西方艺术简史

西方艺术简史

一、古爱琴海地区和希腊艺术

1、爱琴海地区艺术：

米洛斯艺术：BC2800-BC1480年，来自小亚细亚一直部落入侵希腊本土和其周围岛屿，在克里特岛建立王国，史称“米洛斯王国”。

迈锡尼艺术：BC1450-BC1100年，BC1450年迈锡尼人攻打特洛伊城，建立迈锡尼文明。

2、希腊艺术：BC15世纪-BC1世纪

*荷马时期（公元前12世纪-公元前8世纪）

是以古希腊诗人荷马命名的，在特洛伊战争后，爱琴海附近文明趋于衰退，由于这个时代的史料匮乏，很难得到有效的信息，只能由出土文物加以判断。

*古风时期（公元前7世纪-公元前6世纪）

公元前7世纪，古希腊社会进一步发展，古希腊艺术也随之进步。古风早期，古希腊和东方世界的频繁交流使得该时期的古希腊艺术深受东方世界艺术的影响，古风后期，古希腊艺术逐渐形成自己的风格。

*古典时期（公元前5世纪-公元前4世纪）

希腊在波希战争结束后迎来了它的盛期，直到马其顿人征服希腊为止，这段时期被称为古典时期。古典初期的艺术还带有古风时期的痕迹，故而又被称为―过度时期‖。

*希腊化时期（公元前4世纪末-公元前1世纪）

希腊化时代指的就是从马其顿人征服希腊到埃及的托勒密王朝为罗马人所征服的这段时期，大致从公元前4世纪末到公元前1世纪中叶，在这个时期，东方地区的古老文明和古希腊艺术相互交流，相互影响。

二、古代罗马艺术

古罗马：BC9世纪—1453年

古罗马通常指从前9世纪初在意大利半岛中部兴起的文明，历罗马王政时代、罗马共和国，于1世纪前后扩张成为横跨欧洲、亚洲、非洲称霸地中海的庞大罗马帝国。到395年，罗马帝国分裂为东西两部。西罗马帝国亡于476年。而东罗马帝国（即拜占廷帝国）则在1453年被奥斯曼帝国所灭古罗马文化早期在自身的传统上受伊特鲁里亚、希腊文化的影响，吸收其精华并融合而成。公元前3世纪以后，罗马成为地中海地区的强国，其文化亦高度发展。罗马一统地中海后，整个地中海的财富能够为罗马所用，促成了罗马豪华壮丽和典雅的艺术风格形式。

雕塑：罗马雕塑比希腊雕塑更具有写实性，罗马艺术家寻求真实地栩栩如生的再现模特的外形和面部表情。《奥古斯都·吴大维像》《和平祭坛》

建筑：罗马建筑发扬了希腊建筑的匀称和比例原则。立柱的高度和间距支配着拱券的尺度和间距，确定整个建筑结构和比例。而罗马的建筑比希腊更加宏大，主要归功于水泥和拱顶技术的发明，拱券技术史罗马对欧洲建筑最大的贡献。

罗马公共建筑的两大代表类型，以大斗兽场为例的带长廊的圆形竞技场，以万神庙为代表的穹顶建筑和凯旋门。

绘画：庞培古城遗址的镶嵌画《尼罗河的风光》。

三、拜占庭艺术

拜占庭帝国：323年，罗马帝国皇帝君士坦丁决定把帝国首都迁往东边的拜占庭，即现在的土耳其首都君士坦丁堡。随后，东西罗马帝国分治。1453年，土耳其人攻占君士坦丁堡，东罗马帝国灭亡。

教堂建筑：拜占廷的教堂格局分为三类：巴西利卡式（如圣索非亚教堂）、集中式（平面为圆形或正多边形）以及希腊十字式。

拜占廷建筑可以分为三个阶段，即前期（4世纪至6世纪）、中期（7世纪至12世纪）和后期（13至15世纪）。

前期是拜占廷建筑的兴盛期，建筑作品大多仿照古罗马式样，主要的建筑包括君士坦丁堡的城墙、城门、宫殿、广场、拱门、高架水道、公共浴场和蓄水池，以及教堂。基督教成为国教后，拜占廷的教堂建筑越来越大，越来越豪华，至公元6世纪，最终出现了空前壮观的圣索非亚大教堂。

中期建筑反映了这个时期的国家特点，即蛮族外敌相继入侵，国土缩小，国力下降。这一时期的建筑缩小，规模也不如从前。这一时期的拜占廷教堂建筑特点是占地少、向空中发展，取消了圣索非亚大教堂那样的中央大穹窿，代之以若干小穹窿，并注重内部装饰。这一时期的代表建筑包括君士坦丁堡的Acatalepthos修道院、Chora修道院，以及帝国之外的威尼斯圣马可教堂和基辅的圣索非亚教堂。

后期，十字军数次入侵之后，拜占廷帝国国力大受损失，无力再兴建大型公共建筑和教堂。这一时期建造的拜占廷建筑数量不多，也没有创新，在土耳其人灭亡拜占廷帝国后大多破损无存。君士坦丁堡的圣玛利亚教堂为晚期拜占廷建筑的代表作品。

绘画：拜占廷美术的最大特点是其装饰性、抽象性和宗教寓意。现在存世的拜占廷美术作品大多是教堂中的镶嵌画、壁画和绘画手卷，题材包括耶稣、圣母与圣子、天使和天使长、历代圣人、历代皇帝和主教，以及天堂和地狱的题材。马赛克镶嵌画多为装饰性的，平面构图公式化，善用光辉耀目的颜色，主色为金色和蓝色，间以白、紫、蓝、黄、粉红、绿、红、黑等颜色的图案。

四、西欧中世纪艺术

梅洛温王朝：482-751

加洛林王朝：751-987，其最引人注意的是精湛的象牙浮雕、贵金属镶嵌雕饰和色彩鲜艳的绘画插图。

五、仿罗马艺术

六、哥特式艺术（12世纪-16世纪）

十二至十六世纪初期欧洲出现的一种以新型建筑为主的艺术，包括雕塑、绘画和工艺美术。这种建筑风格，一反罗马式厚重阴暗的半圆形拱门的教堂式样，而广泛地运用线条轻快的尖拱券，造型挺秀的小尖塔，轻盈通透的飞扶壁，修长的立柱或簇柱，以及彩色玻璃镶嵌花窗，造成一种向上升华、天国神秘的幻觉。反映了基督教盛行的时代观念和中世纪城市发展的物质文化面貌。代表作品有法国的巴黎圣母院、德国的科隆教堂、英国的林肯教堂、意大利的米兰教堂等。

建筑：该风格应用于建物时，特色是尖塔，色彩鲜艳，夸张线条。该种建筑虽曾于欧洲全境流行，不过在欧洲文艺复兴时期，一度颇为被藐视。

绘画：在哥特建筑和哥特雕塑出现大约50年后，哥特绘画风格在13世纪的时候开始展露，从罗曼风格至哥特风格的过渡并没有明显的界限，但是我们可以发现这一时期的绘画风格较之于前更加沉闷，黑暗和情绪化。这种转变在1200年左右始于英国和法国，1220年左右发展至德国，1300年至意大利。哥特绘画主要以4种形式出现：壁画，板画，插图和花窗玻璃画。作为早期基督和罗马传统的延续，在南欧壁画一直被教堂作为主要的图像表述方式。

七、文艺复兴时期的艺术（14-16世纪）

文艺复兴美术是西欧城市文化繁荣的产物，同时它与教会关系密切。在绘画上的成就最大,建筑和雕刻则稍逊之。文艺复兴美术最初发源于意大利的佛罗伦萨，随后逐渐向欧洲各地传播，在意大利和德国、尼德兰尤甚，在这些地区都产生自己杰出的艺术家。文艺复兴美术在南欧和北欧都有自己的特点，作为文艺复兴美术中心的意大利，成为后来几个世纪里，欧洲艺术家们的朝圣地。

代表人物：达芬奇、米开朗基罗、拉斐尔被誉为文艺复兴三杰。

绘画:在文艺复兴时代，形成了许多地方画派。众多的地方画派是意大利诸多城市共和国的反映。城市经济的繁荣带为文艺复兴美术的展开提供了丰富的土壤。比较著名的有佛罗伦萨画派、锡耶纳画派、威尼斯画派、翁布利亚画派、帕多瓦画派、折衷画派(博洛尼亚)。佛罗伦萨画派是文艺复兴时期第一个重要的画派。威尼斯画派则是另一个重要画派，以运用色彩而称名，其他各个画派都有自己的特色。当然，那个时代人才的流动频繁，画派只是一种艺术流派的模糊区分。画家们开设画坊，他们的客户不仅是教会，还有贵族、商人，由于订件过多，画家往往和助手们一起完成。

代表作：《犹大之吻》乔托《天使报喜》·托马索。《春》《维纳斯的诞生》·波提切力。《蒙娜丽莎》《最后的晚餐》《圣母子与圣安妮、圣约翰》《岩间圣母》·达芬奇。《西斯廷圣母》《雅典学院》拉斐尔建筑：哥特式的建筑在意大利的影响不大，有着古罗马和古希腊艺术底蕴的意大利和欧洲其他地方有着差异，文艺复兴运动兴起后，意大利的建筑师开始在吸收古代建筑的特色，诸如柱式、浮雕等。同时，他们也不断创造新的形式，如增加窗户数目等方法，并应用到新的建筑设计上。布拉特曼设计了格拉齐圣母堂、罗马掌玺大臣官邸等建筑。圣母百花圣殿的是文艺复兴建筑在佛罗伦萨的代表作，多名艺术家参与了该教堂的建造，乔托、布鲁内莱斯基，特别是由布鲁内莱斯基设计的圣母百花圣殿大圆顶，16世纪，文艺复兴建筑的辉煌在罗马展开，由于教廷的支持下，艺术家们开始使用文艺复兴的风格装点罗马城。圣伯多禄教堂是意大利文艺复兴时期的精品之作，建筑师与艺术家勃拉芒特、拉斐尔、米开朗基罗和小莎迦洛等都曾参与设计。作为另一个艺术中心，威尼斯的建筑有威尼斯总督府、圣马可图书馆、圣乔治教堂。在法国，在君主弗朗索瓦一世带领下，延请意大利的艺术家北上，兴建丹枫白露宫、香堡、布卢瓦城堡等宫殿建筑，这些建筑在带有文艺复兴风格的同时，往往还带有法国本民族的审美趣味。

代表作：圣母玛利亚教堂、佛伦伦萨教堂

雕刻：1240年，比萨办起了一所雕像和徽章制作的学校，尼可拉·乔凡尼便迁来比萨，他和其子乔凡尼·皮萨诺是早期，他们一起合作设计了许多作品。14世纪40年代黑死病袭击整个欧洲，使得文艺复兴运

动受到了影响。雕刻也不例外。在沉寂了一段时间后，文艺复兴运动开始重新兴起，洛伦佐·吉贝尔蒂是15设计上半叶最重要的雕刻家。他的主要作品是佛罗伦萨洗礼堂的铜门，为此，他前前后后花了数十年的时间，这就是著名的天堂之门。15世纪另一个著名的雕刻家是多那太罗，文艺复兴初期写实主义与复兴雕刻的奠基者，对当时及后期文艺复兴艺术发展具有深远影响。15世纪著名的雕刻家还有安德烈阿·德尔·维洛及欧、安德烈阿·德尔·洛比亚、安东尼奥·洛些利诺等。进入16世纪，三杰之一米开朗基罗不仅在绘画上还在雕刻显现出自己的才华。16世纪的另一个值得关注的是，法国在君主弗朗索瓦一世的治下达到了一个文化繁盛期，许多艺术家被请往法国，在丹枫白露宫开始为法国国王进行艺术创作。在这其中，著名的雕刻家有罗索、普力马提乔、契里尼。

代表作：《大卫》《最后的审判》《昼》《夜》《圣母怜子》米开朗基罗

八、巴洛克艺术（1600年 -1750年）

―巴洛克‖惯指的时间是17世纪以及18世纪上半叶(约1600年 -1750年），但年份并不代表绝对的艺术风格，特别是建筑与音乐。这一时期，上接文艺复兴(1452年 -1600年)，下接新古典时期、浪漫时期。

油画：巴洛克画家的典型代表是比利时的鲁本斯、荷兰的伦勃朗、西班牙的委拉斯盖兹、英国的凡·戴克、意大利的贝尼尼和卡拉瓦乔等。他们的画作人体动势生动大胆，色彩明快，强调光影变化，比文艺复兴时代画家还要更强调人文意识。鲁本斯的宗教画人体姿势动作激烈，色彩鲜明；伦勃朗的画作如同在舞台上，人物面部处于高光部位，与周围的阴影有强烈的对比；委拉斯开兹的―宫女‖，背景中在窗外射入光线下工作的织女，曾经对后期浪漫主义画派画家产生很大的启示。

建筑：巴洛克时期的建筑物，一方面有着更强烈的情绪感染力与震撼力，另一方面引人注目、炫耀教会的财富与权势。新的建筑风格尤其体现出新宗教教派的时代背景，例如戴蒂尼会（Theatines）与耶稣会，其目标是增进宗教的普遍与虔诚。十七世纪中叶，巴洛克风格转而表现于豪华宫殿上，首先在法国－－如拉斐特城堡（Chateau de Maisons，1642），位于巴黎附近、由弗朗索瓦·芒萨尔设计－－随后遍及欧洲。

文艺复兴为意大利宫廷带来财富与权势，是世俗与宗教力量的结合。巴洛克则，至少在初期，是与反宗教改革－－天主教会内部对应宗教改革的革新运动，有直接关联的。天特会议（1545–1563）普遍被认定是反宗教改革的开端。

意大利和法国：

意大利主要受巴洛克宗教建筑的影响，特别是罗马宗座圣殿的范式，有十字穹顶和中殿。巴洛克世俗建筑的中心在法国，那里早在16世纪就将宫殿的开放三翼布局作为标准方案。但是到萨罗蒙·德·布洛斯设计的卢森堡宫（建于1615年-1620年）才确立了巴洛克建筑样式

九、洛可可风格（18世纪）

洛可可风格起源于18世纪的法国，最初是为了反对宫廷的繁文缛节艺术而兴起的。

洛可可最先出现于装饰艺术和室内设计中。路易十五登基，给宫廷艺术家和一般艺术时尚带来了变化。在老国王在任的晚期，巴洛克设计逐渐被有着更多曲线和自然形象的较轻的元素取代。这些元素在Niclas Pineau的建筑设计上有明显的表现。在摄政时期（1715-1723年，路易十五还是个孩子，政权由其叔摄政），宫廷生活不再局限于凡尔赛宫，艺术风格亦随之而转变，最初在皇宫，然后是整个法国上层社会。纤细和轻快的洛可可风格设计被视为是伴随着路易十五的过度统治而来。

室内设计：在德国，斯都格的Castle Solitude和奥拉宁堡的中国宫、维斯的巴伐利亚教堂和波茨坦的无忧宫都是欧洲洛可可风格建筑的例子。

在欧陆，洛可可风格以抽象的火焰形、叶形或贝壳形的花纹、不对称花边和曲线构图，展现整齐而生动的、神奇的、雕琢的形式。洛可可风格设计，不论使用在室内设计方面或者家饰品设计，甚至建筑外观设计上，都令人无法忽视。框缘的建筑的部份中如画的、细致的、形状独特地表现于塑造性物料如木雕和雕塑中（如Wessobrunner School)的装潢）。墙、天花、家具、金属和瓷器制的摆设展现一种统一风格的和谐。相比起巴洛克品味带着丰富强烈的原色和暗沈色调，洛可可崇尚柔和的浅色和粉色调。

油画：洛可可风格亦从建筑设计中的纯粹装饰艺术伸延至绘画上。洛可可画家选用清淡鲜明的颜色和精致的曲线构图，喜欢用基路伯小天使和爱情神话中等来点缀画中氛围，令画面变得优美而神秘。

洛可可风格细致地表现在人像画中；画中人不再是神、圣人或骑士，而是宫廷的朝臣、贵族等，颜色细致、淡雅，人物纤细。一些画像亦显示当时美学开始离开宗教、国家等思想方向；不再表现人物的端庄神圣，开始表现得有点不纯洁和不道德。而洛可可的风景画则是田园诗式的，多数描写贵族的男男女女在悠闲地游山玩水。

十、新古典主义（18世纪）

是一种新的复古运动。兴起于18世纪的罗马，并迅速在欧美地区扩展的艺术运动，影响了装饰艺术、建筑、绘画、文学、戏剧和音乐等众多领域。新古典主义，一方面起于对巴洛克（Baroque）和洛可可（Rococo）艺术的反动，另一方面则是希望以重振古希腊、古罗马的艺术为信念(亦即反对华丽的装饰，尽量以俭朴的风格为主)。新古典主义的艺术家刻意从风格与题材模仿古代艺术，并且知晓所模仿的内容为何。

建筑：新古典主义建筑源于17世纪的法国。凡尔赛宫是新古典主义建筑风格的典范，它以极具规范的富丽堂皇气派同盛期巴洛克的装饰性风格相对抗，对欧洲美术产生了巨大的影响。

绘画：以复兴古希腊罗马艺术为旗号的古典主义艺术,早在17世纪的法国就已出现。在法国大革命及其政治和社会改革之前,有一场纯粹的艺术革命,这就是新古典主义美术运动。这一时期的法国美术既不是古希腊和罗马美术的再现,也非17世纪法国古典主义的重复。它是适应资产阶级革命形势需要在美术上一场借古开今的潮流。所谓新古典主义也就是相对于17世纪的古典主义而言的。同时,因为这场新古典主义美术运动与法国大革命紧密相关,所以也有人称之为"革命的古典主义"。

代表作：《马拉之死》、《荷拉斯兄弟宣誓》大卫。《泉》《土耳其浴女》安格尔

代表画家：大卫，安格尔。

十一、浪漫主义（19世纪）

浪漫主义是开始于18世纪西欧的艺术、文学、和文化运动，大约就发生在1790年工业革命开始的前后。它注重以强烈的情感作为美学经验的来源，并且开始强调如不安、惊恐等情绪，以及人在遭遇到大自然的壮丽时表现出的敬畏。浪漫主义是对于启蒙时代以来的贵族和专制政治文化的颠覆，以艺术和文学反抗对于自然的人为理性化。浪漫主义重视民间艺术、自然、以及传统，主张一个根基于自然的知识论，以自然的环境来解释人类的活动，包括了语言、传统、习俗。浪漫主义受到了启蒙运动的理念影响，也吸收了中世纪文化复古的艺术成分。―浪漫‖一词来自于―romance‖—代表了源于中世纪文学和浪漫文学里颂扬英雄的诗赋风格。

法国大革命和工业革命里发生的事件和其背后的意识形态也影响了浪漫主义运动。浪漫主义致力于宣扬那些在他们看来被忽略了的英雄个人所达成的成就，它正当化了个人的艺术想像力，并将其作为最重要的美学权威之一，突破了对于艺术的传统定义。浪漫主义对于历史和自然题材的强烈诉诸，便是形成这种理念的基础。

绘画：十九世纪初叶，资产阶级民主革命时期兴起于法国画坛的一个艺术流派。这一画派摆脱了当时学院派和古典主义的羁绊，偏重于发挥艺术家自己的想象和创造，创作题材取自现实生活，中世纪传说和文学名著（如莎士比亚、但丁、歌德、拜伦的作品）等，有一定的进步性。代表作品有籍里柯的《梅杜萨之筏》、德拉克洛瓦的《自由领导人民》。画面色彩热烈，笔触奔放，富有运动感。

在艺术创作中，浪漫主义强调艺术家的主观创造性，表现出对于历史的兴趣和对社会现实中重大事件的关注，另外在对历史怀念的同时又表现出对东方异国情调的向往。

在艺术表现上，浪漫主义与古典主义学院派是完全对立的，它反对纯理性和抽象表现，强调具体的、具有特征的描绘和情感的传达；反对类型化和一般化，主张表现个性化，描绘人物的性格特征和精神状态；反对用古代艺术法则来束缚艺术创作，主张自由奔放热情的主观描绘，使艺术家的感情在创作中得到充分的传达；反对刻板的雕刻般造型和过分强调素描为主要表现手段，竭力强调光和色彩的强烈对比上的饱和色调，以动荡的构图、奔放而流畅的笔触，有时以比喻或象征的手法塑造艺术形象，借以抒发画家的社会理想和美学理想。

代表画家：德拉克洛瓦-《自由引导人民》《萨尔丹纳帕勒之死》《但丁之舟》

法国米勒-《拾穗》科罗-《戴珍珠的妇女》《蒙特枫丹的回忆》

十二、现实主义

指十九世纪中叶以来在欧洲兴起的艺术运动，包括许多不同的形式风格：具象的和非具象的，写实的和非写实的等。

印象派：

早期印象派指19世纪末的艺术运动，他所关心的事去记录自然，人生的浮光掠影或稍纵即逝的偶然景象。

画家：雷诺阿——复制停留在视网膜前的景象。

莫奈——《草地上的午餐》《日出》

后期印象派注重形体表现光学的视觉变化，而忽略了古典艺术在形式和结构上的要求。批评单纯的模仿自然表面，主张从自然中发掘新的形式和结构

画家：修拉

梵高以扭曲漩涡般的笔触来表现激荡的生命力。

高更以象征的手法暗示出内心难以言喻的体验。

塞尚画中的风景，山树水海湾和房舍只是一块块几何形状的色块。

象征派：关注从原始生活和宗教中传达出来的神秘的寓意以及人的心灵活动中的讯息。

莫罗。色欲和宗教情感的冲突，远离现实的幻想世界，也表现了人类潜意识的活动。代表作：《显灵》《丘比特和塞美蕾》

表现派和野兽派：表现艺术课追溯到1880年，它试图找回艺术的意义，将色彩和线条由纯粹表现景象的功能中解放出来，并探讨色彩和线条的象征价值，以及瞬间外观现象后面的真实的永恒结构。

野兽派指1905年巴黎秋季沙龙画展上的一群青年画家，评论家评论他们的创作精神如野兽般勇猛，他们绘画笔触的感动力以及色彩气魄壮烈，仿佛山野中野兽惊人的怒吼。

马蒂斯是前卫艺术的先驱。《和谐的红色》《舞蹈》。孟克《呐喊》

立体派：是流行于19世纪末和20世纪初的艺术流派，是继野兽派后兴起的另一种艺术潮流。它在绘画的构图和形体的表现方面所带来的观念和实践堪与文艺复兴比。

画家：毕加索《年老的吉他》《格尔尼卡》《阿维农的姑娘》

康定斯丁·勃兰《玻加尼小姐》《X王妃像》（雕塑）

达达主义和超现实主义：一战后，在巴黎和瑞士出现了被称为达达主义（法语，木马的意思）的画家。达达主义是激进的虚无主义，在他们眼中，欧洲的传统文化价值已经失去意义。达达主义表现出一种厌弃的心理，对欧洲传统式的感伤和虚伪有难以控制的愤怒。

画家：美国杜尚：《泉》《长胡子的蒙娜丽莎》

超现实主义是20世纪初的一个极有影响的艺术运动，它继承了浪漫主义的想象和象征派在符号上的运作。超现实主义画家相信生命中发生的苦难和喜悦的时件都可能在潜意识的世界中浮现。

抽象主义：自1910年在二战后达到高潮。抽象主义绘画反对艺术临摹自然的传统。它关心从自然中抽出某些性质的形态来构成绘画。

普普主义：于20世纪50年代但是于英国，在20世纪60年代流行于美国。它是对抽象表现派的挑战，它以写实来取代抽象，以概念的策略来取代即刻的表现性，并以呈现广大群众的生活为主。

汉米尔顿是英国普普主义的鼻祖，，他主张将美学带入城市的生活中，认为杂志招贴广告和宣传单都可以被视为商业艺术。

沃霍《25个彩色的玛丽莲·梦露》表现一种遗憾，梦露虽然是明星，观众却只能以性感形象来诠释她。

4.1西方传统插花艺术的造型设计要求

西方传统插花艺术的造型设计要求 --- 欧阳晓怡 西方插花艺术发展简史 ?西方人认为花可抵抗巫术、闪电和毒药. 在祭典时, 人们用橄榄叶与月桂叶做成花环, 作为膜拜的用具. 将花环戴到头上、脖上, 即可作护身符, 挂在门上和墙上可防邪魔进内.所用的花材则视各国人们的习俗而不同. ?古代埃及人认为睡莲的壁画是幸福和神圣的象征, 喜用印度睡莲和齿叶睡莲, 故在法老墓中有睡莲的壁画和鲜花随葬. 古希腊人除悬挂花环外还常将植物插在落地大花瓶中, 作为新婚夫妇的室内装饰品(图-1), 表示喜庆. ?古罗马人悬挂花环来庆祝"农神节", 并习惯将蔷薇花瓣洒在宴会桌和地板上, 使客人闻香. 德国人爱用枞树叶等. ?罗马帝国席卷欧洲, 建都于拜占庭后, 开始出现神殿仪式用的大型插花, 称拜占庭式圆锥形插法(图-2), ?而在耶稣被钉死在十字架上之后, 花环、花索(也称花彩)以及教堂装饰插花得到普及, 直到现在仍为圣诞节的装饰. 当时, 教堂插花多使用百合、鸢尾等象征圣洁的花材, 花型也较简单. ?14-16世纪, 欧洲文艺复兴运动是一种文化的再生运动, 这个运动积极适应了新时代的要求, 也促进了建筑、室内设计、造园设计和花卉设计的发展. 人们将多种鲜花插满花瓶、花篮、果盘, 陈设在室内, 插花成了人们生活的一种情趣. 当时的花卉中心在法国. ?17-18世纪, 随着航海事业的发展以及战争、贸易和往来, 各地花材得

以广泛交流, 大大促进了园艺的发展. 这时期, 大量的园艺书籍出版, 也使园艺知识和插花技艺得到了传播. 如1633年罗马出版的?花卉栽培与装饰?, 该书介绍了许多关于养护切花的知识和用切花装饰的方法. 如一种专门插花用的"漏壶"(见下图), 壶内分层, 每层的盖面上都有插花孔, 将一支支花插入孔中, 使花朵均匀分布. 插花也成了各国画家们绘画的主要对象. 顺应当时的服装, 胸花应运而生. ?19-20世纪维多利亚女王时期, 为英国昌盛时期, 花卉中心逐渐移到英国. 这时, 铁丝的使用也很普遍, 贴花形式也逐渐发展起来, 西方插花逐渐走向系统化、理论化. ? ?荷兰花卉发展自15世纪开始, 当时其航海事业发达, 接触到许多新的植物和插花方式. 今天, 荷兰的切花生产位于 世界领先地位, 插花技艺也很有声望. ?美国开国之初称殖民地时代, 当时流行维多利亚时代的圆型花式, 故美国也称圆型为殖民地型. 后来吸收了东方的线条设计, 使花型更趋完美. 美国人巧妙地配合商业化的需要, 开发了各种新型花式的设计、礼品设计等, 并配合各种节假纪念日, 如母亲节、父亲节、情人节等, 利用插花来表达感情, 使花艺设计受到世界的重视, 浸润在大众的生活中. 西方传统插花艺术的风格和特点 ?西方插花, 一般指欧美各国传统的插花艺术形式. 欧美各国由于地理位置、民族文化、风俗习惯等方面的相似, 因而在宗教信仰、插花艺术等思想文化形态方面也表现出许多共同特点, 形成了统一的西方插花艺术体系和风格. 其特点是:

世界现代艺术设计简史(答案)

世界现代艺术设计简史 1、斯堪的纳维亚各国的设计有何共同之处？试述斯堪的纳维亚现代设计风格的形成及特点 答： 2、意大利的设计有什么样的特征？试述意大利现代设计的发展过程极其特点 3、后现代主义设计产生的原因及其对设计的影响 4、简要谈谈未来设计发展的趋势； 5、后现代主义建筑的主要特征 强调建筑的精神功能，注重设计形式的变化。后现代主义建筑认为“方盒子”现代主义建筑缺乏人情味，主张建筑应该而且必须有装饰。在建筑细节上，往往采用各种古典装饰，运用变形、分裂、删减、夸张、矛盾等手段使装饰充满趣味性和象征性。而现代主义建筑一向反对装饰，认为装饰造成了建筑不必要的开支，使大众无法消费得起，导致了其强调无装饰化外形特点，在设计形式上陷入了减少主义风格的泥沼之中。 后现代主义建筑强调历史文化，即所谓“文脉主义”。他们在抛弃现代主义“方盒子”建筑形式的同时，认为决定建筑外观的不单纯是内部功能，而且还受到群体、环境、地区、历史等的影响，强调建筑的形体质量感，提倡建筑的“内”“外”双重性，重视层次感和深度感。他们认为现代主义建

筑在某种意义上完全把历史隔断了，工业文明好像不是从历史发展过来的，而是从工业革命的烟囱里一下子冒出来似的。因此，他们强调重视传统历史风格，主张对历史风格采用抽出、混合、拼接等方法，并且将这种折衷处理建立在现代主义设计的构造基础之上。

后现代主义建筑语言具备“隐喻”、“象征”和“多文”的特点，表现在建筑造型和装饰上的娱乐性和处理装饰细节上的含糊性。 现代主义建筑形态语言基本上是单一的，只是出于对功能认识；而后现代主义建筑的形式往往包含一系列现代符号学的内容，通过点、线、面和色彩的变化，使现代主义明确、高度理性化的形态语言具有了“隐喻”、“象征”和“多义”的含义以及戏谑、调侃的色彩。 6、简述日本设计中的“双轨制” 7、“工艺美术”运动风格的特征及其影响； 特征：强调手工艺，反对机械化生产；在装饰上反对矫揉造作的维多利亚风格和其他各种古典的、复兴主义的传统装饰风格，提倡哥特风格和其他中世纪装饰风格，讲究简单、朴实、功能良好；主张设计的诚实，反对设计上哗众取宠、华而不实的倾向；装饰上有推崇自然主义、东方装饰和东方艺术的特点。

西方艺术发展史简述之欧洲艺术与西方现代主义艺术

17-18世纪欧洲艺术 17至18世纪的欧洲，是各国在政治制度、宗教、自然科学和艺术诸方面发展和探索的时代，整个欧洲呈现出一派多姿多彩的面貌。人类自文艺复兴觉醒之后，以新的人生观和科学手段探索自然的奥秘，以更加活泼的求知欲和好奇心去观察自然和认识世界，产生了一大批伟大的学者和艺术家。艺术呈现出不同于文艺复兴时期古典艺术的多元化局面。巴洛克、罗可可、古典主义、写实艺术等各种风格倾向相互交织，并行发展，各领风骚。 意大利到了17世纪，现实主义、巴洛克艺术与尊崇古典传统的“学院派”同时出现，这使艺术领域看起来更加丰富。18世纪威利斯画派的出现更加让整个意大利艺术呈多元 化发展。 佛兰德斯的艺术跟同期荷兰独立后那种为新兴资产阶级服务的艺术不一样;它仍然处于西班牙封建专制和天主教会势力的控制之下，主要为宫廷贵族、富商和耶稣会服务;这类人物对艺术的要求促使佛兰德斯绘画具有追求富丽堂皇的装饰风格。佛兰德斯艺术中，最引人注目的为绘画，其次是建筑，最后才是雕塑。其中最具代表性的艺术家首推鲁本斯﹝Peter Paul Rubens﹞。 17世纪，荷兰的经济文化都非常繁荣，当时荷兰商人的欣赏趣味与那种浮华放纵的 趣味有很大不同，他们比较喜欢有节制和简单的风格。由于社会的风俗与需要，肖像画得到的重视比其它题材都要多。绘画开始变成商品进入市场，开始出现专门化分工，风景画得到了长足发展，这一时期的风景画完全摆脱了情节和人物，成为独立的画种。 这是西班牙艺术大放光彩的一段时间，出现了不少著名的艺术家，塞韦利亚画派是 17世纪上半期最重要的画派之一，苏巴朗和委拉斯贵支是这个画派的重要代表。 19世纪西方艺术 19世纪西方艺术在18世纪的基础上又有着很大的发展，主要表现为跟多的艺术流派的产生：现实主义、巴比松派、前拉斐尔派、学院艺术、印象派、后印象派、新印象派、点描派风格、那比派风格、综合主义、象征主义、哈德逊河派。 19世纪法国画坛经历了古典主义到浪漫主义的发展，浪漫主义逐渐地脱离了当时的 社会现实。在这样的背景下，一部分具有进步思想的艺术家认为艺术应以实际生活为基础，提出了“为生活为民众而艺术”的口号，产生了现实主义艺术思潮。现实主义艺术家赞美自然，歌颂劳动，深刻而全面地展现了现实生活的广阔画面，尤其描绘了普通劳动者的生活和斗争，此时此刻劳动者真正走进艺术殿堂，成为绘画中的主体形象，大自然也作为独立的题材受到现实主义画家的青睐。于此同时在印象意义流派也在法国产生。 19世纪英国受法国新思潮的影响开始出现艺术上的繁荣。出现了浪漫主义艺术，而 风景画的出现为后期印象派的产生也有很大的影响。一批皇家美术学院的学生倡导组成的前拉斐尔学派也在此时英国产生。 19世纪是俄罗斯历史发展的一个转折时期，文艺发展势如破竹，从某种程度上讲甚 至不亚于欧洲的文艺复兴。19世纪的俄罗斯文艺具有鲜明的民族特色，在哲学、文学、音 乐、美术等各个领域，涌现出一大批足以与西欧各国称雄并列的杰出人物。哲学与文艺评论上有别林斯基、赫尔岑、杜勃罗留波夫、车尔尼雪夫斯基等，文学上有普希金、莱蒙托夫、果戈里、屠格涅夫、契诃夫、列夫·托尔斯泰等，音乐上有格林卡、柴可夫斯基、穆索尔斯基等，在绘画上则有列宾、苏里柯夫、克拉姆斯柯伊等。 在19世纪上半期，美国艺术的发展还体现在大众化的艺术中。被称为民间画或原始派的画家大都没受过专业训练，主要模仿斯图亚特和科尔等人的风格，但非常质朴，形象稚拙，色彩鲜艳。19世纪中期的南北战争改变了美国历史的发展进程，战后的工业革命和经济 繁荣，也带来了艺术的黄金时期。风景画家.丘奇、G.英尼斯,静物画家.哈尼特,风俗画家.亨特等人在各自的领域中作出了贡献。与此同时，欧洲艺术对美国的影响也日益增强，大批美国青年远渡重洋到法国、英国等地学习绘画，回美国后给本地的艺术带来新的技法和风格;也有一部分画家留在欧洲，成为欧洲19世纪末新美术运动的重要人物。女画家M.卡萨特1866年 赴法深造，后定居法国。她是参加了法国印象派画展的唯一的美国人。.沙金是美国最杰出的

西方艺术发展简述

西方艺术史简述 一、西方艺术史基本脉络 1、分期：埃及美术、希腊罗马美术、中世纪美术、文艺复兴、巴洛克、罗可可 2、艺术中心随经济中心的演变而转移：希腊、亚平宁半岛、弗罗伦萨、罗马、威尼斯、 巴黎、纽约 埃及美术： 一般指公元前332年以前的埃及美术。它的形成和发展主要经过了史前期、早期王朝、古王国、中王国、新王国和后期王朝时期。埃及美术的产生和发展与埃及人的宗教信仰、墓葬习惯和王权思想有很大关系。他们认为，人的生命和宇宙万物是永 恒的,死者是可复活的。相应地，陵墓作为人的永久住宅，它的修建和装饰，也受到重视。这些原因导致了金字塔、雕刻、墓室壁画等一系列艺术品的产生。埃及美术 的一般特点是：建筑宏伟壮观；雕刻朴素写实，整体性强，表现方法遵守正面律； 绘画线条流畅优美，色彩丰富，人物表现采用正、侧面混合法。 希腊美术： 希腊美术发源于地中海的克里特岛，早期希腊文明被称为“爱琴文明”，希腊文明一直延续到罗马帝国占领希腊各地，希腊艺术按照时间可以如下分期：1.爱琴文化时 期、2.荷马时期、3.古风时期、4.古典时期、5.希腊化时期。希腊人创造了神，在希腊人的心目中最完美的人就是神，因此希腊人尊重人，神和人同形同性。希腊美术 最重要的方式是神殿等建筑、雕刻和少量壁画。希腊美术的主要特点是无所不包的 和谐与规律性，还有庄严与静穆。 罗马美术： 罗马美术吸收了希腊美术成就，继承了埃特鲁斯坎美术传统，而将美术更加推向实用主义，在内容上侧重描绘享乐性的世俗生活，在形式上追求宏伟壮丽的风格，在 人物表现上强调个性化。其突出成就主要反映在建筑、肖像雕刻和壁画方面。 中世纪美术： 自公元476年西罗马帝国灭亡到15世纪文艺复兴运动开始的一段时期，史称中世纪。 它包括拜占庭美术、爱尔兰-撒克逊和维金美术、奥托美术、加洛林美术、罗马式美 术和哥特式美术等。在公元313年，罗马皇帝君士坦丁颁布米兰敕令，承认基督教 会的合法地位。由于基督教的影响占有统治地位，决定了艺术浓厚的宗教色彩。位 于东方的拜占庭美术，在一定程度上成为古希腊美术的保存者与传播者，并与当地 民族美术相融和，而自成体系。西欧其他诸国基督教美术，也都带有本民族原始艺 术的明显烙印。中世纪美术最重要的成就是建筑的发展。无论是拜占庭式教堂高大 的圆穹，还是哥特式教堂火焰般的尖券，既充分显示出封建宗教的权威，也体现出 当时工匠们的创造才能。同时与教堂建筑一起应运而生的装饰性雕塑、镶嵌壁画与 彩色玻璃窗画，以及圣经、文学作品的插图画和各种小型艺术等，又赋予中世纪美 术以丰富多彩的面貌。 文艺复兴美术： 文艺复兴是指十四世纪到十六世纪西欧与中欧国家在文化思想发展中的一个时期。 “文艺复兴”的原意就是指“在古典规范下，文学和艺术的复兴。”在经历了封建教会势力的千年统治之后，人们开始挣脱精神上的奴役，被禁锢多年的古典文化又引 起人们的重视。文艺复兴首先发端于意大利，然后逐渐传播到欧洲其他国家。其变 化的基础就是思想基础关怀人、尊重人，以人为本的世界观。在人文主义思潮的影

中国化妆造型发展简史

1：战国时代（公元前475—公元前221年） 早在战国时期，女性们就开始“着粉施朱”了，其妆饰方法分为四道程序，即着粉、描眉、点唇、抹胭脂，唐宇文集《妆台记》说：“美人妆面即傅粉，后以胭脂晕掌中，施之两颊。。。。。。”战国时期的人们一向都以皮肤的嫩、润滑为美，于是爱美的女性就用白粉来做妆粉。妆粉的原料一般为米粉、铅粉、石膏粉或滑石粉，由此可见古人十分讲究白粉的制作。《妆台记》记载，“浓者为酒晕妆，浅者为桃花妆，薄薄施朱，以粉抹之，为飞霞妆。”另外，人们对描眉进行刻意地修饰大约是从战国时期开始的，而细细长长的娥眉则是战国时期女性的最爱。 2：隋唐五代（581—960年） 隋唐五代是中国中古史上最重要的一个时期。国家富强，社会开放，吸纳了多方少数民族，经济的发展也推动了唐代女性对审美的意识，使当时的化妆形式多样化。 隋唐女性的装扮比较朴素，不像魏晋南北朝有较多变化式样，更不如唐朝的多姿多彩。 唐朝国势强盛，经济繁荣，社会风气开放，女性盛行追求时髦。无论是宫妓还是私妓，这些女性都是浓妆艳抹，着意修饰。唐朝的女性社会地位提高，是中国历史上女权最高的一个朝代，也难怪会出现中国历史上唯一的女皇帝武则天。 3：宋朝（960—1279年） 宋朝建立之后，经济有所发展，美学思想发展有了和以前不一样的变化，在绘画诗文方面力求有韵，用简单平淡的形式表现绮丽丰富的内容，形成一种回荡无穷的韵味，崇尚淡雅的风格。虽说宋代女性的妆扮属于清新、雅致、自然的类型，不过擦白抹红还是脸部妆容的基本要素，因此，红妆仍是宋代女性在化妆方法中不可或缺的一部分。 4：辽、金、元朝（907—1368年） 辽在1125年被金所灭，金在1234年被蒙古所灭，蒙古又在1279年灭南宋，统一了中国，建立元帝国，元朝一共延续了89年。 契丹、女真、蒙古都是游牧民族，在入主中原之前，长期转居于边塞，服饰装扮都非常简朴，直到逐渐汉化后，才变得比较讲究及华丽。整体看来，元代女性的装扮在顺帝前后有较明显的差异。之前，一般多崇尚华丽；之后，风气转为清淡、朴素，有的甚至不化妆、不擦粉，这种现象也反映了当时社会经济、政治等方面都衰弱不振的趋势。 5：明清时期（1368—1911年） 明清时期，美容化妆已经得到普及，女性们很在意皮肤白皙，同时对皮肤的护理同样也很注重，因此护理皮肤在当时称为一种时尚。同时还有美容书籍出现，如《千金美容方》指导女性如何进行皮肤的护理。当时明清女性的审美也由健康转为病弱性，于是浓重粗犷的阔眉已不再适合中国时期的女性，而纤细的“娥眉”、“一字眉”、“八字眉”等便成为女性眉形的主宰。 6: 20世纪20年代至90年代

西方艺术史基本脉络

西方艺术史脉络 1、分期：埃及美术、希腊罗马美术、中世纪美术、文艺复兴、巴洛克、罗可可 2、艺术中心随经济中心的演变而转移：希腊、亚平宁半岛、弗罗伦萨、罗马、威尼斯、巴黎、纽约 埃及美术：一般指公元前332年以前的埃及美术。它的形成和发展主要经过了史前期、早期王朝、古王国、中王国、新王国和后期王朝时期。埃及美术的产生和发展与埃及人的宗教信仰、墓葬习惯和王权思想有很大关系。他们认为，人的生命和宇宙万物是永恒的,死者是可复活的。相应地，陵墓作为人的永久住宅，它的修建和装饰，也受到重视。这些原因导致了金字塔、雕刻、墓室壁画等一系列艺术品的产生。埃及美术的一般特点是：建筑宏伟壮观；雕刻朴素写实，整体性强，表现方法遵守正面律；绘画线条流畅优美，色彩丰富，人物表现采用正、侧面混合法。 希腊美术：希腊美术发源于地中海的克里特岛，早期希腊文明被称为“爱琴文明”，希腊文明一直延续到罗马帝国占领希腊各地，希腊艺术按照时间可以如下分期：1.爱琴文化时期、2.荷马时期、3.古风时期、4.古典时期、5.希腊化时期。希腊人创造了神，在希腊人的心目中最完美的人就是神，因此希腊人尊重人，神和人同形同性。希腊美术最重要的方式是神殿等建筑、雕刻和少量壁画。希腊美术的主要特点是无所不包的和谐与规律性，还有庄严与静穆。罗马美术：罗马美术吸收了希腊美术成就，继承了埃特鲁斯坎美术传统，而将美术更加推向实用主义，在内容上侧重描绘享乐性的世俗生活，在形式上追求宏伟壮丽的风格，在人物表现上强调个性化。其突出成就主要反映在建筑、肖像雕刻和壁画方面。 中世纪美术：自公元476年西罗马帝国灭亡到15世纪文艺复兴运动开始的一段时期，史称中世纪。它包括拜占庭美术、爱尔兰-撒克逊和维金美术、奥托美术、加洛林美术、罗马式美术和哥特式美术等。在公元313年，罗马皇帝君士坦丁颁布米兰敕令，承认基督教会的合法地位。由于基督教的影响占有统治地位，决定了艺术浓厚的宗教色彩。位于东方的拜占庭美术，在一定程度上成为古希腊美术的保存者与传播者，并与当地民族美术相融和，而自成体系。西欧其他诸国基督教美术，也都带有本民族原始艺术的明显烙印。中世纪美术最重要的成就是建筑的发展。无论是拜占庭式教堂高大的圆穹，还是哥特式教堂火焰般的尖券，既充分显示出封建宗教的权威，也体现出当时工匠们的创造才能。同时与教堂建筑一起应运而生的装饰性雕塑、镶嵌壁画与彩色玻璃窗画，以及圣经、文学作品的插图画和各种小型艺术等，又赋予中世纪美术以丰富多彩的面貌。 文艺复兴美术：文艺复兴是指十四世纪到十六世纪西欧与中欧国家在文化思想发展中的一个时期。“文艺复兴”的原意就是指“在古典规范下，文学和艺术的复兴。”在经历了封建教会势力的千年统治之后，人们开始挣脱精神上的奴役，被禁锢多年的古典文化又引起人们的重视。文艺复兴首先发端于意大利，然后逐渐传播到欧洲其他国家。其变化的基础就是思想基础关怀人、尊重人，以人为本的世界观。在人文主义思潮的影响下美术创作发生了相应的变革，显示出鲜明的时代特征。按照时间可分为：1.佛罗伦萨早期文艺复兴美术，2.罗马盛期文艺复兴美术，3.威尼斯后期文艺复兴美术。 巴洛克：巴洛克艺术产生于16世纪下半期，它的盛期是17世纪，进入18世纪，除北欧和中欧地区外，它逐渐衰落。巴洛克一词本义是指一种形状不规则的珍珠，在当时具有贬义，当时人们认为它的华丽、炫耀的风格是对文艺复兴风格的贬低。巴洛文艺术最早产生于意大利。概括地讲巴洛克艺术有如下的一些特点：首先是它有豪华的特色，它既有宗教的特色又有享乐主义的色彩；二是它是一种激情的艺术，它打破理性的宁静和谐，具有浓郁的浪漫主义色彩；三是它极力强调、运动，运动与变化可以说是巴洛克艺术的灵魂；四是它很关注作品的空间感和立体感；五是它的综合性，巴洛克艺术强调艺术形式的综合手段；六是它有着浓重的宗教色彩，宗教题材在巴洛克艺术中占有主导的地位。

西方造型艺术发展简史

中央民族大学 研究生学期论文 论文题目：西方造型艺术发展简史 学期：2008-2009学年第二学期 学生姓名：张达 年级：2008级 院系单位：民族学与社会学学院 指导老师：张亚莎 课程名称：西方美术史 任课教师：龚田夫 完成时间：

中央民族大学研究生学期论文评阅表

西方造型艺术发展简史 艺术是人类独有的创造，据现有的考古证明，人类活动痕迹最早出现在250万年前左右，而人类所创造的最早的原始艺术则出现在约3.5万年前。这也就是说，艺术的历史只占人的历史1.5%左右的时间。尽管艺术的历史和人的历史相比是很短暂的，但是艺术的产生和发展却对人类的发展起到了不可估量的促进作用。下面笔者将按产生时间的先后顺序来概括介绍下西方造型艺术的发展史。 一、原始艺术 （一）洞窟艺术 欧洲的洞窟壁画是旧石器时代人类留下的艺术珍品，多集中在法国南部和西班牙北部，一少部分邻近意大利，所画的主题多以动物为主，线条简洁有力、姿态生动，色彩多以黑褐色，外加简单的明暗描绘，表现出自然而粗拙的风格。 目前已经发现的最早的史前壁画可以追溯到距今3.1万年前，它是几个探险者1994年12月在法国阿尔代什地区发现的，被命名为“萧维洞窟壁画”。迄今为止在发现的欧洲众多洞窟壁画中，西班牙阿尔塔米拉洞窟壁画和法国拉斯科洞窟壁画是最著名的两处。 （二）原始雕刻 欧洲目前发现的原始雕刻大多为小型动物雕刻，但是也出土了一大批圆雕和浮雕女裸体雕像。这些女性雕像的共同特征是夸张的女性生理特点，突出表现女性的乳房、腹部、大腿等部位，体现出原始时期人们对于母性生殖的崇拜，被人们称之为“原始的维纳斯”就是其中最著名的代表作。 至于非洲的原始木雕像，则与欧洲原始雕像有很大的不同。在非洲原始部族中，人们认为死亡不是生存的终结，而是生命的另一种转移，死者会永远存在于活人中间，于是他们创造了雕像来给幽灵制造一个栖身之处。因此它们没有正常的人体形态，没有复杂的动作，也没有多人物的构图，而是通过非常夸张变形的手法来表现人们的纯朴、稚拙和粗犷，这种怪诞的雕像造型是非洲原始部落对客观世界的心理反映。 二、西亚北非古文明 （一）苏美尔－阿卡德艺术 在苏美尔-阿卡德时期，宗教在社会生活中起主要作用，同时也对艺术产生了深刻影响。建筑方面，苏美尔人用粘土制成的砖坯作为主要的建筑材料，同时为了使建筑具有防水性能，他们在墙面镶嵌陶片装饰，这种装饰有点类似现在的“马赛克”。苏美尔人最重要的建筑为塔庙，建于公元前21世纪的乌鲁克神庙就是塔庙的最典型的代表，它被建在由土垒起来的大台基上，有些类似于梯形金字塔。 雕刻方面，苏美尔人的雕刻注重表现内在精神，在特勒阿斯布尔的阿布神庙的地窟里发现的13座苏美尔人雕像是其代表作。与此不同的是阿卡德人的雕刻具有更强的写实性，在尼尼微出土的萨尔贡王青铜头像是两河地区第一次发现的真正的帝王肖像，雕像刻画写实，神情庄重威严，个性

西方钢琴艺术史复习题

西方钢琴艺术史复习题 填空: 1、概括来说，钢琴艺术史是由人、琴、乐三个方面构成。 2、古钢琴有两种，分别是楔槌键琴和羽管键琴。 3、1826年，英国制琴师亨利?帕普创用了毛毡包裹木芯的钢琴琴槌。 4、随着西方音乐史上浪漫主义的形成，钢琴音乐进入了它的鼎盛时期。 5、15世纪中期德国慕尼黑弗罗恩教堂著名的管风琴家康拉德?保曼把管风琴音乐风格推向成熟的阶段。 6、约?塞?巴赫的 48首《平均律钢琴曲集》被誉为“钢琴音乐的旧约圣经”，而贝多芬的三十二首钢琴奏鸣曲被誉为“钢琴音乐的新约圣经”。 7、1850 年，德国制琴师海因里希?斯坦威移居美国，1853年在纽约创立斯坦威父子公司，融各国制琴师成果为一身，完成了现代钢琴结构的原形。 8、约?克?巴赫(伦敦巴赫) 是世界上第一个用钢琴开音乐会的人。 9、C?P?E巴赫被称为柏林巴赫或汉堡巴赫，以他的理论著作《论键盘乐器演奏艺术》为代表，他首次建立了一套完整的有关钢琴演奏的理论体系。 10、钢琴原名“piano forte” ，意为“轻重琴”，取弹奏者可用手指弹出轻重音之意。 11、 1709 年，意大利国人克里斯托福里制成了世界上第一架钢琴。 12、键盘乐器根据发音原理可分为靠空气振动发音的管乐性键盘乐器和靠琴弦振动发音的弦乐性键盘乐器。 13、管风琴是键盘乐器中最古老的一种。 14、目前世界上能够见到的最早的管风琴曲谱是作于 1350 年的英国的罗伯 特桥古抄本手稿。

15、前奏曲是键盘乐脱离声乐形式的第一种独立体裁。 16、 F?库普兰于1716年出版的名著《羽管键琴的演奏艺术》是历史上关于键盘乐器演奏艺术最早的一部系统性的理论著作。 17、古组曲一般包括阿勒曼德、库朗特、萨拉班德和吉格四个基本组成部分。 18、D?斯卡拉蒂一生共创作了 555 首古钢琴奏鸣曲。 19、18世纪中叶，具有代表性的音乐风格有华丽风格和情感风格。 20、浪漫主义钢琴音乐的真正奠基这是奥地利作曲家舒伯特。 简答: 1、请说明15世纪下半叶键盘音乐风格出现的重要的根本性变革:?曲目由世俗和宫廷音乐转向宗教音乐?声部由三个转向四个或五个?织体从主旋律及两个伴奏声部转向多声部复调对位织体，各个声部变得同等重要，并大量使用模进手法。 2、请说明巴洛克音乐艺术的一般特征:?动力充沛 ?气势宏伟 ?细节雕饰 ?情感夸张 ?崇尚理性 3、请说明巴赫键盘音乐作品的风格，并简述他的主要古钢琴作品。(至少六部):风格:在继承本民族民间音乐的基础上，博采众长，兼收并蓄，富于创造性的汲取外族的音乐。作品既有宗教风格又有生活气息。作品涉及除歌剧之外的当时的所以体裁。作品:《十五首二部创意曲》、《英国组曲》、《法国组曲》、《德国组曲》、《平均律钢琴曲集》、《d小调半音阶幻想曲与赋格》 4、请简要说明克莱门蒂的历史地位:他在钢琴艺术史上创立真正钢琴演奏风格，享有“近代钢琴演奏之父”的盛名。被称作“现代钢琴学派的缔造者”，“钢琴演奏和钢琴作曲领域的哥伦布”，“钢琴技巧的鼻祖”。他的《艺术津梁》在肖邦练习曲问世之前是钢琴技巧的百科全书。在钢琴艺术史上长期以来克莱门第的钢琴奏鸣曲未能得到足够的重视，其实他的钢琴奏鸣曲含有许多预示贝多芬的萌芽。

世界艺术设计史

世界艺术设计史 课程英文译名：History of Art Design课内总学时：32 学分：2 开课学院：新闻出版学院开课教研室：艺术设计系 课程编号：课程类别：任选课 面向专业: 所有专业 一、课程的任务和教学目的 世界工业设计协会主席在北京之行中讲到“穷国出口资源，富国出口设计”，对于我国起步不久的现代设计教育和设计领域来说，了解世界先进的设计历史就显得尤其重要。设计是一门既古老又年轻的学问，同时又是极具开创和开放性的学问，我们要集中国和世界之大成，唯有开放性的建设和发展，才能走向成熟和完善。本文运用大量详实的世界设计史料组织教学，并结合生动的图片和视频资料，可以引导学生开阔思路,亦能开拓视野，深入学习。 二、课程的内容与基本要求 第一章：绪论 了解设计的概念与分类，艺术设计的多重特征。重点和难点是把握艺术设计的本质。 第二章：中国艺术设计史 了解中国艺术设计的起源和发展，从远古时代到封建社会的设计，全方面掌握中国古代文明与设计。 第三章：西方古代艺术设计 了解西方古代艺术设计的起源和发展 第四章：现代设计的萌芽 了解工业革命初期的设计发展状况和“工艺美术”运动。 第五章：“新艺术”运动 了解欧洲各国的“新艺术”运动发展。 第六章：现代主义设计的萌芽 了解现代主义设计产生的背景和思想基础以及欧洲的现代主义运动。 第七章：后现代设计 了解后现代时期的设计和后现代设计。

三、实践环节及基本要求 四、与其它课程的联系 先修课程：无 五、对学生能力培养的要求 1、通过学习,了解世界设计史发展的基本脉络，并通过大量详实的史料，使学生熟悉世界包括中国艺术设计的发展历程。 2、通过学习,使学生掌握艺术设计发展要点以及演变的规律。 3、本课程可以引导学生开阔思路,不拘泥于某一学科和某一方面,深入学习。 六、学时分配 总学时32学时 第一章：绪论 4学时 第二章：中国艺术设计史 6学时 第三章：西方手工业时期艺术设计史 6学时 第四章：现代设计的萌芽 3学时 第五章：“新艺术”运动 3学时 第六章：现代主义设计的萌芽 3学时 第七章：后现代主义设计 3学时 第八章：世界艺术设计的源流欣赏 4学时 七、教材与参考书 参考书：《世界现代设计史》，王受之，中国青年出版社，2002-9 《设计概论》，席跃良，中国轻工业出版社，2004-1 《艺术设计史》，杨先艺，华中科技大学出版社，2006-11 《现代艺术设计思潮》，唐济川，中国轻工业出版社，2007-1 八、说明 本课程信息量大，图文并茂，需要在多媒体环境下教学。 （执笔：李婷）

古希腊古罗马古埃及艺术对西方艺术文化的发展及现状的影响

古希腊，古罗马，古埃及艺术对西方艺术文化的发展及现状的影响在西方美学史与艺术哲学中，形式美是一个非常重要的范畴，无论是在艺术创作中，还是在艺术鉴赏与审美活动中，形式美发挥着极其重要的作用。这里值得认真探究的是，形式美是如何与艺术之本性相关联的尤其是进入现代，形式美不再局限于经典认识论中关于内容与形式的一般论述，这种探究对于艺术及其本性的认识和理解具有崭新的意义。 一、“美在于形式”的思想及其变化 作为重要的范畴，形式美一直是西方美学史与艺术哲学中极其关注的问题，同时这也是一个仁智各见、充满纷争的问题。关于什么是形式的问题，源远流长，可一直追溯到古希腊早期，又可后延至后现代思想家。尽管有着近似的问题域，但各个时期的观点都是不同的，相互区分开来，这种区分折射出了思想自身的变化。 1．古希腊：形式作为本质 古希腊的哲学家与美学家认为，美是形式，倾向于把形式作为美与艺术的本质。在毕达哥拉斯学派看来，艺术产生于数及其和谐，而这和谐就关涉形式的问题。柏拉图将具体的美的事物与“美本身”区分开来，那么，具体的艺术作品作为美的东西，只能是美本身的赋予和对美本身的摹仿，艺术则是摹仿的摹仿，与真理相隔三层。柏拉图把形式分为内形式与外形式，这里的内形式指艺术观念形态的形式，它规定艺术的本源和本质；而外形式则指摹仿自然万物的外形，它是艺术的存在状态的规定。亚里士多德认为，任何事物都包含“形式”和“质料”两种因素，在他看来，形式是事物的第一本体，由于形式，质料才能得以成为某确定的事物。在亚里士多德看来，摹仿是所有艺术样式的共同属性，也是艺术与非艺术相区分的标志。当然不同的艺术样式摹仿的形式也是不一样的。总之，毕达哥拉斯学派、柏拉图和亚里士多德均认为，形式是万物的本原，因而也是美的本原。古希腊时期，还用“隐德来希”意指质料中的形式。在温克尔曼看来，形式的美乃是希腊艺术家们的首要目

西方艺术简史(笔记,部分)

西方艺术简史 刘宗何 一：史前到近东艺术 史料： 一．现代智人在约3.5万年间从非洲侵入欧洲，取代了原驻在欧洲的尼德安人；欧洲史前艺术形成。 二．石器时代的欧洲史前艺术体现于法国南部及西班牙北部90多处洞穴的壁画以及小型的石制以及象牙雕刻物。 1.原始艺术 一：洞穴壁画 1.表现类型：各种各样的动物，如野牛，马，山羊，鹿，熊，野猪，鱼类和鸟等。多以写实的，自然风格画成。 2.特点：线条简单，但形态生动，造型准确。从画中可看出粗略的“透视前缩法”和明暗表现法。 3.人类文化史上第一个时代被称为石器时代（paleolith age） 旧石器时代的欧洲艺术，具体时间：（约前4万年至1万年）史前时代的欧洲艺术产生于旧石器时代的中末期和晚期。 （1）：穆斯托瑞时期（mousterian）约公元前4万年。 （2）奥瑞纳时期（aurignac）约前4万年—前3.5万年。代表：法国拉科斯洞的鹿，马，牛和人壁画 （3）索鲁特时期（solutrean）约前3.5万年—2.5万年。代表：美术遗迹，鲁塞尔洞的壮马和野猪浮雕。 （4）玛格特林时期（magdalenian）约前2.5万年—1.5万年。美术遗迹颇多，著名的有瓦?弗里尔洞的化装为牛和鹿的人物画。法国罗尔狄洞在鹿角上的驯鹿和鲑鱼图。西班牙阿尔塔米拉洞的野牛壁画。马格林特时期的西班牙岩画描绘了部落之间的战争和猎人围猎鹿群的场面。 二：壁画雕刻 1.出现时间：前3.5万年—前3万年间。 2.5万年前创造出表现整个人体美的雕刻品。 2.类型：主要是女性裸体小雕像，通常作为饰物携带。 3.出土物品：奥地利维纶多夫出土的《维纶多夫的维纳斯》距今约3万年。特点是与真人比例夸张，是最早的的人体雕像。（存于奥地利自然历史博物馆）。罗塞尔发现的浮雕《持牛角

西方现代艺术设计简史

西方现代艺术设计简史 1、威廉·莫里斯被称为现代设计之父，他与现代的设计又相似之处。 2、朱铭、荆雷合著《设计史》把设计史分为六个时期，设计萌芽时期、手工业时代的设计、早期工业化时代的设计、现代主义设计时期、后工业社会的设计和设计的计算机时代。 3、王受之著的《世界现代设计史》、《世界现代建筑史》和《世界平面设计史》等，综合的，分门别类的研究了现代设计史。 4、1851年伦敦举办了“水晶宫”世界工业博览会，从而引起了英国工艺美术运动的兴起于发展。 5、约翰·拉斯金是英国工艺美术运动的倡导者、理论奠基人。 他的艺术设计思想：（1）主张艺术与技术相结合（2）主张艺术设计要符合实用目的（3）倡导艺术家，设计师向大自然学习（4)反对工业化生产方式，反对在设计中实用新技术、新材料，主张设计使用自然材料和运用手工技术。 6、1896年由莫里斯设计的《桥莎集》，被誉为书籍装帧设计史上的杰作之一。 7、法国是新艺术运动的发祥地，巴黎和南锡是两个重要的发展中心。其中，“新艺术之家”、“现代之家”和“六人集团”三个重要的设计事务所都在巴黎产生。 8、六人集团中的赫巴托·基马德，设计的著名的“巴黎地下铁路入口处的装饰”，采用了弯曲的金属结构，模仿之物的支干和采用玻璃棚顶，模仿贝壳形状，体现出鲜明的新艺术运动的特点与风格。 9、法国的新艺术运动除在建筑、家具、室内设计等方面外，在陶瓷，平面设计方面都有很大的发展，最早设计广告的是朱尔斯·谢列特，他本人也因此被称为“现代广告之父”。 10、凡·德·威尔德不仅是比利时新艺术运动的重要代表，而且也是世界现代艺术设计史的重要人物。他参与了德国工业联盟，包豪斯也有贡献。 11、威尔德在设计思想上也有两面性：一方面他强调工艺和装饰的理性，即他的现代理性主义设计，宣扬设计和批量生产中的合理化。另一方面他又坚持设计师艺术的个性化，反对标准化给设计带来的限制。 12、新艺术运动在奥地利被称为”维也纳分离派”。 13、“格拉斯哥四人集团”是由麦金托什和他的妻子玛格丽特·麦克唐纳、妻妹费朗西丝·麦克唐纳、妻妹夫郝伯特·麦内尔四人组成的设计集团。 14、在西班牙的新艺术运动中，安东尼·高蒂是最重要的代表人物。安东尼·高蒂是西班牙伟大的建筑设计师，也是19世纪末20世纪初整个新艺术运动的重要代表人物。 15、高蒂的艺术设计思想具有较强的民主主义思想，他的设计思想的成熟与发展受到很多方面因素的影响。首先是他与生俱来的平民性格。其次是巴塞罗那的经济环境和自由、民主的思想，也给他的设计思想以较大的影响。再次，是巴塞罗那和高蒂的家乡卡塔罗地区，在历史上就经历了东西方文化艺术的交流与融合，并且受到哥特式风格的影响，加上19世纪中叶英国工艺美术运动倡导者的复兴中世纪手工艺和哥特式建筑、设计等风格以及倡导设计的民主化理想。 16、在高蒂的设计生涯中，最能代表特的设计特点与风格的作品，应该是特设计的“巴特罗公寓'其建筑借鉴了自然界中得凹凸，螺旋，抛物线等各种非矩形平直的曲线形态。 17、彼得·贝伦斯是德国工业同盟的核心成员之一。他被聘为德国最大的电气公司------“德国通用电器”公司的艺术顾问。为该公司做出世界上第一个企业形象设计。 18、风格派的艺术标准，目标：追求绝对抽象的原则，采用基本的几何形象的组合与构图来体现整个世界的法则追求和谐与表现。用简单的长方形、正方形、直角等几何形式和无装饰、三原色、中性色彩等造型元素。 19、里特维德，他设计的家具作品“红蓝椅”和建筑作品“施罗德住宅”等，成为20世纪西方现代艺术设计师上的经典作品。 20、俄国构成主义在建筑、产品设计方面的探索是最成功的，1919年塔特林为第三国际设计的“第三国际纪念塔”，对现代设计有很大的启发。 21、包豪斯的教学特点：1、理论导师和技术导师2、教学上很多时候是在工厂里完成的，提倡实践操作。3、构成深，请了很多大家。 22、包豪斯的教育方针：1、在设计中提倡自由创造，反对模仿，墨守陈规。2、将手工艺与机器生产结合起来，提倡在掌握手工艺的同时，了解现代工业的特点。3、强调基础训练，从现代抽象绘画和雕塑发展而来的平面构成、立体构成和色彩构成等基础课程，成了包豪斯对现代工业设计做出的最大贡献之一。4、实际动手能力和理论素养并重。5、把学校教育与社会生产实践结合起来。 23、包豪斯建立在迪索。格罗庇乌斯为第一任校长。 24、米斯是德国著名的建筑设计师、建筑理论家、艺术设计教育家、德国工业同盟和包豪斯的重要成员，也是现代主义建筑设计领域中最重要的大师之一。 25、包豪斯的历史贡献：1）强调集体工作方式，用以打败艺术教育的个人藩篱，为企业工作奠定基础。（2）强调标准，用以打破艺术教育造成的漫不经心的自由化和非标准化。（3）设法建立基于科学基础上的新的教育体系，强调科学的、逻辑的工作方法和艺术表现的结合。（4）把设计一向流于“创作外型”的教育重心转移到“解决问题”上去，因而设计第一次摆脱了玩形式的弊病，走向真正提供方便、实用、经济、美观的设计体系，为现代设计奠定了坚实的发展基础。（5）在比利时设计家亨利·凡·德·威尔德的试验基础上，开创了各种工作室，如金、木、陶瓷、纺织、摄影等。团结了一批卓有建树的艺术家与设计家介入到设计中来，将设计教育建立在科学的基础之上。（6）打破了陈旧的学院式美术教育的框框，创造了结合大工业生产的方式，为现代设计教育的发展奠定了基础。（7）培养了一批既熟悉传统工艺又了解现代工业生产方式与设计规律的专门人才，形成了一种简明的适合大机器生产方式的美学风格，将现代工业产品的设计提高到了新的水平。 26、“装饰艺术”运动产生于20世纪二三十年代，他主要是在欧洲的法国、英国和美国等国家开展的一次风格独特的艺术设计运动。 27、装饰艺术运动反对工艺美术运动、新艺术运动片面强调手工艺、哥特式风格和自然美装饰风格。装饰艺术运动主张从传统艺术和设计中吸取创造元素；提倡机械美学，趋于简洁的几何形态设计。三大灵感来源：来自非洲的黑人面具和木雕以及南美洲原始部落中的原始艺术。 28、俄国芭蕾舞在巴黎演出。 29、国际主义艺术设计风格早在20世纪二三十年代已经出现，到五六十年代发展到高潮。实质上，国际主义艺术设计风格是现代主义艺术设计运动的思想、形式等在世界各国的表现，是现代主义艺术设计在特定发展阶段的成谓。几乎导致整个世界的建筑、产品等设计千人一面。 30、第二次世界大战后，在德国工业设计的发展中，乌尔姆设计学院起到了积极促进的作用。乌尔姆设计学院杯成为”战后包豪斯”他是1953年由包豪斯的毕业生、平面设计大师马克斯·比尔，在物理学家爱因斯坦诞生的小城乌尔姆建立的。 31、二战后，意大利著名设计师吉奥·庞蒂创办的《多姆斯》杂志成为意大利现代主义设计运动的宣传阵地。 32、北欧的瑞典、挪威、芬兰、丹麦、冰岛五国称为斯堪的纳维亚国家。 33、维亚航空公司旅馆设计出了具有雕塑般美感的蛋形椅和天鹅椅（玻璃纤维制作）。雅各布森设计杰作是沃拉系列卫生间用具。 34、最早提出人机工程学的是亨利·德雷夫斯。 35、1966年美国建筑师文丘里在他的《建筑的复杂性与矛盾》一书中针对米斯·凡·德·罗提出的现代主义建筑设计“少则多”的口号，提出了“少则烦”信条，成为了后现代主义最早的宣言。

西方钢琴艺术史复习题

西方钢琴艺术史复习题 Company number：【WTUT-WT88Y-W8BBGB-BWYTT-19998】

填空： 1、概括来说，钢琴艺术史是由人、琴、乐三个方面构成。 2、古钢琴有两种，分别是楔槌键琴和羽管键琴。 3、1826年，英国制琴师亨利·帕普创用了毛毡包裹木芯的钢琴琴槌。 4、随着西方音乐史上浪漫主义的形成，钢琴音乐进入了它的鼎盛时期。 5、15世纪中期德国慕尼黑弗罗恩教堂着名的管风琴家康拉德·保曼把管风琴音乐风格推向成熟的阶段。 6、约·塞·巴赫的 48首《平均律钢琴曲集》被誉为“钢琴音乐的旧约圣经”，而贝多芬的三十二首钢琴奏鸣曲被誉为“钢琴音乐的新约圣经”。 7、 1850 年，德国制琴师海因里希·斯坦威移居美国，1853年在纽约创立 斯坦威父子公司，融各国制琴师成果为一身，完成了现代钢琴结构的原形。 8、约·克·巴赫（伦敦巴赫）是世界上第一个用钢琴开音乐会的人。 9、C·P·E巴赫被称为柏林巴赫或汉堡巴赫，以他的理论着作《论键盘乐器演奏艺术》为代表，他首次建立了一套完整的有关钢琴演奏的理论体系。 10、钢琴原名“piano forte”，意为“轻重琴”，取弹奏者可用手指弹出轻重音之意。 11、 1709 年，意大利国人克里斯托福里制成了世界上第一架钢琴。 12、键盘乐器根据发音原理可分为靠空气振动发音的管乐性键盘乐器和靠琴弦振动发音的弦乐性键盘乐器。 13、管风琴是键盘乐器中最古老的一种。 14、目前世界上能够见到的最早的管风琴曲谱是作于 1350 年的英国的罗伯特桥古抄本手稿。

15、前奏曲是键盘乐脱离声乐形式的第一种独立体裁。 16、 F·库普兰于1716年出版的名着《羽管键琴的演奏艺术》是历史上关于键盘乐器演奏艺术最早的一部系统性的理论着作。 17、古组曲一般包括阿勒曼德、库朗特、萨拉班德和吉格四个基本组成部分。 18、D·斯卡拉蒂一生共创作了 555 首古钢琴奏鸣曲。 19、18世纪中叶，具有代表性的音乐风格有华丽风格和情感风格。 20、浪漫主义钢琴音乐的真正奠基这是奥地利作曲家舒伯特。 简答： 1、请说明15世纪下半叶键盘音乐风格出现的重要的根本性变革：①曲目由世俗和宫廷音乐转向宗教音乐②声部由三个转向四个或五个③织体从主旋律及两个伴奏声部转向多声部复调对位织体，各个声部变得同等重要，并大量使用模进手法。 2、请说明巴洛克音乐艺术的一般特征:①动力充沛②气势宏伟③细节雕饰④情感夸张⑤崇尚理性 3、请说明巴赫键盘音乐作品的风格，并简述他的主要古钢琴作品。（至少六部）：风格：在继承本民族民间音乐的基础上，博采众长，兼收并蓄，富于创造性的汲取外族的音乐。作品既有宗教风格又有生活气息。作品涉及除歌剧之外的当时的所以体裁。作品：《十五首二部创意曲》、《英国组曲》、《法国组曲》、《德国组曲》、《平均律钢琴曲集》、《d小调半音阶幻想曲与赋格》

《世界现代设计史》说课稿

《世界现代设计史》说课稿（10分钟） 各位评委老师： 大家好！我是XXX，是来自XXX艺术学院的一名专业教师，我的专业是设计艺术学，本学期我承担的课程是《世界现代设计史》，今天我说课的内容是《世界现代设计史》第三章：新艺术运动。下面我从说教材、说学情、说教法学法、说教学过程四个方面来对本节课的内容进行说明。 一、说教材 《世界现代设计史》是艺术设计类专业必修的专业理论课，通过设计史的学习，使学生掌握世界现代设计发展的历史，了解设计发展的客观规律，通过对现代设计作品及历史文化背景的认识，帮助学生开阔视野，提高艺术修养和审美品位，从而更好地进行学习。根据教学大纲，我们选用的教材是由王受之编写，中国青年出版社出版的这本《世界现代设计史》，以张夫也的《外国工艺美术史》及方怿的《世界现代艺术设计史》为参考教材。我今天要讲的内容是第三章：新艺术运动。是本次课程比较重要的一个章节，主要讲述的是19世纪末20世纪初在欧洲和美国产生并发展的一次影响面相当大的“装饰艺术”运动。 结合教学大纲及学情，我们将本节课的教学目标确定为： 1.了解新艺术运动产生的背景、源流及主要表现。 2.新艺术运动在欧洲各国的变现 3.英国和美国的新艺术运动。 其中，重点是新艺术运动的背景源流及主要表现；难点是它在欧洲各国的变现，各个国家之间的联系与区别。 二、说学情 我们是三本院校，学生的基础参差不齐，自学能力和主动意识薄弱，且学生对史论可以说是零基础且学习相较于其他专业课略显枯燥，因此，灵活的教学方法有助于吸引学生注意力，例如：课程引导、分组讨论和作业展示等方式可以激发学生的学习热情和兴趣。 三、说教法学法 科学合理的教学方法能使教学效果事半功倍。我准备采用的教法是讲授法和讨论提问法相结合。通过多媒体PPT进行讲授，图文并茂，以横向纵向两条线索详细列举出各国代表人物及代表作品。期间引用一些优秀的设计作品来分析演示，以教师讲解和演示来提高学生的学习兴趣，发展观察能力。内容讲述结束后就布置课题训练进行讨论，解决疑问和问题，广发思路，目的是提高学生自学的积极性，培养和激发学生的发散性思维能力。 四、说教学过程 我的这节课是按90分钟准备的。主要以导入新课-讲授新课-讨论指导-归纳总结四个部分进行。 1、导入新课