李唐之南宋山水画的变化

李唐之南宋山水画的变化

摘要：山水画在我国绘画史上是从汉末的人物画背景中演变出来的，到了宋朝山水画已经进入了成熟期。在笔墨的运用，绘画的形式以及作品的意境等方面显示了南北两宋山水画的各自的特点：北宋的画风厚重、刚健，南宋的却显得空灵和秀润，而两宋时的绘画已成中华民族绘画史上不可逾越的高峰。在这时期出现了许多著名的画家，他们留下的作品具有极高的艺术成就。画家中有一些能够体现南宋和北宋山水画画风演变的画家，其中最具代表性的一位就是李唐。

关键词：李唐；山水画

中图分类号：j205文献标识码：ａ文章编号：1005-5312（2011）11-0199-01

李唐，字晞古，南宋，约公元1083 -1163年，河阳（今河南孟县）三城人。初以卖画为生，徽宗赵佶当政时，补入画院。“靖康之变”被掳往北国，后冒死南逃，在太行山遇萧照，萧照拜其为师，同至临安（今杭州）复以卖画度日。绍兴十二年（1142）经宋高宗舅父韦渊推荐，授成忠郎，画院待诏，赐金带。年近八十的李唐，笔艺不凡，善画山水人物。其山水画初学李思训，后来融入自己的画法，使画面更加清新。李唐善作长图大幢，画山石用大斧劈皴，画水不用鱼鳞谷纹而有盘涡动荡之势，其作品艺术性极高。高宗尝题其长夏江寺卷云：李唐可比唐李思训，人物绝类李公麟，画牛亦得戴嵩遗法，为南宋四大家之首。他画人物，描绘工整，如《晋文

中国山水画的特点

中国山水画的特点 中国山水画不讲究形式上的相似，也就是说不太在意画得逼不逼真，而是讲究画的神韵意境，以简洁飘逸的笔法给欣赏者带去精神上的享受。 中国山水画的特点据本人的认识应具有以下要素； 1，让人看上去就感到宽广，气魄非凡。要有“方寸之间见万里”“气象万千”的气度。 2，有深度，一层一层，向远延伸，无有穷尽的感觉。 3，层次感要鲜明。块面要分隔开，让人感觉不同块面，立即知道各个块面之间的前后，左右关系。 4，你所要表达的主题是一遍文章的中心，应重点描写，交代清楚，其它的衬托部分强调意到，寥寥疏笔，点到为止，中国画强调意境，可以意到笔不一定到，不要面面具到，交代得太清楚，否则会冲淡主题，画蛇添足。 5，山水画中山石，树木力求新，奇，怪，险。让人有种新鲜感，凶险感。容易吸引观众，打动人。 6，要达到以上效果都是以笔墨来表现的，所以这是笔墨功夫非常重要，应不断练，一副画的层次高低，观此立杆见影。否则你再好意境无法达到。 7，山水画高层次，实景刻画是次要的，关键是“虚”的部分要处理好，说起来容易，要做好，却很难，因为“虚”的部分，常常是随意中产生的，搞不好，一副画就因此搞坏了。这也是水平的问题。一般达到中等水平的画家，写实一般问题都不大，要“虚”得好，就相当于写意画，难度相当高。“虚”的部分，就是给人充分想象的部分。也是意境体现的部分。非常重要。其他再引用一些高手的见解供大家参考；第一、“奇”；中国古代画论中既强调多样性又强调统一性多样性即反对平铺直叙，反对景物雷同。五代李成《山水诀》："千岩万壑要低昂聚散而不同；迭（山献）层峦但起伏峥嵘而各异"。同时也指出，景物不能雷同而要变化，要有强烈的比照。"既追险绝，复归平正。"也就是说中国山水画通常不画缺少对比的平原景色，总是喜欢表示地形地貌对照强烈、山高水深的名川大山。关山行旅图关仝，五代宋初长安人。早年师荆浩，后又师唐代名家王维、毕宏等，有出蓝之誉。喜作宏伟山势，求意境。第二、“远”；具体说就是散点透视。中国宋代的山水画家王微说："目有所极，故所见不周"。也是宋代山水画家郭熙在《林泉高致》中则提出山水画的“三远”表现法。也就是说中国山水画不

浅析南宋山水画的特征

龙源期刊网 https://www.wendangku.net/doc/aa12586952.html, 浅析南宋山水画的特征 作者：尹晓辉 来源：《文艺生活·文艺理论》2011年第02期 摘要:南宋山水画是中国古代山水画发展的一个高峰，院体画和文人画都取得了一定的成就，而院体山水占统治和主导地位，南宋四家李唐、刘松年、马远、夏圭是最有代表性的四位画家，其中李唐四四家之首，对南宋山水画的变革起了重要的作用，特别是在用笔用墨方面，而马远则是在构图方面做出了重大的探索。 关键词: 南宋；山水画；特征；南宋四家 中图分类号：J211.26文献标识码：Ａ文章编号：1005-5312（2011）05-0162-01 一、时代背景 我们在讲秦朝兵马俑的时候，一定会说到秦始皇；在讲到佛教美术时，一定会想起武则天；在讲到书法艺术时，一定会提到李世民；在讲到北宋美术时，一定会谈到宋徽宗。 公元1125年10月金人下诏攻宋，由于统治者软弱，军队节节败退，金人于1127年攻陷东京，北宋灭亡，就是历史上的靖康之变。同年康王赵构在南京称帝，建立南宋。南宋同样面对金人的侵扰，统治者对金求和，年年进贡，岁岁乞降。虽然在政治军事上比较的失败，但是却换来了长久的和平。加上北方的手工艺人大举南迁，极大速进了经济科技的发展，当时流传的一句谚语“苏湖熟，天下足”足以说明农业的发达，还有古代的四大发明中的三大发明活字印刷术、指南针、火药都在南宋，当时的物质文明和精神文明所达到的高度在历史上是空前绝后的。 宋室南迁之后虽然只剩下半壁江山，处于偏安动荡的局面之下，但是绘画艺术的繁荣情况仍不亚于北宋，高宗自己喜欢工书作画，在位36年，“访求法书名画，不遗余力，展完摩拓不少息”。开设画院，招揽画工，临安画院之盛，不减汴梁。此时的南宋统治者怀着强烈的苟且偷安情感，安逸享乐的情绪异常高涨，高宗重建画院，此时的绘画艺术进入最后的全盛阶段。 南宋的院体山水画达到极盛一时，其中的美学思想还是有很大一部分是对北宋文人画思想的继承。宋朝画论家十分重视意境的创造，如苏轼《题王维吴道子画》一诗说：“吴生虽妙绝，犹以画工论。摩诘得之于象外，有如仙翮谢笼樊。”所谓“得之于象外”，就是意境的创造。郭熙在《林泉高致》中，用“远”这个概念来概括山水画的意境，他说“山有三远，在山下而仰山巅，谓之高远。自山前而窥山后，谓之深远，自近山而望远山，谓之平远。”中国山水画家从一开始就讲究“咫尺万里”，讲究“远景”“远思”“远致”，也就是从一开始就追求“远”的意

两宋山水画构图差异

摘要：东晋顾恺之提到构图说：“若以临见妙载，寻其置陈布势，是达画之变也。”宗炳在《画山水序》提到“绢素以远映”、“竖划三寸千仞之高，横墨数尺，体百里之迥。”谢赫的“六法”中也提到经营位置，荆浩则提出“近取其势，远取其势”的观察方法等。历代先贤对构图做出了不同的见解，到两宋山水画构图在实践中不断的充实。两宋时期画家处于不同的政治、经济和地理环境，有着不同的传承，导致他们在山水画构图的审美方面趣味不一，从而创作出具有独特时代审美特征、面貌各异的山水画杰作。 关键词：山水画；构图；差异 一、北宋“以大观小”的全景式构图 宋太祖赵匡胤结束了五代十国混乱的局面，建立了统一的宋王朝，推行“重文轻武”、“轻徭薄赋”的措施，大力发展农业、手工业和工商业，使国家富有，平民文化昌盛。并设立了画院，艺术有了更多的发展空间，名家辈出，佳作硕果累累。画坛上山水画最为突出，继承五代时期荆浩的全景式构图的传统，描绘北方的大山大川，既体现北方山石雄浑、厚重的特点，也显示出北宋人民安居乐业的社会现状及对安定生活的满足从而流露出的民族自信心和自豪感。 北宋前期山水画以关仝、李成、范宽为代表的北派山水画独盛，以三家“鼎峙百代，标程千古”，关仝多写关陇一带，李成描绘齐鲁地域山貌，范宽经常往来陕西和河南的大山川之间，他们都是北方人，山水画客观的描绘气势雄浑邈远的北方山水，“以大观小”的全景式构图再合适不过了，能传达出大自然震撼人心的气势和雄强。采取全景式构图时，画面的安排严谨，细节的刻画仔细，多取完整的中、远景，描绘崇山峻岭，茂林高树，画幅饱满，视野开阔，山脉丘壑复杂多变，侧重于完整、客观地把握对象，表达的意境使人有丰富充实之感。如范宽《溪山行旅图》，作品给人的第一感觉巨峰壁立，扑面而来的悬崖峭壁占了整个画面的三分之二，气势雄强，给人极大的视觉冲击力，有无形的压迫感。画面山头杂树茂密，飞瀑从山腰间直流而下，中有烟云锁其腰，山脚下巨石纵横，在山路上出现一支商旅队伍，使全幅作品体势错综，观者犹如身临其境一般。构图简洁的分上下两块山石，一大一小，形成非常强烈的视觉对比，山体造型简单概括，方中带园，呈三角形组合。大山体成垂肩形，给人厚重感，同时画面重心上移，形成一股震撼人心的气势。大小山石之间留有烟云，即强化了山体之间的对峙又稍有缓和的空间，捕捉到北方山水雄伟、凝厚的特点。 三家之后，北宋的山水画朝多元化方向发展，如惠崇的“烟漠小景”等，但大体画风仍受北派山水影响。到中期，郭熙在《林泉高致》中提出山水画构图“三远法”--“平远、高远、深远”，这种构图法反映北宋山水画忠实于自然，注重理性思维的态度，为后来的山水画构图奠定了坚实的基础。后期王诜、米氏父子、王希孟等在构图上出现更多的变化，有些作品采取横幅、手卷或是小景山水。 二、南宋“以小观大”边角式构图 1127年微、钦帝被金所俘，京城汴京失陷北宋灭亡，赵构在南方建立南宋，政治、经济重心以杭州一带为主，国运衰微，山河破碎，国家偏安于一隅。休养生息一段时间后，宋高宗赵构又恢复了画院活动，早期画家中多原为宣和画院的南渡画家，沿袭北宋雄浑的山水画风格及全景式构图，但以边角式构图、重意境，以抒情的山水画才能真正代表南宋山水画的风格。南宋时期汉民族遭受异族的压迫，画家出于忧国忧民的心理，用残山剩水来寓寄爱国的情感。 南宋时期的山水画构图一改北宋时期的全景式构图，偏向局部景象为主的边角式。边角式构图是“去其繁华、采其大要”截取式的布局，从某一角度、局部或突出某一景物给画家带来独特感受着意经营，追求意境的营造。画面意象简括，隐现参半，以少胜多，对有限自然景物细节描绘中，传达出某种较为确切的诗趣与感受，显现出“人化自然”的特点，具有

29浅析文征明的山水画艺术特色

29 浅析文征明的山水画艺术特色 李晓/ 陈炜济南大学美术学院2015级硕士研究生/ 济南大学美术学院 摘要：文征明是明中期著名的画家，是明四家之一。文征明书法成就颇高，擅长山水、人物、花鸟多种题材，尤以山水画见长，将文人画的发展推向高峰。他注重师法古人，更注重师造化，以此形成了自己独特的山水画风格。本文通过分析文征明所处的社会、家庭环境等因素，探究文征明独特山水画风格的形成过程。 关键词：文征明；山水画；青绿 一、影响文征明艺术发展的因素 明代山水画的发展主要继承了宋元山水，明初戴进开创的浙派山水画师法宋代画家马远、夏圭，绘画以南宋的院体画风格为主，皴法主要为大斧劈皴，线条厚重。明中期在苏州兴起的吴门画派以沈周、文征明为代表，推崇北宋的山水画，师法董源、巨然。明晚期兴起以董其昌为首的松江派，师法董源、巨然、倪瓒、黄公望，与吴门画派的绘画风格联系密切。 作为吴门画派的代表人物，文征明并不似其他画家一样幼年成才。王世贞《文先生传》中说：“先生八九岁，语犹不甚了了”[]，他七岁才能站立，八九岁语言不顺畅，行动迟缓。文征明九岁时，其父文林就让他跟随吴宽学习古文，后来跟随父亲读书，十九岁因书法较差岁试三等。文征明因此下定决心苦练书法，大量临摹智永的《千字文》，每日临摹十本才肯睡觉，二十岁师从沈周习画，二十二岁拜李应祯为师父研习书法。文征明曾任翰林待诏，但日常工作只是给嘉靖皇帝讲解经传史鉴，这对文征明来说既感觉无所作为又被琐事影响，不能专心画画。五十七岁时，文征明决定告别仕途退隐山林，回到老家苏州过起了闲适、安逸的生活。 二、文征明各时期的山水画特点 文征明精通人物、山水、花鸟等各种题材，其中他的山水画数量最多。文征明的山水画题材大多是家乡的自然风光，于山水画中饱含对家乡的眷恋。文征明山水画风韵独特，十分注重水墨和色彩的运用。文征明成就最高的是青绿山水和水墨山水，如《万壑争流图》、《绿荫长话图》。 （1）早年绘画风格-古朴文雅 江南水乡秀丽的风景影响着文征明的绘画特点，他的青绿山水文雅且毫无匠气，《烟江叠嶂图》是文征明早期山水画的代表作。这幅山水画采用平远的构图方法，描绘了烟峦起伏的景色，用强劲有力的线条表现山石树木，对于山川细心描绘，设色浅淡，很少使用浓墨。 文征明早期山水画中的人物和树石都取法赵孟頫，除此之外还学习黄公望、倪瓒、王蒙等画家山水画中浓密的苔点。文征明的山水画多是描绘具体的生活环境，在自然中提取景色描绘。因此在他的山水画中，大都有人物的存在，这也使得他的山水画多了一丝雅趣。 （2）中年绘画风格-色彩奔放 文征明中年时期绘画风格在设色上有所改变，不再是浅设色，而是更加浓郁，随着练习的日益精进，笔法更加老辣，画面体现着文人气韵，这个时期的代表作品是《惠山茶会图》。画面中文人雅士品茶吟诗，有人在林中散步，有人在亭中赏画，整体作品风格青绿重色，在画山石树木中融入了书法用笔，以行书的中锋笔法晕染，偶时用侧峰，对山石用石绿染色，对树干用赭石和藤黄晕染；画面中的人物采用工笔的形式，树石的形态勾勒细致，树木分布有高低、疏密之分，主次呼应，整幅画高雅精致、情景交融。 这种青绿画法是在赵孟頫、钱选的山水风格上的创新之作，装饰意味浓厚，对所描绘对象如松树、山石以写实的手法层次清晰，较少用皴擦，多反复渲染，色彩厚重。 （3）晚年绘画风格-率真野逸 文征明晚年的山水画更具内涵和深意，在构图上愈加复杂，用笔放松自如，表达内心感受的作品较多。他晚年的代表作品是《绿荫长话图》，这幅画中两人坐在绿荫树下闲聊，树旁的小路向山间隐去，耸立的松柏线条干枯淡雅，山石的勾勒细腻结实，在构图上具有深远和高远的特点。这幅图与青绿山水相比很少渲染，树木的用笔凝练，山石放松概括，近景的古树刻画精细，皴法细腻再加以晕染，中景的古松皴擦出了斑驳的树干，茂密的松针用利落有劲的线条显得整个古松越发挺拔。

中国写意山水画的特点及举例

1、以形写神，以神写意。 从古到今，中国的绘画一直围绕着一个形的问题在作文章。在绘画的初萌阶段，由于造型能力差，那时的形是简单而幼稚的，是似是而非的，也可以说是“以意表形”。随着绘画经验的不断积累，写形的功能大大提高，进入了“以形写形”的阶段。但随着时代的发展，画家们并不以形似为满足，逐渐认识到了“神似”的重要性。即在造型上表现对象的内在本质精神面貌和性格特征，才算真正达到绘画的目的。 最先提出“以形写神”理论的是人物画家顾恺之。后来引伸到中国写意画领域，逐渐比为“以神写意”的意象造型观念。是中国的写意画摆脱了自然形的限制，而追求以笔墨为载体的情感宣泻。由于开拓了表现上的自由空间，画家笔下的形象既跳出了特定时空中客观物象再现的制约，又由于形的限制而避免了过于的随意性。使作品既来源于生活，又高于生活，既有形的观念，又有自我情感的表露，达到极完善的幻化境界。关于形神论的观点，历代都有不少精辟的论述。北宋苏轼提出“作画以形似，见与儿童邻”，虽不免过于偏颇，但观点是明确的。元代倪云林的“逸笔草草，不求形似”，则是文人画家的一种偏激言词。二者都没有把形神的关系界定清楚。对中国写意画的形神问题阐述的最精僻的莫过于齐白石，他说：“不似为欺世，太似则媚俗，妙在于似与不似之间”。似与不似之间就有了一定的空间，画家在作画过程中，积极地去作物象的内在本质即神韵的追求，为了达到目的，就要对物象的特征加以强调、夸张，对形进行必要的概括、取舍、归纳。这个过程叫做“遗貌取神”，这种造型观念叫做“意象造型”。 2、骨法用笔、以书入画。 “骨法用笔”是谢赫六法中第二位，它用“气韵生动”是六法中最重要的两个概念。“骨法”是指客观物象的形神结构，“用笔”则是用笔方法，用笔技巧和艺术表现。唐代张彦远在《论画六法》中提出“骨气形似皆本立意而归乎用笔”。说明“骨气用笔”的内涵是十分丰富的，它不但要表现客观对象的基本结构、神韵，还要表达画家的主观感情和艺术创造。在写意画中，笔墨还有独立的审美价值，表现为特殊的用笔方法所产生的形式美，也表现为笔墨情趣。 黄宾虹先生根据中国画的审美要求，总结前人和自己的创作经验，把用笔归结为平、圆、留、重、变五法，他说：“用笔须平，如锥划沙；用笔须圆，如折钗股，如金之柔；用笔须留，如屋漏痕；用笔须重，如高山堕石。”以上是用笔所追求的一种境界，至于具体操作中如何灵活掌握，还要懂得一个“变”字，要留有余地，要掌握好分寸，过分了同样也是弊病。黄宾虹、齐白石、潘天寿、李可染等先生追求线条的凝重深厚，注重留的作用，因此行笔相对较慢，但也并不是处处都慢，该快时还是要快的。有的画家追求线的流畅，行笔速度相对较快，有气势磅礴、一气呵成之感。至于怎样才好，这与每个人的实践经验、审美情趣有关，不可强求一律。至于用笔中的苍、老、活、松、涩、劲、毛、挺、圆、厚的艺术效果，一个“变”字都能概括，靠在实践中去体会去灵活掌握。

中国水墨画介绍

中国水墨画介绍 水墨画：由水和墨经过调配水和墨的浓度所画出的画，是绘画的一种形式，更多时候，水墨画被视为中国传统绘画，也就是国画的代表。也称国画，中国画。基本的水墨画，仅有水与墨，黑与白色，但进阶的水墨画，也有工笔花鸟画，色彩缤纷。后者有时也称为彩墨画。在中国画中，以中国画特有的材料之一，墨为主要原料加以清水的多少引为浓墨、淡墨、干墨、湿墨、焦墨等，画出不同浓淡（黑、白、灰）层次。别有一番韵味称为“墨韵”。而形成水墨为主的一种绘画形式。 简介 水墨画，是中国绘画的代表，也就是狭义的“国画”，并传到东亚其他地区。基本的水墨画，仅有水与墨，黑与白色，但进阶的水墨画，也有工笔花鸟画，色彩缤纷，后者有时也称为彩墨画。中国水墨画的特点是：近处写实，远处抽象，色彩微妙，意境丰富。 黑白调子的水墨画早期都是以山水画的形式来表现的，虽然仅有黑与白，但因为纸色的关系，其实是略为偏黄的。彩色的水墨画在近代有泼墨山水的应用，也有水墨动画的应用。 与水墨画有关的还有水墨版画。与一般版画不同的是，水墨版画虽然也是木刻版画，但使用宣纸作为纸材，在不同的地方重复水墨印刷，层层渲染的效果，使得每一张作品都明显不同，也具有水墨画的美感。 中国画的一种。指纯用水墨所作之画。相传始于唐代，成于五代，盛于宋元，明朝及近代以来续有发展。以笔法为主导，充分发挥墨法的功能。 “墨即是色”，指墨的浓淡变化就是色的层次变化，“墨分五彩”，指色彩缤纷可以用多层次的水墨色度代替之。北宋沈括《图画歌》云：“江南董源传巨然，淡墨轻岚为一体。”就是说的水墨画。唐宋人画山水多湿笔，出现“水晕墨章”之效，元人始用干笔，墨色更多变化，有“如兼五彩”的艺术效果。唐代王维对画体提后人宗之。 长期以来水墨画在中国绘画史上占着重要地位。水墨画是中国画的一个分支结构，是组成中国画体系的元素之一。从物理的角度，水墨画就是用毛笔蘸着墨和水的合成物，描绘在宣纸上的一种绘画形式。 艺术特征 水墨画是中国汉族特色较强的一种绘画艺术形式，借助具有本民族特色的绘画工具和材料（毛笔、宣纸和墨），表现具有意象和意境的绘画。其特征主要有两个方面，一是从工具材料上来说，水墨画具有水乳交融，酣畅淋漓的艺术效果。具体地说就是将水、墨和宣纸的

北宋山水画有哪三大主要流派

北宋山水画有哪三大主要流派 北宋南北两大山水画派中的李成、范宽、董源以不同的画风和卓越的贡献，创立了当时三大主要流派。荆浩虽然开创了北宋北派画派，并著有经典的《笔法记》，对山水画作出了杰出的贡献，然而，荆浩，包括关仝、李成在内则没有一幅作品传下来。我们从实际的记载中和后人的有关摹本可以了解到，荆、关、李三人中，起决定性的是李成。米芾曾云：“李成真见两本，伪是三百本。”可见李成的影响是巨大的。他画的水墨山水，善用淡墨的情韵，体现山水的灵秀，展现的是文秀的一路。米芾又谈到：“李成淡墨如梦雾中，石如山动。”李成创造了“卷云皴”，他的作品虽没有留下，但从师承李成的郭熙的画中可以看到卷云皴的表现形式。“卷云皴”是最早也是影响最深远的山水画皴法之一。北宋另一主要流派山水画家是范宽。范宽与李成虽然是北方流派，但是与李成有很大的不同。他的画体现的是壮武的风采，王诜将他与李成比较，称之为“一文一武。”范宽传世的作品有《溪山行旅图》、《雪景寒林图》等。他画山水，强调主峰突出，要占三分之二的画面。以一种雄伟峻厚的气势，显示一种咄咄逼人的威严。同时，范宽又十分重视具体景物深入细致的刻画，精心经营山坳深壑中的飞瀑流泉和山峦的顶端密密层层的树木。特别是正面的山体以稠密的小笔，皴出山石巨峰的质与骨。这种皴法便是后人所称的“钉头皴”或“雨点皴”，稍大一点的被称为“豆瓣皴”。与北派两家对峙的便是以董源为代表的江南山水派。董源笔下描绘的是江南景区。米芾对他也有很高的评价：“平淡天真，唐无此品，在毕宏上。”《夏山图卷》等便是他的代表作。董源最大的成功之一是创造了最能表现江南山石形质的皴法“披麻皴”同时他又十分讲究淡墨的渲染，使湖山增强了湿润的感觉。最后他还用点来丰富表现手法，重重叠叠的点，使江南的湖光山色增添了郁郁葱葱的感觉。董源的继承者有巨然。巨然山水在董源的基础上开创了“长披麻皴”，然后再以焦墨破笔点苔。浓点淡皴，更显得气格秀润，墨彩腾发。由于北宋三大主要流派的争奇斗艳，使中国的水墨山水画，形成耀古开今的局面。

浅谈山水画学习的心得体会 -

【标题】浅谈山水画学习的心得体会 【作者】罗礼洪 【关键词】山水画学习方法写生艺术 【指导老师】陈文安 【专业】美术学 【正文】 引言 中国山水画从古到今流传几千年，有着悠久的历史。中国山水画至今流芳百世，山水画的技法千奇百怪，变化多端。应从实践中去理解、去学习，实践是检验真理的唯一标准。只有写生才能形象地、真实而具体地深入认识客观世界丰富和提高形象思维。写生是对客观事物的认识、认识再认识、不断深化的过程。在写生的过程去学技法和规律，掌握一般规律，这样才能更好的提高自己审美观、价值观、人生观。当然艺术决不是某一种事物的图解和说明，它是艺术家在深入生活中得到了深刻的认识和强烈的感受。艺术也是要求对生活进行高度集中和概括，要求典型化、理想化、从而创造出比现实更美好，更富有诗意，更理想的艺术境界，创造出革命时代新的意境。 美术是创造性的工作，真正搞好是不容易的。路子要走正；还要下很大的苦功夫。“生而知之，不学而能”是没有用的，只有学而知之。对学画的人来说，天份是有高低区别，但也只是学习上有快慢之分，绘画本身应该说是很难的，因为它不仅是门学问，同时还要有很高的技能。因此我认为要了解很多学术知识。首先了解绘画基本功如下： 一、学习山水画的基本功至少有三个方面的要求 1、是一般的造型能力。绘画语言是以可视形象反映客观事物，造型能力不好等于没有绘画语言，造型能力，指对形象、轮廓、明暗、层次、透视等的描绘能力。即对客观事物的刻划要准确，提高一般的造型能力，是艺术发展首要的前提。 怎样对待素描？我认为学中国画，山水画学点素描是可以的，或者说是必要的，素描是研究形象的科学，它概括了绘画语言的基本法则和规律，素描的唯一目的，就是准确的反映客观形象。客观描绘的准确性、体面、明暗、层次。光线的科学道理，对中国画的发展只有好处，没有坏处，我们的一些前辈画家。特别是徐悲鸿把西洋素描的科学方法引进中国，对中国绘画的发展起了很大促进作用，这是近代美术史上的一大功绩，我想这是任何人都不能否认的。有人说：学中国画的学了素描有碍民族风格的发展，我是不同意这样的看法，我学素描时间比较短，我曾有补习素描的打算，假若我的素描修养能再多些，对中国画创作会带来更大的好处，说西洋素描会影响发展民族风格，这是一种浅见。缺乏民族风格关键在于对民族传统的各个方面没有进行深入的研究，没有把自己民族的东西放在主要地位，而不在于学了素描。实践是检验真理的唯一标准，徐悲鸿先生在欧洲学习素描功力最深，造诣也最高，后来他画了大量的中国画，能说他失去民族风格了吗？我看不光没有失去，反而是促进了中国民族绘画艺术的发展，使民族风格发出了新的光彩，中国是一个有高度发达的传统文化的国家，在中国美术史上，一些外来的文化传入，中国都有能力吸收消化，都曾变成为有益有滋养，促

浅绛山水画简介与画法

山水画在我国发展的历史悠久，至今如今，也是我国主要的绘画形式之一，而对于山水画的种类也是有不少的，其中浅绛山水，山水画的一种。而它的画法特点是素雅青淡，明快透澈。 浅绛山水画 一、浅绛山水画定义 1、浅绛(jiàng)山水 山水画的一种。在水墨勾勒皴染的基础上，敷设以赭石为主色的淡彩

山水画。《芥子园画传》说：“黄公望皴，仿虞山石面，色善用赭石，浅浅施之，有时再以赭笔钩出大概。王蒙复以赭石和藤黄着山水，其山头喜蓬蓬松松画草，再以赭色钧出，时而竟不着色，只以赭石着山水中人面及松皮而已。”这种设色特点，始于五代董源，盛于元代黄公望，亦称“吴装”山水。工艺绘画中亦见。 2、浅绛山水画特点 浅绛山水画法特点是素雅青淡，明快透澈。清代沈宗骞在《芥舟学画编》中说：“浅绛山水，则全以墨为主，而其色轻重之足关矣。”他强调了，笔墨仍为画面状物构形的基础，墨色足后，略施淡彩，画面色调单纯统一，减少浓淡和轻重的变化，而其色多施于山石之上。 二、浅绛山水画笔墨技法 1、浅绛山水画简介 中国画的笔墨技巧，不能完全依靠对实物的写生来获得。继承和学习前人经验对于山水画家是不可缺少的一课。师古人与师造化必须统一起来，才能丰富中国画创作。因为中国山水画是靠笔墨为构架的画种，所以初学者必需打好传统的基础，从一石一树的用笔开始，慢慢积累，日久天长了解了山川的来龙去脉、树木的穿插以及江

绘河水口的处理方法，这是一个阶段。在掌握了一些传统技法之后，要走到生活中去搜集素材，更要认真、仔细地观察自然，否则得来的画稿一旦入下来头脑顿有空茫之感。然而创作并非都是临摹自然景观，也不是放大和重复写生稿，所见之物只能作为依据，是创作的基础。应思虑将生活中观察得到的感受及特征如何表现出来，从而创作出现实的艺术作品。学习山水画要融汇百家冶炉自炼，在学习了传统技法又回到自然中体悟之后，还要善于吸收现代或当代著名画家的技法，要学习他如何观察自然、表现自然以及如何运用适当的语言，同时更需要了解画家的社会背景、个人历史及修养状况等等(因为我们了解古人很困难)，这样我们也容易根据自己的情况，应该补充什么，发展什么，然后找到自己的切入点，也就是扬长避短吧。最后再谈一点看法，就是作为一个国画家应该保持清醒的头脑，致力于弘扬民族文化是我们每位中国画家的责任。随着中国改革开放的不断发展，不可避免的中西文化的摩擦和冲突，已波及到中国画的创作，同时也向我们提出了新的问题，这就是时代赋予我们的任务。其一，我们不要担心西化，中国画是中华民族自己的文化，土生土长几千年。历史为证，不会被任何一种文化所代替，她必将保持自己的特征而成长壮大;其二，要“洋为中用”，中国画发展到今天，也确有前人吸收了很多西方文化及绘画的有益之处，并且很成功，其三，中国的山水画最能发扬民族文化精神。因此，山水画的创作，不是一个单纯的技法问题，任何一种艺术都是和诸多因素(包括社会科学)相关联的，所以，做为一个画家应注意不断地提高自身修养是非常重要的。创作浅绛

阐述宋代南北山水画的异同

一．阐述宋代南北山水画的异同 宋代的绘画是中国绘画艺术发展的高峰，它所反映的现实生活内容，在古代绘画史上是极为突出的。宋代绘画运用多彩优美的艺术表现形式，创造了很多的艺术表现手法，和社会有着密切的联系。宋代的山水画在绘画艺术上有着许多重要的创作。山水画追求优美动人的意境情趣，注意真实而巧妙的艺术表现，并努力进行形象提炼，有着高度的写实能力北宋统一了封建割据造成的分裂和隔阂，在一段时间内保持着相对安定的局面，商业手工业迅速发展，城市布局打破坊和市的严格界限，出现空前未有的繁荣。宋初100余年间大体遵循五代绘画传统。院体花鸟画以黄家富贵体为规范，道释画中以吴家样影响最大，山水画以院外画家成就最高宋代山水画得到了空前的的发展。李成，范宽，许道宁，燕文贵等山水画画家。李成和范宽是北宋初期山水画家的代表，上承荆浩以水墨为主的传统，以表现北方雄浑壮阔的自然山水为主。与北宋山水画相比，南宋山水画从内容到形式上都出现了新的变化。南宋山水画的代表人物是后来被称为“南宋四家”的李唐，刘松年，马远，夏圭。他们在继承前代的基础上都有所创新，将北宋雄浑壮阔的全景式描写演化为南宋精巧简洁，“水墨苍劲”的诗意挥洒。在山水画从北宋风格向南宋风格的转变中，李唐起到了决定性的作用，南宋的山水画风格实际上是以李唐个人的风格为基础的。

二．主张： 反对追求精雕细琢的宋代院体画，力主“作画贵有古意”，认为运笔技术书画同法；提出以“云山为师”的口号，强调了画家的写实基本功与实践技巧，克服“墨戏”的陋习；出“书画本来同”的口号，以书法入画，使绘画的文人气质更为浓烈，韵味变化增强；提出“不假丹青笔，何以写远愁”的口号，以画寄意，使绘画的内在功能得到深化，涵盖更为广泛。影响影响影响影响：赵氏通过批评“近世”、倡导“古意”，从而确立了元代绘画艺术思维的审美标准。作为价值学原则，赵孟頫既维护了文人画的人格趣味，又摈弃了文人画的游戏态度；作为形态学原则，赵孟頫既创建文人特有的表现形式，又使之无愧于正规画的功力格法，并在绘画的各种画科中进行全面的实践，从而确立了文人画在画坛上成为正规画的地位。应该说，赵孟頫使职业正规画与业余文人画这两种原本对立或并行的绘画传统得以交流融汇，从此，一个以文人画家为主角，以建构文人画图式为主题的绘画新时代，拉开了序幕。 三． “吴门画派”简称“吴派”，一般认为始于沈周，成于文徵明，加上唐寅和仇英，是为“吴门四家”或称“明四家”。明代中期以后“吴派”逐渐取代宫廷绘画和“浙派”的地位，在社会上、尤其是在文人士大夫当中受到重现。历史背

宋元时代山水画的艺术

中国山水画是以自然风景作为描写对象的绘画形式，它作为一个独立的画科，至今已有一千多年的历史。它孕育于秦汉，萌芽于魏晋，独立于隋代，成熟于唐代，于宋元达到高峰。 宋元是山水画的鼎盛时期，名家辈出，流派纷呈，集中体现了古代山水画的艺术成就和审美特征。、题材、内容广泛，江南江北，名山大川，宫景台阁，村野渔樵，各尽风貌。从形式上看，水墨、淡彩、青绿巧整点缀，皴法、构图、题款各具特色。其分类主要有青绿山水、浅绛山水和水墨山水三种，分别以工笔或写意的技法形式予以表现。 北宋之初以巨然、李成为代表，形成南北两家流派。李成以画“寒林平远”著称，画家依据自我的观察，以强调近景、中景，由近及远按比例逐渐放小的方式来描绘北方平原苍茫的地形面貌；同时还关注季节气候与环境的描写，创作出具有荒漠和严酷季节的“寒林”的形象，烘托出一种荒寒而悲怆的诗意。从而形成“气象萧疏，烟林清旷，豪锋脱颖，墨法精微”的作品面貌；李成的山水画在北宋被誉为“古今第一”。、至后是以北方画派的范宽、郭熙为代表形成“雄健与秀美”的两种流派。北宋初期的李成、范宽与中期的郭熙深受荆浩的影响，作品仍体现着雄浑壮美的五代之风；范宽常年深入终南山、太华山，对景凝想与构思，其山水画的风格与李成的风格迥然不同，偏重壮美气势的意境表达，用碎而坚实的笔墨皴出富有质感的壮观山石，山顶设置密林群体结构，一泻千尺的瀑布装饰点缀，使北方山川的壮美有着身临其境之感。范宽晚年笔墨更趋“枯老”“劲硬”之笔触，成功地刻画出北方关狭地区“山狭浑厚、气势雄拔”的山体形象。范宽的代表作有《鼷山行旅图》《雪景寒林图》（天津艺术博物馆藏）。郭熙是北宋中期山水画成就的代表。他的《早春图》准确地描绘着季节风景之特征。以其秀劲的格调透发出李成的影迹。其绘画作品还有《鼷山秋霁图》《关山春雪图》等，郭熙以大师特有的谦虚与诚恳直言道：“今齐鲁之士，唯摹营丘；关陕之士唯摹范宽。”并反对其时的因袭之风，“不局一家，必兼收并览，于自然中饱游饫看。”充分体现了郭熙的绘画作品笔法严谨而挺健，斧劈斫法，苍劲中极富阳刚之美。同时，也体现了郭熙极严肃的创作态度。 北宋后期杰出的青年山水画家王希孟的《千里江山图》画卷，该卷兼具精工和神韵两大特色，大青绿着色，细致富丽，呈唐人之风；江南的“米氏山水”烟雨迷蒙，富有文人意趣，自成一家。画卷表现了峰峦绵亘，幽岩深谷，江河旷远，天地苍茫，宏大雄壮的祖国山河景象。全面继承了隋唐以来青绿山水的表现手法，突出石青石绿的厚重、苍翠效果，使画面爽朗富丽。其次，在北宋，赵伯驹、赵伯骕以青绿山水见长，画风上承唐代李思训而又有新创，在设色山水画中，北宋中期提倡“小景山水画”，以坡坂汀渚、小山丛竹、江湖水鸟为题，赋色淡雅简练，有实有虚，充满文人情趣。 南宋时期山水画家以李唐、刘松年、马远、夏圭最为知名，四人并称“南宋四家”在继承北宋成就的基础上又有了新的发展和突破。在“南宋四家”中，李唐是一位承上启下的关键人物。李唐的山水画作品《万壑松风图》(台北故宫博物院藏),李唐早期受荆浩的影响，作品气势峻厚，峭拔雄浑的北方山水刻画得细腻真实，使用的是典型的“小斧劈皴法”，刻画的山石仍然是雷霆万钧的阳刚力量，其作品逐成笔墨精练、阔略豪放、元气淋漓的风格审美特征。山巅的丛树，近处的松林，有隐有现的石径，加强了画面幽深的情调。左方中景各有瀑布一线垂下，几折而后，转成一滩溪涧，涧水穿石而过，如闻声响，真是画到有声就是诗。李唐在晚年将山水画的构图和表现语言运用得简练概括，开创了勾皴同时进行的技法，为马、夏画风的兴起做了铺垫。 马远的《踏歌图》《倚松图》与夏珪的《临流抚琴图》，画中有诗，突破了前人的全景式构图，多画边角之景。“马一角，夏半边”。笔墨简约，形象清奇，追求诗的意境创造，是南宋山水画的主要特点。特别是《踏歌图》这幅画在北宋全景构图法中有所创新，精心提炼选取自然中最美的一角，达到“计白当黑，无画处皆成妙境”的造型于方硬中挺拔，皴法上除了马虫鸟远常用的“大斧劈皴”外，还使用方头尖尾“钉头鼠尾皴”。画面体现了马远利用“边角之景”独创意象所产生的魅力。在此绘画作品上所表现的“踏歌”，尤其是《踏歌图》通过四个年龄、姿态各不相同的点景人物“踏歌”的形式，将丰年带给人们的欢乐，生动地表现出来，人物附于自然山水的描绘，使整个画面统一在典雅、秀美、轻快的审美情绪意境之中。 元代山水创作分为前、后期，元代前期的山水画创作群体主要有江南地区的“遗民画家”、非汉族画家以及蒙元宫廷或贵族赞助的画家所组成。其中以遗民身份出现的代表画家有钱选的《浮玉山居图》（上海博物馆藏）、赵孟頫的《幼舆丘壑图卷》（美国普林斯顿大学美术馆藏）、“风尚古俊”的《鹊华秋色图

美术鉴赏论文浅谈中国山水画

浅谈中国山水画 【摘要】中国山水画是中国人情思中最为厚重的沉淀。 游山玩水的大陆文化意识，以山为德、水为性的内在修为意识，咫尺天涯的视错觉意识，一直成为山水画演绎的中轴主线。从山水画中，我们可以集中体味中国画的意境、格调、气韵和色调。再没有那一个画科能像山水画那样给国人以更多的情感。若说与他人谈经辩道，山水画便是民族的底蕴、古典的底气、人的性情。 【关键词】山水画中国底蕴文化古典 一、中国山水画的起源 中国山水画的起源可追溯到三国时代，顾恺之的《画云台山记》中所叙述的《云台山图》证实了我国不但有山水画，而且起源于三国。顾恺之，字长康，江苏无锡人，精于人像、佛像、禽兽、山水等，博学多才，艺术造诣很高，素有才绝、画绝、痴绝之称，他的《论画》极大的促进了隋代以后我国山水画的发展，而后而后宗炳的《画山水序》王微的《叙画》，进一步的证实了我国的山水画的由来，且证实了山水画的素材来源于真山真水的写生，绝非人为臆造。

---《洛神赋图》之一，东晋著名画家顾恺之绘制(宋摹) 二、中国山水画的独立 隋朝的时候，由于政教的关系，因此绘画受到重视。隋朝绘画扔以人物或神仙故事为主，但山水画已发 展成独立的画科。展子 虔与董伯仁齐名，与东 晋顾恺之、南朝陆探微 及南朝梁张僧繇并称 前唐四大画家。展子虔历经北齐、北周与隋朝，曾在隋朝任朝散大夫，后任帐内都督。画过佛教画《法华经变》，风俗画《长安车马人物图》，但均没有传世。其山水画《游春图》，用勾勒刷法，著大青绿。空间透视安排合理，注意远近关系和山树人物的比例，能够于《游春图》-展子虔

咫尺之中，具备千里之趣。这证明了隋朝的山水画已经彻底解决“人大于山，水不容泛”的空间处理问题，成为卷轴山水画兴起的代表作。 二、中国山水画的成熟 唐代是我国历史上最强盛的时期，随着政治、经济、军事、教育、体育、音乐、外交……的发展，山水画教育开始设科，学画的人越来越多，王维、李思训、李明道、吴道子、阎立木、张萱、张燥邓等是最有名望的画家。大诗人王维曾任尚书右承、安史之乱后隐居于陕西蓝田辋川。其材艺双全能诗能画。诗歌以山水见长名扬史册，绘画尤长水墨，他的《雪溪图》、《孟浩然马上吟诗图》、《雪山图》、《辋川图》等。被宋代苏轼赞为：“诗中有画，画中有诗。”成为后世文人追求的最高境界。李思训出身于唐宗，他不仅是当代最有名的大画家，而且是屡建奇功的右武卫大将军。他受展子虔的影响，从形式上推动了山水画的主体，继承了六朝和隋代的山水画的技法。他的艺术实践使唐代的山水画得到了发展，也感染了许多精专山水画家。其子李昭道就是一位举足轻重的人物。他父子的青绿山水画同水

中国山水画的起源与认识

（一）教学目标 1、知识目标 通过对山水画的赏析，认识画家的思想境界，理解画家的心境，逐步做到学会从自然风景或画中去体会山川的美好无尽的变化，丰富自身的感受能力。 2、技能目标 引导学生获取正确的欣赏思路，把握对中国山水画审美的理解，提高鉴赏水平，以达到自身整体艺术素养的提高。 3、情感目标 引领学生了解中国山水画天人合一，情景交融的艺术特点，感受其中包含的内涵，激发学生热爱祖国传统文化和对传统文化的了解热情和愿望。 （二）课型及工具 使用课本，多媒体，图稿教学，并结合山水画观摩、写生与创作、教师范画与技法演示等途径实施教学。 （三）教学课时 12课时 （四）教学内容 本课内容分为二个部分： 1、通过山水画中的经典作品，将山水画的创作原则介绍给学生，也为学生指出理解山水画 家创作思路、正确欣赏山水画的门径。 2、通过将传统山水画与西方风景油画进行对比，进一步引导学生探寻中国山水画造型、造 景的审美特点。 （五）、重点与难点 1、本课教学重点应放在理解中国山水画创作理念上，学生应通过亲自分析、鉴赏中国山水 画，体验教材阐述的相关知识，并通过其他途径接触优秀作品及作品分析，积累经验，提高理解能力和鉴赏力 2、本课难点在于中国画的创作方法与西画不同，是以生活中真山真水为原型，经画家内心， 借笔墨技巧，艺术地创造出来的，不能只经认真地写生完成学习全过程，必须掌握独特的造型方法，融合自身感受方能完成。

（六）教学过程 1、复习。 2、引入： 思考： （1）、大师使用什么工具材料作画？ （2）、大师是否根据写生对象去摹写？ （3）、你觉得大师此刻的作画心情如何？ 3、新课 （1）、出示题目：天人合一、情景交融——中国山水画 （2）出示学习目标，请各小组的组长把课前搜集到的资料给大家分享。 （3）、教师导语：中国山水画历史悠久，内涵丰富。自隋唐以来，名家辈出，画风多变，无论是鸿篇巨制，还是精雅小品，名作遍于画史。高中阶段研习山水画，目的是要提高同学们的基本美术素养，不求全面的把握，重在了解、感受、认识中国山水画，积累一些相关的知识和经验。所以，这节课，第一：我们要了解中国山水画哪种天人合一，情景交融的艺术特点，感受其中包含的传统文化；第二：通过分析作品，获得欣赏思路，把握对中国山水画审美内涵的理解；第三：比较中西绘画的不同方法。 （一）、经典作品赏析： 出示《雪景寒林图》 读画、思考：（学生分组讨论，小组代表回答） （1）、画中有什么景物？观后有什么感觉？ （2）、从画中的高山、峻岭、积雪、重林、建筑，猜猜画家当时作画的心境？ （3）、范宽为什么能画出如此传神之作？ （4）、出示《雪景寒林图》作品分析，教师简介画家背景。 范宽（约950—1027）又名中正，字仲立，华原（今陕西耀县人）。他常住终南、太华山中，深入体验山水风神画骨，他认为“师于人”不如“师诸物”，“师诸物”不如“师诸心”。即摹仿古人，不如反映现实；反映现实不如表现个人的情思。此画为绢本水墨。古人称范宽“得山之骨”，天下人称宽“善与山传神”。是说范宽能将山水内在的东西表现出来，也就是把自己的感受反映到画面中，再去感动别人，产生共鸣，达到物我交融的境界。

论两宋山水画之特点及代表

论两宋山水画之特点及代表 两宋绘画是中国美术史上的高峰时期,人物、山水、花鸟画确立了中国绘画的审美规范,建构了独特的绘画符号,对后世产生深远的影响。而当我们谈论两宋绘画时，不能忽视的话题是北宋画院，以及两宋的山水画。 画院原指中国古代宫廷中掌管绘画的官署，其职能是根据皇家需要绘制各种图画等，最早设立画院始于五代，而其盛兴就在于两宋。画院的发达在一定程度上也促进了两宋绘画的繁荣。随着北宋王朝的建立，洛阳，开封等地成为了画家云集及创作最为活跃的地区。而此时的山水画也在五代的基础上不断发展，在继承的同时开始着力于展现关洛一带大自然胸围开阔的景象。而在于北宋前期，以李成，范宽最为基础，他们与五代时期关仝并成为最具影响力的“三家山水”。 李成，由于战乱，举家迁至山东营丘。而也正是齐鲁大地的自然环境给了他新鲜而深切的感受，也正是这样的感受也使得其在技法形式上上形成了自己的特色。李成擅长寒林平远之境，其画作“气象萧疏，烟林清旷，豪锋颖脱，墨法精微”，自成一格。《晴峦萧寺图》《读碑窠石图》也成为李成的代表作。其《晴峦萧寺图》分为远近中三阶段构图，以主峰为中心，画面峰峦叠嶂，构成深远空间。 北宋另一山水画代表性人物，范宽。范宽此人嗜酒好道，但性情温和。由于其长期居住于终南山和太华山之中，对于山中林麓，峡谷等具有深厚的感情和独到的理解。他将领略到的山川之趣和其对山川的感情表现于画作之上，“山川传神”。范宽的画作构图严谨，完整。气

势逼人。其《溪山行旅图》堪称古代山水画的典范之作。正中的雄峻大山占据了全画的三分之二。给人以鲜明的印象；一泻千里的瀑布，潺潺的溪水以及山路上驴队行旅，极其生动的真实的表现出北方山川的壮美。范宽的另一代表作《临流独坐图》也是极具其跟人风格。范宽还以画雪而著称，《雪景寒林图》《雪山萧寺图》都可以称为其画雪的代表之作。 到了北宋中期，出现了“文人墨戏”之风的影响。到了徽宗时期又有一个新的山水画派异军突起，即所谓“米点山水”。所谓“米点山水”，在绘画中多借鉴董源画法，多用水墨点染，不拘形色，充分发挥墨色晕染的效果，有含蓄空朦之韵，“信笔为之，多以烟云掩映树林，意似便已。”这一画风与之前写真传神的描绘山川事物不尽相同，从而也开创了文人画的新局面。其代表人物，米元章，米友仁。米友仁较为著名的画作有《潇湘奇观图》《云山的意图》 北宋后期，宫廷绘画再度繁荣，也使得在在唐末日渐沉寂的青绿山水重放光芒。一些山水画家致力于青绿山水，创造出适用于宫廷欣赏趣味的青绿山水画，也使得青绿山水画进入了成熟发展时期。其著名的代表人物有，王希孟，赵伯驹等。 王希孟是由皇家画院所培养出的学生，拥有较高的学识和艺术天赋。其不朽的青绿山水画《千里江山图卷》体现了北宋青绿山水画的巅峰。该画作在构图的周密，用笔的精密，，色彩的浓艳方面，较之隋唐都逊色了一大步，形成了自己与之不同的独特风格。另一代表人物，赵伯驹，是宋朝宗室，其代表作《江山秋色图》，笔法秀劲工致，用青

李可染《谈学山水画》

李可染《谈学山水画》 李可染《谈学山水画》2015-03-05 15:12 479775943 许多热心于中国画、山水画的同志，要我谈谈学山水画的问题。我想从自己学画的经历出发做一点总结。这些只是我个人的体会，不一定正确，其中即或有可取之处，也不一定完全适用于别的同志。加上近来有病，来不及做一番深入浅出研究的功夫，现在先从几个方面的问题谈谈我不成熟的看法。美术是创造性的工作，真正搞好是不容易的。要有正确的艺术道路、把路子走正；还要下很大的苦功夫。"生而知之"、"不学而能"是没有的，只有学而知之。对学画的人来说，天份是有高低区别，但也只是学习上有快慢之分。绘画本身应该说是很难的，因为它不仅是门学问，同时还要有很高的技能。随随便便是搞不好的。我在广东温泉养病时，有个女孩子问我，她能不能学画，我说楼下有一棵树，你坐下来认认真真画四个小时，不要起来。关键不在几个小时不起来，而在考验她有没有坚忍不拔的毅力。我一生很有幸，有机会与齐白石、徐悲鸿、黄宾虹、林风眠、盖叫天等前辈艺术家在一起，我与他们很熟悉，他们都有很高的成就，我看他们在艺术苦功方面无一不是惊人的。"天道酬勤"是齐白石的一方图章， 这是他的座右铭。我是在他八十七岁到九十七岁这十年里向他学画的。他在八十几岁时，每天早上至少要画七、八张画。

九十多岁高龄，每天还要画四、五张画。去世前两天仍在作画。他的另一方图章"痴思长绳系日"，是说不愿时光流逝，恨不得把太阳拴住。黄宾虹是在五五年去世的。生前，他每天不停作画。五四年他九十一岁了，有一次我在他家呆了六天，看到他在一个晚上就画了八张画稿。徐悲鸿同样也是很勤奋，常以"拳不离手，曲不离口"这两句话勉励青年。回想我在杭州时，有一次和盖叫天在茶馆里喝茶，当时他已七十多岁了，穿着长衫、盖着两腿。我发现他把一只脚放在八仙桌的横档里，原来是在练"伸筋拔骨"的苦功夫，他是什么时候都不忘练基本功。著名武生京剧老演员尚和玉对我说：我们在台上演戏，别人看来很轻松愉快，不知我们在台下流过多少血汗，实际上我像是半个出家人，许多休息、娱乐都牺牲了。当代画家黄胄作画很勤奋，听说他一年画了廿多刀宣纸；吴冠中画画，可以坐下去继续画十个小时不起来，只吃点干粮接着又画。这种艰苦精神是很重要的。基本功是艺术家的地下工作，要天天练。他们露面的只是展览会上的作品、舞台上的表演、观众往往不知道，作者付出了多么巨大的艰辛劳动。鲁迅先生说得好，我坐在桌子前写作是工作，坐在藤椅上看书是休息，"哪里有天才，我是把别人喝咖啡的工夫都用在工作上的。"（《鲁迅全集编校后记》，鲁迅全集廿卷、第663页）确实，千千万万人学艺术，真正有成就的不多。学文学艺术的废品率相当高，搞不好就成了空头的文学家、