手法：形象的对比、体量的对比、方向的对比、开闭的对比、明暗的对比、虚实的对比、色彩的对比、质感的对比。 2、韵律节奏 韵律节奏就是艺术表现中某一因素作有规律的重复，有组织的变化。重复是获得韵律的必要条件，只有简单的重复而缺乏有规律的变化，就令人感到单调、枯燥，所以韵律节奏是园林艺术构图多样统一的重要手法之一。 园林绿地构图的韵律节奏方法很多，常见的有：简单韵律、交替的韵律、渐变的韵律、起伏曲折韵律、拟态韵律、交错韵律。 3、主从与重点 （1）主与从 园林布局中的主要部分或主体与从属体，一般都是由功能使用要求决定的，从平面布局上看，主要部分常成为全园的主要布局中心，次要部分成次要的布局中心，次要布局中心既有相对独立性，又要从属主要布局中心，要能互相联系，互相呼应。 主从关系的处理方法： A、组织轴线：主体位于主要轴线上；安排位置：主体位于中心位置或最突出的位置；从而分清主次。 B、运用对比手法，互相衬托，突出主体。 （2）重点与一般 重点处理常用于园林景物的主体和主要部分，以使其更加突出。重点处理不能过多，以免流于繁琐，反而不能突出重点。 常用的处理方法： A、以重点处理来突出表现园林功能和艺术内容的重要部分，使形式更有力地表达内容。如主要入口，重要的景观、道路和广场等。 B、以重点处理来突出园林布局中的关键部分，如主要道路交叉转折处和结束部分等。 C、以重点处理打破单调，加强变化或取得一定的装饰效果，如在大片草地、水面部分，在边缘或地形曲折起伏处做重点处理等。 4、联系与分隔
构图原则
构图的原则 构图的基本原则讲究的是：均衡与对称、对比和视点。 第一节、关于均衡与对称 均衡与对称是构图的基础，主要作用是使画面具有稳定性。均衡与对称本不是一个概念，但两者具有内在的同一性——稳定。 一、画面构图“稳定”是审美美感的基础！ 1、稳定感是人类在长期观察自然中形成的一种视觉习惯和审美观念。因此，凡符合这种审美观念的造型艺术才能产生美感，违背这个原则的，看起来就不舒服。 2、均衡与对称都不是平均，它是一种合乎逻辑的比例关系。平均虽是稳定的，但缺少变化，没有变化就没有美感，所以构图最忌讳的就是平均分配画面。 3、对称的稳定感特别强，对称能使画面有庄严，肃穆，和谐的感觉。比如，我国古代的建筑就是对称的典范，但对称与均衡比较而言，均衡的变化比对称要大得多。 4、因此，对称虽是构图的重要原则，但在实际运用中机会比较少，运用多了就有千篇一律的感觉。 二、精妙构图方式 在构图中最讲究的是“品”字形和三七律。 品字形构图和三七律构图的方式常被人们称为黄金构图法，也有叫做为永衡的三角构图法，这些都是指均衡而言。 1、品字形构图 什么是“品”字形构图？就是在画面上同时出现三个物体的时候，不能把它们等距离放在一条线上，而应使其呈现三角形状，像个品字。只要留意，这种三角在自然界中是无处不在的。 大山就是由无数的三角形构成，上下交错，井然有序，犹如一个巨大的品字状或三角形，具有强烈的排列韵味。
2、三七律 什么是“三七律”构图？就是画面的比例分配三七开。若是竖画面，上面占三分，下面占七分，或上面占七分，下面占三分；若是横构图画面，右面占三分，左面占七分，或是右面占七分，左面占三分。 在中国画界中这种三七开构图的布局被称为是最佳的构图布局比例关系。所谓最佳，并不是单一，或唯一，在特殊情况下，根据题材的需要，也是可以打破的，二八律或四六律也可以使用。本来艺术就讲究的是有法而无定法。总之，就是为了整个画面而考虑，去应用。 第二节、关于对比 1、对比的巧妙，不仅能增强艺术感染力，更能鲜明的反映和升华主题。对比构图，是为了突出主题强化主题。对比有各种各样，千变万化。一下介绍三种形式的对比方式。 2、形状的对比。如：大和小，高和矮，老和少，胖和瘦，粗和细。 3、色彩的对比。如：深与浅，冷与暖，明与暗，黑与白。 4、灰与灰的对比。如：深与浅，明与暗等。 在一副作品中，可以运用单一的对比，也可同时运用各种对比，对比的方法是比较容易掌握的，但要注意不能死搬硬套，牵强附会，更不能喧宾夺主。 第三节、关于视点 1、视点构图，是为了将观众的注意力吸引到画面的中心点上。视点是透视 学上的名称，也叫灭点。 2、要把视点说清楚，还得从视平线，地平线，水平线这三条线上说起。视平线就是与眼睛平行的一条线。我们站在任何一个地方向远方望去，在天地相结或水天相连的地方有一条明显的线，这条线正好与眼睛平行，这就是视平线。 3、这条线随眼睛的高低而变化，人站的高，这条线随着升高，看的也就越远，欲穷千里目，更上一层楼就是这个道理。反之，人站的低，视平线也就低看到的地方也就近了，小了。按照透视学的原理，在视平线以上的物体，如：高山，建筑等，近高远低，近大远小；在视平线以下的物体，如：大地、海洋、道路等，近低远高，近宽远窄，向上伸延左右两侧的物体。 4、这样，以人的眼睛所视方向为轴心，上下左右向着一个方向伸延，最后
青花瓷画的构图与意境美
第23卷第4期2012年8 月 JINGDEZHEN'S CERAMICS ·19· 青 花瓷是景德镇特有的陶瓷艺术品种。虽然着色单一，但它较五彩瓷器更显清丽、娟秀，因而广为众人所爱，素有 “永不凋谢的青花”之称。青花瓷以其胎、釉精细，青花艳丽，造型多样，纹饰优美而负盛名。青花使用分水技法描画所形成的深浅、浓淡、层次、变化的多样性，更使青花装饰具有较强的装饰效果和艺术感染力。 单色绘画的青花瓷，是用毛笔把图像直接描绘在瓷器上，烧成后在洁白光润的瓷面上，透出青色国画般的艺术形象，而且青白相映，幽靓苍翠，十分富有艺术魅力。青花瓷的“料分五色”，即头浓、二浓、正浓、正淡、影淡，不仅能定形质、分明暗，还能代替色彩。其深浅变化不仅可以表现物象的固有色彩感觉，还可以表现物象的阴阳明暗、凹凸远近和质量的轻重。由于青花色料表现力极强，可粗可细，其笔势、构图、气韵、神采等颇似国画。 同国画表现一样，青花装饰可以勾勒，可以点染，可以工笔，可以写意，还可以兼工带写。从简单的图案装饰到纷繁的景物描绘，花卉、缠枝、折枝、龙纹、云纹、山水、人物、寓言故事、神话传说等无所不能表现。尤其在表现花鸟时，由于对自然背景和环境的刻画多有诗意的注入，使得作品在揭示大自然美丽的同时，其形象变得鲜活律动、疏放空灵，其审美趣味有着“以气韵求其画”的诗一般意境表现。其装饰美不仅体现在青花的发色上，而且还表现在其青白关系的和谐处理上，表现在构图与意境的完美应用中。 意境与构图是相辅相成的。追求意境的表现是中国传统美学思想的重要组成部分，也是陶瓷美术创作的重要特征之—。意境就是景与情的结合，写景就是写情。意境的产生，有赖于思想感情，而思想感情的产生，又与对客观事物认识的深度有关。古人云：“观山则情满于山，观海则意溢于海”。艺术意境的创造是客观表现主观情思的象征，只有大自然里变化万千的气象，才能引起画家胸中丰富的灵感。 如《峥嵘岁月》青花瓷板，构图简洁，立意新颖。两株呈V 字形的硕大古树，树虬筋纹，粗犷得势，肌理质感挺劲有力，寓意着厚重的历史感和沧桑感。右侧树上部生发出的一丛枝桠和穿行于其间的小鸟，又象征蓬勃鲜活的生命，延生出主题的内涵。技法上，结合文人画的意境，吸取陶瓷艺术简练、雄浑的优良传统，不仅保留了传统青花的勾线、分水技法，而且吸收了国画勾、点、皴、擦法，用枯涩的“焦墨法”表现瘦骨树枝老干。更巧妙的是将简单的笔划，安排在空白的位置上衬托出画面的整体氛围，以虚映实，借隐托显，形成凝炼的构图、生动的形象、流畅的线条。真的是惟其空，才显境界开阔；惟其简，才得象外之趣。此外，在处理青白关系上充分借鉴了中国水墨画处理色彩构成上的经验，非常注重留白，既表现青花装饰的实处美，又显现青花装饰的空白美，以虚当实，形成白多于青的空灵格局。概括而洗练，使画面中形象的典型性、视觉的完整性、间架结构的灵动性、布白的含蓄性、静止与动态的相互呼应等等，都在创作者 青花瓷画的构图与意境美 曹永俊 吴祝敏 的苦心经营下，做到了形式高度统一，布局生动完美，画面意趣盎然，格调高雅脱俗，从而达到悠远无尽、抒情空灵的境界，具有良好的装饰效果。 青花瓷画的构图要求与意境营造，是青花从传统的变革向现代形态转化的必然。具有叙事性特征的作品，其构图主要围绕“情节”来展示；而以诗意为特征的作品构图，则主要体现为追求形式美感给人带来的“意境”的表达。 如三尺六青花瓷板《秋韵》，笔者在传承前人制瓷精华的基础上，把国画艺术和青花陶瓷装饰完美结合，以小写意为主导，注重主观感受，以阴柔的形态为外部意象，从神韵的构造中力求平稳、和谐、宁静、秀雅地去表现物象秀逸、潇洒的姿态。画面布局新颖，构图疏朗，层次分明，用笔简炼，形神兼备，意境独特。 空白的瓷面上，删繁就简，以少胜多。五个大小不一成熟的南瓜垂吊在依然蓬勃向上的藤茎上，一只小鸟展开双翅，充满灵性地飞将过去。融自然美与形式美于一体，既重视了画面上黑的部分，又重视了画面上空白部分。创造了一种秀雅、俊朗、高远、深邃的艺术情境，具有高雅灵秀的笔墨技巧和艺术审美意趣。 创作精美的青花瓷画，不仅要经过长期的艺术实践和对自然的精心观察，而且还要深入理解国画以及现代艺术的新思潮和表现技法。表现技法当然不仅仅在于形式，更在于其立意的实质内容。只有构思立意新、构图布局新、构成形式新，不落俗套、独具新意的作品才能得到欣赏者的赞赏，才能促使青花彩绘艺术产生新的飞跃。 如三尺六工笔青花《秋荷》瓷板，充分运用了中国画“色破墨，墨破色”互相渗化的手法，布局新颖，构图疏灵；造型生动，色调和谐，达到了水墨画的生动效果。 在设计上，《秋荷》巧妙组合，清新明快，富于装饰性。满塘的荷叶似一张张撑开的伞叶轻浮于水面，数朵荷花，数个莲蓬，紧紧依偎着碧绿滚圆的荷叶。一只翠鸟，伫立在已成熟的莲蓬茎上，似在欣赏荷塘的美丽，又似在等待爱侣的回归，造型准确，动感强烈。翠鸟、荷叶、荷花、莲蓬、水草等物象的高低、大小、疏密、主次、穿插变化有序。翠鸟活泼生动，荷叶、荷花、莲蓬俯仰、向背、聚散，各尽其致。画面有藏有露、有动有静、虚实相间，节奏鲜明。整体布局主次分明、疏密得体、轻重适宜、层次井然。各种物象的外形动态结构，不是刻板地再现，而是借助翠鸟、荷花的自然美，有夸张、有变形、有剪裁、有概括地进行描写。尤其是对翠鸟的描绘传神达意，格调清新高雅，造型动感强烈，充满鲜活的生命之气。 技法上，用不同浓淡的料水分色，在纹样的勾勒线内，从笔锋牵引料水在坯上运作，利用料水积层的厚薄，在荷叶最浓最深处收笔，分出各种深浅不同的色阶层次，形成自然的由浅到深的渐变效果。虽只有一色，却呈现出明、暗、浓、淡多种深浅不同的色阶色泽变化，使单一的色料产生出不一样的变化，达到浓淡 收稿日期：2012-04-28
构图决定一切
构图决定一切——实景构图分析 一幅优秀的摄影作品总离不开与之完美结合的构图，尤其对于风光摄影，形式上的美感与意境的营造更多时候需要合适的构图来彰显。构图对于摄影作品的重要性也由此可见一斑。另外还有一个值得注意的关键点，即产生优秀摄影作品的前提是构图要与照片内容结合得恰到好处。其实构图本身并没有好与不好，只有合适与否。当构图与主体对象和所要表达的主题相匹配，那无疑会达到锦上添花的效果。 日出日落
经验之谈 春、秋两季较为适合拍摄日出，日出的时间相比夏季较晚，并且云层较多，可增加画面的效果。如果条件允许的话，野外是拍摄日出的最佳地点。为了突出日出或日落时分云层的色彩，应针对最亮的天空进行测光，以获取曝光参数。 但有时拍摄日出、日落并不一定要有太阳，利用顺光和侧光拍摄其他场景也能拍出好的照片。如果拍摄时能将景色、天空云彩和太阳结合起来传递感受，达到“天人合一”的效果也很好。 颜色的实质是人的视觉对光线的反应，物体的颜色会因投射光线的颜色改变而改变。例如日出和日落时的光线照射在物体上就会产生不同的暖调，当这些不同的暖调和不同的场景、主体结合时，就能传递不一样的感受。因此学会运用日出、日落时特别的影调来体现主体，来表现你独特的感受和心情，不失为拍好照片的办法之一，值得好好掌握。 地平线是风光照片里的常客。低位的地平线有助于突出天空，造成一种空间感而高位的地平线则可以把重点转移到画面的底部，此时的画面显得更为紧
凑。在画面空间布局中，天地留多留少主要由当时的景象和个人主观的心理需要来决定。 1．关注重点：太阳、云层色彩、观景人物、山形树木、建筑物、怪石、河流、水面景物等 2．常用相机、镜头及附件：单反相机、16~35mm；10~20mm；70~200mm；100~400mm镜头、渐变灰镜、三脚架、快门线 3．技术要领：对高光局部或点测光、逆光少做负补偿、顺光或侧光可在-1挡范围内补偿、长焦可对拍摄主体对焦、广焦选用小光圈可所太阳呈星状、长焦选用较大光圈、启用反光板预升 实战解析
中国画意境
中国画意境 相对西洋画来说，中国画有着自己明显的特征。传统的中国画不讲焦点透视，不强调自然界对于物体的光色变化，不拘泥于物体外表的肖似，而多强调抒发作者的主观情趣。中国画讲求“以形写神”，追求一种“妙在似与不似之间”的感觉：而西洋画呢？则讲求“以形写形”，当然，创作的过程中，也注重“神”的表现。但它非常讲究画面的整体、概括。有人说，西洋画是“再现”的艺术，中国画是“表现”的艺术，这是不无道理的。 中国画与西洋画相比有着自己独特的特征，还表现在其艺术手法、艺术分科、构图、用笔、用墨、敷色等多个方面。按照艺术的手法来分，中国画可分为工笔、写意和兼工带写三种形式。工笔就是用画笔工整细致，敷色层层渲染，细节明彻入微，用极其细腻的笔触描绘物象，故称“工笔”。而写意呢？相对“工笔”而言，用豪放简练的笔墨描绘物象的形神，抒发作者的感情。它要有高度的概括能力，要有以少胜多的含蓄意境，落笔要准确，运笔要熟练，要能得心应手，意到笔到。兼工带写的形式则是把工笔和写意这两种方法进行综合的运用。 从艺术的分科来看，中国画可分为人物、山水、花鸟三大画科，它主要是以描绘对象的不同来划分的。而中国画中的畜兽、鞍马、昆虫、蔬果等画可分别归入此三类。 中国画在构图、用笔、用墨、敷色等方面，也都有自己的特点。中国画的构图一般不遵循西洋画的黄金律，而是或作长卷，或作立轴，长宽比例是“失调”的。但它能够很好表现特殊的意境和画者的主观情趣。同时，在透视的方法上，中国画与西洋画也是不一样的。透视是绘画的术语，就是在作画的时候，把一切物体
正确地在平面上表现出来，使之有远近高低的空间感和立体感，这种方法就叫透视。因透视的现象是近大远小，所以也常常称作“远近法”。西洋画一般是用焦点透视，这就像照相一样，固定在一个立脚点，受到空间的局限，摄入镜头的就如实照下来，否则就照不下来。中国画就不一定固定在一个立脚点作画，也不受固定视域的局限，它可以根据画者的感受和需要，使立脚点移动作画，把见得到的和见不到的景物统统摄入自己的画面。这种透视的方法，叫做散点透视或多点透视。如我们所熟知的北宋名画、张择端的《清明上河图》，用的就是散点透视法。《清明上河图》反映的是北宋都城汴梁内外丰富复杂、气象万千的景象。它以汴河为中心，从远处的郊野画到热闹的“虹桥”；观者既能看到城内，又可看到郊野；既看得到桥上的行人，又看得到桥下的船；既看得到近处的楼台树木，又看得到远处纵深的街道与河港。而且无论站在哪一段看，景物的比例都是相近的，如果按照西洋画焦点透机的方法去画，许多地方是根本无法画出来的。这是中国的古代画家们根据内容和艺术表现的需要而创造出来的独特的透视方法。 在用笔和用墨方面，是中国画造型的重要部分。用笔讲求粗细、疾徐、顿挫、转折、方圆等变化，以表现物体的质感。一般来说，起笔和止笔都要用力，力腕宜挺，中间气不可断，住笔不可轻挑。用笔时力轻则浮，力重则饨，疾运则滑，徐运则滞，偏用则薄，正用则板。要做到曲行如弓，直行如尺，这都是用笔之意。古人总结有勾线十八描，可以说是中国画用笔的经验总结。而对于用墨，则讲求皴、擦、点、染交互为用，干、湿、浓、淡合理调配，以塑造型体，烘染气氛。一般说来，中国画的用墨之妙，在于浓淡相生，全浓全淡都没有精神，必须有浓有淡，浓处须精彩而不滞，淡处须灵秀而不晦。用墨亦如用色，古有墨分五彩之