对当代艺术的看法
谈谈对行为艺术的看法
谈谈对行为艺术的看法 所谓行为艺术是一种艺术家用思维和行为过程来进行创作的艺术形式，现代行为艺术兴起于西方，是西方当代社会的一个奇特现象，行为艺术在本质上可以定义为一种自由的生命活动。中国的行为艺术是中国艺术现代化进程中向西方拿来的一种艺术形式，从1985年新潮美术时期（1985—19 89）它就已出现。这一时期宋永平、宋永红兄弟的“一个场景的体验”、丁乙等人的“街头布雕”等具有行为展演倾向的艺术活动，普遍采用包扎或自虐的方式，这与80年代年轻艺术家企图通过反文明、反艺术的手段来求得精神自由的价值取向有关，透露出对“文革”、对精神压抑的反抗，表达了艺术家寻求思想解放的时代愿望。 90年代行为艺术大致可以分为两种：一种是由艺术家参与社会活动的行为过程，一种是艺术家展现自身生存生活状态的行为活动。 第一种往往是规模较大、参与人数较多、涉及面较广的社会性行为，例如有一群艺术家从大都市来到贫困山区，在老乡家的炕头上创作，用来表达艺术家们厌恶商业文化希冀回归自然的心态，这整个过程就是一项行为艺术；有人把成千上万的红伞挂在公园的树上，让游人漫步其中，使观众成为行为艺术的一部分。或许我们在不经意间也搞了一把行为艺术。但是这种行为艺术在进入日常生活的同时，也往往受社会、市场、公共秩序的限制，所以这种行为艺术目前很难举行大规模的活动。 而与之相对应的艺术家展现自己生存生活状态的行为艺术越来越成为行为艺术家热衷的形式和手段之一，结果就有了舒勇在情人节找花草树木谈情说爱；王晋与一头骡子结婚等千奇百怪、层出不穷的行为艺术与行为艺术家。 行为艺术其实也是当代实验艺术中的一种类型，但是，由于近一二年来，有一些在视觉上比较"刺激"的行为艺术作品被冠上"病态"、"血腥"、"暴力"等称谓之后，在社会上也引起了很多争议。在这个过程中，由于"行为艺术"的现场性、直接性的特点，行为艺术的鼻祖是一名叫科拉因的法兰西人。1961年，他张开双臂从高楼自由落体而下，这称作人体作笔。行为艺术采取很夸张的表现手法，用行为来表达人对世界的看法。这些行为有的是美的，有的是丑的，但不是人在正常状态下有的。自行为艺术出现在中国以来，由于和中国人的审美观、道德观以及社会传统反差较大，始终是人们争论的焦点，在“行为艺术”的发展中部分创作者更以自虐、伤害、鲜血等极端行为作为表达的主要方式，直接挑战人性和道德的极限。 在当下这个多元文化的时代，行为艺术作为艺术的一种形式，理所当然地进入了我们的生活，但当他们作为艺术呈现在我们面前时，却是出忽我们意料，甚至远远超越了我们对常态生活的理解。以身体、形象、行为等资源表达作者艺术观念的行为艺术，成为近些年中国文化领域中最引人注目，同时也是争议最大的“风景”之一。 我们需要正确理解行为艺术，人在特定情景中的许多行为确实可以成为艺术，因此，在中国近几年所产生的行为艺术中，有一些令人不敢目睹，比如吃死婴、在自己的身上烙身份证号码等等。而另外像和驴子结婚、上海街头的裸奔等等，都是打着“艺术”的名义，这是“行为艺术”中的极端表现，这种极端的“行为艺术”对社会和艺术都有着巨大的危害。 不是所有的行为都能成为艺术，行为成为艺术的标准是什么？在人们的心目中，艺术是非常崇高和神圣的，如果所有的行为都成为艺术，所有的人都成为艺术家，那艺术就没有意义。因此，“艺术”之名很容易被人所利用。一段时间以来，“艺术”之名成了社会上特殊的通行证，只要以“艺术”的名义，似乎就可以为所欲为，那些极端的行为艺术也是如此。 而最能说明问题的是这两年流行的人体彩绘。前不久，南京的某餐厅先以“10万元招聘‘绝代佳人’”，而后以中选的“绝代佳人”全身彩绘“零距离”为食客服务，再一次触动了社会的神经。联系到全国各地此起彼伏的人体彩绘热潮，这种以“艺术”的名义而进行的商业活
当代艺术考级现象引出的思考
当代艺术考级现象引出的思考 随着社会的发展，人们的生活水平不断提高，物质生活方面逐渐得到满足，继而，人们开始注重精神生活层面的培养和素质的提高。从20世纪80年代末开始，很多家长不惜将重金投资在孩子的艺术教育上，希望通过一系列的艺术方面的课程和活动，开发孩子智力，陶冶孩子的情操。一些与艺术教育相关的学校、幼儿园、少年宫、琴行、画室等如雨后春笋般破土而出。培训项目从音乐类的钢琴、声乐、舞蹈到美术类的素描、书法等不胜枚举。在“钢琴热”“书法热”的影响下，随之而来的便是社会艺术水平考级的热潮。 每年的7、8月份，各大城市相继拉开各类艺术水平考试的序幕。据统计，全国参加艺术考级的人数已近百万，就在温州这样一个三线城市，其中一个考点每年暑假参加音乐、美术类考试的学生的人数就已突破了2万，而且还保持着每年持续上升的势头。而中小学生成了各类考试的“领军人物”。 艺术考级的宗旨是“普及艺术教育，提高国民素质”。考级的意义就在于：①检测孩子们学习艺术所能达到的水平；②通过非正式授课老师的指导点评，使孩子们的艺术专业水平得到进一步的提高；③让孩子们体验、适应考场气氛，从而锻炼良好的心理素质；④取得全国艺术考级的证书，使孩子们感到学有所成，是对其自身能力的一种肯定，从而提高他们的自信心，增强他们在其他方面学习的自信；⑤通过考级，促使孩子们在练习过程中更加严谨，增强艺术能力，这样既提高学习质量，又能展现出更加完美和优秀的艺术作品。正如方教授所言“考级是件大大的好事”。然而二十余年来，艺术考级在迅猛发展中也暴露了一些问题。 第一，组织考级的单位缺乏规范性，考试过程中缺乏公正的原则。受考级利益的驱动，全国各地一些大型培训点自成体系，各自为营，开展不同门类的考级活动，然而里面大多存在考风不正、降低标准、收费混乱、考评不正等问题。 第二，授课老师缺乏资格认证，专业水平参差不齐，授课过程急于求成、缺乏责任感。就钢琴这个专业来说，老师的数量在总数上是占了大比例的。其中包括专业院校的教授、讲师，从专业院校毕业的学生们等。还有些专业团体效益不好，本身并不是钢琴专业，但在“钢琴热”效应的诱惑下动了心，继而临时转专业，加盟到这个疯狂的淘金行业来。这样的老师也许在自己的专业上有所长，但在琴艺上还只是个半路出家的门外汉。笔者自己是音乐专业毕业的，我从上下届校友那里了解到，现在钢琴教学主要以琴行为主。专业院校的教授专家毕竟有限，而且收费较高，是大多数家庭都不能承受的，而这些专业老师为了教学质量，也会控制学生人数，挑选资质好的学生。所以只有极少数的学生才能受到专业、正规的钢琴教学。而大部分琴行为了降低成本，一般会找些音乐院校在读的或刚毕业仍在待业的学生，因为这批人待遇较低，比较服从安排，但教学能力可想而知。在教学过程中，现在大部分老师都只是为迎合考级，迎合家长求快求高的思想而教，考什么等级就只学相关的几首曲子，其他一概不教。不注重培养扎实的弹琴基本功和音乐的内涵及表现力。很多学生在学习过程中处于知其然而不知其所以然的状态，这样怎么能培养出有优秀音乐素养的学生呢？所以只有强化师资水
中国当代艺术的特点
中国当代艺术的特点 人类社会进入21世纪,由于科技和经济的飞速发展,国际互联网和电子媒体的出现,全球化时代已经到来。在全球化的过程中,不同的国家、不同的民族和不同的文化都将面临着许多人类共同关注的问题。在艺术创作上, 世界各国的艺术家既深受自身文化传统的浸染和影响而表现出自身强烈的地域性特色,同时也处在国际文化大背景的交互作用当代性之中。因此,优秀的艺术作品也就是在深厚的文化传统基础之上,同时体现了我们时代的文化特征,以及艺术家个人独特的艺术语言的创新之作。 在全球化的国际背景下,考察当代艺术家的文化背景和身份时我们注意到许多艺术家已具有多元的文化背景, 因而很难简单地用一种单一地域性来加以界定。当代社会由于交流与移民的日益频繁,许多艺术家在世界各国漫游,如著名当代中国艺术家蔡国强、徐冰、谷文达等都先后在几个不同的国家长期居住和从事艺术创作。20世纪以来由于西方国家政治、经济、科技和军事上的领先地位, 西方国家的文化和艺术也受到世界的普遍关注。似乎形成一种西方艺术也处于领导国际艺术发展潮流的错觉。亚洲、非洲、拉美第三世界国家的艺术只能尾随其后, 亦步亦趋地模仿或照搬。今天这种局面应该有所改变。 中国当代艺术应该包括在中国大陆的艺术家和旅居海外的中国艺术家的艺术创作。自上世纪80年代以来中国艺术家的创作已逐渐分化和发展成为以大陆为基地的艺术家和居住在海外的艺术家，长期以来一部分海外中国艺术家已融入西方主流艺术的大军，他们无论在艺术语言上还是在主题上都出于西方主流的话语范畴，唯一保留的只是作为早期文化背景上中国的身份。如蔡国强、谷文达、徐冰和黄永砅等人。他们的艺术创作更多地关注对文化冲突和权力的思考，特别有关文化权力的斗争。另一方面，由于中国的日益开放以及文化传播和信息交流发达，中国的大陆艺术家也分化成传统中国画型，学院架上油画型和新媒体和材料型（行为、观念、装置、多媒体等）等各种艺术观念的认识和理解的不同而越来越多元化。从艺术生态和社会赞助关系的角度来分析，由于艺术的展示方式、渠道、策划方式，赞助来源的多样化使今天的中国艺术也呈现出多元化的生态。海外中国艺术家由于所处的国际文化背景中，因此，每天每时都在接触和思考更加广泛、深入的艺术问题，以及社会政治、经济、种族、历史和文化权利斗争的主题与问题。从而使他们的艺术创作具有更大的国际性。 关注中国历史与现实、中国的当代艺术第一要强调中国的当代性，中国近百年来的发展与变革，同时也交织在传统与现代之间，全球化与本土化，国际性与民族性的冲突与交融的时代性之间。因此如何面对中国文化传统，以及现代性与后现代性的重合正是中国当代艺术必须关注的问题与特点。中国当代艺术与西方当代艺术（后现代文化）并不完全等同，当代中国同时具有前现代社会，现代社会与后现代社会的交织并存的状态。中国经济的持续高速发展及社会形态不断变革正是中国当代艺术必须关注的中国当下社会与文化的问题。如人性与价值问题、环境与生态问题、民族与地域问题、生存与权利问题等。从而构成中国艺术的
对现代派艺术的思考
对现代派艺术的思考 改革开放使西方的商品、文化、艺术一起走进中国，西方现代派美术给我们提出了新的思考，如何看待是个现实问题，单方面推崇或批判都是错误的，要一分为二地来品评。了解其本质才能走出我国现代艺术之路。 标签：传统与现代；具象与抽象；主观与客观；表达；探索；孤立；片面；提取；意象；思想；变革；一分为二 在现实生活中，现代派艺术经常呈现在我们面前，因为对现代派的理解是人们正确看待历史与现实的重要审美观念。这不论是对于学生，还是对于大众来说，都是不可忽略的问题。 现代派艺术是从十九世纪末到二十世纪西方兴起的艺术运动，这场艺术运动波及影响艺术的多个方面，如文学，诗歌，音乐，美术等方面。从欧洲逐步波及整个世界，今天许多艺术家们在这个方面开拓着自己的艺术道路。我们一些年轻的美術学生还去追求一些现代派落后的一面，也可能是我国美术界对现代派的接受的时间较晚。我们接受现代派艺术应该是在改革开放以后的时间，与我们对其理解不够深入，或者说有些片面有关。西方现代主义美术是一种非常复杂的艺术现象，国内外学术界对其评价各不相同。“文革”前我国美术界对其采取排斥的态度。“文革”后，随着改革开放，人们的思想从保守走向开放，主要是西方的商品、文化、艺术一起走进中国，禁区彻底被打破。西方现代主义美术在一部分人的心目中变成一种非常时髦的东西，以至于效仿。如何理解、评价和借鉴是我们应该思考的问题。无论是一味的推崇，还是一味的批判都是错误的。只有对其正确的评价，我们才不会走弯路。 单从美术方面去理解。看待现代派的一些现象，一些分析，一些评判，能带我们一些有益的启示。 西方传统艺术要求完美写实主义，无论在色彩、光影还是在主题性等方面都要求绝对完美，到了印象主义艺术家们受到科技发展的提示，重视绘画的“光”与“色”的追求。从莫奈的《草垛》，乔治修拉的《大碗鸟的星期日下午》能看到他们致力于对光和色在绘画中的表现。从这方面来说画家们开始了在传统绘画中的新的探索。在当时的社会已经引起了一场风波。以至于后来的人们才给予肯定。这就是现代派产生的苗头。 西方美术进入现代派应拿后印象主义作为转折点。后印象主义是反印象主义的。印象主义绘画是以光和色来“客观”地分析性地再现自然，而后印象主义画家追求的则是他们对“客观”对象的“主观”地、分析性地再现自然，而后印象派画家追求的则是他们对“客观”对象的“主观”感受和艺术形式的探索，这种创作倾向是西方现代美术的真正开端。其原因是从单方面思考。艺术家们开始了新的艺术探索，但新思路的艺术形式产生了。他打开了新的艺术大门。
我国传统文化对当代艺术的影响
我国传统文化对当代艺术的影响 在中国数千年波澜壮阔的历史长河中，先辈们创造了诸多重要的文明。传统的文化艺术领域更是形成了多样的文化思想、美学精神及艺术形式。在这些传统文化中，文字语言、哲学思想、艺术符号、民族情结都是重要的组成部分。而对于当代观念艺术而言，当“拿来主义”成为其转化创作的一种方式时，在中国当代艺术的发展中最为常见的方式正是对传统文化资源的借用与转换。 当代艺术家在运用中国传统的文化、艺术资源时，往往有着个人的原则与喜好，通过自身对传统文化的认知与当代艺术精神的理解进行作品的创作：有艺术家借用中国传统的语言文字、艺术形式进行创作；有的则对传统的发明创造或民间艺术符号进行当代艺术的重述；亦有艺术家选择传统的哲学思想或文化典故予以当代观念的表达，在此类作品中，艺术内容与思想的呈现方式不再直接，而是常以象征或隐喻的方式来进行表达。 一、传统文化元素的转换。 在中国的传统文化中，文字与书法是中国文化得以传承的重要载体，而水墨和剪纸艺术是中国传统艺术的典型代表。这些传统的文化元素通过当代艺术家的借用从而转换成新的观念作品进入人们的视野。 艺术家谷文达通过借用传统水墨媒介及文字创作了以伪文字和错文字为基础的水墨画，以及借助水墨行为艺术和水墨装置艺术形成观念水墨艺术。谷文达在他的水墨作品中，对中国文字进行拆分与错写，其早期作品《畅神》便是通过把汉字形象进行拆分，以直观的形态来表达艺术家的思想观念。在谷文达的此类作品中，他通过现代主义的观念实现对传统水墨画的改造，作品中的文字已不是交流体系中的符号，而成为一种对文字形象借用后的抽象作品。在谷文达的另一代表作品《图腾与禁忌》中，作品内容组成运用了诸多美术字、漏字、错别字，从中不难看出其对汉字调侃与批判的意味。在当代艺术家徐冰的创作中，也可明显地看到其对传统文化元素的借鉴与转换，徐冰在其代表装置作品《天书》以及《新英文书法》水墨系列作品中，以中国汉字这一文化符号作为艺术表达语言。
我对当代艺术的感想
我对当代艺术的感想 上了《中国现当代绘画艺术》这门课，我认识了解了许多现当代的艺术家，以及他们作品所要代表的当代的一些深层涵义！~~受益匪浅，现在我来谈谈我对当代艺术的一些感想！~~ 二十一世纪是一个人类走向全球化的更加开放的世纪。当然，首先是经济全球化。江泽民同志多次指出经济全球化是二十一世纪不可阻挡的历史潮流。马克思主义基本原理是：经济是基础，文化艺术等是上层建筑，经济基础决定上层建筑。随着经济全球化的发展，文化全球化将不可阻挡地到来。世界要走向中国，中国也要走向世界。经济如此，文化艺术也必定如此。历史潮流，浩浩荡荡，挡是挡不住的，躲也是躲不掉的，唯一正确的态度是迎上去，做新时代的弄潮儿。 弄潮儿都有坚实的基本功。这些画家都在名师指导下经过严格的、长期的写实主义训练，他们创作现实主义作品也是上乘的，正因此，他们才有足够的实力进行新的探索与创新。青出于蓝而胜于蓝，如果连写实的人像都画不象，又如何去创造人性更深刻的内涵呢？人们以为画一些歪扭的样子就是现代艺术，实在是莫大的误解。果真如此，那恐怕只是精神病人的涂鸦而已。正如不是游泳高手就去弄潮，几个浪头就会令之没顶的。 弄潮儿永远是八仙过海，各显神通的。你独立潮头，好；他在潮头上翻腾，也好；两个人乃至更多人共舞潮头，都是好嘛！各个流派百花齐放，新的流派不断涌现，才是艺术的春天。我可以不同意您的艺术理念和风格，但是我尊重您的艺术追求，这是一个真正艺术家的应有的胸怀和品格。各个流派互相借鉴，砥砺切磋，是艺术繁荣的康庄大道。我想这也是这次巡回展的重要意义。 弄潮儿既敢于逆潮也善于顺潮，才有起伏跌宕的壮观。艺术具有社会批判的功能。艺术家们具有最敏锐最丰富的感性认识能力，总是最早感受社会的弊病，而人类认识正是首先从感性开始的。没有社会批判，人类认识如何提高，人类社会如何不断前进！这是艺术家可贵的前卫与可爱的真诚，应该受到赞扬和支持。然而，一个艺术家只是社会批判，一辈子社会批判，仅从心理学上讲也是容易产生心理变态的。艺术家的责任和高超本领还在于揭示人性和人类社会中美好的东西，从而鼓励人们奋斗的方向，指明人类光明的未来。人没有奋斗的理想，就失去生存的价值；人类没有光明的未来，就会落入邪教"世界末日"的陷阱。把社会批判与
当代艺术的发展与思考
---------------------------------------------------------------最新资料推荐------------------------------------------------------ 当代艺术的发展与思考 当代艺术的发展与思考本文中我将继《当代艺术研究》课程中对于当代艺术中的当代绘画艺术和实践的例子所引发的思考进行阐述。 真正的自我是自主，自由的个体。 自我应该是完整、稳定、独一无二的，并能独立行动，具有富有意义的意向和连贯统一的内心。 这段话，自从我第一次听到后就被抄写下来贴在我的床边，每天我睁开眼睛时就能够看到，能够使我不断坚持执着的去做我自己，而不被任何外界的诱惑所干扰。 通过了解许多当代的艺术家，使我从实际的例子中真正的去了解我的意义，从真正的意义上去理解人与自我。 在西方绘画史上，伦勃朗是欧洲 17 世纪最伟大的画家之一，他的一生留下 600 多幅油画， 300 多幅蚀版画和 2019 多幅素描，几乎画了 100 多幅自画像，有他不同时期的真实写照，他对着镜子中描绘自己时的一笔一划间，无疑，是对自己的解读。 梵高一生都在坚强的保留自我的艺术方式，留给世人的不光是艺术作品本身，还有创作过程中的坚持和自我的信念，这种在精神层面顽强的保持自己风格的例子还有很多很多。 80 年代‐90 年代在纽约举办过大量关于身份的展览，其中1989 年在巴黎蓬皮杜中心的展览大地魔术师。 1 / 6
它被视为对 1984 年在纽约现代艺术馆举办的轰动一时的展览20 世纪艺术中的原始主义： 种族与现代的联系的回应，并且是中国艺术家走向世界的重要起点。 对于世界，这是第一次西方与非西方艺术的平等对话，对于中国，这是第一次有中国艺术家和策展人参与的世界性展览。 回顾大地魔术师。 这是一次另类的现代艺术大展，是来自世界四面八方的现代艺术好汉们的展览，并非只有人们所熟悉的现代西方艺术。 当然包括欧美著名的前卫艺术家们，此外还有来自北美的印地安人和纽约的另类或边缘性艺术家，当然这是此展览的特色之一，还有不少展出的艺术家们，连他们都不知道自己也是艺术家。 其中三分之一是西方著名艺术家，三分之二则来自非西方，人们对他们都相当陌生，大都在其本土上生活与创作，或从事其他职业，他们在封闭或半开放的社会资讯里，大都不受外界（尤其是西方现代艺术）文艺潮流的影响，具有独特的本土艺术风格和特色，且从艺术家们的各别身份，就能了解其文化、传统、地理环境、气候、景观及人生哲理与态度的差异，从中就能理会他们别致的视觉造型语言，在人类本能里展现，并没有什么前卫、现代或新潮的问题困扰，诉求于个人的敏锐度和感性，比起各种迷惑人的名词来得更实在更真实。 这些来自世界四面八方的艺术家们都带着各自的文化、传统、
对现代艺术的认识和理解
艺 术 概 论 论 文 艺术设计学院
对现代艺术的认识和理解 【内容摘要】 现代艺术是相对传统的美术而起的一个新名词，它企图摆脱传统绘画的束缚，追求艺术的新观念、新价值，采用新奇的表现形式，十分注重艺术的创新和艺术领域的开拓。 【关键词】 现代艺术 【正文】 一、现代艺术的出现 认识现代艺术，要从它如何出现谈起。从古希腊阿波罗神殿镌刻的“认识你自己”1的箴言开始，艺术始终凝结着时代的文明和人类的文化智慧。人类社会的历史，每一个文化类型都有着表达自己时代的方法与技巧，如古埃及文化、中国文化、文艺复兴文化等等。现代艺术也同样表达着我们所处时代的意志，只是
时代不同，表达的方法也不同。现代艺术出现在19世纪末，壮大于20世纪初，正是现代社会形成的重要阶段，工业革命的发展催生了新的科学理论和技术发明，人们的知识体系发生着激烈的变化。大规模的工业化生产不仅使物质生活的内容和质量都有大飞跃，而且更新着人们的价值观和审美观念。两次世界大战不仅给世界带来深重的灾难，也以一种无可回避的现实摧毁了一切传统，接着是巨大的空白。 现代艺术首先是从西方的印象派的出现开始的。从而艺术家们开始反对传统的绘画观念，走向主观的自我表现为中心的现代工绘画艺术开始了。 正如海德格尔认为的那样“艺术是价值空虚的填补者，赋予世界新的意义，并把信念，救恩和爱赋予这个世界，艺术作为抗拒贫乏时代的本真力量，召唤人进入自由的空地”①。现代艺术在这样的土壤中萌芽，在寻找自己的表达方式，艺术家们发现过往的手法变得难以实现，因为在现代社会中，传统的现实主义已丧失了真实感，所以现代艺术需要以抽象的，变形的方法重新获得激情，需要“荒谬与不和谐”来刺激人心，以达到“召唤人进入自由的空地”的目的。可以说，现代艺术不是源于艺术而是源于生活，它的形式以及难以理解的内容，都是在一定历史时期内的社会文化的反映，现代艺术也是总文化的一部分。从这个意义上说，现代艺术的抽象与扭曲就变得容易理解了。 二、现代艺术的发展与成长 现代艺术是相对传统的美术而起的一个新名词，它企图摆脱传统绘画的束缚，追求艺术的新观念、新价值，采用新奇的表现形式，十分注重艺术的创新和艺术领域的开拓。这些变革自然地受到[社会的政治、经济、文化哲学等方面的影响，所以，现代艺术的发展注定不是一帆风顺，而是曲曲折折的不平之路。 现代艺术是为反对传统艺术而生，而它却又在遭受传统艺术家们的嘲讽、讥笑中成长。然而它却在当今的艺术之林中占有越来越大的份量，这可以说明现代艺术具有相当顽强的生命力。当然这和为它付出的汗水的艺术家们是分不开的。 现代艺术具有自己独特的创造精神，尤其是她那顽强的生命，同时也能够表现艺术家的生命。若是处处都是崇拜模仿那就要受其支配，则艺术家表现的绝对不是自己的生命。最高尚的艺术家必不受人的制约，对外界的批评毁誉也能视之漠然。因为我的艺术是我自己生命的表现！著名画家凡·高就是典型的代表。 别人怎么见得知道我绘画时的情感呢？别人又怎么知道我当时的内心变化呢？所以说肤浅的批评，是没有价值的！ 何以艺术能够表现艺术家的生命呢？因为艺术是通过艺术家的感觉而表现的。因感觉而生情，才能产生艺术。换而言之，就是我对现实世界的感受而产生艺术。譬如：个性刚强的人喜欢热烈的色调，性格内向、沉默寡言的人就喜欢冷静的色调。两个性格不同的人去画同一对象，他们所表现的色彩感觉，也是不相同的,如果强使他们一样的话，那就不是现代艺术所追求的东西了。所以现代艺术家作画都是从内心有感而发。如若不把内心感受表现出来，就必然不会快活，便象是有什么事情还没有做似的，心里不会舒服，一定要把它表现出来。倘若艺术家在没有感受时而作画，那么就成为一种虚伪的技巧化了，纯粹是一种技术，而不是一种艺术。那作画之人也顶多算是个比较好画匠，而不能算是个艺术家。所以我要说艺术家表现在画面上的线条、韵律、色调都是艺术家本人的情感。因为艺术家作画时带有情感，自然画面也就有情感。因此是精神在统治整个画面，生命自然也就存在与画面中。赏画者也必然能够感受到画中有生命的存在。
对现代社会艺术的认识与思考
对现代社会艺术的认识与思考 摘要：现代艺术是相对相对传统的美术而起的一个新名词，它企图摆脱传统绘画的束缚，追求艺术的新观念、新价值，采用新奇的表现形式，十分注重艺术的创新和艺术领域的开拓。这些变革自然地受到[社会的政治、经济、文化哲学等方面的影响，所以，现代艺术的发展注定不是一帆风顺，而是曲曲折折的不平之路。 。 关键词：现代艺术创造 欣赏 认识思考 1现代艺术的出现。 认识现代艺术，要从它如何出现谈起。从古希腊阿波罗神殿镌刻的“认识你 自己”1的箴言开始，艺术始终凝结着时代的文明和人类的文化智慧。人类社会 的历史，每一个文化类型都有着表达自己时代的方法与技巧，如古埃及文化、中 国文化、文艺复兴文化等等。现代艺术也同样表达着我们所处时代的意志，只是 时代不同，表达的方法也不同。现代艺术出现在19世纪末，壮大于20世纪初， 正是现代社会形成的重要阶段，工业革命的发展催生了新的科学理论和技术发 明，人们的知识体系发生着激烈的变化。大规模的工业化生产不仅使物质生活的 内容和质量都有大飞跃，而且更新着人们的价值观和审美观念。两次世界大战不 仅给世界带来深重的灾难，也以一种无可回避的现实摧毁了一切传统，接着是巨 大的空白。 如果说古典艺术用现实主义的手法表达着自己的社会和真实，那么科技发达 的当代，若仅仅只再现生活，可以依靠机器来完成，但如何反映现代社会的问题： 无线电、摩天大厦、大都市、飞机、原子弹以及战争带来的毁灭与恐慌、城市的 残害、人性的崩塌……人们的心中缺乏信仰，变得麻木。正如海德格尔认为的那 样“艺术是价值空虚的填补者，赋予世界新的意义，并把信念，救恩和爱赋予这 个世界，艺术作为抗拒贫乏时代的本真力量，召唤人进入自由的空地”2。现代 艺术在这样的土壤中萌芽，在寻找自己的表达方式，艺术家们发现过往的手法变 得难以实现，因为在现代社会中，传统的现实主义已丧失了真实感，所以现代艺 术需要以抽象的，变形的方法重新获得激情，需要“荒谬与不和谐”来刺激人心，1引自：《奥林匹斯山之巅：破译古希腊神话故事》（美）波特曼著复旦大学出版社出版2005.2 2引自《演讲与论文集——学术前沿》（德）海德格尔著三联书店出版2005.10
浅谈当代艺术的表现形式
龙源期刊网 https://www.wendangku.net/doc/816271886.html, 浅谈当代艺术的表现形式 作者：赵尊恒 来源：《神州·中旬刊》2019年第07期 摘要：何为“当代艺术”？从字面意思可以理解为今天的艺术，一种体现当下社会环境、时代特征并具有时代精神的艺术。在艺术发展的潮流中，当代艺术从其产生以来一直饱受争议，评价亦是良莠不齐。马塞尔.杜尚作为代表人物也成为了人们关注的焦点，了解杜尚是了解当 代艺术的关键。本文以杜尚的代表作品《泉》为例，结合相关艺术作品，对当代艺术的表现形式展开剖析。 关键词：当代;艺术;思想;时代特征;表现形式 何为“当代艺术”？从字面意思可以理解为今天的艺术，一种体现当下社会环境、时代特征并具有时代精神的艺术。当代艺术又有着比较广义的范畴，例如我们所熟知的现代艺术、波普艺术、抽象表现主义、后现代艺术、达达艺术、观念艺术等等诸多艺术流派。 当代艺术的代表人物是马塞尔.杜尚，他的当代艺术代表作《泉》完全颠覆了人们心目中 对于“艺术”一词的理解。那时的人们在大众审美以及传统观念的影响下似乎已经习惯了现代派艺术，但是当一个小便池以它原本的模样展现在人们面前时，人们会评价？难道还会说这件作品很“像”？或者说这件作品很“好看”？当然都不会。人们只会觉得既尴尬又哭笑不得。1917年，杜尚将一件“现成品”以艺术品的名义呈现在了全世界的人们面前，在人们的震惊和讥笑中展现着与以往不同的艺术特色，谁又能料想到那件看似闹剧般的小便池后来成为了西方现代艺术的里程碑。迄今为止，在现代艺术史中，杜尚的《泉》仍然是不可替代的一部分，也经常性的代表着当代艺术发展的重要突破。的确，杜尚的这一作品有些略显怪异，更多引人发笑，他使得艺术从表面形式上变得不像“艺术”。在大众的眼中，这件小便池已然脱离了艺术的轨迹，但不得不说杜尚使用了这样一件生活中的现成品，融入了自己的主观思想，发挥了自身的主观能动性，使这件看似平常的生活用品成为了一件艺术品，附加在艺术品之外的意义变成了最重要的东西，换句话讲，重要的不是作品本身，而是意義。百年来人们对于这一作品的各种理解、赞扬、批判、评述良莠不齐，欣赏这些观点中的反差也许会比走进美术馆欣赏那件作品有趣的多。 然而杜尚的《泉》的特殊之处不仅在于此，杜尚本人否认那座小便池具有所谓的“价值”，以往那些和古典主义艺术作品相比肩的所谓的“价值”并不是杜尚所追求的，在我看来他似乎在否定以往一切传统的艺术准则，更多的在于发挥自我价值，要在自己的一切艺术行为和传统的艺术之间划清界限。《泉》这一作品的出现绝不是为了与传统艺术比肩取悦观众，而是想彻底推翻以往的一切传统艺术观念，不论是题材、构思、技法甚至表达方式。现如今，杜尚作为当代艺术的代表人物在受到人们赞美的同时似乎也遭受着指责，但无论我们如何去评价杜尚，提起当代艺术，都无法无视《泉》的存在，即便《泉》这一作品在当时的时代背景中显的那样的突兀，但杜尚最独特的地方在于给所有艺术家出了个巨大的难题——既然连小便池都可以是艺
中国现当代艺术之我见
现当代中国艺术之我见 姓名：蒋丽洁 学院：美术学院 班级：12-5班 学号20122503141021 指导老师：王凡 日期：2014年6月
作为一名学习油画专业的大二学生，在本学期学习了《艺术概论》这门课程，并参观了几次画展后，我想谈谈我对现当代中国艺术的理解与看法。 艺术是人类最具特色的一种创造，也是人类文化史上最为动人的部分。对艺术的思考、探究，始终追随着人类的艺术创造与艺术实践，不同时代、不同社会、不同民族对艺术有着形式不同、角度各异的思想与讨论。 纵观中国艺术发展史，无论是自然类的题材还是人物类的题材，由始至终都强调着“大象无形”“意境”“灵肉合一”这样的主题，而反映出的正是中国式独有的世界观，抽象的“天人合一”，原始社会开始，人类始终都在认识和探索外在大自然和人自身这个自然体的奥秘，“天”这个词从我们理解的角度并非物理意义上的天空，而是与“人”相对立而又共生的“自然”的结合体，它反映着是人们对未知或者是不可抗力的敬畏，由此诞生的哲学系统。自封建社会开始，人类创造了宗教，老子，周庄等学说，更是贯穿着中国两千多年的艺术、文学发展。 我觉得中国艺术和西方艺术二者本质的区别。中国艺术要出世，西方艺术要入世。（对于中国人学习艺术而言）为什么这么要说呢？中国画又称国画，它是古人艺术的精华，中国山水画要早于西方绘画1000多年，可以说古人对于绘画技法已经是炉火纯青了，我们现在要做的是什么？学习完古人的技法后，就要去
创造发展这门艺术了，让它走出世界，如果现在还是一味的守古守旧，那么中国艺术必将走向死亡，传世精品就在我们身边，也就是说中国画精华，我们随处可学，很多学画的人，老师一定给你说过一句话，你要走的进去，还要出的出来。现在我们就是要走出来，走出去。而学习油画的人呢？我建议你们要去入世，真正的去学习一下西方绘画的思想，了解他们的精华，我所见过的一些油画画家，动不动来一个所谓的现代油画，在我看来也不就是一些投机取巧，骗骗外行人的“作品”罢了。 毕加索这两位被人称为“东张西毕”的艺术大师，就算是小孩子也能说得出来吧，当两位大师的见面，张大千看过毕加索的作品后，才发现毕加索所谓的抽象艺术，并不是胡乱涂抹，而是有着很深厚的绘画基础的前提下，所表达的个人语言。毕加索则说，真正的艺术在于中国，其次是越日，日本的艺术也是借鉴与中国，所以说中国艺术与西方艺术有着本质的区别。 新中国以来，美术教育有三次飞跃式发展：第一次是20世纪50年代。解放前，20世纪前半叶初具规模的、尚属草创性质的美术教育进入新中国，随着国家整个教育系统的正规化，美术教育也获得了正规化和普遍提高的第一次飞跃；第二次是改革开放的80年代初，随着整个教育生产力的巨大释放，美术教育也迎来了一次飞跃式发展，这是和文艺界改革开放后迎来“文艺的春天”这样一种创作的繁荣模式相适应，也可以说形成了支持；第三次是从90年代初
我对当代艺术的看法
我对当代艺术的看法 我对当代艺术的看法 在学习了一学期的当代艺术，使得我充分认识到了当代艺术的特点，由此深深的喜欢上了这门艺术，直接从字义上看，“当代”可理解为当下的、正在发生的，与“过去的”、“传统的”相对。一般来说，国外美术机构都将第二次世界大战以来的艺术统称为“当代艺术”。但就像一些西方理论界更喜欢将上世纪60年代以来的西方艺术称为“西方当代艺术”一样，各种时间概念的说法背后都有美学和文化学意义上的判断理由。 譬如，在西方艺术史的情景状态中，“反现代主义艺术”的美学特征是当代艺术出现的先决条件。现代主义是什么简单地讲，就是19世纪末、20世纪初，在欧洲美术史上出现的以艺术本体语言研究为前提的各种形式主义流派和思潮，也就是我们通常所熟悉的野兽派、立体派、表现派、未来派、超现实主义、抽象主义、流行主义、照相现实主义等等。虽然它们的主张和实践各不相同，但都否定内容对形式的约束，以精英的姿态宣布与传统表现法则的彻底决裂，探索和追求新的艺术形式，创造纯形式语义的“现代”艺术。如果用一句话来总结，那就是“为艺术而艺术”。而当代艺术首先就是反对这种就事论事的精英主义观念和形式主义的终极真理，追求不断创造和反叛，崇尚个体意义的价值实现。其次，则是意欲颠覆建立在形式叙事上的现代主义传统，力图消解艺术与生活之间的鸿沟，主张艺术返回到社会现实中去。 这里变化的主要契机，是“二战”引起的人对生存价值的思考。于是，西方习惯把“二战”结束作为现代艺术与当代艺术在时间上的分水岭，然后依据文化取向和美学诉求的异同，将19世纪中期到二战前的艺术称为“现代主义艺术”，其后的则称为“后现代主义艺术”或“当代艺术”。 从严格的意义上，西方学界则将举办于1969年的“当态度成为形式”展览视为当代艺术的起点，因为正是该展强调了：无论是作品、观念，还是过程、状态、信息等艺术形式，最终都是为了表达艺术家的立场和态度。从此，艺术家对现今状况所作的意识判断，成为当代艺术展开工作的基础，“当代艺术”一词正式出现。 然而，在中国，“现代主义艺术”和“当代艺术”这两个概念并没有被明确定义过。面对各种艺术现象，结论也不一致。最典型的观点有三种：一种是将上世纪80年代的艺术看作是“现代艺术”，将上世纪90年代的艺术理解为“当代
美术欣赏论文——浅谈对波普艺术的看法以及
浅谈对波普艺术的看法以及 它对当代艺术的影响 波普艺术的看法以及它对当代艺术的影响 波普艺术是流行艺术的简称,又称新写实主义，因为波普艺术（Pop Art）的Pop通常被视为"流行的、时髦的"一词的缩写。它代表着一种流行文化。在美国现代文明的影响下而产生的一种国际性艺术运动，多以社会上流的形象或戏剧中的偶然事件作为表现内容。它反映了战后成长起来的青年一代的社会与文化价值观，力求表现自我，追求标新立异的心理。 20世纪50年代初萌发于英国，50年代中期鼎盛于美国。波普艺术一词最早出现于1952～1955年间，由伦敦当代艺术研究所一批青年艺术家举行的独立者社团讨论会上首创，批评家L.阿洛维酌定。他们认为公众创造的都市文化是现代艺术创作的绝好材料，面对消费社会商业文明的冲击，艺术家不仅要正视它，而且应该成为通俗文化的
歌手。在实践中有力地推动这一思潮发展的艺术家是R.汉密尔顿。1956年，他在首届“这是明天”的个人展览会上陈列出握有“POP”字母的网球运动员的拼集作品。这幅作品成了波普艺术的一面旗帜。英国波普艺术的代表人物还有：E.保罗齐、J.蒂尔森、D.霍克尼、R.B.基塔依、R.史密斯、A.琼斯。 波普艺术 美国波普艺术的出现略晚于英国，在艺术追求上继承了达达主义精神，作品中大量运用废弃物、商品招贴电影广告、各种报刊图片作拼帖组合，故又有新达达主义的称号。 美国波普艺术家声称他们所从事的大众化艺术与美洲的原始艺术和印第安人的艺术类似，是美国文化传统的延续和发展，1965年在密尔沃基艺术中心举办的一次波普艺术展览即以“波普艺术与美国传统”为题。美国波普艺术的开创者是：J.约翰斯和R.劳申伯格，影响最大的艺术家是：A.沃霍尔、J.戴恩、R.利希滕斯坦、C.奥尔登伯格、T.韦塞尔曼、J.罗森奎斯特和雕塑家G.西格尔。
当代舞的艺术—由剧目《中国妈妈》对当代舞艺术性的思考 (1)
摘要 现在很多的舞蹈创作越来越贴近大众化，同时舞蹈的创作更生动，创作内容与生活更加的贴近，获得广大群众的喜爱。舞蹈中的形象动作将中国深含的丰富文化内涵完美的诠释出来，舞者通过肢体的舞动将艺术进行表达，进行艺术加工。解析舞蹈内容，体现民族文化魅力。本文以剧目《中国妈妈》为样本，进行艺术特征的分析，研究民族文化。分析艺术来源。这部剧目的创作与中国的人民的显示生活有着千丝万缕的联系，具有很强的时代感和感染力，非常适合普通大众的欣赏。人们在欣赏这部剧作的时候，也能感受到民族文化的传承，对提升普通观众的审美情趣有很大的帮助。 关键词：《中国妈妈》艺术特征舞蹈创作
Abstract Nowadays, many dance creations are becoming more and more popular, and the creation of dance is more vivid. The content of creation is closer to life and has been loved by the masses. The image movement in the dance perfectly interprets the rich cultural connotations contained in China. The dancers express the art through the dance of the body and carry out the art processing. Analyze the content of dance and reflect the charm of national culture. This article takes the repertoire "Chinese mother" as a sample, analyzes the artistic characteristics, and studies the national culture. Analyze the source of art. The creation of this drama is inextricably linked with the display life of the Chinese people. It has a strong sense of the times and appeal, and is very suitable for the general public. When people appreciate this drama, they can also feel the inheritance of national culture, which is of great help to enhance the aesthetic appeal of ordinary audiences. A good dance work can give people excitement, give people enlightenment, give people a touch, and let people realize the true beauty, so that people have a deep love for life and society. In the 7th National Dance Competition hosted by the Ministry of Culture, the dance "Chinese Mother" became the biggest highlight. The dance "Chinese Mother" sings people's speeches from different angles, expresses sensibility, reveals people's inner world through various means of expression, excavates the world's beautiful emotions, reveals life, pursues sincerity, and gets more than just the applause of dancers. And won the praise of the society. The dance "Chinese Mother" touches the people with the greatest maternal love in the world, and touches every audience to sum up. Its success is summarized in four main factors: the topic is full of sense of the times; the theme is full of innovation; the character is rich Feeling; dance has a sense of life. This article is an artistic analysis of the dance "Chinese Mother." Keywords: "Chinese mother" Artistic characteristics Dance creation
浅谈对波普艺术的看法以及它对当代艺术的影响
浅谈对波普艺术的看法以及它对当代艺术的影响
浅谈对波普艺术的看法以及它对当代艺术的影响波普艺术是流行艺术的简称,又称新写实主义，因为波普艺术（Pop Art）的Pop通常被视为"流行的、时髦的"一词的缩写。它代表着一种流行文化。在美国现代文明的影响下而产生的一种国际性艺术运动，多以社会上流的形象或戏剧中的偶然事件作为表现内容。它反映了战后成长起来的青年一代的社会与文化价值观，力求表现自我，追求标新立异的心理。 20世纪50年代初萌发于英国，50年代中期鼎盛于美国。波普艺术一词最早出现于1952～1955年间，由伦敦当代艺术研究所一批青年艺术家举行的独立者社团讨论会上首创，批评家L.阿洛维酌定。他们认为公众创造的都市文化是现代艺术创作的绝好材料，面对消费社会商业文明的冲击，艺术家不仅要正视它，而且应该成为通俗文化的歌手。在实践中有力地推动这一思潮发展的艺术家是R.汉密尔顿。1956年，他在首届“这是明天”的个人展览会上陈列出握有“POP”字母的网球运动员的拼集作品。这幅作品成了波普艺术的一面旗帜。英国波普艺术的代表人物还有：E.保罗齐、J.蒂尔森、D.霍克尼、R.B.
基塔依、R.史密斯、A.琼斯。 美国波普艺术的出现略晚于英国，在艺术追求上继承了达达主义精神，作品中大量运用废弃物、商品招贴电影广告、各种报刊图片作拼帖组合，故又有新达达主义的称号。 美国波普艺术家声称他们所从事的大众化艺术与美洲的原始艺术和印第安人的艺术类似，是美国文化传统的延续和发展，1965年在密尔沃基艺术中心举办的一次波普艺术展览即以“波普艺术与美国传统”为题。美国波普艺术的开创者是：J.约翰斯和R.劳申伯格，影响最大的艺术家是：A.沃霍尔、J.戴恩、R.利希滕斯坦、C.奥尔登伯格、T.韦塞尔曼、J.罗森奎斯特和雕塑家G.西格尔。 集合艺术和偶发艺术一般也认为是波普艺术的两个支系。 在波普艺术中，最有影响和最具代表性的画家是安迪·沃霍尔(Andy Warhol，1927—1986)。他是美国波普艺术运动的发起人和主要倡导者。1962年他因展出汤罐和布利洛肥皂盒“雕塑”而出名。他的绘画图式几乎千篇一律。他把那些取自大众传媒的图像，如坎贝尔汤罐、可口可乐瓶子、美元钞票、蒙娜丽莎像以及玛丽莲·梦露头像等，作为基本元素在画上重复排立。他试图完全取消艺术创作中手工操作因素。他的所有作品都用丝网印刷技术制作，形象可以无数次地重复，给画面带来一种特有的呆板效果。对于他的作品，哈罗德·罗森伯格曾经戏谑地说：“麻木重复着的坎贝尔汤罐组成的柱子，就像一个说了一遍又一遍的毫不幽默的笑话。”他偏爱重复和复制。“我二十年都吃相同的早餐，”他解释说：“我想这也是反复做同一件事吧。”