论伦勃朗油画中的肌理美

艺术空间作家杂志Writer Magazine2010No.10摘要肌理是伦勃朗描绘物像时所使用的最直观的绘画语言。本文阐述了伦勃朗画面肌理的形成和发展，并通过对其画面肌理的深入分析洞察伦勃朗画面肌理的魅力，揭示伦勃朗绘画技法的精神内涵，以及给后人绘画发展所带来的启示。

关键词：伦勃朗油画笔触肌理

中图分类号：J213文献标识码：A

伦勃朗是欧洲17世纪最伟大的画家之一。这位具有传奇色彩的人物从年轻时期就表现出了极高的绘画天赋，而晚年时期的作品更是达到了巅峰。伦勃朗画风古朴厚重，具有极强的戏剧效果。他的绘画明暗对比强烈，光的运用具有舞台剧式的锥光效果。画面肌理凝重，凹凸起伏。用笔豪放、洒脱、恢弘大气，传递给观众一种美妙的视觉享受。其一生经历坎坷，勇敢执着的进行艺术创作，为欧洲现实主义艺术的发展做出了不可磨灭的贡献。

一伦勃朗画面肌理的形成

伦勃朗身处于17世纪荷兰绘画艺术的大变革时期，早期曾得到过3位绘画老师的教诲。第一位老师名字不详，第二位老师是莱顿的一名画师杰可布·凡·宁堡，第三位是阿姆斯特丹北方最有名的历史画画师彼得·拉斯特慢。伦勃朗从拉斯特慢那里学会了卡拉瓦乔式的明暗对比法来营造戏剧性的张力。也学会了埃谢梅尔式的细致的日夜光线效果，来描绘完成度较高的小幅画作。这两种技法的学习无疑对伦勃朗后期的绘画风格起到了深远的影响。

在对其绘画技法进行深入系统的研究分析后，我们发现伦勃朗在油画技法上的成就主要反映在两个方面：一是他创立了透明与不透明、厚薄叠加的肌理画法，即在绘画中厚薄颜色交替运用，笔触肌理明确肯定，笔法大致使用了润、拖、压、扁、枯等笔法，再结合透明与不透明色的辅助渲染。二是他特有的舞台剧式的锥光处理效果。根据想象，伦勃朗把光置于画面当中，或者把光线集中来表现主体、把光线分散来表现背景和次要位置，既利用光线来强化画面的主要部分，还让暗部去消融和弱化次要的因素。“这种风格用在单色系绘画，正能够把色调的渐层表现的淋漓尽致，极具戏剧效果。正是‘昏暗主义’的大师，并且能够在昏暗处创造出光来，真不愧为‘光的魔术师’”。伦勃朗从卡拉瓦乔那里吸收了强烈的明暗对比法，画法也继承了前代画家的技法，早期画面效果光滑平整，深入精细，用色较薄，肌理比较细腻精致，流露出浓郁的古典气息。后期的作品大多采用了厚涂法，在主体亮部使用了更加厚实的颜料，肌理凹凸起伏富有变化，而其它部位则用色较薄比较平滑，薄厚对比强烈，并根据光的强弱或多或少的使轮廓线隐没在背景中，从而使整幅画像处于一种虚实相间、忽隐忽现的光芒之中。这种厚涂法，正是他塑造对象质感、营造空气感的一种独到手段，使画面物象具有真实性和空间效果。他先使用猪鬃笔把颜料像浮雕一样厚涂、堆砌，使笔触显现出凹凸肌理，待底层干后再用特制的较稠的油剂调上薄薄的深褐色罩染画面，使流动的稠油色剂沉积在凹凸色块的笔触肌理的缝隙里，再擦掉笔触高处的部分色层，或等待颜色干后打磨掉，仅在笔触缝隙中留下较多颜色，再次罩染时这些缝隙中留下的颜色便形成阴影，使笔触的立体感加强，产生极富层次的肌理美感，透过遍数不多的透明色层，可以清楚看到底层的肌理，也使笔触看起来强烈和凝重，从而使质感的真实性更加强烈。伦勃朗的这种厚涂画法便于修改，也使绘画的过程更具有可变性和丰富性，伦勃朗的底层肌理的制作技巧对于最后的画面效果有着决定性的作用。

二画面肌理的魅力

伦勃朗的油画作品中笔触肌理的运用达到了炉火纯青的地步，尤其在他的肖像作品中，厚厚的笔触肌理随着形体的起伏转折忽高忽低，厚薄兼施，在侧光的映照下更产生出梦幻般的美感。

伦勃朗油画肖像作品中的笔触肌理运用，并非随意涂鸦，而是张弛有度，赋予章法。隐藏在光影下的色层，薄中有厚，再给予适当的油色渲染，产生出了美妙的层次变化，仿佛把人带入深邃的宇宙，并得到了极强的视觉空间。在人物肖像的受光部采用了不透明的厚涂法，笔触肌理凝重，厚实有力，而其在明与暗交界部位又进行了适当的过度衔接，使整幅作品取得空前的视觉效果，看上去笔触厚薄有度，油色融合，就像在画布上塑起了一尊雕塑。阿恩海姆指出：“每一个视觉式样都是一个力的式样。”伦勃朗的笔触肌理以足够的力度表现出自然和主体的内在魅力。

伦勃朗早期的绘画以《圣经》故事和肖像画为主。1632年的《杜普教授的解剖课》是伦勃朗的一幅群体肖像作品，是由当时的工会、慈善团体等机构为了装饰他们的议会大厅而委托伦勃朗绘制的。这幅作品中伦勃朗使用了金字塔式的构图，为了迎合每一个委托人的意愿，画面中的人物虚实关系处理得略显平均，每一个人物都表现得很精致，画面结构协调统一。画中人物身穿黑色服装，在棕绿色的背景衬托下，人物面部更加突出，亮部的肌理运用平稳细致，刻画精致入微，大面积的暗色背景和服饰则使用柔和的笔触肌理，结合油彩的晕染显得沉稳而凝重。画面中每个人物都刻画得很细致精美，同时也显露出了伦勃朗为了委托者的意愿而妥协的一面。这一时期伦勃朗的绘画笔触肌理精致细腻，色调柔和。这一时期，由于画作委托持续增加，伦勃朗的生活得到了很大的改善也变得极富情调，成为他一生最得意的阶段。

《夜巡》是伦勃朗1642年创作的一幅大型人物组合场景绘画，也是伦勃朗最具代表性的作品之一。在这幅作品中伦勃朗运用了强烈的明暗对比手法，深褐色的背景和神秘的光影烘托出了前景里众多的人物，光影的使用又制造出了一种高雅的舞台剧效果。而在表现手法上人物服饰使用

论伦勃朗油画中的肌理美陈保军马紫薇韩复生

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了精致的笔触肌理，这些肌理的使用大多处在受光部，从而产生了一种强烈的视觉效果。画面中的背景和人物的暗部则使用了较薄的笔触肌理，它们在暗影中隐隐的显现出来，极富美感。这幅画作伦勃朗从画面整体艺术构思出发，画中的人物就像被浓缩在空气中，通过梦幻般的光线，使众多的人物形象在空气中时隐时现。受光部精致的肌理使用以及阴影部位轻松的油色渲染，伦勃朗总能恰到好处地协调他们之间的关系，从而使整幅画作魅力尽现。这一时期也正是伦勃朗艺术创作的鼎盛时期。

《浴女》是伦勃朗1654年创作的一幅木板油彩作品。伦勃朗在这幅作品中，把笔触肌理的运用发挥得淋漓尽致。画面中的女子用双手撩起白色长裙缓缓的迈入浴池中，在深褐色的背景衬托下显得人物格外鲜明。女子白色长裙的处理使用了大胆奔放的笔法，厚重的笔触有一气呵成之势，而人物肌肤部分的处理则用笔平滑，过渡自然从而产生了美妙的皮肤质感。这种平滑与奔放的对比手法使用得自然天成，也显示了伦勃朗高明的画面肌理处理技巧。这一时期伦勃朗的肌理运用达到了极致，浓厚豪放的笔触肌理甚至运用到了异乎寻常的地步，给观者带来了丰富生动的视觉享受。

伦勃朗晚年时期的油画自画像中的肌理运用达到了颠峰时期。这一时期的自画像更是将他的肖像艺术提升到了精神领域，突破了他早期的人物肖像只是传达思想和活动的印象。这一时期的伦勃朗体会到了破产的压力，暗色调的使用以致于他的作品笼罩上了一层忧郁的气氛。由于经济的原因伦勃朗在晚年时期画了大量的自画像，整个画风也更加成熟老辣，用笔也更加自然随意。厚重的色层铺满整个人物形象，笔触的叠加愈加鲜明肯定。通过这种强烈的画面肌理，我们仿佛体察到了万年的伦勃朗坐在画架前用他手中的画笔，一笔一笔的诉说着他饱经沧桑的一生。“贯穿伦勃朗整个一生的宏愿是，将人类感情以一种由眼可见的形式表现出来。”可见伦勃朗的画面是用可见的肌理来描绘人类更深层更丰富的情感世界。伦勃朗的技艺是擅长透明色的罩染，也精于宽大笔触的厚涂，使画面达到一种无可比拟的丰富效果。画面肌理厚重、浓郁，是伦勃朗绘画艺术的特点。

通过对伦勃朗技艺的深入研究分析后，笔者发现其艺术精神的自由是以其可靠的技艺为基础的，严谨周密的作画程序、肌底、笔触等手法就是这些艺术作品的灵魂所在，而这些艺术作品尽善尽美的表现，在我们看来常常是那么不可思议。

阿恩海姆认为，“表现性实际上取决于知觉式样本身以及大脑视觉区域对这些式样的反映”。伦勃朗肌理的表现无疑是在知觉样式上对作品表现性的一种强化，并且肌理的运用也是画家注重理性精神和追求再现自然的审美追求的具体展现。因此，肌理在油画艺术中具有独特的视觉审美作用，不同的肌理可以导致不同的画面效果，从而影响观众的视觉心理。可以说，肌理成为画家表达主观情感和心声的艺术语言，是创作一幅优秀绘画作品的很特别的要素。

三伦勃朗绘画肌理的启示

任何时代艺术家都有个人喜好和表现需要，探究其肌理绘画技巧，无疑对现阶段的油画创作具有非同寻常的意义。从伦勃朗的绘画中印证了画面肌理处理的好坏直接影响到油画艺术表现的精彩程度，他在绘画肌理方面所传达出来的信息不仅仅是纯粹的技法和光影空间表现的层面，因此通过绘画去探究、触摸绘画肌理的审美启示，使人们有理由相信单纯的一种绘画语言的精深运用可以给观者带来强烈的信念支持。

1继承中发展

随着时代的发展，画家的油画技法观也在与时俱进，绘画材料的丰富性使画家的表现空间有了巨大的提升。单一的油彩使用已不再是现代画家的羁绊。同伦勃朗及其古代绘画大师表现手法已有很大不同的是，现代画家的绘画技法和艺术技巧都是融合统一的，其个人技艺发展成熟后便成为一种相对流行的样式和潮流符号。欧洲绘画史上出现了许多绘画大师，他们的门人弟子都是在学习掌握了其绘画技法后，逐渐领会其艺术精华，并有所发展及成就。学习大师的绘画技法，领会其艺术精华再结合现代科技的进步，是绘画发展的一条捷径。当今艺术表现的外延与内涵虽已被拓宽到一个相当广泛的领域，主要体现在人的思想观念里，在受到西方现代绘画艺术的冲击下，认为只有不断求新才是唯一的出路，殊不知，没有传统，没有继承，哪有今天的画貌。但那些常以“反传统”标榜自身的现代画家，在其艺术实践中，不管他们如何与众不同，如何偏执一端标新立异，最终还是不能完全背离传统。

2发展中创新

不论是具象绘画还是抽象绘画，都要借助前人的绘画经验，掌握扎实的造型本领，领会结构、线条、空间、色彩、肌理等在绘画中的作用，才能创造出适应时代需要和独具魅力、感人至深的绘画作品。纵有天马行空的奇思妙想，如果放弃继承，不去学习借鉴那么流芳百世的作品是不可能产生的。通过研究学习伦勃朗的油画肌理技巧，既能丰富绘画语言的多样性，又能为现代绘画的发展起到推波助澜的作用，可谓意义深远。继承中发展，发展中创新。在艺术活动中我们只有正确对待前人优秀的艺术传统，深入研究分析古代大师的精湛技艺，努力挖掘本民族的独特艺术成果，才能自由奔放地进行绘画创作，创造出真正具有价值的艺术作品来。

综上，肌理最终只是画面制作过程中的一种表象，作为绘画过程中的一种语言并不能代替绘画的本质。绘画终归是绘画，它只能是真实事物的替代品，而不是真实物像的本身。任何绘画技巧，任何造型手段，任何肌理制作，都只能是增加画面的表现力，而不能替代实际对象。伦勃朗利用肌理的力量创造了画面的真实性，使之成为油画独特的表现语言，后人没有理由拒绝研究和使用这种语言。不断研究各种材质可能产生的表现效果和表现语汇，是现代艺术家义不容辞的责任。

参考文献：

[1]何政广：《伦勃朗》，河北教育出版社，2000年版。

[2]鲁道夫·阿恩海姆(Arnheim.R.)：《艺术与视知觉》，中国社会科学出版社，1984年版。

[3]鄢晓霞编：《解读大师：教科文读本·美术卷》，中国文联出版社，2005年版。

[4]鲁道夫·阿恩海姆(Arnheim.R.)，孟沛欣译：《艺术与视知觉》，湖南美术出版社，2008年版。

作者简介：

陈保军，男，1969—，河北石家庄人，本科，副教授，研究方向：油画、艺术学，工作单位：保定学院。

马紫薇，女，1968—，河北保定人，硕士，副教授，研究方向：国画、艺术学，工作单位：保定学院。

韩复生，女，1974—，河北保定人，本科，中教一级，研究方向：美术教育，工作单位：保定三中分校。

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导演光影——浅谈油画创作中光影的有意识运用

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最后的晚餐达?芬奇 ｛的室外冷光渐渐消融在温暖的室内空间中，｛同时也营造了一种宁静，随意、安详而又富ｉ有诗意的生活气息。 烛光下的神秘——－｝立图尔（１５９３－－＇－１６５２） 受意大利卡拉瓦乔影响的拉图尔，在绘ｉ画中也常常追求明暗对照的画面效果，而对；光影的独特表现却使其形成了自己一套独特ｉ的、与众不同的风格特点。拉图尔的绘画风‘格十分鲜明，十分注重光与影的二重性，光：明与黑暗的对比以及烛光达到的艺术效果令．他欣喜若狂，偏爱夜光的表达。在他的作品｛中，常常用油灯或一根燃烧的蜡烛作为光源，：这也似乎成为他画作的一种标志，也以此形成了近乎简约的个人风格。烛光成为作品的：主题和主体，而人们的视线却也因此被烛光：照耀的局部深深吸引，并从中体味到更生动；的生活场景，烛光的呈现和探究已成为拉图ｉ尔“心机”的流露。强调物象在其照明下的；反映，从而呈现了一种构Ｉ冬）的“单纯性”，形．成简洁的轮廓，表现出一种奇特的视觉效果。 美国学者贝蒂?艾德华也曾指出：“要对：光影重新认识，不要客观地观察光和影，而｝是主观地观察光和影。”这种明暗对照不是：对自然光影的被动复制，而是对其规律做主；动的探寻，对光影进行的主观化处理，人工‘性的设计。成为光影的丰导者，更好地运用；光影这一绘画语言来演绎作品要表现的内；涵，有意识地观察“导演”光影。 自然界光的来源．方向、强弱和影的呈；现似乎都是被动的、不易被画家控制的。实；则不然，光影的出现不一定符合光学规律，；而是根据创作者本人的主观控制。高明的艺；术家从不被光影所奴役，而是主动地、有意｝识地运用它，驱使它，根据主观的各种因素ｉ让光影“招之即来，挥之即去”，成为其主宰。；在画布上创作者更为自由、“随意”地改变光影对画面的影响，设计出理想的光影。比如；在一片沉闷的环境中，一束光线打在主体形；象上，这样则会使主体特别突出，可以起到：强调作者意图的目的，就如安格尔所说：“一幅画的光应该投射和集中在画的全局中最强：烈的地方，这是为使观者的视线引向这个部 倒牛奶的女佣维米尔夜巡伦勃朗 艺术理论ＩＩ２０１０?０５ｌｌ美术大观 分。”光线引导观者的视线于画面中重点人：ｊ自己从规则中解放出来，用创造的光线，将ｌ 物的身上，成为构图组织的总原则，形成简：．自己实际观察到的光影和符合自身审美心ｉ 洁的画面，起到突出构图藿点的作用，使之；理、观念的标准糅合在一起融入他们的画面｝ 一目了然，并造成视觉Ｅ的节奏和冲突。“用：．中，使客观的光影与意蕴的光影一致。光影ｉ 光亮把个别的人物从黑暗的、神秘莫测的空ｉ．的有意识调整也依据已有的审美意象的变化； 间里抓出来”，这种利用光线来突出主体的；而改变。审美趣味的发展和新的审美趣味的｛ 构图方式，也让作品中几乎没有什么细节可要求，使得光影这一绘画语素也获得了一种｛ 被观者孤立地看待，因为它们都为整个作品崭新的发展空间，并根据其审美的发展而不ｉ 的视像起作用，共同构成一个不町分割的整断演变，这样也让光影的审美心理功能更好ｌ体。在这种主动性之下，根据创作者的需要，｛地成为影响画面气氛的艺术语言功能的积极ｉ 有时画面被大面积的黑暗所占据，有时又将：一因素之一。对光影的这种艺术处理是作者主｝ 人物部分或全部暴露在强烈的光线之下。总观审美感受的表达，是视觉审美经验抽象的｝ 之，这种光线的主观化处理已被作者积极地ｉ呈现，而不仅仅是光线照射原理的表述。画｝ 显现于作品中，更好地丰富了画面的效果，ｊ家通过主观的创作理念，并融入自身的情感ｌ 光影的有意识“导演”使得作品更具活力。；表现，在客观物象本质不变的情况下对其重｛艺术家从象征的角度和审美心理的角度：构和再构，赋予新的形态和新的意义，成为ｌ 对光影加以调整，在适应创作者的主观要求：．具有审美意象的光影。 的同时，使之在作品中的支配也更合乎情；｛绘画中光影的安排和处理都是经过艺术｝ 理、现实。主动性的创作者往往不会被客观’家精心设计而完成的，体现出画家处理光影｛ 的光影所束缚，会从其规律中解脱出来，将，形式美感的独具匠心，是审美心理、观念，体｝ 现实中的明暗和创作主旨或自身的审美标准．‘验的直接流露，并不仅仅只是现实的一种复｝ 相协调，最后融人作品中。在创作者手中，不ｉ制，而是艺术家通过某种情感或理念意图，ｉ 是光影依附于事物，而是事物服务于光影。；一对客观物象的重构和再构，在这种过程中赋； 在艺术作品中。光影的设置很容易引起人们｛！予物象一种新的具有意向的光影，其作品背ｉ 的情感反应与联想，例如通常情况下对比强：！后可纳绎出类似的艺术风格、审美理想和审； 烈的光影可以给观者以宁静愉悦之感；而较｛：美态度，显现出独立的艺术价值。 弱的光影对ＬＩ：，贝ＪＪ会产生朦胧而晦暗的感觉，ｉ 给人以忧郁、惆怅之情。｛参考文献： 在通常情况下，观者的眼睛会自然而然；ｌ?ｆ法】安格尔著?朱伯雄译?安格尔论艺术?上海人民出； 地聚焦在较亮的部分，从而使得暗面的内容｛；般仕，１９８０ 不那么清晰，这样也就使暗部的某些细节表：｛２?蓓蒂。Ｌ‘施莱姆著?郑录高编译?绘画与光?天津人ｌ 现得较为含糊，同时这也会带给观者更多的；｝民美术出版社，１９８３ 想象余地。反之，创作者也可以用此种方法！；３?ｆ美】鲁道夫’阿恩海姆著?滕守尧?朱疆源译?艺术与ｌ 来更好地诠释作品所要完成的“象征性”。ｉ｝视觉艺术?中国社会科学出版社，１９８４随着审美心理、观念的变化。光影的艺｝｝４?帕拉蒙编写组?雨木译?现代欧洲绘画教程一光与； 术表现力在创作者的作品中也呈现出不同的：；影?吉林美术出版扯，２００１ 改变。事物在光线的照射下以不同的面貌展ｒ｝５?丁宁?西方美术史十五讲?北京大学出版社?２００３ 现，并以人类的审美心理和观念为基础来选：；６?毕沙罗等?西欧五十名美术家７Ｊ、传?天津人民美术出ｉ 择具有代表性的自然形象。因此，在绘画创｝｝般社ｔｌ唰１ 作中，对光影的设置和选择从某种意义上来ｉ 说也就是对具有审美意义的事物形象的选；｛ 择。创作者往往不被现实中的光线束缚，将：：杜薇大庆师范学院艺术学院教师 ‘’……‘‘…‘‘‘…。…’ ‘……一。‘…’‘………‘ ………………—‘……‘Ｌ…—— ；０３＇１万方数据

美术教育油画专业有关的毕业论文

美术教育油画专业有关的毕业论文 《浅析油画创作对美术教育的启发》 摘要：油画历史源远流长，具有强大的生命力，在现代美术教育中，由于油画创作的内容丰富多彩，由于科学技术的不断进步，油画在材料和内容方面都有了很大的提高，可以给儿童带来对美好事物的体验。在美术教育中，兴趣的培养具有重要作用，幼儿时期是兴趣培养的重要阶段。在此基础上对儿童的想象力和创造力进行开发也是至关重要。本文主要针对油画创作对美术教育的启发来进行探讨和研究。 关键词：油画创作;美术教育;想象力;创造力 0 引言 随着人们思想的开放，对于儿童的教育不再保守，让孩子们根据自己的喜好来进行学习，提倡自主的教学。在儿童幼年时期就要逐渐培养他们的兴趣，不同阶段的儿童所培养的目标也不尽相同，我们应根据儿童的不同时期心理、生理上的变化来调整他们对油画的学习。在油画的创作过程中，可以培养儿童的想象力、创造力、动手能力以及审美能力，进而全方位的帮助儿童塑造健全的人格。不同年龄段的儿童审美观和心理特征各不相同，因此，在美术教育的启发上也略有差异。 1 婴儿期――开发思维 婴儿期阶段的儿童才刚开始接触这个世界，开始学习人类的各种行为，也是儿童大脑发育的最佳时期，这个时期是其学习的最好时机。这个年龄段的儿童在美术教育中，油画创作的作用主要是开发思维而不是让他们系统的学习油画知识，父母可以在家里的客厅以及孩子房间等地方多悬挂一些积极健康的油画作品，尽量多用一些色彩鲜亮的图画来吸引孩子们的注意力，让他们自己去观察、学习、感受不同的油画作品，同时父母要多与宝宝进行交流。根据不同油画作品内容，来对孩子进行教育和引导，让孩子们能够自己辨认出作品的内容，从而锻炼儿童对油画的观察能力和理解能力;引导孩子用自己的方式将所看到的东西表述出来，进而锻炼儿童的语言表达能力。 2 幼儿期――培养兴趣 幼儿期的儿童在智力上发育是十分快的，他们的记忆力也相当好，而且语言表达能力也逐渐变好，甚至有些儿童已经开始变得越来越伶牙俐齿，然而实际上，他们的思维发展还不够成熟，只能片面地感受生活。我们应该采取一种娱乐性的教学模式去引导他们，可以与儿童一起画画、涂鸦，在与他们玩耍的时候潜意识的培养他们对绘画的喜爱，这样对孩子在绘画方面的天赋和潜力方面的开发都具有很大的作用。 兴趣的培养对于儿童智力的发展起到了极其重要的作用。这个时候儿童大部分时间是在幼儿园接受教育，让他们使用复杂的油画工具和绘画手法显然对于这个时期的儿童还不合适，因此，幼师应该在课堂教学的时候多准备一些简单的、受儿童喜爱的油画创作元素

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《美术》期末考查作业 朦胧之美 ——莫奈的《日出·印象》我第一次看到这幅画是在高中的美术课上，那时候老师就告诉我们这是一幅印象派的画作，给我们浏览了图片。现在在大学的美术课，我再一次看到这幅油画，跟以前一样我挺喜欢这种朦胧之美，所有的形象都是朦朦胧胧,没有写实的细节。 《日出·印象》是克劳德·莫奈所画的印象派的画作。在十九世纪下半叶,光学原理改变了画家对固有色的观念,由此他们开始在艺术上对光与色进行新的探索。其实在当时，人们还不接受“印象派”这一艺术流派，克劳德·莫奈的油画《日出·印象》曾遭到一位记者地嘲讽说：“这幅作品很粗糙，过于随便，它完全就是凭印象胡乱画出来的，还有其他人附和着说，这些画家统统都是“印象主义”。没想到，这些挖苦的话，反而成全了这批画家，“印象派”随之诞生。在十九世纪七八十年代，印象派达到了它的鼎盛时期，其影响遍及欧洲，并逐渐传播到世界各地，但它在法国取得了最为辉煌的艺术成就。十九世纪后半叶到二十世纪初，法国涌现出一大批印象派艺术大师，他们创作出大量至今仍令人耳熟能详的经典巨作。 《日出·印象》是莫奈于1873年在阿弗尔港口画的一幅写生画。它描绘的是透过薄雾观望阿佛尔港口日出的景象。据了解，克劳德·莫奈在同一地点还画了一幅《日落》,绘画描绘出晨雾中不清晰的背景，多种色彩赋予了水面无限的光辉，画出了水的流动感。整幅画作主要运用了水蓝色、淡蓝、红色、橙色和黑色。海水、天空、景物几乎采用了同一色系——蓝色，在轻松、无拘束的笔触中，交错渗透，浑然一体。日出时, 海上雾气迷朦, 水中反射着天空和太阳的颜色。岸上景色隐隐约约, 模模糊糊看不清, 给人这种瞬间的感受。在蓝色为主打的背景色下，淡淡的海上，那些黑色的小船依稀可见，其实仔细去看，中间的那个小船有船夫拿着船桨在撑船预示着船夫已经开始工作，新的一天来临。整幅图画最耀眼的就是那抹初生的太阳，橙红橙红的，把一边的天都染成了橙红色，感觉天

美术学毕业论文浅谈风景油画的表现方法

浅谈风景油画的表现方法 风景油画描绘的对象大都是自然景物，因为使用的创作材 料是油画材料，所以称作风景油画。在古典油画当中，风景一般 都是为人物作陪衬的。随着文艺复兴运动的兴起风景油画登上了 历史舞台，它独立作为一种绘画题材出现了，并且发展迅速。 首先从风景油画的分类谈起，按照时间特点，我们可以把它分为 古典风景油画和现代风景油画两大类；按照表现手法来分，我们 可以把它分为写实风景油画、印象风景油画、和抽象风景油画这 几类；按照地域来分的话，我们可以把它分作欧洲风景油画、俄 罗斯风景油画、荷兰风景油画、地中海风景油画和托马斯风景油 画这几个板块；如果从表现的内容出发的话，我们又可以把它分 为森林风景油画、高山流水风景油画、田园风景油画和名胜古迹 风景油画等类别。风景油画的笔触可以表现为蹭、摆、揉、扫、拖、点等类型。蹭指的是用油画笔的根部首先接触画面，然后逆向推动笔触，使画面留下并不流畅的感受，从而营造出特 殊的视觉感受和质感。逆锋行笔，笔触苍劲有力，适合表达一些 植物的茎杆或者坚硬的物体，比如树枝、石头等。摆和蹭用 笔方向相反，顺锋行笔，给人以流畅、顺滑、轻快之感，比较适 合表达柔软的材质，比如水。揉是一种没有固定方向性的用 笔方法，可以是单色，也可以是多色的混合，通过揉合产生自然 的混合变化，从而使色彩和明暗对比达到一种微妙的变化感，可 以作渐变和衔接作用。扫通常是将两个临近的色块进行衔接，以降低它的生硬感，达到和谐统一的效果。我们可以用干净的油 画笔对两个颜色使用扫的笔触，也可以在油画笔上均匀的或者适 当的蘸取部分颜色扫来扫去，产生丰富的层次效果。拖和摆 的运笔方向比较相似，但不同的是拖使用的力道要比摆轻很多， 轻轻的握住画笔，使它是经过画面时留下坎坷的笔触效果。

浅析油画创作中对美的追求

龙源期刊网 https://www.wendangku.net/doc/f37973800.html, 浅析油画创作中对美的追求 作者：陈欣颖 来源：《青年生活》2019年第04期 摘要：油画（anoilpainting）是指创作者快干性的植物油调和颜料于固定在纸板或木板上的画布亚麻布上作画的创作形式，在这一创作过程中，艺术家对于美的追求是无止境的，具体表现在色彩美、线条美及意境美等方面。在油画作品中，色彩表现力及线条组合能力，是衡量创作者才能的基础性指标，这不仅会影响到整幅作品给人的视觉美感，而且会影响到作品内涵，影响到其意境美的传达，影响到创作者思想情感的表现。 关键词：油画创作;美;追求 美，是所有艺术作品的共同特征，无论是何种创作理念，都应该遵循美的基本特征。油画（anoilpainting）是指创作者快干性的植物油调和颜料于固定在纸板或木板上的画布亚麻布上作画的创作形式，在油画创作中，画家会以线条、色彩等方式创作出一副极具美感或思想性的画作，以表达自己的所思所想[1]。从美的角度上分析，油画创作中对于美的追求，表现形式 是多种多样的，此次从色彩美、线条美、意境美这三点上进行阐述。 一、色彩美 在油画创作中，要求颜料在干燥后可持续保持鲜艳色泽，这样才能够借助颜料的遮盖力和透明性，来形象生动地描绘出不同的物体，可见色彩是油画创作中的关键性要素，而色彩美，也是油画作品美学的基本特征。色彩是美学评价中的一个重要指标，虽仅有红、黄、蓝三原色，但通过量的调配却可幻化出千万种色彩，具有独特而神秘的艺术气息，对于油画创作这而言，色彩表现力是其创作能力高低的衡量指标之一[1]。可以说，色彩是油画作品的灵魂，它 具有色相、饱和度、明度三个基本特征，细微的变化，会使得色彩给人以不同的视觉冲击，而且通过色彩的搭配组合，能够传达创作者的真情实感，引发欣赏者共鸣，为作品塑造灵魂。不同的油画创作者，对于色彩有着不同的理解与喜好，比如说马蒂斯钟爱钻石蓝色、翠绿色、玫红色等色彩，而米罗则喜欢应用中黄色、大红色及黑色等，但是，大家对于色彩美的追求都是极致的，以荷兰后印象派画家梵高为例，他的画作色彩夸张、奔放，比如说画作《向日葵》中，以大面积黄色为主基调，配以土黄色、中黄色及柠檬黄，给观众以璀璨炫目的美学感受，展现了出了向日葵顽强的生命力，并将自身对于美好生活的向往表达了出来。 二、线条美 线条是油画创作中的基础语言，具有形式美，可塑造空间、形体效果，有着直观的视觉效果，呈现出独特的线条美。不同的线条，会给人以不同的感官，比如说水平线，给人以规矩、严肃的感觉，曲线，给人以曼妙、喜悦的感官。而且，线条的虚实、粗细，也会传达出不同的内涵，油画创作者会利用线条的这些特性，来表达自己的思想情感，传递出线条在油画中特有

平面肌理制作的表现技法

平面肌理制作的表现技法 肌理的制作与表现离了开材料，也就是通常意义上的纸和笔，但各种材质的纸或布、笔都会给视觉带来各种肌理的表现，如果再借用新的魅材、多样的手段，那么我们就可创造出千变万化的肌理意义，为我们今后的设计创作打好基础。一下介绍一些常用的制作技法。 一、点绘法 是一种用不同大小或形状的点来描绘图形、空间的技法。如使用钢笔、马克笔、针管笔、直线笔、毛笔等描绘的规则性的点，也可采用干枯的油画笔（垂直敲打）、海绵等描绘的多样化、不规则性的点，同时可采用大小、疏密、明度、色相等渐变点来表现，它能很好地呈现出深入图形的三次元的细腻的空间感。 二、勾线法 是一种用不同线形在粗细、长短和角度、疏密的变化上来描绘图形、空间的技法。如使用钢笔、马克笔、直线等、针管笔、毛笔、油画笔等工具，运用线条的港硬、流畅、涩顿等感觉塑造万变的造型世界。因而勾线具有很强的表现性。 三、平涂法 平涂法是一种基本塑造块面的手法，一般根据画面的色块分割，用笔将颜色（如水粉色）平涂其中。 其表现出的图形色块界线明确，且衔接密切、加之均匀的颜色更呈现出秩序、简洁的数理美感，但另一方面也须注意防止陷入呆板而缺少生动性。 四、晕染、水化法 晕染是一种传统的绘画技法，如中国工笔画和水彩画。指色彩从深到浅或从浅到深的渲染，也可追求色相的自然过渡变化（如从冷到暖），以此来塑造和表现图形空间。水化法可通过吸湿性较好的纸，如宣纸、水彩纸和刷过粉的纸等，或润湿的铅画纸，用笔蘸颜料后与纸面接触，也可在没干的画面颜色上撒上盐粒，使颜料自由散开，达到自然渗化的效果，以追求一种羽化班的自然柔和、透明、生动多变的视觉效果。 五、吸附法 指用墨汁、水彩等水性或油性盐粒滴入水中，依附水温在水中渗开，然后用吸水性强的纸（如宣纸、水彩纸和刷过粉的纸等）吸附之，油性颜料选用的吸纸可不受局限。此技法可留住颜料在水中的瞬间水纹变化，为视觉表现提供了特殊的样式，但它不能理性地控制或重复表现。 六、排水法 指利用油性与水性颜料的油水互排性，先用油性或蜡性的颜料（如油画颜料、油画棒、蜡笔、蜡液等）在纸上画出所要的图形或块面，然后再全部刷图上水性颜料（水粉、水彩或丙烯），水性颜料会自然地流在原理的空白处。此技法能很好地表现油性颜料的生动笔触感和水性颜料的生动交汇，形成厚实而富有变化的视觉效果。应用时应注意油性颜料和水性颜料的明度和色相的对比度，不要拉得过开或靠的太近，这样都会影响效果。

美术专业毕业论文参考选题

陕西师大远程教育学院函授生 美术专业毕业论文参考选题 一、《国画专业》 1．论“四王”与“四僧”的异同。 2．论赵孟颊对元四家的影响。 3，现代意识和审美观念的时代特点。 4．中国画的思维方式和表现语言体系所包涵的现代意识及其理念结构。 5．意境和生活与人生的深层关系。 6．书法、笔墨的形式美与人生情慷的契合点。 7．境界、语言、形式的完美结合是东方审美观念的最高理想8．东西方造型艺术的异同点。 9．长安画派今昔谈。 10．论中国画的市场问题(价值规律)。 11．浅谈书法临古与创新的关系。 12．逸乎以神游，谈然而心欢—从郭熙的绘画中透视其人生境界。 13．工笔画对其他画种及其工艺的借鉴。 14．读白石老人浅谈书法对绘画的影响。 15．论陈子庄绘画之笔墨·技法与意境的关系。 16；浅析弘仁山水画艺术特色和艺术思想。 17．石涛人生与书画—浅析《画语录》。 18．浅谈写生在山水画学习中的重要性。

19．浅谈八大山人写意“鸟”的造型。 20．由《落花诗贴》看唐寅山水画与书法的关系。 21. 浅谈王履《华山图序》—师法自然。 22. 浅谈沈周花鸟画的艺术成就以及对后世的影响。 23. 顾恺之人物画当中“形神”关系的浅析。 24. 浅析陈老莲人物画艺术风格。 25. 绚丽的瑰宝---朱仙镇木板年画。 26. 论临摹在中国画学习中的重要性。 27. 赵孟頫的仕元心态对其绘画思想的影响。 28. 探析徐渭诗书画中的意境美。 29. 徐渭艺术个性探究。 30. 从“眼中之竹”到“手中之竹”谈绘画创作。 31.浅论吴道子的艺术成就及其影响。 32.文徵明山水画意境浅析。 33.对写景山水画创作样式探略。 34.论山水画教学中写生的重要性。 35.赵孟頫“书画同源”论对文人画发展的作用与影响。 36.浅谈国产水墨动画的中国韵味。 37.试剖析徐渭绘画艺术形成的背景。 38.“线描”——在传统工笔人物画中的重要性。 39.浅谈黄公望的作品以及后世的影响。 40.传承与创新--浅析傅抱石笔墨当随时代。 二、《油画专业》

浅谈原始艺术对现代绘画艺术的影响(借鉴仅供)

浅谈原始艺术对现代绘画艺术的影响 摘要：原始艺术是艺术史的开端，它的造型语言古老，朴拙，抽象，充满神秘的魅力，让人们好奇和向往，尤其对现当代绘画艺术产生了重要影响。不论从形式语言还是精神内涵上，原始艺术都给我们现当代艺术创作与发展提供了灵感和启发，包括野兽派、立体主义，中国画艺术等，他们都在用自己的方式重新演绎原始艺术精神。 关键词：原始艺术；现代艺术；岩画；水墨画 随着考古学和科学技术的发展，越来越多的原始艺术呈现在人们眼前，引起人们广泛的兴趣。原始艺术是人类最初的思维活动，经过漫长的发展，它的艺术特色鲜明，形成了独有的原始语言，不论从形式还是精神上，对各个时期的艺术影响都非常巨大。本文将从原始艺术的特点，对现当代艺术的影响，艺术创作应怎样融入原始艺术精神为切入点进行探讨。 一.原始艺术的特点 “原始”这个词最早出现于19世纪的一个术语，是19世纪初至二十世纪末流行的一种艺术趋势。原始艺术形成于人类早期发展阶段，它最大的特点是史前艺术与现代社会文

明程度平行发展，对西方传统艺术的创新起到了革命性的颠覆作用。原始艺术普遍具有粗犷，质朴，单纯的特点，充满了野性和生命力，有着极其简洁的线条和浑然天成的色彩，不讲究构图和立体，无论哪一个事物，他们都从它最具有特性的角度去表现，感性的积淀是原始艺术最本质的东西。由于感性大于理性，精神盖过物质，它便古拙，纯粹。古代和现代的各种艺术都是在原始艺术的基础上发展而来的，不同地区呈现不同的特点，人和自然的和谐统一是其最大的共性。 二.原始艺术对现当代艺术的影响 原始艺术可以称得上是西方现代艺术的“范本”。西方的艺术自古希腊到19世纪上半叶，基本上是亚里士多德提出的“模仿论”占统治地位，一直到20世纪初，人们开始把直接表现自然形态转化为通过艺术家的大脑展现艺术形态。一方面，从各个民族，各种艺术类型相互借鉴；另一方面，回归历史，学习研究艺术的起源――人类童年的艺术。原始岩画带给艺术家们新的造型形式语言，打破了传统的三维空间，抛弃了理性的焦点透视，把富有立体感的画面变成了一种平面装饰。法国19世纪末出现的“野兽派”就是深受原始艺术影响的结果。西方现代艺术的奠基人塞尚、高更、梵高、马蒂斯等均受原始艺术的影响，从中吸取营养，激发

油画专业开题报告doc

油画专业开题报告 篇一：论文开题报告(美术) 滨州学院 毕业设计（论文）开题报告 题目《乡村》创作中平面化 油画语言的应用 系（院） 美术系年级 XX级专业美术学班级 09美术本3学生姓名学号 指导教师职称 滨州学院教务处 二〇一三年三月 开题报告填表说明 1.开题报告是毕业设计（论文）过程规范管理的重要环节，是培养学生严谨务实工作作风的重要手段，是学生进行毕业设计（论文）的工作方案，是学生进行毕业设计（论文）工作的依据。 2.学生选定毕业设计（论文）题目后，与指导教师进行充分讨论协商，对题意进行较为深入的了解，基本确定工作过程思路，并根据课题要求查阅、收集文献资料，进行毕业实习（社会调查、现场考察、实验室试验等），在此基础上进行开题报告。

3.课题的目的意义，应说明对某一学科发展的意义以及某些理论研究所带来的经济、社会效益等。 4.文献综述是开题报告的重要组成部分，是在广泛查阅国内外有关文献资料后，对与本人所承担课题研究有关方面已取得的成就及尚存的问题进行简要综述，并提出自己对一些问题的看法。 5.研究的内容，要具体写出在哪些方面开展研究，要突出重点，实事求是，所规定的内容经过努力在规定的时间内可以完成。 6.在开始工作前，学生应在指导教师帮助下确定并熟悉研究方法。 7.在研究过程中如要做社会调查、实验或在计算机上进行工作，应详细说明使用的仪器设备、耗材及使用的时间及数量。 8.课题分阶段进度计划，应按研究内容分阶段落实具体时间、地点、工作内容和阶段成果等，以便于有计划地开展工作。 9.开题报告应在指导教师指导下进行填写，指导教师不能包办代替。 10.开题报告要按学生所在系规定的方式进行报告，经系主任批准后方可进行下一步的研究（或设计）工作。 篇二：毕业论文开题报告(美术)

国画肌理效果制作

国画肌理效果制作方法 一。揉纸法?将纸揉皱后，一般可在正面刷墨色，背后衬浓墨或浓色;也可根据需要衬淡墨色。 1．全纸揉皱?2。局部揉 熟宣纸常用。主要形象完成后，根据需要,揉局部成规则或不规则纹路,展平后处理。 ３.先画后揉 画时不必过于具体.正面画反面画均可,二者可得不同肌理效果。?４.折纸 折成细密得或横或竖得纹路。 5。扎纸 将纸中间提起，握紧其她部分，再展平,刷墨色后,可呈放射状. ?6。压纸 将画纸折成或横或竖，喷湿后,滚压,再展平着墨色，可呈更细碎纹理。 二.扎染法 1。画前扎染?扎后浸墨色，或者用笔涂墨色. 2.画后扎染 3．干后展开?4．趁湿展开 三。拼贴挖补法 生宣纸：用干净水将不要得部分圈出,趁湿撕去，理顺毛边后,用另笔蘸白净得浆糊刷上边口，再将同样型号得宣纸粘贴，水洇,撕去多余部分即可. 熟宣纸：剪去多余部分后，洇湿边口，轻撕薄边,粘纸。?也可在补贴后，边缘处略加几点浆糊，使之大体固定,而后补笔或渲染进行调整,使之神完气足,完成后装裱即可. ?1.把一幅画切割、分解,然后换位或原位（如将一个圆变换角度或反过来贴上)重新组合。?2.或把别得画面某一部分拼在此画面上,构成新得关系。如用金箔直接贴在画面等。 3。穿插拼贴法(如画芦苇与芦苇后得渔舟)。

(四原缺） 五。反衬法?1。在背面勾皴?2.正面勾皴，背后着色?3．正面作画主体,托纸上画背景 六。拓印法?可作拓印得材料有：玻璃、木板、胶合板、塑料板、布料、纸张、石板、铁板等。在玻璃上拓印,可在下面衬一张白纸,以显示墨色之形迹与深浅变化. ?。硬板拓印1．单墨色直接拓印 2.多墨色直接拓印 3。局部拓印 ４.反复拓印 5.连续拓印 在已经拓印过得材料上,尚留少许墨色，可趁其未干时继续拓印，可得干裂秋风而又迷离朦胧之趣。?6．干画纸拓印 7。湿画纸拓印?8．加油拓印?9。刷水点墨拓印（滃拓法）?．水拓印 １0．一次拓印而成 １1。多次拓印而成 １2。水中花纹处理后拓印，拓印后也可以提起较长时间,或在局部加点水墨，任其自然流淌。?13.先胶矾再水拓 14．水中加油拓 要用挥发油:松节油、汽油等。 16。在已有墨色得水面淋油后拓印 １7。再水中淋油后拓印,再着墨色。?。实物拓印?1８巧借实物纹理,拓后再渲染.可选择得实物有:树叶、绳子、麻批子、松针、席子、蝇拍、木板花纹等 20.反面拓印 1９。对印? 在画纸得反面拓印，再冲墨处理. ２1。拓团蘸色印 将纸团、蔗滓、麻绳、麻袋布、粗纹布料、木板纹、丝瓜瓤等肌理材料做成拓团，蘸了墨色直接拓印到画纸上。

从希施金浅谈写实风景油画的绘画技巧

湖南工业大学硕士研究生课程考试试卷 考试科目：书画研究（A 卷）课程编码： 考试形式：开卷（开/闭卷）考试时间：分钟 适用年级：一年级学年学期：2011-2012 学年第一学期考生学号：M11050403004考生姓名：侯鹏飞考生专业：美术学 考生注意事项：1、本试卷共页，试卷如有缺页或破损，请立即举手报告以便更换。 2、考试结束后，考生不得将试卷、答题纸和草稿纸带出考场。 ----------------------------------------------------------------------------------------------------------- 题目： 选取一个与“中外美术史”密切相关的论题，写一篇不少于3000字的学术论文。 要求： 1、符合学术论文写作的规范（包括标题、摘要、关键词、注释、参考文献等的写作规范） 2、要写出一定的新意。严禁抄袭。 3、请提交打印稿。

从希施金浅谈写实风景油画的绘画技巧 摘要：写实风景油画可以说是历经了整个油画的发展历史，虽然在照相机问世以后，众多画派画家对于写实风格的绘画存有偏见和争议，但它能仍然存在至今，并被广大绘画爱好者所钟爱，就一定有它不可替代的原因。 希施金的绘画原则是“临摹画不应当加上想象”。我是不是可以理解为希施金认为写实画作，应该充分尊重客观事实？答案显而易见，这也论证说明了写实油画的特点，客观性和真实性。希施金的风景油画作品构图饱满充实，仿佛是自然环境随意切割的一块，而未加任何修饰。但是这样的构图又是照相机不能比拟，也是不可取代的。从某种意义上讲，或许这正是艺术的灵魂所在。 那么希施金的风景油画艺术具有什么样的特点？他的写实风景油画中典型的创作素材有哪些？而这些素材又有怎样的绘画技巧？带着这些问题，接下来我将做详细的阐述。 关键词:希施金 绘画技巧 创作 油画 一、希施金风景油画的创作背景及其艺术特点 1.希施金风景油画的创作背景 伊凡·伊凡诺维奇·希施金（Ivan I. Shishkin ）（1832—1898）是十九世纪后半叶现实 主义风景画的奠基人之一,巡回展览协会的会员与 创始人。 希施金自幼就生活在丛林之中,对丛林怀有深 厚的情感,这也使他获得有关丛林的很多常识,从学 画起就立志画大丛林。在学习绘画期间，他的导师 也都一致支持他对俄罗斯大自然的创作兴趣，赞成 他在艺术上专以描绘森林、树木为己任的独立发展 道路的选择。 他为了描绘大自然的造化，不知疲倦的跋山涉 水，进出森林，写生作画。他一直没有停止对松树的描写，画了大量速写和习作。这期间，他对树木、野花、杂草的写生与精心研究，甚至达到了科学家般的程度。他以自己毕生的精力长期严肃地进行森林风景的创作，描绘俄罗斯北方大自然的宏伟壮丽。他笔下的森林已不是单纯的写生而是溶进了他对祖国壮丽山河的热爱，图1

浅谈形式美与艺术美(论文)

浅谈形式美与艺术美 爱美之心，人皆有之。自古以来，美在生活中扮演着不可缺少的角色。到了现代，人们更是将“美”变成了生活中重要的组成部分。是啊！既然“美”是在人类追求的精神享受，那么什么才是美呢？由于每个人所处的经济地位不同，自身文化修养的高低，还有各地风俗习惯的差异等，种种因素导致了每个人的审美观点不同。有的人喜欢那巍峨的高山，因为只有站在峰顶才会发出“会当凌绝顶，一览众山小”的感叹。有的人喜欢那波澜壮阔的大海，以内那惊涛拍岸，海天一色的景致会使人心旷神怡。还有的人喜欢色彩斑斓的夕阳晚景，因为看着那太阳从西边落下的时候，会让人不自觉的回忆起从前的时光。无论是高耸入云的山峰，波澜壮阔的大海，还是那色彩斑斓的夕阳。这都是源于人们在生活中的积累，才使我们逐渐的发现了美，进而产生了美学思想。直到近代最早使用美学这个术语作为一门学科名称的，是被称之为美学之父的德国理性主义者鲍姆嘉通（Baumg arten1714---1762).他是普鲁士哈列大学的哲学教授。他继承了莱布尼茨和沃尔夫等人的理性主义哲学思想并进一步加以系统化。美，需要基本的表现形式及法则才能将美的朱笔表达出来。像本文前面所提的山峰.大海和夕阳。就是形式美和艺术美的完美体现，才给人以无限的遐想。我认为形式美与艺术美的法则有以下几条： 形式美法则： 1.对比与统一 2.对称与均衡 3.比例与视觉重心 4.节奏与韵律 5.和谐与自然 艺术美法则： 1.意境与意象 2.美的灵魂及其原动力 先说形式美的法则： 1.对比与统一 对比与统一，顾名思义就是将两个反差极大的要素，成功的搭配在一起。虽然让人感觉对比鲜明强烈，却并不相互矛盾。 对比（对立） 例如，色调中的冷色调与暖色调的对比，生活中的大与小，长与短，高与矮。季节中的冬季与夏季，春季与秋季等。 统一（调和），就是将各种差异因素调和在一起，形成一个整体。 调和是在差异中趋向与“同”（一致），对比差异中倾向于“异”（对立）。调和是把两个相接近的东西并列。例如色彩中的红与橙.橙与黄.黄与绿.绿与蓝.蓝与青.青与紫.紫与红.都是临近的色彩。2 在现实生活中，将两种差异因素巧妙的结合在一起，会让人感觉鲜明.活跃.主题突出却不失整体。 例如，在音乐会里，一首乐曲的高音与低音，长声与短声的巧妙搭配会让听众发出“此曲只应天上有，人间哪有几回闻”的感叹。 唐代诗人陈陶写的《陇西行》

国画画法的口诀,太神奇了

国画画法的口诀，太神奇了 画前需定形, 先从树起跟! 勾出树枝干, 稍点树梢墨! 颜色要细调, 红绿要纯清! 染在树梢顶, 树头浓墨分! 松要摆大气, 枝干壮山魂! 近松叶要明, 远松稍点清! 叶用深绿染, 干要株黄清! 杂树枝要细, 点叶要分明! 不可太浓厚, 不要太稀匀! 山涧多树长, 层次要分明! 大小照远近, 浓淡要看形! 山石虽大气. 莫忘暗与明! 有光一方照, 此方须淡澄! 无光一方照, 明暗下笔沉! 画好一磅石, 远近多关心! 与树相连处, 层次要高明! 无光山顶树, 树下一片黑! 有光山顶树, 用色要沉稳! 落山脚处时, 染色几次分! 山脚可点树, 但要雾和云!

山脚不作树, 需要染纯清! 远山写云海墨色相染成! 近山有雾气, 只在山脚形! 高低多层次, 写云几次成! 浓墨下脚处, 浓淡要细明! 檫点明暗处, 用笔要细稳! 檫点一山成, 远近常关心! 山涧紧相连, 浓淡要辩清! 画半要细看, 似乎可以成! 若是不合意, 寻找顺势形! 该改侧大胆, 不改须细心! 画前须静想, 画时耐心稳! 多在墙面画, 才好看得正! 画好需回味, 多看否改进! 细看多难处, 记得下次稳, 此为画中意, 意境难悟成! 悟到深思处, 好画自然成! 民间美术色彩口诀（传统的色彩搭配原则）1．红靠黄，亮晃晃。2．要想精，加点青。3．青间紫，不如死。 4．红要红得鲜，绿要绿得娇，白要白得净。 5．青紫不并列，黄白不随肩。 6．红搭绿，一块玉。

7．红间黄，喜煞娘。 8．紫是骨头绿是筋，配上红黄色更新。 9．黄马紫鞍配，红马绿鞍配。 10．黄身紫花，绿眉红嘴，显得鲜明。 11．红离了绿不显，紫离了黄不显。 12．光有大红大绿不算好，黄能托色少不了。 13．艳不俗，淡相宜。 14．色多不繁，色少不散。 15．草绿披粉而和，藤黄加赭而老。 16．一幅画面好比造一间屋子，总要开几扇天窗，否则就感觉发闷。 17．紫多发恶红主新，黄色多了多主淡，绿色多了也不新，上样三色均可用，唯有紫少画真新。 18．断国孝，三蓝墨。 19．红红绿绿，图个吉利。 20．文相软，武相硬。 21．女红、妇黄、寡青、老褐。 22．头色不过四，身色勿过三。 山水皴法皱法是山水画独有的笔墨方法，可以说不懂皱法即不懂山水画，皱法是指运用不同的笔法皱擦出山石树木的皱折纹理，以表现山石树木的质感，皱法有几十种之多，比较有代表性的如下。书画用纸及画法的讲究书画用纸及画

美术作品赏析

美术作品赏析 《美术》期末考查作业 朦胧之美 ——莫奈的《日出?印象》 我第一次看到这幅画是在高中的美术课上，那时候老师就告诉我们这是一幅印象派的画作，给我们浏览了图片。现在在大学的美术课，我再一次看到这幅油画，跟以前一样我挺喜欢这种朦胧之美，所有的形象都是朦朦胧胧,没有写实的细节。 《日出?印象》是克劳德?莫奈所画的印象派的画作。在十九世纪下半叶,光学原理改变了画家对固有色的观念,由此他们开始在艺术上对光与色进行新的探索。其实在当时，人们还不接受“印象派”这一艺术流派，克劳德?莫奈的油画《日出?印象》曾遭到一位记者地嘲讽说:“这幅作品很粗糙，过于随便，它完全就是凭印象胡乱画出来的，还有其他人附和着说，这些画家统统都是“印象主义”。没想到，这些挖苦的话，反而成全了这批画家，“印象派”随之诞生。在十九世纪七八十年代，印象派达到了它的鼎盛时期，其影响遍及欧洲，并逐渐传播到世界各地，但它在法国取得了最为辉煌的艺术成就。十九世纪后半叶到二十世纪初，法国涌现出一大批印象派艺术大师，他们创作出大量至今仍令人耳熟能详的经典巨作。 《日出?印象》是莫奈于1873年在阿弗尔港口画的一幅写生画。它描绘的是透过薄雾观望阿佛尔港口日出的景象。据了解，克劳德?莫奈在同一地点还画了一幅《日落》,绘画描绘出晨雾中不清晰的背景，多种色彩赋予了水面无限的光辉，画出了水的流动感。整幅画作主要运用了水蓝色、淡蓝、红色、橙色和黑色。海水、天空、景物几乎采用了同一色系——蓝色，在轻松、无拘束的笔触中，交错渗透，浑然一体。日出时, 海上雾气迷朦, 水中反射着天空和太阳的颜色。岸上景色隐隐约约, 模模糊糊看不清, 给人这种瞬间的感受。在蓝色为主打的背景色下，淡淡的

当代油画的意象美解析

当代油画的意象美解析 意象油画色彩的运用大大地超越了自然表象，它融入了画家们对色彩的心理意志，具有很强的表现性，意象油画的色彩运用可随画面主题、意境、画家的情感的需要而打破具体的色彩限制。可见意象油画十分重视画面的笔墨、造型、色彩及章法等给观者在视觉上产生强烈的形式美感。 一、意象油画的民族情结 中国当代油画的意象性缘于中国传统文化哲学观念，最能体现“油画中国风”，由于受中国深厚的传统东方文化的影响，中国的油画家画出来的油画对于西方人来说仍然是具有东方神韵的，有着东方人自己的绘画思想和独特的审美喜好。中国当代意象油画的民族情结表现在对中国传统文化精神和民族审美心理的传承，意象油画表现了典型的东方意境，是中国独特的文化内涵对艺术家的影响，追求“物我为一”“心游神外”的精神超脱，这与中国传统绘画的写意性特征不谋而合。中国传统绘画讲究自然，在笔墨及用笔上强调“偶得”，中国文人绘画主张“大象无形”，给观者以更大的想象和思维空间来体现画家的情怀，同时还要更完整充分地表现出画面的气韵，达到“天人合一”的至高境界，中国当代写意油画吸收了传统的文人画的表现手法，使得作品更具“逸气”。林风眠先生主张“接受西洋艺术，结合中国艺术，融合中西艺术，创造时代性的艺术，把西方绘画艺术与中国传统水墨相融合。”这对中国油画向民族化发展产生了积极的推动作用。 中国艺术较之西方现代主义绘画的表达方式更显得委婉、含蓄，

使得中国画家有更大的表现自由，画家以有限的画面表达无限的空间，中国绘画不着意于物象造型的精确表现，而注重形象的意趣，以抒情达意为目的，中国绘画是表现性绘画，表现画家的感情与心境。如吴冠中的作品《忆杭州》，其画法明显来源于中国画“虚实”的画法，整幅画将西方材料技法和东方审美内涵完美的结合了起来，更将写意精神发挥的淋淋尽致。由此可见，中国当代油画意象性是中国意象美学观在油画中的体现，中国意象油画很好地传承了中国传统绘画的气质精髓，画面的“虚”与“实”交融互生，给观者更大的想象空间，也充分地表现出画面的气韵，体现了中国传统意象美学思想在中国当代油画创作中的应用。 二、西方现代油画对中国当代意象油画的启示 19世纪，西方现代主义绘画开始追求个性的解放，不再是像古典主义那样追求三度空间的造型体系，而是在绘画形式上更加注重主观情感的表达。由于东西方人的生理和文化心理的不同，因此，西方画家对绘画“意象性”的表现更加具有开放性和自由性，这是与西方画家与生俱来的在艺术创作中的情感流露和想象能力是分不开的。西方绘画的意象性更侧重于“情绪”，这与中国画侧重于“气韵”的表达有所区别，中西绘画的意象表达内涵虽属不同范畴，但可以相互借鉴吸收。那么西方现代绘画的“意象性”是怎样体现的呢？ 从印象主义对色彩的革命以来，西方艺术诸流派在绘画中加入了更多的主观成分，绘画基于“表现个性”，艺术家们纷纷表达对艺术的种种理解，如后印象派画家梵高强调主观情感并运用夸张手法表现出