试论“解构”在当代美术中的形式与意义(一)

试论“解构”在当代美术中的形式与意义(一)

内容摘要：随着改革开放后的文化多元走向，已经断裂多年的前卫形式被激进的年轻人重新拾起。由于民众对深入人心的经典艺术形式的审美惯性思维，还普遍不能接受当代前卫艺术的形式与主张。但是，随着国际化的进程的加快，特别是有关方面由原来的批判到默认再到有限的支持，去年威尼斯双年展设中国广东展区，表明了对新艺术的开放态度。本文试图从解构的现象谈起，说明解构在前卫艺术内核中依然发挥著作用，它们的批评性指向仍然有其意义。

关键词：解构中国前卫艺术

有位著名的油画家说：为了更好地衬托那些前卫艺术家，使得他们更前卫，他今天依然保持着显得保守的画风。他特别反对动不动就是解构、颠覆，他打了一个比方：要解构，得首先要解构的对象存在，比如要去炸一个碉堡，那首先是要被炸的碉堡存在。

可以看出，他对前卫艺术是有保留意见的。也许他认为：传统意义上碉堡已经不存在，因而解构就是不切实际的激进。但笔者认为，目前依然还有碉堡可炸，炸碉堡依然还有意义。

一

中国的前卫艺术(美术)并不是在改革开放后才出现的。早在20世纪30年代，中国的土地上就出现了直追西方现代艺术模式的艺术流派。随着改革开放后的文化多元走向，这一已经断裂多年的前卫形式被激进的年轻人重新拾起，这种转型无疑是在西方文明的冲击下的被迫回应或者是文化的主动选择的结果。在人们看惯了歌颂、赞美与无情批判的模式化美术后，对前卫艺术还有相当大的戒心，因此其处境尴尬。

在艺术史上，无论是有意地对前朝艺术模式的刻骨仇恨而刻意解构与重建，还是艺术的自律发展的创新结果，艺术发展到一定程度，艺术观与艺术风格的演变是普遍规律。现在流行的“解构”一词，并不是某些对前卫艺术过敏的人所想象的那样，是新发现的“非典”。20世纪30年代的“二徐之争”，按照徐悲鸿的观点：从印象派特别是后印象派开始，绘画就完全是乱来了。徐志摩当然不以为然。①笔者认为，某种固定的艺术模式是不能表达其所能承载的全部功能的，每个时代的艺术作品凝结着时代的印记，这种印记是之前和之后的艺术所不能代替的，如果铁定地认为某朝的艺术就是千古不移动的经典，历代仿效，那么艺术就必定要死亡。在一定程度上，对前人艺术形式与观念的批判继承可以推动艺术的发展，在中外的艺术史上，这样的例子很容易找。西方文艺复兴时期的科学与人文精神，是对神教与神性的解构，文艺复兴时期的绘画艺术实际上也是对神教影响下的刻板的中世纪艺术的反叛和反动；而印象派的出现是对古典油画体系的重形不重色的绘画观与实践的解构；后印象派的出现实际上是对绘画描摹自然到表现自我精神的形式突破，从而导致现代艺术的流派纷呈。中国的艺术史特别是绘画史也可以清楚地看到不断炸碉堡的线索。元代绘画逸笔草草、不求形似的画风是对宋代在理学影响下的森严的规矩与程式的突破。其后虽是文人画风一统天下，但吴门画派，扬州八怪和海派也各有所建树，如注意文里机关与字里机关，注意市场反映等，这都可能出现新的面貌。新中国成立后，在延安讲话精神的指引下，中国美术的鲜明的政治功利色彩是对此前的抒发性灵的文人艺术与现代艺术的否定，强化艺术对社会的干预作用。

二

全球化语境中的当下中国当代艺术，受西方的启发，“解构”成了不少艺术家心中的“圣地”。他们的作品，有很大一部分是借他山之石来解构他们所不满意的艺术形式与观念，而且相当成功。现在看来，解构在前卫艺术内核中依然发挥著作用，它们的批评性指向仍然有社会的意义，是对社会事件的关注，是艺术介入生活的良性互动。

这些解构的艺术作品，主要有以下几种解构的对象或者形式：

对社会现象的解构与批评。这样的作品很多，如李占洋的系列雕塑，以夸张的泥塑着色形象，再现了当下经济转型后有的暴发户花天酒地、穷奢极欲的生活和娱乐场景；又如俸正杰等艺

术家把明星的脸涂抹成浓艳的形象，或者艳俗的婚纱摄影，吃麦当劳，这类的作品一般称为艳俗艺术，反思了全球化对中国文化与生活的影响；再如苍鑫的身份互换的系列行为装置，将代表一定体制特定行业的具有特权或特定角色，如空姐、收荒匠、京剧演员、外交官或者是三陪小姐等的衣服，穿在自己身上，而被置换者穿最少的三点或两点式衣服。这样，皇帝就穿了件什么都没有的新衣，这种身份的互换所带来的巨大的喜剧感，对蕴涵着体制的社会职业特征的服装加以重新的思考与解构性地再阐释。

对文化艺术自身的批判与解构。这类的作品以徐冰、蔡国强和谷文达为当然的代表。徐冰历时一年多刻的4000多个不存在的方块汉字，用古代传统印刷技术制造了《天书》等对文字与文化游戏解构的经典作品，以及后来的直接以文字形状形成国画的作品，对经典的“以书入画”观进行图解，同时也解构了国画所谓的“以书入画”的千年难题与悬题。而《野生斑马》行为装置作品，辛辣地讽刺了某些地方所谓天经地义的文化搭台经济唱戏而不惜指鹿为马。他的《对话》、《文化动物》等装置行为艺术，用中文笔画写英文书的对峙和用身上印有英文的公猪强暴身上印有中文的母猪的怪异方式，对中西差异和文化霸权作了滑稽的解释。而蔡国强的手法有些不同，他完全照搬泥塑作品《收租院》的《威尼斯收租院》获了国际大奖，这样的作品在国内是无法获得常规意义上的价值认同的。换了环境，同样的题材，已经不再具有阶级斗争的政治主题意义了，在完全不同政治经济文化背景的欧洲，这样的作品凸显了再阐释的全新意义。

美术鉴赏及其意义分析

第1课培养审美的眼睛——美术鉴赏及其意义 一、教材分析 （一）教学目标 本课作为高中整个美术鉴赏教学的开篇，对后面的教学具有指导意义。通过本课的教学，使学生初步了解什么是美术鉴赏、美术鉴赏的一般过程和特征，以及学习美术鉴赏有什么意义，由此掌握美术鉴赏的方法，培养学生“审美的眼睛”。 （二）内容结构 本课主要包括四个部分： 第一部分从现代人的全面发展出发，指出培养审美的眼睛是现代人全面发展的需要，而美术鉴赏则是培养审美的眼睛的必要途径。 第二部分“什么是美术鉴赏”，先从对身处天安门广场的感受和对天安门的认知中，说明美术鉴赏并不神秘，而是与我们的生活息息相关，并由此引出美术鉴赏的问题。然后再从具体的美术作品入手，以中国唐代画家的中国画《捣练图》和法国画家米勒的油画《拾穗》为例，简单介绍了美术鉴赏的一般过程或方法，由此导入，进入概念分析，阐明什么是美术鉴赏、其特性以及在美术鉴赏中被动接受与主动参与的关系等。这里没有涉及什么是美术或什么是艺术的问题，而是直接谈什么是美术鉴赏，这是因为美术或艺术的概念本身就十分复杂，它将涉及到更为复杂的专业知识，这对于学生的理解来说是困难的，也将影响本课的主题。更由于当代艺术已模糊了艺术与非艺术、艺术与生活的界限，“什么是艺术”在学术界也是一个正处于争论之中的问题，对于那些还没有定论的问题我们只好在教学中暂时悬置起来。 第三部分“美术作品是如何分门别类的”，简单介绍了美术的基本分类方法，这里只列出了一个简略的艺术分类，学生了解这些就可以了。但教师还应明白，在美术的六大分类——绘画、雕塑、建筑、设计、书法、摄影中，还可以按照其材料、功能、题材、内容等作更细致的划分。以下列出的分类并不完整，仅供参考： 1．绘画 按材料和功能：油画、中国画(其中按技法分为工笔画和写意画；按题材分为人物画、山水画和花鸟画)、版画(按材料分为木版画、石版画、铜版画、锌版画、丝网版画；按技法分为镂版画、腐蚀版画、水印版画、套色版画)、素描(其中也包括速写，按工具分为钢笔素描、铅笔素描、碳笔素描、毛笔素描等；按题材分人物素描、风景素描、静物素描)、水彩画、水粉画、丙烯画、连环画、年画、壁画、宣传画或招贴画、插图或装饰画等。 按内容和题材：人物画（包括人体画、肖像画、风俗画、宗教画、军事画、历史画等）、花鸟画、静物画、风景画或山水画等。 按形式语言：具象绘画、意象绘画、抽象绘画。

艺术美和形式美Word版

第6课艺术美和形式美 一、课程分析： 本课是人民美术出版社普通高中美术课程标准试验教科书《美术鉴赏》教材中的第六课: 《漂亮是美术鉴赏的标准吗？——艺术美和形式美》。它是在学生前几课初步了解了美术鉴赏相关的基础知识之上，开始学习的专业美术鉴赏基础知识。从本课开始学生进入到美术专业领域欣赏评鉴活动。本课涵盖两个概念：艺术美和形式美及二者间的关系，其中涉及美的不同形态，本课应让学生掌握在形式美构成的元素、手段、规则的基础上理解艺术美与现实美的异同，掌握鉴赏艺术美的基本方法。教材容量大且难度深，加之对高中学生是否有相关知识支撑不了解，授课难度非常之大。 二、学情分析： 由于本课涉及整个艺术领域，提到了一个很专业的高度。而对高中学生美术基础知识储备情况和基本素养也一概不了解，本课教学难度之大可想而知。因此，激发学生内在的学习兴趣，是完成本课教学目标的关键。 三、设计理念： 根据《普通高中美术新课程标准》，把握新课改以校为本、以学生发展为本的教育理念。自主学习中注重美术本体知识的渗化理解，运用媒体手段扩大知识的外延与内涵，使学生深入理解全课要点达到掌握新知的目的。 四、教学目标： 1、知识与技能：感知美的多种形态，了解什么是美术作品的艺术美和形式美及二者的区别与联系；并能运用它们进行美术鉴赏活动。 2、过程与方法：促进学生欣赏评述、语言表达能力的发展；锻炼学生实践操作能力，提高审美素质。 3、情感、态度、价值观： 开阔学生视野，获得正确的审美观念，帮助学生自我建构学科体系，完善、健全学生人格，提升审美品位。 五、教学评价： ①能否积极探究，大胆正确描述范例所展示的美术作品的艺术特点及人文内涵。 ②能否运用艺术美和形式美理论知识，解决现实美术作品赏鉴问题。

浅谈美术在电影中的运用

浅谈美术在电影中的运用——《十面埋伏》 摘要：电影之所以受人们的欢迎，不仅仅在于导演在电影中发挥的指导作用，美术指导在其中的作用也是不可以忽略的。一个好的导演导出来的电影没有一个好的美术指导来助导，那么电影只有灵魂而没有表现灵魂的肉体。这就是说一个好的美术指导能让电影充满活力，也能让导演的工作事半功倍。这篇文章从美术和电影相结合角度阐述了美术在电影中的运用，并以《十面埋伏》为例具体分析了电影中的美术效果。 关键字：美术电影《十面埋伏》电影美术 作为艺术的一个门类，美术是建立在经济基础上的上层建筑，是一种社会意识形态。美术虽然和人类的其他活动形态很不一样，但是从本质上说，同样是人类把握世界、改造世界、创造世界的一种手段。它是艺术家在一定美学思想指导下对现实生活所表达的理想和意志 的形象反映。一部电影没有美术效果是枯燥的，真是因为美术效果在电影中发挥得淋漓尽致，才使得电影更具色彩，更具吸引力。 一、美术的各种属性和特征 1、美术是和人类社会的物质生活与精神生活有着密切联系的社会现象。 2、美术是艺术的种类之一。 3、美术是利用各种物质材料创造视觉形象的“造型艺术”。 造型艺术是以一定物质材料和手段创造的可视静态空间形象的 艺术，一般包括建筑、雕塑、绘画、工艺美术、设计、书法、篆刻等

种类，它通称美术，是对美术在物质材料和手段上的把握。造型即创造形体，是美术的主要特征。刻镂的手段如绘画通过描画彩绘的手段，雕塑通过塑造，工艺美术通过镂、蚀、切、削的手段等，建筑艺术通过间架营造的手段。 4、美术包括绘画、雕塑、工艺美术和建筑艺术等四大门类。 从美术的社会功能来分，这几大类可以归并为纯艺术（或称观赏性艺术）和实用艺术两大类。绘画和雕塑一般属于纯艺术范围，因为它们主要是满足人类观赏或者说是审美的需要。工艺美术、建筑属于实用艺术的范围，因为它们首先是满足人类某些方面实用的需要。绘画是运用点、线、空间、色彩等艺术语言，在二度空间（即平面）上创造形象，反映生活和表达情感的艺术。 二、电影美术 1.电影美术的作用 电影美术是专门为影片造型进行设计和制作的一种美术创作。美术创作的成功与否，直接影响着影片的艺术水准。所以，电影美术师应在电影导演的总体构思下，与摄影、演员等共同合作完成影片的造型表现。设计和制作出有时代、地方特色，有生活气息、有性格特征的景、物和人，以产生情景交融的艺术效果。 2.电影美术创作的内容和要求 电影美术师在电影创作过程中最先把文学剧本中关于环境、人物形象、服装效果等文学描写转化为具体形象。美术师对影片的整体造型

浅谈舞台美术设计

浅谈舞台美术设计 戏剧是受时间与空间制约的，由演员当众表演故事来反映社会生活的各种冲突的艺术。 戏剧再它诞生的初期，只有演员.观众.演出空间与与舞台美术中的人物造型四个因素。演员与观众是戏剧中的最重要的因素，可以说戏剧是演员与观众共同参与的活动，没有演员就没有戏剧，同样没有观众也没有戏剧，戏剧的载体是演员，演员的载体是舞台。凡是演员表演的地方都可以称之为舞台。不同的戏剧表演产生不同的表演场所。从最早的古希腊圆型剧场到公元15——16世纪，欧洲文艺复兴时期产生的第一个镜框式舞台，而后随着科技的不断进步，逐步出现拉新型的“伸出式舞台”.“可变式舞台”.“流动性舞台”等等。可见现在演出的空间变化创造，以成为舞台美术设计思考的主要课题，通过对戏剧四要素的分析；我们可以看出戏剧艺术的一些特征：1.戏剧戏剧是空间和时间的艺术。2.戏剧是综合艺术。3.戏剧是演员和观众在一个场合繁荣艺术。这些戏剧的基本特征，并没有因为东西方文化的不同而改变，也没有随着时间的延续而改变，它应该是我们研究戏剧与舞台美术设计的基础。 舞台媒介的新潮性 随着时代的发展与进步，舞台美术的媒体与介质已经发生了根本的改变，因此，新时代舞美设计新观照，旧必须充分关注这一媒体和介质的新潮性，因为这些新媒体与新介质是新时期舞台美术的物质材料和有形载体。 这些新媒体与新介质，白鹇在方方面面例如布景的媒体与介质，过去是布与纸制作，再由手绘的“景片”。而现在所有的“景片”早已淘汰出局，代之而起的是“电脑布景”.“激光布景”.“投影布影”.“喷绘布景”等等，既逼真感动，又快捷省事。例如舞台灯光，早已出现电脑灯.激光灯等各种新的媒体与介质，其功能完备.效果神奇，可以营造不同的环境.不同场景.不同氛围。又如服装面料，已出现许多的新潮的材料。道具制作的材料，同样也已使用许多新兴的更为心境的材质。在如音响效果，已充分利用数码录音技术，先进而又逼真，而且快速.方便。总之所有的声.光.化.电等新媒体与新介质，已使整个舞台美术真的发生了“质”的变化，这当然也应当是新时期舞美设计新观照的重内涵。 舞台空间的广阔性 舞美设计的新观照，首先是舞台空间的广阔性。新时期的舞美设计，对舞台空间的拓展。几乎达到了无限性的程度，这又主要是表现在以下几个方面： 其一是对舞台本身空间的拓展。许多舞美设计早已摆脱了舞台的单一化，平面化的模式，而走向复杂化立体化。例如转台.升降台的运用，多台阶多表演区的营造等等，都使舞台的多姿多彩，多层面.多角度.多方位，极大拓展了舞台空间。 其二是舞台向观众席的拓展，许多舞美设计都千方百计的向观众席中拓展。如有的舞台象正前方建一个舞台，直接伸向观众席；有的则将舞台设计在观众中间，如小剧场话剧；有的则把整个剧场作为舞台进行设计，例如音乐剧《猫》，就在观众席中设置许多的垃圾箱，使整个话剧都成为猫生存的空间。 其三是把舞台拓展到剧场之外。许多舞美设计，还大胆的把舞台拓展到剧场之外，例如音乐剧《狮子王》，就在剧场之外设置了许多狮笼，营造出一个广阔的“动物世界”。有一部外国戏剧，观众接到戏票，赶到剧场去看演出，结果找不到剧场，七拐八拐，拐进一个居民区，突然发现二战时的德国纳粹分子正端着枪站在身边，并正在毒打游击队员。观众正在吓出一身冷汗之际，却被告知演出已经开始——原来是正在看戏，舞台就比正的设计在居民区里！ 其四是异地同台，时空交错。许多舞美设计充分利用追光.投影.电脑三维动画设计等手

什么是美术作品的形式

什么是美术作品的形式？ 美术作品的形式，就是作品内容的存在方式。它包含两种紧密联系的基本因素：一是作品内容诸因素的组织结构，即在一定主题的指导下，把题材形象等各种因素组织起来的内部结构，它是作品的内部形式，称“组织结构”；二是作品形象呈现的外在形态，即美术家用一定的手段和工具材料使艺术内容获得的外部形式，也称为“艺术语言”。 作品的“组织结构”，在美术理论中也称为“构图”、“布局”或“经营位置”。它是作品的整体结构，即是从各个部分的相互联系这一方面来把握内容的。更具体地说，它关心的是题材、形象及其相关的明暗、光线、色彩、线条等在作品中的位置及其相互联系。因此，它是美术创作的内容向其存在方式推移的第一步。 美术作品的内容向其存在方式推移的第二步，是美术作品的“艺术语言”，它使美术作品的内容与组织结构具体化、物态化。美术语言的内在构成可以分为几个相互联系又依次递进的层次：第一层次可以称为“媒材语汇”。不同的美术种类其所使用的创造材料是不同的，这些物质材料特定的物质特性在人们的感受中又是各不相同的，它构成了美术语言的生理和心理基础（也构成了不同美术种类，具有不可替代的特定语言特征的客观基础）。当然，这种媒介特性只有与作品中的其它表现因素相结合时，才具有具体的语言意义。第二层次可称为“手法语汇”。它是构成美术作品形式的“抽象”语汇，如色彩的冷暖，明暗的深浅，墨色的浓淡，笔触的厚薄，线条的粗细等等。“手发语汇”中有一些是被程式化、规范化了的，如“人物十八描”、各种皴法等等。在这个层面中的语汇必须与作品中的表现形象相结合，才能获得确定的意义。第三层次可以称为“形象语汇”，如具体的人物、山水、树木、动物形象等，也包括抽象的三角形、矩形、圆形等规则形和各类不规则形。这一层次的美术语言既包容了前面两个层次的语言特征，但又必须和作品组织结构相结合，才具有特定的表现意义。由此可见，从美术作品的整体看，美术语言中不同层次的“语汇”只有联系成一个有机整体并参与到作品的组织结构中，即准确、生动地表现作品的内容时，才能最终获得确定的意义。 也应该看到，美术语言中不同层次的“语汇”自身也有其相对的独立性和美感意味。这就使美术语言在物质材料及其结构方式方面具有相对独立的审美特性和形式规范，即一般的形式美因素。形式美在美术创作中具有不可代替的地位和作用，它与美术作品的意义、内部结构和外部形式（即艺术语言）都有关系。一些基本的形式美法则，如对称、平衡、秩序、比例、和谐、变化与统一等，还具有超越具体的形式美形态的普遍性。

第6课 艺术美和形式美教学设计

【高一上学期美术教学设计7】： 第6课艺术美与形式美 教学目标： 1、知识目标：通过本课的学习，让学生了解什么是艺术美以及掌握形式美的语言元素、语言手段、语言规则等相关知识。 2、过程与方法目标：通过一些美术作品的赏析，让学生学会运用形式美的相关知识和自己的经验，描述、分析自己身边的美与艺术的美。 3、情感、态度和价值观目标：通过本课的学习，让学生体验与感受美术作品的艺术美与形式美的同时，激发学生的审美欲望，促进学生审美观的发展。 教学重点：对艺术美与形式美的相关知识的掌握。 教学难点：运用艺术美与形式美的相关知识，对美术作品进行描述与分析。 教学过程 一、直观导入 欣赏、判断 让学生欣赏“自然美、社会美”的图片及“艺术美”的作品，并判断其类别。 [提问]（1）、请指出哪几件作品是体现自然美、社会美、艺术美？并举例出生活中我们所熟悉的美。 自然美：“好雨知时节，当春乃发生，随风潜入夜，润物细无声”（杜甫）；“北风卷地百草折，胡天八月即飞雪，忽如一夜春风来，千树万树梨花开”（参岑） 社会美：社会美可分为两种形态，一是直接形态，如物质环境、物质产品、人的服饰仪表、行为举止、话语谈吐等，这类社会美是形之于外的，可以直接感知的，我们的审美活动大都体现在这一范围之内。 社会美的另一种形态是间接形态，如政治制度、经济状况、时代精神、社会治安、社会风尚等等，这类社会美并不体现在某一具体现象上，而是体现在社会生活的各个角落。因此，我们需要透过复杂的现象，经过分析思考，才能掌握其中的本质。总之，这类社会美我们无法直接欣赏，只能间接地进行体味，这无疑增加了欣赏活动的难度。 （2）、罗丹的《欧米艾尔》，我们能不能用“漂亮”、“好看”来形容这种作品的艺术美呢？ [讲述] 《欧米艾尔》既不“漂亮”，也不“好看”，但给我们以心灵和审美上的震撼。作品传递给我们一种“残缺美”或是“凄美”。 [提问] 漂亮、好看是美术鉴赏的标准吗？ [讲述] 如果我们要掌握美术鉴赏的标准，那么我们必须要了解什么是艺术美和形式美。 二、展开新课 1、什么是艺术美？它有哪些表现？ 比较、分析 （1）《开国大典》的摄影相片与油画作品比较

影视欣赏 浅谈对艺术电影的理解

浅谈对艺术电影的理解 最早开始接触艺术电影是在高中时代，之前看电影从不去思考去辨别是艺术电影还是商业电影，只注重娱乐效果。偶然的一次机遇，在一位老师的指导下我开始学会区分艺术电影和商业电影并被艺术电影所包含折射出的魅力折服。下面我就结合《可可西里》这部影片谈谈我对艺术电影的理解。 首先我想说的是何为艺术电影。艺术电影又叫Artist Film，Artist Video，是与商业电影相对立的一种电影类型。艺术电影即最为广义的对世界、社会、生命之个人的、原创的、批判性的表达，对电影语言的实验性尝试。艺术电影是电影的拓荒者：僭越规范，冒犯常识。毋庸讳言，其探险与拓荒多有落败，甚至迷失，但正是他们在不断地拓展电影的疆土。影片《可可西里》讲述的是可可西里巡山队的命运，他们从诞生到被解散。导演陆川以一个行走的路线上去展示他们的命运，从他们八个人进山，到只有四个人活着出来，在这个过程中他们要跟盗猎分子作战，跟环境作战，跟贫穷作战，跟自我作战……整部影片像一则新闻报道，以一个随队采访的记者的角度，讲述了这个故事。荒凉的无人区，屠杀藏羚羊的场景，残酷的自然环境，凶残的猎杀藏羚羊的杀手……影片简短朴素却不失诗意，带着一股淡淡的伤感气息，悲伤中又不乏温馨。这部影片我反复观看了很多次，每次都会为它展现出来的人性之美所震撼，盗猎分子的残忍血腥如一面镜子反衬出巡山分子的人性之美。我记得影片中巡山队员在山上有一个补给站，只有一个队员留守，面对那恶劣的自然环境他没有过退缩，怀抱着一份信念，一腔挚爱耐住了漫长岁月的寂寞。这是一种何其震撼人心的美丽。影片中没有华丽的特技，没有夺人眼球的明星大腕，就连血腥的屠杀场面影片都像一部记录片一样真实而不加修饰地记录下来。影片里没有蓄意的煽情，没有刻意的友情和爱情，演员们既不偶像，也不光鲜，个个很邋遢，衣着破旧，脸上都是皱纹和泥。但是它很简洁，很大气，甚至那是一种朴素的、自然的、天成的气质。影片完美阐释了艺术电影追求的真谛，即人性之美。 与商业电影相比，艺术电影仿佛一剂心灵鸡汤，带给人们对生命的感悟，对生活的热爱。影片《可可西里》中巡山队员把每次进山都看作是与亲人的生死别离，然而没有谁选择退缩放弃，一如我们的生活，不论境遇如何都要继续。队员的生活穷困潦倒，不得已将拼了性命从盗猎分子手里收缴来的藏羚羊皮子低价卖掉，那种心酸无奈透过厚厚的电影帷幕一点一点砸在我们心里，一下一下掷地有声。艺术电影就是这样用纪实般的画面展示剖析我们的生活面目，用最朴实无华的语言道尽我们生活的艰辛与无奈，但它却不是带给我们迷茫与仿徨，它是在用它独特的语言告诉我们生活的真谛----有坚持就会有希望。人性中的坚持与隐忍，追逐与不舍，悲伤与颓废，都是艺术电影不断追求的主题。艺术电影讲求的就是人性的光辉，以人的内心世界为展现视角，让你觉得影片中的那个人就是你的兄弟姐妹，就是你的亲朋好友，甚至就是你自己，当你坐在影院或是家里电视机前看着影片里熟悉的场景，你会长长地舒一口气，原来这世上你不是孤单的，在某个城市的某个角落有着和你一样的人，抱怨着，坚持着，生活着。 近几年谈起影片成功与否我们开始习惯于以票房高低作为标准。与商业电影相比，艺术电影很难取得较高的票房，这是艺术电影自身的特点决定的。更多的时候我们去看一部电影是为了寻求一种刺激，窥探一种不真实的不属于自己的生活模式。商业大片《功夫之王》，成龙、李连杰两大巨星联袂主演，完美的特效，票房过亿，然而招来的却是骂声一片。观众在唏嘘完商业大片越来越完美的特技，越来越豪华的明星阵容之后除了一声悠长的叹息还剩下了什么？观众的内心仍是荒芜的，仍是动荡不安的。没有与观众灵魂交流碰撞的电影注定是长河奔海里的一粒细沙，终是躲不过岁月的洗礼，终是要被遗忘的。艺术电影这朵艺术奇葩正似寒冬绽放的冬梅，禁得住严寒，耐得住漫长寂寞，傲视冰雪，愈久弥香。

浅谈舞台美术设计的构思与创新

浅谈舞台美术设计的构思与创新 随着舞台技术的发展,为提高舞美设计在舞台上的表现效果,对舞美设计的构思和创新都需要进行整体的完善是很有必要的。通过把握舞美设计构思的重点和舞美设计创新方向,提出良好的完善方案,可以有效提升舞美设计在舞台中的表现力和观众的愉悦性。 一、舞美设计构思 (一)舞美设计构思重要性 舞美设计最主要的是对总体进行构思,这种总体构思是设计者按照剧本的风格体裁和思想内容,经过导演的总体布局情况下,通过舞美表现方式,对整个舞台剧进行艺术修饰和演出整体形象来展示出来,其中音乐、线条、画面、节奏、气氛和色彩的变化不同表演的风格、内容都会有所不同。舞美设计不单单只是画几张内景图或是制作外景的设计图,这种设计构思是对整个剧在舞台效果上和观众的整体观赏效果上进行合理的展望和设想。在设计之前,设计者需要对剧本仔细阅读,感受剧本中场景的变化,和场景变化带来的人物情绪的变化。通过自身的专业技能和综合经验将一些几句形象化的语句进行简练概括,将文字化的内容进行形象立意,这些都是舞美设计的总体构思所需要准备的工作,舞台表演上舞美设计是舞台表演的核心,是支撑舞台表现形式持续发展下去的支撑。 (二)舞美设计构思的形成 舞美设计主要根据戏剧而出现的,主要是根据剧本的思想内容和导演对舞台的表现效果进行再次加工。它的构思形成要和导演共同配合完成。舞美设计要能够深刻的展现出剧本的中心思想内涵和剧本所需要表现的艺术特点舞台。对于美术设计的总体构思需要把服装、音响、布景、道具、灯光等各个方面进行有效的整合,并且要配合导演的调度、演员的表演和乐队的整体进度进行同步运作。舞台美术和绘画作品中差异性的地方在于舞台美术是一种集体艺术表现,主要由光、画、动、声共同组成表演画面,加入了时间艺术元素。在有限的舞台上,可以表演出无限的舞台效果和艺术变化,可以补充更多的支点调整,让观众能够有一种雷石滚木的观赏节奏。 对于舞美设计的构思,首先应该按照导演的构思,当导演接到剧本后,会对剧本的主题、风格、事情发展、人物等有一个大概的把握,但是这时还不能立即进行排戏,导演还要考虑到在艺术表演形式上能不能统一形象和表现的思想。保证演出艺术完整性,导演在构思方面主要是对剧本内容情境的表达和人物

探析解构主义在翻译中的体现和运用

探析解构主义在翻译中的体现和运用 一.引言 随着各类学科的诸多理论方法在翻译研究中的引入，翻译的理论阐释也变得多样新颖，诸如令人耳目一新的翻译心理学、翻译美学和翻译哲学等。其中，产生于西方文论界的解构主义是翻译研究的文化转向，是对结构主义的反思。解构主义理论在人文、社科和哲学领域产生了极大的影响和轰动。通过理论研究和案例分析，笔者发觉从解构主义角度研究翻译，确实能够看清翻译的本质，进而挖掘出研究翻译的新思路。 讨论解构主义与翻译问题在当代翻译研究中已不再是一个新鲜的话题了，无论对这种理论赞成与否，人们都无法否定其客观存在的影响。（王宁，2009）解构主义代表人物德里达将这一思想引入翻译，打破传统的翻译观点忠实和通达，强调译者本身作用和意义，这对翻译的传统理论有较大冲击，但也给人们对翻译的研究提供了新视角。 二.解构主义在翻译理论中的具体体现 解构主义最初是从法国兴盛起来的一股后现代主义思潮，其创始人和代表人物是法国哲学家雅克·德里达，该思潮对自柏拉图以来的西方形而上学传统大加责难，倡议打破现有的单元化的秩序，包括社会秩序、道德秩序以及个人意识上的秩序和民族性格等。总之，是打破秩序然后再创造更为合理的秩序。换言之，解构主义是一种反逻各斯中心主义（anti-logocentrism）、反二元对立、反权威的学术思潮。 因而，翻译的本质过程也就解析和重构了文本并且回到表达意象被命名和传达之前的一个状态了，从而便使得语言在本质含义层面重新传达或转向的路径走向透明清晰了。解构主义理论家认为翻译的实质是一个不断分解、重新分析、再次构建的过程，通过引入的外来各类语种元素，颠覆、拆解原文语言秩序。因而，在解构文本材料时，源语文本的界限和限制因素不复存在，其隐含的涵义也并非不变，延异存在于文本材料开放的动态过程进行中。用德里达的话说，翻译其实就是内涵意义不断地被推迟和延异，在这样的延续过程中，不断地被解析和构筑，译者自身成为语言文本材料的最终解构者和阐释者（derrida， jacques，2001）。法国社会及文学评论家巴尔特曾在其著作中直接宣称作者已死，即所有文本（小说、戏剧、散文和诗歌等）一旦完成，剩下的只有语言符号本身，而读者通过对语言符号来解读文本的实质意义。译者作为文本解读过程中第一读者，已经不再是被动的或是对原作者亦步亦趋，而是得到了一定的主动权和独立性，译者能够依据自己的理解与探析来地赋予文本材料意义，由此翻译者的主体性达到了一个很高的水平。 三.翻译中解构主义的具体特点 解构主义在翻译中的应用，本质上打破了原语文本材料含义的单一论，为翻译研究者提供了新颖和独特的方向，产生了积极而深远的影响。 第一，解构主义第一次打破了传统翻译理论准则中的二元对峙关系。在传统翻译理论中，文本原作者和译者、源语和译入语一般都会在二元对立状态;源语和原作者总被认为是重要的和主导的，而译入语和译者则是第二位的、次要的，而且译者的身份地位都屈从于原作者。（贾和平，2010）这些传统理论却正是解构主义理论家所反对和打破的，他们认为以上两者之间是一种平等互补关系，是一种共生共存的关系。凭着这种新逻辑、新视野，解构主义将译文从屈从于原文的处境中解放了出来，使得译文获得与原文同样的地位与研究价值。此外，从阐释学角度把译文当作独立的文本，也消解了存在的二元对立关系，提高了译者身份和地位和翻译的创新性。 第二，解构主义反对文本材料语言和意义的同一性与确定性。传统认为源语文本材料的意义是语言通过言语规律去预先设定的，其含义是确定的，所有读者只要按照一定的语言规范去分析和解读，都会获取同样的感受。这种观点显然是没有认识到语言本身所蕴含的文化层面的含义以及不同读者群的主观性和创造性。解构主义理论家认为作品的最终和唯一确定

美术作品的形式美

美术作品的形式美 任何事物都有自己的内容和形式，没有无形式的内容，也没有无内容的形式。作为视觉艺术、造型艺术或空间艺术的美术，总是通过一定的艺术形式如线条、色彩、空间、构图和材质等形式要素及其组合关系构成的形式美作用于人的感观，使人们透过艺术作品的形式认识其内容，获得审美的感受。如果说美术创作过程是从内容到形式，那么美术鉴赏则是一个逆向过程，即从形式到内容，前者的终点成为后者的起点。美术作品的内容和形式具有历史性与时代性，它不是固定不变的，随着时代和生活内容的变化，美术的形式也在不断变化，在继承、借鉴旧有形式的基础上产生出新的艺术形式。 那么，什么是作品的形式呢？形式，是指构成事物诸要素的结构和显现方式。“形”即称“原形”，包括原始形、自然形；“式”指“法式”、“法则”。“形”是自然的，“式”是人为的。“形式”是指将自然形态经过人为加工而成为一种新的美的形式。作为内容存在方式的形式，包含两方面的联系，首先是内容诸要素的内部结构和排列方式，称为内形式，它是尚在美术家头脑中的反映形式、精神形式。其次是与内部结构相关联的外部表现形态，即呈现于感觉形象的外观，称为外形式。内形式直接体现事物内在要素的构成关系，因而与事物的内容紧密相关。事物的外在形式具有独立审美价值，而形式美则是美的事物的外在形式所具有的相对独立的审美特征。内形式与外形式好比建筑物的结构与造型，建筑物的内部结构根据设计要求，可采用木结构、砖木结构、砖混结构、钢筋混凝土结构等，这是它的内形式；建筑物的外观造型、细部装饰、门窗柱及色彩直接作用于人的感官，这是它的外形式。事物的外形式美，总是诱发人们去欣赏它。形式美具有抽象性，因而具有某种朦胧的审美意味。原始图案，如鱼、蛙、虫等，经历了一个由具象到抽象的转变过程，人们从图案上点线面的组合关系及几何纹样的变化中很难看出有什么明确的社会内容，获得的仅是审美意味。现代英国美学家克莱夫·贝尔用“有意味的形式”来解释图案的形式美是有一定道理的。实际上这种抽象的图案是人类在实践中积淀了丰富的社会内容，以至逐步脱离了原来的内容而形成的。

浅谈电影与艺术

浅谈电影与美术 从电影中培养我们的审美、欣赏、鉴赏能力 目录 内容摘要…………………………………………………………………电影发展…………………………………………………………………著作《暮色-twilight》及美术介绍………………………………主要内容…………………………………………………………………关键字………………………………………………………………… 艺术术与电影………………………………………………………… 参考资料…………………………………………………………………内容摘要： 电影，也称映画。是由活动照相术和幻灯放映术结合发展起来的一种现代艺术。是一门可以容纳文学戏剧、摄影、绘画、音乐、舞蹈等多种艺术的综合艺术，但它又具有独自的艺术特征。电影在艺术表现力上不但具有其它各种艺术的特征，又因可以运用蒙太奇这种艺术性极强的电影组接技巧，具有超越其它一切艺术的表现手段，而且影片可以大量复制放映。电影一种以现代科技成果为工具与材料，运用创造视觉形象和镜头组接的表现手段，在银幕的空间和时间里，塑造运动的、音画结合的、逼真的具体形象，以反映社会生活的现代艺术。电影能准确地“还原”现实世界,给人以逼真感、亲近感，宛如身临其境。电影的这种特性，可以满足人们更广阔、更真实地感受生活的愿望。 电影的发展： 1893年，T.A.爱迪生发明电影视镜并创建“囚车”摄影场，被视为美国电影史的开端。1896年，维太放映机的推出开始了美国电影的群众性放映。

19世纪末20世纪初，美国的城市工业发展和中下层居民迅速增多，电影成为适应城市平民需要的一种大众娱乐。它起先在歌舞游乐场内，随后进入小剧场，在剧目演出之后放映。 1905年在匹兹堡出现的镍币影院(入场券为5美分镍币)很快遍及美国所有城镇，到1910年每周的电影观众多达3600万人次。当时影片都是单本一部的，产量每月400部，主要制片基地在纽约，如爱迪生公司、比沃格拉夫公司和维太格拉夫公司。1903年E．S．鲍特的《一个美国消防员的生活》和《火车大劫案》，使电影从一种新奇的玩艺儿发展为一门艺术。影片中使用了剪辑技巧，鲍特成为用交叉剪辑手法造成戏剧效果的第一位导演。 收益高，竞争激烈。1897年，爱迪生即为争夺专利进行诉讼，到1908年，成立了由爱迪生控制的电影专利公司，公司拥有16项专利权。到191 0年，电影专利公司垄断了美国电影的制作、发行和放映。独立制片商为摆脱专利公司的垄断，相继到远离纽约和芝加哥的洛杉机郊外小镇好莱坞去拍片，那里自然条件得天独厚，又临近墨西哥边境，一旦专利公司提出诉讼便可逃离。D．W．格里菲斯1907年加入比沃格拉夫公司，次年导演了第一部影片《陶丽历险记》。至1912年已为该公司摄制了近400部影片,把拍片重心逐渐移向好莱坞，并发现和培养了许多后来的名演员，如M.塞纳特、M.壁克馥和吉许姐妹等。 美国当代电影状况 美国电影的黄金时代结束之后，各大公司从印年代中期开始解体或转产，海斯法典也被正式废除。随之出现了微型影院、艺术影院、汽车影院。独立制片及实验电影有了发展。 中国电影发展史(1896-1949) 这个世界有了光，然后有了影。电影是一种能够将光影关系玩弄得最出神入化的现代发明。有人认为，如果要谈电影，就要上溯到我国汉代出现的灯影戏及之后出现的皮影戏。但是,真正有意义的电影，不是发明自中国，而是科技发达的近代欧洲。1895年12月28日，法国卢米尔兄弟在巴黎卡普辛路14号咖啡馆放映成功之后，正式标志着电影时代的来临。 既然中国与电影的发明无缘，那中国电影发展就由电影放映开始。189 6年，卢米埃尔兄弟雇用了二十个助手前往五大洲去放映电影。就是这样，电影这种拥有艺术和商品双重价值的文化产品，在西方商人扩大市场商业策略推动下，传入了中国。随后，很多欧美商人见中国的放映业有利可图，纷纷来华投资。他们经营放映业，修建及发展连锁式影院，甚至在中国建立电影企业，摄制影片。 由1896年至二十世纪二十年代，虽然外商在中国电影市场占据了垄断地位，但亦阻止不了我国电影活动的开始。1903年，德国留学生林祝三携带影片和放映机回国，租借北京前门打磨厂天乐茶园放映电影。1905年，

美术作品的形式美教案

《美术作品的形式美》美术教案 教学重点： 如何让学生理解美术作品的形式美； 教学难点： 形式美的性质和含义，并且了解他和美术及其生活的必然联系。 教学准备：多媒体课件 教学过程： 一、导入新课 在原始社会的时候，人们经常把动物的牙齿串起来挂在脖子上，同学们知道这是为什么吗？在开始他是作为一种勇敢的象征，或乞求神赐于力量。久而久之，随着时间的推移，这种形式逐步脱离了原来的使用价值。人们看到他们时会自然而然的产生一种亲切感，这时候，他已经成为一种装饰品，成为一种时尚，一种形式上的美感。这就是形式美。因此，形式美是人类独特发现和创造之一。到了古西腊时期，人们开始对形式美的研究和探讨，并归纳总结了许多关于形式美的法则。比如，均衡、比例、对比、节奏、对称、和谐、多样统一等，形成了一个有机的整体。这节课我们就来了解一下美术作品的形式美。 二、讲授新课（形式美的基本含义） 首先，美术作品的形式和内容不可分割。在现实生活和美术作品中，内容和形式不可分割。给同学们提个简单的问题："姑娘脸上的红色美不美"？教师总结：姑娘脸颊上的红色当然是美的，但是长在鼻子上，那就不美了。在这里，形式的要素是红色，出现在姑娘的脸上，是标志青春健康的肤色，因而是美的，而出现在鼻子上则是一种病态，所以是不美的。中外古代的美学和艺术创作很早就注意到作品内容和形式的密切联系。如《维纳斯》他表现的女神的美，既是精神的，又是物质的，既包含形式又包含内容，他的美存在于灵魂和人体的统一和和谐之中，因而成为内容和形式高度有机结合的典范。 其次，形式因为具有相对的审美意识而具有相对的独立性。这是因为在美术作品当中，除了题材和内容以外，形式自身还另有审美价值，是由形式自身的规律所决定。就是指那些可以引起美感的特征。人类在长期的劳动实践当中，发现了一些美的规律，古代西腊人在建筑和雕塑的创作中非常注重符合美的规律。比如象雅典卫城的帕特农神庙，他的第一个特征是，规则被认为最完美的艺术形式，是达到完美的保证。第二个特征是注重比例，并用精确的数字来表现；二在各种理想的比例中，象我们知道的黄金分割就得到广泛的运用，我们可以从图中可以看出他的高和宽，以及其他比例中，都精确的运用了黄金分割；象《维纳斯》其上身和下身的比例也非常接近黄金分割，0.382：0.618，从这些例子中可以说明西腊在造型艺术上非常注重比例。他的第三个特征是灵活性，为了适应视觉需要，这些规则还可以修改，比如象人体比例，一般人都是七个头长或七个半头长，为了能更适应审美要求，把这种

浅析美术与电影的艺术交融

美术绘画艺术历史悠久，是历经千年变迁的古老艺术种类，电影的出现要远远晚于美术艺术。电影的原理是人眼的视觉暂留效应，从根本上来说电影是由若干幅画面构成的。由此可见，电影和美术之间有着密不可分的关系。 一、美术与电影：同源异流的两种艺术形式 色彩是电影艺术重要的表现元素，很多电影导演因为对电影色彩有着独特的认识和表现，形成了独具特色的导演风格，成为一代电影大师，深受广大观众的喜爱。彩色片出现之后，吸引了大量的观众群体，色彩将电影的造型表现提升到了一个前所未有的审美高度。从电影表现看，美术色彩在塑造人物角色上有着至关重要的作用。创作者在塑造人物形象时，要考虑画面的背景与人物之间的色彩关系，还要特别关注人物的服装造型、化妆造型的影响，综合多方面进行合理的色彩搭配，根据创作者的意图进行有意识的色彩表现。陈凯歌的《黄土地》给观众留下了深刻的印象。影片通过大量的镜头表现大面积黄色的土地，画面上方留下很窄的空间给蓝天，黄土和天空交接之处是流动着的红色的接亲队伍。这一幅由三种色彩所构成的画面，形成了极强的视觉冲击，在地域表现上独具特色。《黄土地》这部影片将色彩作为语言表达的有利手段，良好地突出了影片的主题，完成了人物塑造。 二、美术与电影：静与动的两种时空表达 影视的时间和空间是电影叙事表达的两大重要因素，绘画中的时间与空间也是绘画表现手法的重要因素，特别是中国传统绘画在历经千年的发展中，形成了独具魅力的时空表现形式。绘画表现更多的是在二维平面上进行三维立体空间的塑造，造成一种时间凝固的既视感，尤其是西方绘画更加追求绘画中的透视关系表现。而中国传统的水墨绘画手法，受中国古代哲人绘画思想的影响，在立体空间表现上侧重于对写意的表现。从这个角度看，西方绘画更加注重写实的空间表现，中国传统的绘画更加注重写意的时间表现，东西方绘画魅力不同，却各有千秋。 电影的造型在影片表现上也有着至关重要的作用。电影造型是影视空间的一种造型，需要对影片中的场景进行四个维度的美术设计。电影的表现是时间和空间的表现，这就要求在电影的美术造型中实现多方位、多角度的立体表现效果，在运动的镜头中呈现出逼真的视觉效果，既要符合情节发展的需要，也要在摄影上符合镜头运用的需求。电影的美术设计流程和手段，大多依据剧本的创作、情节的设置、人物关系表现、场景设计等方面进行设计，以上的多种方面会从不同角度影响电影美术设计的思路。除此之外，分镜头也是导演对电影美术设计要求的重要依据，导演根据分镜头设计拍摄角度和拍摄方法。因此，分镜头脚本是导演对影片美术造型要求的基础，也是体现电影美术设计师基本功的重要方面。 三、美术与电影：共同表现元素穿静入动的交融互渗 绘画是通过线条、构图、色彩进行艺术表现的，这些元素在电影艺术中反映的是电影中的造型、布景、色彩、光影等，这些正是电影美术的主要表现形式。由此可见，美术与电影之间是一种相互交融和相互渗透的关系。 1.造型元素的互融 电影美术是电影荧幕造型效果的重要保障，是电影实现视觉逼真性的根本手段。要使电影呈现出逼真的效果，就需要通过电影美术对形象进行造型。随着电影制作手段的不断发展，特别是3D技术的出现，社会对电影美术提出了更高的要求。这就需要电影美术技术人员用传统的绘画手段，通过新的技术手段，代替真人完成表演工作，以便于电影制作，扩大绘画的应用范围。 2.色彩元素的互渗 一部影片色彩上的表现对于影片的成败有着至关重要的作用。色彩是电影视听语言表现的重要手段，影片通过色彩语言能够有效地表现主题、传情达意。不同的色彩有着自身独特的色彩语言，如，红色代表着血腥、暴力、热烈、积极向上；黄色代表着明快、活泼、轻松、温暖；绿色代表着健康、恬静、安宁、平静。色调语言是一部影片整体风格的突出表现，如，高调活泼流畅、淡雅恬静，适于表现优美类型的情感；低调严肃沉寂、凝重神秘，适于表现深沉、肃穆的情感；软调性柔，适于表现柔和的情感。影片的色彩五光十色、绚丽多彩，色彩的艺术和影片的内涵是有机统一的。电影从绘画色彩中借鉴其表现手法，而在美术创作中，色彩更是绘画的重要表现语言。 结语 美术是最古老的艺术表达形式之一，电影与美术之间的互相渗透、互相融合是艺术表现的进一步升华。从根本上讲，电影美术在影片制作中的重要作用不言而喻。绘画艺术对电影影响深远，绘画是电影创作的重要思想来源，是电影制作的重中之重。 （作者单位：河北美术学院） 见习编辑缪健 编辑杨婷 浅析美术与电影的艺术交融 □张洁茹 摘要：电影是一门综合的艺术，集合了建筑、音乐、美术等多种艺术形式。电影艺术的衍生和发展是一个与多种其他门类艺术相互融合、创新的过程，这一过程也很难脱离电影对美术艺术的滋养和润泽。电影艺术源源不断地从美术中汲取精华，并为其所用，逐步形成独特的艺术样式。美术对电影的造型、服装、道具、化妆、光影等方面都有着重要的影响。 关键词：美术电影艺术色彩 42

设计美学试题

一、单项选择题 1 现代科学观的缔造者之一(伽利略)在天文学、运动的原理和定律、数学与经验的关联、实验科学或科学实验等方面进行了开创性的探索。 2 (培根)被同时代人赞誉为“自然大臣”,1620年出版的《新工具》 3 认为科学技术是生产力的是(马克思主义) 4 现代之父(塞尚)向世人揭示了新的“看”的方法。 5 在现代设计史上,(毕加索)是对现代设计影响最大的现代艺术家。 6 热的抽象代表为(康定斯基) 7 冷的抽象代表为(蒙得里安) 8 英国“水晶宫”的设计者是约瑟夫.帕克斯顿 9 纳粹时期素有“电动汽车之父”斐迪南.保时捷 10英国设计与工业协会,简称为“DIA” 11 英国工业艺术院,简称“BIIA” 12英国美术与工业委员会“CAI” 13英国国家工业艺术注册设计师“NRD” 14吉奥.庞蒂是20世纪二三十年代意大利设计界最有代表性且最富才华的人物。 15美国通用公司的简称为GM 16“后现代主义”一词最早出现于1934年出版的菲德里柯.德.奥尼斯的《1882—1923年西班牙、拉美诗选》中; 17在建筑上最早提出后现代主义概念的是美国建筑家罗伯特.文丘里。 18解构主义的始作俑者是法国当代哲学家雅克.德里达。 19美国建筑师弗兰克.盖里是世界公认的杰出的解构主义大师。 20中国最早的西洋美术摇蓝-----上海土山湾工艺院 21《癸卯学制》的建立标志着中国近代教育制度的确立。 22清政府于1905年正式废除了科举,成立学部。 23中国近代于1918年成立第一所国立美术院校—北京美术学校创立,设立图案系。 24--1620年出版的《新工具》一书作者是培根。 二、多项选择题 1 为努力探索而牺牲的科学家有(布鲁诺)(伽利略) 2 莫奈的作品有(卢昂.大教堂)(阿尔让特依大桥)

浅谈美术与电影的关系

学号：201202241 姓名：李广宝专业：美术学 浅谈美术与电影的关系 电影是一种能够通过自身内容将听觉、感觉与视觉完全阐述出来的综合性艺术，而美术则可以在电影的色彩、光影效果以及造型等众多细节方面产生极大的作用。美术与电影存在着密不可分的关系，美术是电影的生命,为电影提供源源不断的艺术养分和创作的来源,满足了电影创作中的新需求,同时电影的发展也让美术得以新的展现形式,两者在内在上有着不可分割的艺术联系,互为支撑共同成长。电影与美术的关系表现在以下几个方面： 一、美术与电影的历史渊源 相对于历史悠久的美术传统，电影是一门年轻的艺术，绘画一直被认为电影艺术的母体艺术，是不同时代和流派的美术作品为电影的视觉造型提供了足资借鉴的养分。彼得?格林纳威曾说:“我从来都深信，几个世纪以，无数在电影家之前的画家们对绝大部分问题已经提出并解决了，大批载着问题与答案的绘画作品构成了我们集体的记忆，是一笔取之不尽，用之不竭的财富??一切关心画面，渴望制作画面的人都应回过头来挖掘这座不断更新的巨大宝库。”一部电影的视觉风格由构图、色彩、光影、运动等元素构成。优秀的电影导演在影片视觉结构的处理上独具匠心，创造出极富艺术表现力的影像画面，并体现出独特的视觉风格。 早在1829年，比利时著名物理学家约瑟夫普拉多发现：当一个物体在人的眼前消失后，该物体的形象还会在人的视网膜上滞留一段时间，这一发现，被称之为“视象暂留原理”。普拉多根据此原理于1832年发明了“诡盘”。“诡盘”能使被描画在锯齿形的硬纸盘上的画片因运动而活动起来，而且能使视觉上产生的活动画面分解为各种不同的形象。“诡盘”的出现，标志着电影的发明进入到了科学实验阶段。1834年，美国人霍尔纳的“活动视盘”试验成功；1853年，奥地利的冯乌却梯奥斯将军在上述的发明基础上，运用幻灯，放映了原始的动画片。摄影技术的改进，是电影得以诞生的重要前提，也可以认为摄影技术的发展为电影的发明提供了必备条件。早在1826年，法国的W尼埃普斯成功地拍摄了世界上第一张照片“窗外的景”，曝光时间8小时。而在初期的银板照相出现以后，一张照片缩短至30分钟左右，由于感光材料的不断更新使用，摄影的时间也在不断缩短。1840年拍摄一张照片仅需20分钟，1851年，湿性珂珞酊底版制成后，摄影速度就缩短到了1秒，这时候“运动照片”的拍摄已经在克劳黛特、杜波斯克等人的实验拍摄中获得成功。1872年至1878年，美国旧金山的摄影师爱德华慕布里奇用24架照相机拍摄飞腾的奔马的分解动作组照，经过长达六年多的无数次拍摄实验终于成功，接着他又在幻灯上放映成功。即在银幕上看到了骏马的奔跑，受此启发，1882年，法国生理学家马莱改进了连续摄影方法，试制成功了“摄影枪”，并在另一位发明家强森制造的“转动摄影器”的基础上，又创造了“活动底片连续摄影机”，1888年，他把利用软盘胶片拍下的活动照片献给了法国科学院。可以说电影的产生是绘画艺术发展到一定程度，与光学技术、摄影艺术共同结合而生发的产物。 二、美术元素在电影艺术当中的运用分析 （一）色彩在电影艺术当中的运用分析